Search

O oboé é um instrumento que, devido às suas especificidades, exige um controle psicofisiológico que limita as capacidades expressivas do músico intérprete durante a performance. Apesar de um relativo consenso na literatura do instrumento que sustenta essa afirmação, ainda são poucas as propostas que visam dar uma resposta ao problema aqui apresentado. Mirroir… L’autre c’est moi é um projeto de criação artística onde o autor propõe expandir os recursos expressivos na prática de música escrita para oboé com o auxílio de um ator mimo que constrói a sua performance com base na impressão subjetiva partilhada pelo oboísta, revelando assim uma dimensão do imaginário do mesmo que não está acessível ao público. Neste sentido, o presente documento de tese descreve o estudo técnico-artístico envolvido na elaboração de uma releitura em contexto de performance cénica das duas obras que compõem este projeto - Six metamorphoses para oboé solo escrita por Benjamin Britten e Rite de la Lune de Edward Salim Michaël – com base numa estratégia de comunicação gestual desenvolvida no âmbito do presente trabalho. Esta estratégia permite ao músico partilhar as suas impressões subjetivas com o ator mimo. A estratégia de comunicação gestual aqui descrita, bem como a criação artística final, são uma contribuição para a performance e estudo do oboé, uma vez que lançam bases para novas possibilidades performativas baseadas na articulação e colaboração com outras expressões artísticas onde a dicotomia corpo e subjetividade é também problematizada. The oboe is an instrument that, due to its specificities, requires a psychophysiological control that limits the expressive abilities of the performing musician during the performance. Despite a relative consensus in the literature on the instrument that supports this statement, there are still few proposals that aim to provide an answer to the problem presented here. Mirroir…L'autre c'est moi is an artistic creation project where the author proposes to expand the expressive resources in the practice of written music for the oboe with the help of a mime actor who builds his performance based on the subjective impression shared by the oboist, thus revealing a dimension of his imagination that is not accessible to the public. In this sense, this thesis document describes the technical-artistic study involved in the elaboration of a reinterpretation in the context of scenic performance of the two works that make up this project - Six metamorphoses for solo oboe written by Benjamin Britten and Rite de la Lune by Edward Salim Michaël – based on a gestural communication strategy developed within the scope of this work. This strategy allows the musician to share his subjective impressions with the mime actor. The gestural communication strategy described here, as well as the final artistic creation, are a contribution to the performance and study of the oboe, as they lay the foundation for new performative possibilities based on the articulation and collaboration with other artistic expressions where the body and subjectivity dichotomy is also problematized. Programa Doutoral em Música

[EN] This TFM presents the study, the rehearsal schedule and the DVD recording of Màscares (2017), a work for a symphonic band by the composer Voro García. The research project inherent to this TFM presents an artistic and performative modality, that is, on the one hand, it develops a written memory around the chosen work, while, on the other hand, it presents said recording. Màscares is included in the newly created music movement in which, as it develops in the work, we find the use of extended techniques applied to wind, string and percussion instruments, as well as the use of unusual instruments in the template. of a music band. Next, starting from the genetic idea of the work (the masks in the theater according to Lorca's surrealist vision), we delve directly into the musical gesture of the score, the assembly problems, the design, the rehearsal schedule and, finally, in the filming of the composition. The result of all this is the verification of the need to encourage and support the development of new repertoires and to work on sound associations far removed from the usual ones in music bands. As a summary, the need for newly created music aimed at music bands is recognized, thanks to which, and in our opinion, these musical groups can reach the highest levels of interpretation and expression., [CA] Aquest TFM presenta l'estudi, el cronograma d'assajos i l'enregistrament en DVD de Màscares (2017), obra per a banda simfònica del compositor Voro García. El projecte de recerca inherent a aquest TFM presenta una modalitat artística i performativa, és a dir, per una banda desenvolupa una memòria escrita al voltant de l'obra escollida, mentre que, per altra banda, presenta aquest enregistrament. Màscares està englobada en el moviment de música de nova creació en què, com es desenvolupa a la feina, trobem la utilització de tècniques esteses aplicades als instruments de vent, corda i percussió, així com la utilització d'instruments no usuals a la plantilla duna banda de música. Seguidament, a partir de la idea genètica de l'obra (les màscares al teatre segons la visió surrealista de Llorca), ens endinsem de manera directa en el gest musical de la partitura, les problemàtiques de muntatge, el disseny, el cronograma d'assajos i, finalment, a la filmació de la composició., [ES] Este TFM presenta el estudio, el cronograma de ensayos y la grabación en DVD de Màscares (2017), obra para banda sinfónica del compositor Voro García. El proyecto de investigación inherente a este TFM presenta una modalidad artística y performativa, es decir, por un lado desarrolla una memoria escrita en torno a la obra escogida, mientras que, por otro lado, presenta dicha grabación. Màscares está englobada en el movimiento de música de nueva creación en la que, como se desarrolla en el trabajo, encontramos la utilización de técnicas extendidas aplicadas a los instrumentos de viento, cuerda y percusión, así como la utilización de instrumentos no usuales en la plantilla de una banda de música. Seguidamente, a partir de la idea genética de la obra (las máscaras en el teatro según la visión surrealista de Lorca), nos adentramos de forma directa en el gesto musical de la partitura, las problemáticas de montaje, el diseño, el cronograma de ensayos y, finalmente, en la filmación de la composición. Resultado de todo ello es la constatación de la necesidad de alentar y apoyar el desarrollo de repertorios nuevos y de trabajar en asociaciones sonoras alejadas de las habituales en las bandas de música. Como recapitulación, se reconoce la necesidad de la música de nueva creación dirigida a las bandas de música, gracias a la cual, y en nuestra opinión, estas agrupaciones musicales pueden llegar a los más elevados ámbitos de interpretación y expresión.

[ES] El propósito fundamental perseguido en esta tesis es el de establecer las relaciones entre el movimiento y la interpretación. Se ofrece una perspectiva global del fenómeno, a partir de la concepción holístico-kinética personal centrada en el repertorio actual para percusión. Las decisiones teórico-interpretativas son fruto de la reflexión y la continua praxis artística y docente realizada a lo largo de los años. Por una parte, a través de recitales tanto como solista como en diferentes proyectos relacionados con la creación, interpretación y difusión del arte de la percusión y por otra, en el desempeño de la función docente como especialista en distintos ámbitos y niveles. Se establecen las bases conceptuales necesarias para extrapolar unos principios comunes a los diferentes instrumentos o conjuntos de instrumentos a través de la interpretación del gran repertorio contemporáneo. El trabajo de investigación se lleva a cabo a partir del análisis, grabación, entrevistas a grandes intérpretes, estudios y trabajos similares en otros campos asociados por su empleo del movimiento como medio de expresión. La tesis cristaliza en diferentes resultados y conceptos teórico-prácticos que se ven reflejados en la edición de una partitura, la definición de unos principios generales interpretativos y la grabación en distintos formatos de las diferentes piezas que conforman el corpus principal de estudio. Los registros audiovisuales se agrupan en dos bloques: la edición de un CD de audio con 5 piezas del repertorio contemporáneo para percusión y clarinete bajo, y la grabación de las tres piezas fundamentales de la tesis en formato de video de alta calidad de acceso libre en la red., [CA] El propòsit fonamental perseguit en aquesta tesi és el d'establir les relacions entre el moviment i la interpretació. S'ofereix una perspectiva global del fenomen, a partir de la concepció holístic-cinètica personal centrada en el repertori actual per percussió. Les decisions teòric-interpretatives són fruit de la reflexió i la contínua praxi artística i docent realitzada al llarg dels anys. D'una banda, a través de recitals tant com a solista com en diferents projectes relacionats amb la creació, interpretació i difusió de l'art de la percussió i per una altra, en l'exercici de la funció docent com a especialista en diferents àmbits i nivells. S'estableixen les bases conceptuals necessàries per extrapolar uns principis comuns als diferents instruments o conjunts d'instruments a través de la interpretació del gran repertori contemporani. El treball de recerca es porta a terme a partir de l'anàlisi, gravació, entrevistes a grans intèrprets, estudis i treballs similars en altres camps associats que empren el moviment com a mitjà d'expressió. La tesi cristal·litza en diferents resultats i conceptes teoricopràctics que es veuen reflectits en l'edició d'una partitura, la definició d'uns principis generals interpretatius i l'enregistrament en diferents formats de les diferents peces que conformen el corpus principal d'estudi. Els registres audiovisuals s'agrupen en dos blocs: l'edició d'un CD d'àudio amb 5 peces del repertori contemporani per a percussió i clarinet baix, i l'enregistrament de les tres peces fonamentals de la tesi en format de vídeo d'alta qualitat d'accés lliure a la xarxa., [EN] The fundamental purpose pursued in this thesis is to establish the relationships between movement and interpretation. A global perspective of the phenomenon is offered, starting from the personal holistic-kinetic conception centered on the current repertoire for percussion. Theoretical-interpretative decisions are the result of reflection and continuous artistic and teaching practice carried out over the years. On the one hand, through recitals both as a soloist and in different projects related to the creation, interpretation and dissemination of the art of percussion and, on the other, in the performance of the teaching function as a specialist in different fields and levels. The necessary conceptual bases are established to extrapolate some common principles to the different instruments or sets of instruments through the interpretation of the great contemporary repertoire. The research work is carried out from the analysis, recording, interviews with great interpreters, studies and similar works in other fields associated with their use of movement as a means of expression. The thesis crystallizes in different results and theoretical-practical concepts that are reflected in the edition of a score, the definition of general interpretive principles and the recording in different formats of the different pieces that make up the main corpus of study. The audiovisual records are grouped into two blocks: the edition of an audio CD with 5 pieces of the contemporary repertoire for percussion and bass clarinet, and the recording of the three fundamental pieces of the thesis in free access high-quality video format in network.

Orientador: José Augusto Mannis Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A proposta deste estudo cujo foco é a obra Arcos sonoros da catedral Anton Bruckner ¿ meditação sinfônica (1996) do compositor Almeida Prado é apresentar uma reflexão norteada por três tipos de análises: a estrutural, onde materiais e técnicas composicionais são investigados; a semiótica, que trata da compreensão e interpretação de significados expressivos presentes no texto musical e a comparativa, com a função de identificar semelhanças e aproximações entre esta obra de Almeida Prado e as sinfonias de Bruckner. Após breves exposições sobre Almeida Prado e sobre a obra sinfônica de Bruckner, bem como a apresentação da fundamentação teórica, o estudo se centraliza nos gestos empregados por Almeida Prado ao longo da peça. Na medida em que as análises vão sendo efetuadas, a integração das três vertentes analíticas é constantemente buscada, na intenção de que os resultados alcançados possam proporcionar uma visão o mais integral possível de cada gesto presente. A edição digitalizada da obra, baseada no manuscrito de Almeida Prado e a composição de uma obra com base neste estudo fazem parte do trabalho Abstract: The purpose of this research on Arcos Sonoros da Catedral Anton Bruckner - meditação sinfônica (1996) by the composer Almeida Prado is to present a reflection that is guided by three types of analysis: ¿ Structural: investigating materials and compositional techniques. ¿ Semiotic: understanding and interpreting expressive meanings present in the musical text. ¿ Comparative analysis: identifying similarities and approaches between this work of Almeida Prado and Bruckner symphonies. After a brief presentation about Almeida Prado and Bruckner¿s symphonies, as well as a review of the related literature, the research focuses on the gestures used by Almeida Prado throughout the work. The integration of the three analytical lines is constantly done so that the achieved results may provide wide view of each gesture present in the piece. Attached to this research are the digitalized edition of Almeida Prado¿s Arcos Sonoros, based on his manuscript and the composition of a work based on this study Mestrado Processos Criativos Mestre em Música

La música está dentro del plano de las emociones, pero no en el mismo de la tristeza, la alegría, el miedo, la ira, o la sorpresa, que se desencadenan ante hechos y estímulos específicos, relevantes, e inesperados; en oposición a eso la música no sería un estímulo natural, carece del factor sorpresa y de una respuesta conductual adaptativa (Díaz, 2010:544). Sin embargo, independientemente del origen o proceso, las emociones que devienen del estímulo musical se manifiestan mediante la gestualidad y se transmiten por el sonido, por lo que: “[…] es probable que la estructura espaciotemporal de los movimientos corporales acoplados a la música provea de significaciones que serían importantes para comprender su semántica, lo cual es motivo de indagaciones particulares” (Díaz, 2010:544).En el presente estudio la gestualidad musical está íntimamente ligada a la ergonomía de la guitarra eléctrica, por lo que es necesario diferenciarla de la guitarra acústica para efectos de poder analizar y demostrar que las exigencias técnicas y gestuales son muy diferentes entre ellas, aunado a fuertes cargas culturales que les atribuye diferentes ‘identidades’ musicales, no solo por la forma y estructura de su música, sino también por la estética de su gestualidad musical. En el caso de la guitarra eléctrica, su sonido, gestualidad y técnica se desarrolla de la ‘mano’ con el rock y sus vertientes; su sonido evoca a Chuck Berry, Jimi Hendrix, Angus Young, Stevie Ray Voughan, Yngwie Malmsteen, Ritchie Blackmore, Michael Romeo, y varios más; sin embargo siendo tan diferente su tecnología, técnica, sonido, forma, estética (imagen) y gesto musical, respecto a los intérpretes de la guitarra acústica; a todos se les llama ‘guitarristas’. Lo que sin duda representa un grave error de sintaxis respecto a la semántica musical de la palabra, un problema que al parecer ha pasado desapercibido por al menos cincuenta años, por lo que el presente trabajo busca abordar el problema planteado y ofrecer una propuesta como alternativa, donde a pesar de que el fin principal es provocar la reflexión, existe la posibilidad de dar un fin utilitario dentro de la semántica musical. Music is within the plane of emotions, but not in the same of sadness, joy, fear, anger, or surprise, which are triggered by specific, relevant, and unexpected facts and stimuli; in opposition to that, music would not be a natural stimulus, it lacks the surprise factor and an adaptive behavioral response (Díaz, 2010: 544). However, regardless of the origin or process, the emotions that come from the musical stimulus are manifested through gestures and are transmitted by sound, so that: “[...] it is likely that the spacetime structure of body movements coupled to music provide meaning that would be important to understand its semantics, which is a reason for particular inquiries ”(Díaz, 2010: 544). In this study, musical gestures are intimately linked to the ergonomics of the electric guitar, so it is necessary to diffe-rentiate it from the acoustic guitar in order to analyze and demonstrate that the technical and gestural requirements are very different between them, coupled with strong cultural burdens attributed to them by different musical ‘identi-ties’, not only because of the shape and structure of their music, but also because of the aesthetics of their musical gestures. In the case of the electric guitar, its sound, gestures and techniques are developed hand in hand with rock and its slopes; its sound evokes Chuck Berry, Jimi Hendrix, Angus Young, Stevie Ray Voughan, Yngwie Malmsteen, Ritchie Blackmore, Michael Romeo, and several more; however, its technology, technique, sound, shape, aesthetics (image) and musical gesture being so different from the acoustic guitar performers; Everyone is called ‘guitarists’. What undoubtedly represents a serious syntax error regarding the musical semantics of the word, a problem that seems to have gone unnoticed for at least fifty years, so the present work seeks to approach this problem and offer a proposal as an alternative , where although the main purpose is to provoke reflection, there is the possibility of giving a utilitarian end within the musical semantics.

Esta pesquisa apresenta uma reflexão por parte do autor acerca do conceito de gesto musical e sua aplicação em seus diversos aspectos como elemento expressivo de importância vital na construção da performance a partir do estudo e performance da peça Inner World, de Carl Vine, para violoncelo e sons eletrônicos. Essa reflexão é fundamentada em uma análise de elementos composicionais e indicações marcadas na partitura; além de uma série de experiências de performance realizadas para diferentes públicos, que serviram de laboratório para a aplicação dos conceitos. Apesar do foco ser a performance, este trabalho não se limita a abordar o gesto musical apenas no âmbito de movimentos corporais do intérprete, mas também no campo da composição e análise com fins interpretativos. This research presents thoughts of its author on the concept of musical gesture and its application in many aspects as an important element for bulding a performance after the study and performance of the piece “Inner World”, by Carl Vine, for cello and eletronic sounds. Then, there is a gestural analysis that considers compositional elements and others indications presented on the score, besides a series of performances that served to aply the concepts. Despite being on the field of performance, this article is not limited to approach the musical gesture on the range of body movements of the interpreter during the performance, but also in the perspective of composition and analises with interpretatives aims.

Este Artigo trata da aplicação dos princípios da Musique Saturée, na obra Sá- tura. A princípio expõe do que se trata esta abordagem compositiva, bem como quais são seus paradigmas. Discute conceitos como gesto musical saturado, controle e perda de controle e macro-escritura. Em seguida apresenta estes conceitos aplicados a obra em questão.

Este estudo tem como objetivo delinear questões que ainda vêm desafiando a pesquisa acadêmica em performance musical, sobretudo as relacionadas ao gesto do performer e às condições gestuais que determinam a performance do repertório acadêmico contemporâneo para piano. Ao se falar em execução instrumental, a maneira de fazê-la, ou seja, o modo de interpretar, de tocar e de planejar a performance mostra-se relevante. O desenvolvimento consciente da sequência de gestos que constituirá a performance instrumental determina, de modo significativo, a construção interpretativa. Isto ocorre porque a imaginação sonora conduz o intérprete à escolha dos movimentos que produzirão os diferenciados sons intencionados, assim como os movimentos gestuais implicarão configurações sonoras imaginadas. Esta questão aflora ao se abordar a interpretação da música contemporânea, a qual contém um repertório vasto, crescente e apresenta tendências diversas. Por se tratar de uma prática interpretativa em construção, não cristalizada em modelos estéticos consagrados, ela demanda do performer decisões interpretativas não previstas no modelo pedagógico que o formou. Assim sendo, os desafios postos pelo repertório contemporâneo, que avivam o processo de aquisição de competências interpretativas, enfatizados nesta pesquisa, contribuem sobremaneira para a pedagogia da performance musical, implicando aportes para o reconhecimento do gesto musical dentro de uma rede de elementos de interações não convencionais que estruturem a produção do próprio gesto musical. A familiaridade, a vivência e o conhecimento adquiridos pelo performer acerca do potencial expressivo e das tendências estilísticas, contidas no texto da obra, determinam seu entendimento musical e, consequentemente, a qualidade da execução instrumental. O referencial teórico respalda-se nas considerações e nos preceitos de George Kochevitsky (1967), Leonard Meyer (1989), Robert Hatten (2004), Marc Leman (2008), entre outros., Este estudio tiene como objetivo delinear cuestiones que aún vienen desafiando la investigación académica en performance musical, sobre todo lo relacionado com el gesto del ejecutante y las condiciones gestuales que determinan la performance del repertorio académico contemporáneo para piano. Al hablar en ejecución instrumental, la manera de hacerlo, es decir, el modo de interpretar, de tocar y de planificar la performance, se muestra relevante. El desarrollo consciente de la secuencia de gestos que constituirá el desempeño instrumental determina, de modo significativo, la construcción interpretativa. Esto ocurre porque la imaginación sonora conduce al intérprete a la elección de los movimientos que producirán los diferentes sonidos intencionados, así como los movimientos gestuales implicarán configuraciones sonoras imaginadas. Esta cuestión aflora al abordar la interpretación de la música contemporánea, la cual contiene un repertorio vasto, creciente y presenta tendencias diversas. Por tratarse de una práctica interpretativa en construcción, no cristalizada en modelos estéticos consagrados, demanda del ejecutante decisiones interpretativas no previstas en el modelo pedagógico que lo formó. Por lo tanto, los desafíos planteados por el repertorio contemporáneo, que avivan el proceso de adquisición de competencias interpretativas, enfatizadas en esta investigación, contribuyen sobremanera a la pedagogía de la performance musical, implicando aportes para el reconocimiento del gesto musical dentro de una red de elementos de interacciones no convencionales que estructuren la producción del propio gesto musical. La familiaridad, la vivencia y el conocimiento adquiridos por el ejecutante acerca del potencial expresivo y de las tendencias estilísticas contenidas en el texto de la obra, determinan su entendimiento musical y, consecuentemente, la calidad de la ejecución instrumental. El referencial teórico se respalda en las consideraciones y en los preceptos de George Kochevitsky (1967), Leonard Meyer (1989), Robert Hatten (2004), Marc Leman (2008), entre otros., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

Esta dissertação consiste de um memorial do processo de construção da performance das Seis Danças Romenas de Béla Bártok por uma perspectiva da cognição corporificada. Fundamentada na proposição de objetos sônico-gestuais coarticulados de Godøy (2006; 2011) e na abordagem gestual de Pierce (2007) esta pesquisa investigou através da prática artística como gesto e som modelam-se mutuamente e de que maneira esse processo contínuo influencia a concepção da obra e as relações entre performer, música e instrumento. Considerando que as vivências do corpo não se limitam à prática pianística, foram trazidas perspectivas de experiências externas que contribuíram para a consciência corporal e que proporcionaram insights relevantes para a condução do processo artístico. A abordagem metodológica reúne a Pesquisa Artística e a Autoetnografia no que concerne desvelar o conhecimento corporificado inerente a um processo de criação artística através da narrativa pessoal. A documentação do processo compreendeu: 1) anotações em um diário das vivências, aulas de piano e sessões de estudo; 2) gravações de vídeo de sessões de estudo; 3) gravações de performances ao longo do processo; 4) comparação entre a gravação final da performance da obra e a primeira gravação realizada em momento anterior à pesquisa. Estes registros foram examinados com o propósito de compreender o processo artístico de uma perspectiva de corpo e música em constante estado de devir, identificando os momentos de insights mais significativos, e mapeando os recursos criativos elaborados pela performer ao longo do processo. As reflexões da performer acerca do processo conduziram a um reconhecimento de si mesma como sujeito corporificado, a perceber a música como fenômeno essencialmente corporal, e a transformações na concepção da obra. O processo artístico centrado no corpo acarretou mudanças significativas na interação da performer com o instrumento, o desenvolvimento de um maior repertório gestual, um incremento dos recursos expressivos, e o refinamento da percepção auditiva, promovendo o desenvolvimento da criatividade e da autonomia artística, bem como da maturidade emocional. This dissertation is the performer’s account of the process of constructing a performance of Béla Bártok’s Romanian Folk Dances from the perspective of embodied cognition. Based on Godøy’s proposition of gestural-sonic coarticulation (2006; 2011), and Alexandra Pierce’s gestural approach to piano performance (2007), this research investigated how gesture and sound shape one another, and how this continuous process affects the conception of the work and the relations between performer, music and instrument. Considering that lived experience exceeds piano practice, perspectives from extra-musical activities were considered due to their contribution towards promoting bodily awareness and insights that were relevant to the artistic process. The methodological approach draws from Artistic Research and Autoethnography in regard to uncovering embodied knowledge ingrained in the process of artistic creation through personal narrative. The documentation of the process comprised: 1) a journal describing practice sessions, piano lessons and extra-musical experiences; 2) video recordings of practice sessions; 3) video recordings of performances along the process; 4) a comparison between the final performance and the first recording of the piece made prior to the present research. These records were examined with the purpose of comprehending the artistic process from the perspective of body and music in a constant state of becoming, identifying the most meaningful moments of insight, and mapping creative resources devised by the performer during the artistic process. The performer’s reflections upon the process lead to recognizing oneself as an embodied subject, to perceiving music as an essentially corporeal phenomenon, and to transformations in the conception of the musical work. The artistic process centered on the performer’s body promoted significant changes in the performer’s interaction with the instrument, the development of a broader gestural repertoire, an increment in expressive resources, and the refinement of aural perception, fostering the growth of creativity and artistic autonomy, as well as emotional maturation.

[ES] Pretendo con este trabajo mostrar cómo el gesto musical es el nexo que une el mundo del creador, del intérprete y del oyente en los Játékok de Kurtág y específicamente los que están escritos para piano a cuatro manos. Para ello me acercaré en primer lugar al concepto de gesto musical de modo que desde ese acercamiento se haga evidente su función como punto de encuentro de los tres pilares del fenómeno musical arriba mencionados. Por otro lado mostraré la relación del gesto con la libertad en la interpretación y con el ludismo que es una de las premisas principales en la génesis de los Játékok. Por último y con un planteamiento más autoetnográfico me adentraré en las obras más significativas para piano a 4 manos dentro de la colección de los Játékok de Kurtág para mostrar de qué modo se filtran las ideas anteriormente expuestas en mi propia experiencia como intérprete.

O presente artigo é o resultado de uma combinação da prática interpretativa, estudo bibliográfico sobre gesto musical, análise de obras interpretadas e relato da minha experiência como intérprete. Faz-se aqui um estudo acerca do gesto na performance musical e seu possível potencial de otimizar a comunicação interpretativa entre intérprete e púbico. Para tanto, foram utilizadas três obras para trombone do compositor Estércio Marquez Cunha. Com respaldo em pesquisas bibliográficas e em meu relato de experiência na preparação e interpretação das obras, esta pesquisa descreve a relação entre o gesto musical e a performance. A partir das análises interpretativas, foram encontrados vários momentos em que o gesto musical, juntamente com o movimento corporal, tendem a influenciar na expressividade do intérprete, interferindo, assim, diretamente no ato da performance. This article is result from combination of interpretive practice, bibliographic study into musical gesture, analysis of the interpreted musical works, and reporting my experience as interpreter. Is made here a gesture study in musical performance and its possible potential to optimize the interpretative communication between performer and pubic. For this, we used three music pieces for trombone by composer Estércio Marquez Cunha. Backed in bibliographical searches as well as in my experience report into the preparation and interpretation of the musical works, this research describes the relationship between performance and musical gesture. From the interpretative analysis, it was found multiple instances in which musical gesture, coupled with body movement, likely to influence the interpreter expressiveness, interfering therefore directly at the moment of performance.

Este trabajo de tesis sobre la composición sinfónica de “La Pequeña Suite “ de Adolfo Mejía, aborda el análisis de la obra y su contexto, para dar a conocer aspectos relevantes de la misma. La investigación gira al rededor de las vivencias musicales del compositor en el campo de lo popular y lo académico, llegando a comprender la importancia de su vivencia popular plasmada al interior de la obra ,a través de los conocimientos adquiridos en la academia como el manejo del lenguaje impresionista que utilizó. Así se puede constatar que para el manejo de un lenguaje nacionalista concreto, se deben abordar las músicas regionales, ya que tienen códigos y patrones específicos. Abstract. This thesis on the symphonic composition "Little Suite" by Adolfo Mejia, deals with the analysis of the work and its context, resenting relevant aspects of it. The research revolves around the composer’s experience in the field of popular and academic music coming to understand the importance of their experience embodied within the work, through the knowledge acquired in the academy such as the management impressionist language he used. So we can see that for handling a particular nationalistic language, one should address the regional music, since they have specific codes and standards. Maestría

Este trabalho apresenta um estudo analítico dos elementos melódicos e gestuais presentes em Notas Soltas (1978) para flauta transversal solo e Notas Irresponsáveis (1986/87) para trio de flautas transversais de Bruno Kiefer. O livro Introduction to Post-Tonal Theory de Joseph Straus é utilizado como referencial teórico para a abordagem melódica. Buscamos identificar quais são os padrões de escrita empregados pelo compositor e procurar relações entre as duas peças. Utilizamos o catálogo de Gestos Musicais apresentados por Luciane Cardassi em A música de Bruno Kiefer : "terra", "vento", "horizonte" e a poesia de Carlos Nejar. Através dos resultados dessas análises, procuramos entender como se dá a escrita idiomática do compositor, bem como encontrar traços em comum entre repertório escolhido para essa pesquisa e obras de Kiefer investigadas por outros autores. The purpose of this work is to present an analytical study of the melodic elements and gestures in Bruno Kiefer’s pieces entitled Notas Soltas (1978) for solo flute and Notas Irresponsáveis (1986/87) for flute trio. The theoretical framework for the melodic approach is based on Joseph Straus’ Introduction to Post-Tonal Theory. The aim has been to identify the musical patterns employed by the composer and their relationship in both works. The catalogue of Musical Gestures compiled by Luciane Cardassi in A música de Bruno Kiefer: "terra", "vento", "horizonte" e a poesia de Carlos Nejar was also used. Through the analyses of these two works it was possible to understand the idiomatic character of Kiefer’s style, while finding common traces in other works by the same composer.

O objetivo deste trabalho é refletir sobre a gestualidade místico-sonora na obra Abyssus Ascendens ad Aeternum Splendorem do compositor português João Pedro Oliveira (1959). Partimos do pressuposto que a obra, inspirada na percepção do compositor da trajetória alma-vida-eternidade, constitui-se como mimesis sonora de tal trajetória. Como interlocutor, recorremos ao trabalho de Mário Vieira de Carvalho (2005) sobre a teoria da interpretação de T. Adorno. The objective of this paper is to discuss the mystical and gestural ideas in the work Abyssus Ascendens ad Aeternum Splendorem by the Portuguese composer João Pedro Oliveira (1959). We assume that this work, inspired by the composer's perception of the soul-life-eternity trajectory, is constituted as a sound mimesis of this trajectory. As a theoretical basis for our analysis, we resorted to the discussion of the theory of interpretation by T. Adorno done by Mário Vieira de Carvalho (2005).