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Enrique Díez-Canedo fue una figura emblemática del contexto cultural de la Edad de Plata. Si bien se quedó siempre en segundo plano respecto a los grandes éxitos de la época, tuvo un papel clave en diferentes dinámicas que caracterizaron el panorama literario de las primeras décadas del siglo XX a partir de las múltiples profesiones que desempeñó: poeta, crítico literario, traductor, docente. A lo largo de toda su vida ejerció una gran labor como traductor, que supera incluso la producción poética por volumen, y hasta en época reciente se siguieron publicando algunas de sus traducciones, cuyo valor y vigencia son indudables. Desde hace dos decenios, su faceta como traductor ha empezado a ser objeto de estudio y se ha investigado especialmente el rol de la lengua francesa e inglesa, y sus respectivas literaturas. El presente trabajo persigue arrojar luz sobre las traducciones del italiano realizadas por Díez-Canedo dado que no existen estudios sistemáticos que aclaren el estrecho contacto del autor con este idioma. Se presentará un corpus constituido por cuarenta y cuatro poetas y sesenta y seis traducciones poéticas que abarcan ocho siglos de la literatura italiana. La investigación se llevó a cabo con el aporte indispensable de la prensa y las revistas digitalizadas de la Edad de Plata que ahora están al alcance de todos gracias a algunas importantes hemerotecas digitales de España. El objetivo es brindar una descripción analítica del corpus que destacará el papel de Díez-Canedo como difusor de la poesía italiana en España, y una contextualización historiográfica para explicar los criterios que le inspiraron en la selección de autores y textos a lo largo de su actividad. En esta fase y antes de realizar un análisis completo de esta porción tan importante de la obra del escritor, me limito a ofrecer, en la última parte del artículo, unas observaciones sobre su manera de proceder en la traducción de tres breves textos que forman parte del corpus individualizado., Enrique Díez-Canedo was an emblematic figure of the Silver Age cultural context in Spain. Although he remained obscured by the greatest successes of the age, he played a key role in different mechanisms which characterised the literary context in the first decades of the XX century by carrying out several professions: poet, literary critic, translator, professor. He dedicated himself to translation during his entire life realising a larger number of translations compared to his poems. Even in recent times some of his translations have been published because of the indubitable significance and validity. The studies of Enrique Díez-Canedo as translator have started in the last two decades, especially research has been focused on the importance of French and English languages and literatures in his translation work. The present article is aimed at shedding light on Díez-Canedo’s translations from Italian language since there are no systematic studies which clarify the connection between the author and the Italian language and literature. The object of study will be a corpus composed of forty-four Italian poets and sixty-six translations of poems covering eight centuries of Italian literature. The essay was carried out with the indispensable contribution of press and digitised journals of Silver Age that nowadays are accessible to all users thanks to important Spanish digital newspaper archives. The aim is to provide an analytic description of the corpus which highlights the important play of Díez-Canedo in the circulation of Italian poetry in Spain, and a historiographic contextualisation in order to explain the criteria that inspired him in the selection of authors and texts throughout his activity. Pending a complete analysis of this important part of the writer’s oeuvre, I will limit myself to offering, in the last part of the article, a few observations on his way of proceeding in the translation of three short texts that form part of the corpus identified.

Partiendo de los evocadores versos de Gil de Biedma, en el presente artículo se aborda el tema de la recepción de la poesía hispánica en Italia, analizando las dinámicas de su difusión en nuestro país a partir de los años ochenta y hasta hoy, a través de las páginas de la popular revista mensual Poesia (del editor Nicola Crocetti), publicación periódica que desde 1988 sigue divulgando la escritura poética y difundiendo las voces del panorama literario mundial entre los lectores italianos. El objetivo es ofrecer una primera catalogación de los textos y las referencias a la poesía de ámbito hispánico (sobre todo español) incluidos en el conocido periódico italiano, a fin de esbozar una reflexión sobre la tipología de autores y textos seleccionados y su recepción. En las páginas de Poesia, el lector italiano puede leer traducciones y versiones originales de escritores españoles de diferentes épocas y estilos: así, al lado de autores clásicos como Góngora (traducido por importantes poetas italianos contemporáneos) o San Juan de la Cruz, encontramos a los más relevantes escritores de las generaciones del 27 y del 50, así como textos poéticos de la literatura española más actual., Taking Gil de Biedma’s evocative verses as a starting point, we would like to tackle the subject of the reception of Hispanic poetry in Italy, analysing the dynamics of its dissemination in our country from the 1980s to the present day, through the pages of the popular monthly magazine Poesia (by the publisher Nicola Crocetti), which since 1988 has continued to disseminate poetic writing and to spread the voices of the world literary scene among Italian readers. The aim is to offer an initial cataloguing of the texts and references to poetry from the Spanish-speaking world (especially Spanish) included in the well-known Italian periodical, attempting to outline a reflection on the typology of the authors and texts selected and their reception. In the pages of Poesia, the Italian reader can read translations and original versions of Spanish writers from different periods and styles: thus, alongside classic authors such as Góngora (translated by important contemporary Italian poets) or San Juan de la Cruz, we find the most relevant writers of the generations of ‘27 and ‘50, as well as poetic texts of the most current Spanish literature.

This artistic proposal is oriented towards the understanding of the nautical metaphor and its connection with coloniality through visual art and its close relationship with poetry. In order to identify, question and confront the exercises of colonial power based on the interpretation of the essay "Shipwreck with Spectator" (1979) by Hans Blumenberg, examining the correlation proposed by the author between shipwreck and prosperity, formulating a parallelism between maritime travels and coloniality, in order to understand them as violent conversions towards new identities, sinking and non-absent pasts that become the colonial-capitalist system. To this end, a methodology is proposed that uses the remains of this shipwreck, abandoning the sense of individuality in artistic endeavors and interpellating the spectators to turn them into agents of the sinking of coloniality, implying their emancipation and the revelation of poetic exercises as agents of resistance.

This artistic proposal is oriented towards the understanding of the nautical metaphor and its connection with coloniality through visual art and its close relationship with poetry. In order to identify, question and confront the exercises of colonial power based on the interpretation of the essay "Shipwreck with Spectator" (1979) by Hans Blumenberg, examining the correlation proposed by the author between shipwreck and prosperity, formulating a parallelism between maritime travels and coloniality, in order to understand them as violent conversions towards new identities, sinking and non-absent pasts that become the colonial-capitalist system. To this end, a methodology is proposed that uses the remains of this shipwreck, abandoning the sense of individuality in artistic endeavors and interpellating the spectators to turn them into agents of the sinking of coloniality, implying their emancipation and the revelation of poetic exercises as agents of resistance.

The expulsion of the poets from the ideal city, a policy elaborated in Plato’s Republic, is one of the most commented episodes in the history of philosophy, so there seems to be little room for novelty on the subject. Yet, in this article I will highlight an issue unattended by the available scholarship: there is an intimate relationship between poetry and oligarchy, between imitators and the regime of government that occupies the center of the scale ranging from the best to the worst. Between the poets characterized by Plato and the oligarchs, I will propose that the difference is only a matter of degree, not of nature, in the same sense that the philosopher establishes the difference between a master and a king, both equally rulers. To this end, I will examine the treatment of the figures of the supplicant, the imitator, the oligarch, and Odysseus (as a character who synthesizes them), to address the common aspects that make their reunion possible. This will lead us to some conclusions about the conflict between Plato and anonymity., La expulsión de los poetas fuera de la ciudad ideal, política elaborada en la República de Platón, es uno de los episodios más comentados en la historia de la filosofía, de modo que no parece haber lugar a novedades sobre el tema. No obstante, en este artículo me dedicaré a un aspecto que parece desatendido por los comentaristas del texto: hay una relación íntima entre la poesía y la oligarquía, entre los imitadores y el régimen de gobierno que ocupa el centro de la escala que va de los mejores a los peores. Entre los poetas caracterizados por Platón y los oligarcas, propondré, la diferencia es únicamente de grado, no de naturaleza, en el mismo sentido en que el filósofo establece la diferencia entre un amo y un rey, ambos por igual gobernantes. A tal fin me detendré en el tratamiento de las figuras del suplicante, el imitador, el oligarca y Odiseo (como personaje que las sintetiza), para atender a los aspectos comunes que hacen posible su reunión. Esto nos llevará a algunas conclusiones sobre el conflicto entre Platón y el anonimato.

Riflessione sulla necessità della traduzione poetica a dispetto delle sue intrinseche contraddizioni. Individuazione di un criterio strutturale sotteso alla scelta di Gilberto Sacerdoti.

A Canigó, un llarg poema dedicat al naixement de la Catalunya cristiana, hi detectem dues propostes diferents sobre com hauria de ser la poesia. En primer lloc, el «Cant de Gentil», cantat per l’heroi just abans de morir, assassinat pel seu oncle Guifre, comte de Cerdanya. Gentil abandona el seu lloc com a capità del castell de Rià seguint els propis desitjos. De fet, deserta per tal d’obtenir l’amor de la humil pastora Griselda, i és enganyat per Flordeneu, la reina de les fades de Canigó, que n’adopta la identitat. A mesura que Gentil penetra en el reialme de les fades, perd els seus atributs com a cavaller, que són aleshores substituïts per nous atributs vinculats a la poesia. És així que declama el «Cant», expressió del seu profund desig de coneixement i d’absolut. La magnitud del desig en fa impossible l’assoliment, i el «Cant de Gentil» es clou entre llàgrimes. L’actitud egoista del jove cavaller, només atent a les pròpies necessitats, no és útil a la causa del Cristianisme ni de Catalunya, d’acord amb Verdaguer i el seu amic Collell. Per això cal donar lloc a una nova forma de poesia, més duradora i «sòlida». Guifre, penitent després d’assassinar el seu nebot, i Oliba, fundadors de Sant Martí de Canigó i Santa Maria de Ripoll, monestirs assimilats a poemes en els versos de Canigó, representen un nou model poètic, amb els valors cristians, col·lectius i religiosos necessaris per construir un nou país., In Canigó, a long poem dedicated to the birth of Christian Catalonia, we can find two different proposals of what poetry should be like. The first is the ‘Cant de Gentil’, sung by the hero just before he dies, murdered by his uncle, Count Guifre of Cerdagne. Gentil leaves his post as the captain of Rià Castle, following his own wishes. In fact, he abandons his duty in an attempt to win the love of Griselda, a humble shepherdess, only to be deceived by Flordeneu, the fairy queen of Mount Canigó, who assumes Griselda’s identity. As Gentil becomes immersed in the realm of fairies, he loses his attributes as a knight, which are then replaced by those associated with poetry. With these new attributes, he sings his ‘Cant’, expressing his profound longing for knowledge and the absolute. However, the magnitude of his desire renders its fulfilment impossible, and Gentil’s chant concludes in tears. The self-centred attitude of the young knight, who is only concerned with his own pursuits, is not useful to the cause of Christianity and Catalonia, according to Verdaguer and his friend Collell. Consequently, it must be replaced by a new, enduring, more ‘solid’ kind of poetry. Guifre, penitent after slaying his nephew, and Oliba, the builders of Sant Martí de Canigó and Santa Maria de Ripoll, monasteries resembling poems in the verses of Canigó, represent a new poetic mode, infused with the Christian, collective and religious values needed to forge a new nation.

The present work is based on Heidegger’s analysis in “What are the poets for?” where the author interprets Hölderlin’s poetry using his elegy “Bread and Wine”, we review some of his descriptions and, using the notion of Dionysus in both Nietzsche and Hölderlin, try to understand the Hölderlin’s answer that describes the poets as “the holy priests of the wine-god”. We discuss as well about the concept of the artist as a god and the relationship between poetry and philosophy. Finally, this work deal with Heidegger’s opinions on his work called “Clarifications to Holderlin’s Poetry” where the author overestimates the role of the poetry thinking that it can clarify thoughts of any half-thought-out philosophy., Este trabajo parte del análisis de Heidegger en «¿Para qué poetas?», donde el autor interpreta la poesía de Hölderlin a partir de su elegía «Pan y vino», aquí expondremos algunas de sus explicaciones. También intentaremos entender la respuesta que da Hölderlin en la que asocia los poetas a los «sacerdotes del dios del vino». Para ello nos ayudaremos de las nociones que de Dioniso nos ofrecen tanto Nietzsche como Hölderlin, presentaremos semejanzas y diferencias de algunas de sus interpretaciones. Aparte de eso, reflexionaremos sobre la visión del artista como un dios y la relación existente entre la poesía y la filosofía. Concluiremos con las reflexiones que Heidegger hace en su trabajo «Aclaraciones a la poesía de Hölderlin», donde el autor sobrevalora el papel de la poesía, considerando incluso que los poetas pueden llegar a esclarecer pensamientos de cualquier filosofía pensada a medias.

37 p. – Bibliogr.: p. 34-37, [EUS] Idazketak eta ahozkotasunak eragin zuzena dute ikasleen hainbat gaitasunetan, eta alde horretatik hutsune nabarmenak identifika daitezke Lehen Hezkuntzako ikasleen artean. Hori dela eta, Lehen Hezkuntzako azken ziklorako literatur tailer proposamen didaktikoa azaltzen da, honen ebaluazioarekin eta ondorioztatutako gako garrantzitsuenekin batera. Era berean, azken aldiko egileek gomendatzen dutenari jarraituz, proposamena egiteko literatur tailerrekin lotura estua duten hainbat alor aztertu ditugu marko teorikoan: Euskal Haur eta Gazte Literatura historian zehar eta gaur egun; literaturak hezkuntzan duen eragina EAEko curriculum berriaren zirriborroa aztertuz; poesia, ahozko literatura eta jolasaren arteko harremana; eta literatura tailerren balioaren azalpena., [ES] La escritura y la oralidad influyen directamente en las diferentes competencias del alumnado, y se pueden identificar lagunas significativas entre el alumnado de Primaria. Por ello, se explica la propuesta didáctica de talleres literarios para el último ciclo de Primaria, junto con su evaluación y las claves más importantes deducidas. Asimismo, siguiendo la recomendación de los autores recientes, en el marco teórico se han analizado diversos ámbitos estrechamente relacionados con los talleres literarios para la elaboración de la propuesta: la Literatura Infantil y Juvenil Vasca a lo largo de la historia y en la actualidad; la influencia de la literatura en la educación mediante el análisis del borrador del nuevo currículo de la CAPV; la relación entre la poesía, la literatura oral y el juego; y la exposición del valor de los talleres literarios., [EN] Writing and orality directly influence the different competences of students, and significant gaps can be identified among primary school students. Therefore, the didactic proposal of literary workshops for the last cycle of primary education is explained, along with its evaluation and the most important key findings. Likewise, following the recommendation of recent authors, various areas closely related to literary workshops have been analyzed in thetheoretical framework for the development of the proposal: Basque Children and Youth Literature throughout history and in the present; the influence of literature in education through the analysis of the draft of the new curriculum of the Basque Autonomous Community; the relationship between poetry, oral literature and the game; and the presentation of the value of literary workshops.

This article aims to tell about an experience of a didactic sequence applied to classes from Middle School during the Portuguese Language classroom at a Minas Gerais municipal school. The pedagogical practices were ruled by PIBID scholarship holders under the supervision of the class professor. Departed from the book Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), by Jarid Arraes. And based on the perspective of literary literacy (Cosson, 2009), it was sought to know and to value the genre cordel literature and to produce cordéis keeping in mind the act of honoring local personalities, nationals and/or internationals chosen by the students themselves. The final product from the classes showed an effective way to use the literary text for building feelings and personal identities., Este artículo es un relato de experiencia de una secuencia didáctica aplicada en las clases de los últimos años de la Enseñanza Fundamental II, durante las clases de Lengua Portuguesa, en una escuela municipal de la red de educación pública de Minas Gerais. Las prácticas pedagógicas fueron regidas por becarios del PIBID, bajo la supervisión de la docente supervisora de las clases. El punto de partida fue el libro Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), de Jarid Arraes. Y, desde la perspectiva del letramento literario (Cosson, 2009), buscamos comprender y valorar el género de la literatura cordel y producir cordéis con el objetivo de homenajear a personalidades locales, nacionales y/o internacionales elegidas por los propios estudiantes. El producto final de las clases demostró el uso de textos literarios para crear significados e identidades., Este artigo é um relato de experiência de uma sequência didática aplicada em turmas dos anos finais do Ensino Fundamental II, durante as aulas de Língua Portuguesa, numa escola municipal da rede pública de ensino de Minas Gerais. As práticas pedagógicas foram regidas por bolsistas do PIBID, sob a supervisão da professora supervisora das turmas. Partiu-se do livro Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), de Jarid Arraes. E, na perspectiva do letramento literário (Cosson, 2009), buscou-se conhecer e valorizar o gênero literatura de cordel e produzir cordéis com o fito de homenagear personalidades locais, nacionais e/ou internacionais escolhidas pelos próprios estudantes. O produto final das aulas evidenciou um uso do texto literário para a constituição de sentidos e de identidades.

Reseña de Matriz, libro de Pedro J. Plaza, donde cada poema configura un anhelo de existencia interior que dialoga con el pasado. En tal inercia temporal, el desajuste del reproche supone un análisis, también intertextual, donde la voz poética se multiplica para abarcar la plenitud del vacío existencial que opera como motor de arranque de las adversidades. En la figuración de su esquema conceptual, se advierte la potente resemantización de las redes léxicas de familia y hogar. Un libro, en definitiva, testimonial y confesional, en cuyo centro late la quiebra maternofilial.

The idea of the sacred in Pura López Colomé's work is rooted in the same conception that this author has of poetry. From her childhood poems that she left in her notebooks, the spiritual bouquets for her mother or the diary that allowed her to dialogue with God —as she refers to with Adriana Pacheco in Let’s Talk Writers—, to her latest book Borrosa imago mundi, published in 2021, Pura reveals that the poetic word manifests the deep meaning of things, of being. However, for the purposes of this critical approach, we will only focus on the book Éter es, which refers us from the title to the verticality of a time in which we locate the search for our poet, considering vision as revelation and interiority as space of that revelation., La idea de lo sagrado en la obra de Pura López Colomé está enraizada en la concepción misma que ella tiene. Desde sus poemas de infancia que dejaba en sus cuadernos, los ramilletes espirituales o el diario que le permitía el diálogo con Dios —como lo refiere con Adriana Pacheco en Hablemos escrito-ras—, hasta su último libro Borrosa imago mundi, López Colomé deja ver que la palabra poética revela el sentido profundo de las cosas, del ser. Sin embargo, para fines de este acercamiento crítico nos centraremos únicamente en el poema-rio Éter es, que nos remite desde el título a la verticalidad de un tiempo en el que ubicamos la búsqueda de nuestra poeta, considerando la visión como revelación y la interioridad como espacio de esa revelación.

John Ashbery’s work has been widely translated and studied; however, there is little research on the translation of his poetry into Spanish. In this essay I propose that the professional profile of the translators affects the decisions that shape the final text. The translation of poetry demands special attention to the rhythm and the effect that each word has on the lines and on the poem, so it should consider the conventions of the target culture to determine whether to adhere to them. The focus on enjambment allows productive observations to be made about translation decisions and their effect on the rhythmic structure of the poem, La obra de John Ashbery ha sido ampliamente traducida y estudiada; sin embargo, existen pocas investigaciones que aborden la traducción de su poesía al español. En este ensayo propongo que el perfil profesional de los traductores incide en las decisiones que dan forma al texto final. La traducción de poesía demanda una atención especial al ritmo y al efecto que cada palabra tiene en los versos y en el poema entero, por lo que debería tomar en cuenta las convenciones de la cultura meta para determinar si ceñirse a ellas. El enfoque en el encabalgamiento permite hacer observaciones productivas sobre las decisiones de traducción y su efecto en la estructura rítmica del poema.

This article studies the musical genre of rap and its current derivations, trap, and urban music, in order to analyse both the concept and the status of the existing poetic genre among Spanish artists who can be ascribed to these modalities. The chosen corpus is divided into two time periods: on the one hand, we study the rap that began to be practised in Spain in the 1990s and developed in the first decade of the 21st century; on the other, we analyse two new modalities that appeared or developed after 2011, namely trap and urban music. Thanks to this division, these pages show how the artists’ conception of the poetic changes from one period to the next. This helps to understand both the idiosyncrasies of these genres and the differences that exist between them, always in the Spanish context, as well as the link that can be found in the literary genre of poetry and current music., En este artículo se aborda el género musical del rap y sus derivaciones actuales, el trap y la música urbana, para analizar el concepto y el estatus de lo poético en los artistas españoles que pueden adscribirse a estas modalidades. El corpus elegido se divide en dos periodos: por un lado, se estudia el rap surgido en España en los años noventa y asentado en la primera década del siglo XXI; por otro, se analizan dos variantes que aparecen o se desarrollan después de 2011, el trap y la música urbana. Gracias a esta división, en estas páginas se demuestra cómo la concepción de estos artistas a propósito de lo poético cambia de un periodo a otro. Esto ayuda a entender tanto la idiosincrasia de estos géneros musicales y las diferencias que existen entre ellos, siempre en el contexto español, como también el vínculo que puede encontrarse entre poesía y música actual.

Theater and poetry have always gone in hand and will continue together for a long time, although the marriage of verse and theater has broken down, in view of its scarce presence in current dramatic texts. In this work, which joins what exposed in the thirtieth international seminar of SELITEN@T, an overview of the relations between theater and poetry in the 20th and particularly the 21st centuries., El teatro y la poesía siempre han ido de la mano y juntos seguirán durante largo tiempo, aunque el matrimonio verso y teatro se ha roto, a la vista de la escasa presencia de aquél en los textos dramáticos actuales. En este trabajo, que se une a lo expuesto en el trigésimo seminario internacional del SELITEN@T, se realiza un panorama sobre las relaciones del teatro con la poesía en el siglo XX y especialmente en el XXI.

Este artículo defiende la tesis de que nos encontramos en el medio de un cambio radical del paradigma lírico de la modernidad. A partir de una consideración crítica de la colec-ción de poesía La flor del extérmino, del escritor chileno Andrés Ajens, y de una interpreta-ción a contracorriente de la fórmula la edad de los poetas del filósofo francés Alain Badiou, este ensayo define los contornos de un agotamiento lírico que coincide con la declinación de los grandes relatos que estructuraban la modernidad. El propósito último es ofrecer pistas para dilucidar los nuevos rumbos que la poesía estaría tomando en el presente.

“Ya no hay lectores de poesía” o “a la poesía sólo la leen los poetas” son frases muy comunes y constantes para quienes de alguna u otra forma nos acercamos al mundo poético, las escuchamos cada vez con más fuerza y estas frases contundentes desencadenan la preocupación por saber qué pasa hoy en día con la poesía. Toda poesía va a su tiempo y en los últimos años la poesía se ha vuelto parte de tendencias contemporáneas, el boom de las redes sociales en internet y el marketing para la publicación rápida en función de no perder el interés del consumidor ha llevado a la poesía a simplificarse de manera extraordinaria, se ha vuelto la protagonista de los best-sellersen las editoriales más renombradas o el primer acercamiento de mucha gente a la poesía por ser una literatura exprés, pero ¿cómo valoramos si le podemos llamar poesía o no?

This paper proposes a reading of becoming minor in the neobarroso language of the poetics of Néstor Perlongher in Prosa Plebeya: essays 1980 – 1992. The idea of becoming will be developed as a possible line of flight of a minority becoming in Perlongher's poetry. . Both in the baroque poem and in the neo-baroque, an intensity is sought that expresses everything without explaining anything, where there is a going out of oneself. In Perlongher's poetry, the poetic self is undone, through language, until reaching the loss of identity of marginalized and silenced beings where the important thing is to get out of the grooves proposed so that writing works as a critical space to say. of otherness –becoming transvestite, homosexual, indigenous, swan, panther, crazy, etc.– 1968 implied great political changes where social problems arose and among them, the oppressed minorities reached their voice. Perlongher manages his own body, 'disqualified' or rejected like so many others by the military dictatorship. The neo-baroque works as a language device that puts on the table a critical proposal to the political, social and cultural system. The neobarroso raises the relationship between poetry, politics and memory, achieving a writing that causes horror of reality. With this, Perlongher left traces of a critical thought that is reflected in his poetry: on the one hand, he exhibits the aestheticization of the marginal, the violation of gender and the pre-established values in society and on the other, he presents his externalized theory that satirizes and inclines us to the communicative and aesthetic function of their respective messages that have a political objective that serves to show injustices and differences, and to point out the clash between violence and desire., En el presente trabajo se propone una lectura del devenir menor en el lenguaje neobarroso de la poética de Néstor Perlongher en Prosa Plebeya: ensayos 1980 – 1992. Se desarrollará la idea del devenir como posible línea de fuga de un devenir minoritario en la poesía de Perlongher. Tanto en el poema barroco como en el neobarroco, se busca una intensidad que exprese todo sin explicar nada, donde existe un salir de sí. En la poesía de Perlongher el yo poético se deshace, a través del lenguaje, hasta llegar a la pérdida de identidad de los seres marginados y silenciados en donde lo importante es salirse de los surcos planteados para que la escritura funcione como un espacio crítico de decir de la otredad –devenir travesti, homosexual, indígena, cisne, pantera, loca, etc.– El 68 implicó grandes cambios políticos donde brotaron problemas sociales y entre ellos, las minorías oprimidas alcanzaron su voz. Perlongher maneja su propio cuerpo, ‘descalificado’ o rechazado como tantos otros por la dictadura militar. El neobarroco funciona como un dispositivo del lenguaje que pone sobre la mesa una propuesta crítica al sistema político, social y cultural. El neobarroso plantea la relación entre poesía, política y memoria, logrando una escritura que causa horror de la realidad. Con esto, Perlongher dejó retazos de un pensamiento crítico que se ve reflejado en su poesía: por un lado, exhibe la estetización de lo marginal, la violación del género y los valores prestablecidos en la sociedad y por el otro, presenta su teoría exteriorizada que satiriza y nos inclina a la función comunicativa y estética de sus respectivos mensajes que tienen un objetivo político que sirve para mostrar injusticias y diferencias, y para señalar el choque entre la violencia y el deseo.

The edition of the well-known and partially studied manuscript Canzonette diverse in Lingua Spagnuola, which includes guitar chords, conserved in Rome in the Corsini collection of the Accademia dei Lincei (Cors625), is an important text for literary, musical, cultural, and historical studies and research on the relationship between Italy and Spain in the Spanish Golden Age. The work of Patrizia Botta’s team of philologists, musicologists, palaeographers, codicologists, and social historians, sheds light on the context in which this unique cancionerillo was born and its function as an instrument of entertainment in the Roman court that gathered around the Peretti family., La edición del conocido y solo parcialmente estudiado manuscrito titulado Canzonette diverse in Lingua Spagnuola con acordes para guitarra, conservado en Roma en el fondo Corsini de la Accademia dei Lincei (Cors625), constituye una pieza importante en el ámbito de los estudios literarios, musicales e históricoculturales y de las investigaciones sobre las relaciones entre Italia y España en el Siglo de Oro. Los trabajos del equipo coordinado por Patrizia Botta y compuesto por filólogos hispanistas, expertos en musicología, paleografía, codicología e historia social, contribuyen a arrojar luz sobre el contexto en que nació este singular cancionerillo y su función de instrumento de diversión para el mundillo cortesano romano que se reunía alrededor de la familia Peretti.

In this article we come to some new reflections on the presence of Ferrante II of Naples in the poetry of Cariteo (Benet Garret, 1450-1514). First, we study the ideal image of the king conveyed by the poet in relation to humanist thought of the Quattrocento. Second, we analyze the interpretative and stylistic implications of the figure of the king in the framework of the Petrarchism of Cariteo’s songbook Endimione. In this sense, the motif of the beloved prince created by Garret as a functional theme in his Endimione and in his work as a whole is identified and studied. We also relate this theme to the political aspect of Cariteo’s work and its development, taking into account the historical context. Our work contributes to the critical literature on the author, which until now has only dealt with Ferrante II in Cariteo’s work in a general way together, i.e., with other kings of the Aragonese dynasty of Naples and only in relation to Cariteo’s encomiastic poetry., El artículo propone nuevas reflexiones sobre la presencia de Ferrante II de Nápoles en la poesía de Cariteo (Benet Garret, 1450-1514). Por una parte se estudia la imagen ideal del rey transmitida por el poeta con relación al pensamiento humanístico del Quattrocento. Por otra se analizan las implicaciones interpretativas y estilísticas que supone la figura del soberano en el marco del petrarquismo del cancionero Endimione de Cariteo. En este sentido se determina y se estudia el motivo del príncipe amado creado por Garret como tema funcional en el cancionero y en el conjunto de su obra. Se relaciona dicho tema con la vertiente política de su producción y el desarrollo de la misma atendiendo al contexto histórico. Nuestro trabajo aporta novedades a la literatura crítica sobre el autor, que hasta hoy únicamente se había ocupado de Ferrante II en la obra de Cariteo de manera general junto a los demás reyes de la dinastía aragonesa de Nápoles y solo en relación a su poesía encomiástica.

The ecocritical approach is one that insists on establishing connections and relationships between beings, species, disciplines, texts, and readings, while seeking an ideological commitment through the combination of theory, criticism, and creative, educational, and activist activity. The eco-centric turn has been called that which places the focus of attention on the entire network of relationships that allow humanity to develop as one more species in a given ecosystem, keeping in mind that human beings are always situated beings; that is, our being has always been and will always be situated, despite forgetfulness throughout history. Through different texts by Elsa López, this work will address the question of the link between place, time, and memory as a definition of a self that is defined thanks to the possibility of naming oneself and the environment in which their lived experiences take place, El enfoque ecocrítico es aquel que insiste en establecer conexiones y relaciones entre seres, especies, disciplinas, textos y lecturas, al tiempo que busca un compromiso ideológico a través de la combinación de teoría, crítica y actividad creadora, docente y activista. Se ha denominado giro ecocentrista a aquel que pone el foco de atención en toda la red de relaciones que permiten que la humanidad pueda desarrollarse como una especie más en un ecosistema determinado, teniendo muy presente que los seres humanos son siempre seres situados, es decir, nuestro ser siempre ha sido y siempre será un estar, a pesar de los olvidos a lo largo de la historia. A través de diferentes textos de Elsa López este trabajo abordará la cuestión de la vinculación entre el lugar, el tiempo y la memoria como definitoria de un yo que se define gracias a la posibilidad de nombrarse a sí mismo y al entorno en el que tienen lugar sus experiencias vitales.

Referencias bibliográficas: • Arellano Duque, G. (2010). Culturas juveniles y pedagogía en tiempos inciertos. En G. Lluch (coord.), Las lecturas de los jóvenes. Un nuevo lector para un nuevo siglo. Barcelona: Anthropos, pp. 73-84 • Bauman, Z. (2002). Modernidad líquida. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica. • Cantizano Márquez, B. (2005). Poesía y música, relaciones cómplices. Espéculo. Revista de estudios literarios 30.https://www.biblioteca.org.ar/libros/152216.pdf • Colomer, T. (2009). La educación literaria. En C. Armendano e I. Miret (coords.), Lectura y bibliotecas escolares. Metas educativas 2021. Madrid: EOI, pp. 71-82. • Colomer, T. (1996). La didáctica de la literatura: temas y líneas de investigación e innovación. En C. Lomas (coord.), La educación lingüística y literaria en la enseñanza secundaria. Barcelona: Universitat de Barcelona, Instituto de Ciencias de la Educación. Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, pp. 123-142.http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/la-didactica-de-la-literatura-temas-y-lineas-de-investigacion-e-innovacion/html/ • Cullell, D. (2019). La perfopoesía española en el siglo XXI: una revolución poética. Madrid: Devenir. • Decreto 48/2015, de 14 de mayo, del Consejo de Gobierno, por el que se establece para la Comunidad de Madrid el currículo de la Educación Secundaria Obligatoria, BOCM, [s. p.].http://www.madrid.org/wleg_pub/secure/normativas/contenidoNormativa.jsf?opcion=VerHtml&nmnorma=8934#no-back-button • Dueñas Lorente, J. D. (2013). La educación literaria. Revisión teórica y perspectivas de futuro. Didáctica. Lengua y literatura25, 135-156. • Fernández López, S. (2004a). La subcompetencia estratégica. En J. Sánchez Lobato e I. Santos Gargallo (dirs.), Vademécum para la formación de profesores. Enseñar español como segunda lengua (L2). Madrid: SGEL, pp. 573-592. • Fernández López, S.(2004b). Las estrategias de aprendizaje. En J. Sánchez Lobato e I. Santos Gargallo (dirs.), Vademécum para la formación de profesores. En, Muchos estudios han constatado que los adolescentes tienden a apartarse de la poesía a partir de determinada edad, probablemente debido a las deficiencias del profesorado a la hora de transmitirla. De igual modo, se ha estudiado la cercanía de este grupo de edad a la música, así como las razones sociales y afectivas que les llevan a ello, y los beneficios que la música aporta. A partir de estos datos, este artículo revisa la relación entre la poesía y la música y presenta un estudio realizado entre estudiantes de cuarto grado de Maestro en Educación Infantil en el que se confirma que las versiones musicalizadas de los poemas gustan más, emocionan más y facilitan la comprensión de textos complejos como los de Lorca. A partir de esto se propone la utilización de estas versiones para vencer las reticencias del público joven hacia la poesía., Many studies have found that adolescents tend to turn away from poetry, probably due to teacher ́s deficiencies in transmitting it. Similarly, the proximity of this age group to music has been studied, as well as the social and affective reasons that lead them to it, and the benefits that music brings to them. From this data, this article reviews the relationship between poetry and music and presents a study conducted among students of fourth grade of Magisterium in which it is confirmed that they prefer musicized versions of the poems, since they feel more moved by these versions, which they find easier to understand, even with complex texts such as Lorca’s poems. Taking these results in account, this paper proposes to use these musicized versions to overcome the reluctance of young audiences towards poetry., Depto. de Didáctica de las Lenguas, Artes y Educación Física, Fac. de Educación, TRUE, pub

This paper is part of the research project FFI2012-35721-C02-01, «Modos de contacto e interacción dialectal en los textos epigráficos del Griego Antiguo»., This paper aims to study the inscription published in "IG" VII 53 from a linguistic point of view. It consists of a prose section that includes an epigram dedicated to the Megarians fallen during the Persian Wars. The inscription was presumably composed in the fifth century BC, but the preserved text was not inscribed before the fourth century AD. After revisiting this text’s main scholarship, which has studied this inscription mainly from an archaeological, historical or literary approach, we apply a two-level linguistic analysis based on (a) the comparison of its linguistic data with epigraphical prose and other literary influences, and (b) the metrical constraints that could determine the choice between local and literary forms. As a complement to what current scholarship suggests, this methodological approach will allow us to distinguish to what extent it is possible to trace the original linguistic features of the earliest version of this epigram, as well as whether and how metrics contributed to preserve them., Ministerio de Economía y Competitividad (MINECO), Depto. de Filología Clásica, Fac. de Filología, TRUE, pub

Este trabajo ha sido realizado dentro del proyecto de investigación «Contactos interdialectales en griego antiguo. Estudio a partir de los textos epigráficos» (FFI2012-35721-C02)., RESUMEN: En este trabajo se analiza la lengua que presentan las inscripciones laconias en verso anteriores al ca. 400 a.C. Nuestro objetivo es determinar si en estos textos se reproduce fundamentalmente el modelo jónico o si, por el contrario, se emplea el dialecto local. Tras examinar los rasgos dialectales que comparten los epigramas laconios con las inscripciones en prosa de la misma región, por un lado, y con el dialecto épico, por otro, llegamos a la conclusión de que, contrariamente a la opinión extendida, la poesía epigráfica laconia se compone en dialecto epicórico y que no evita los rasgos locales más marcados de este., In this paper we analyse the language in which metrical inscriptions from Laconia prior to c. 400 BCE are written. More specifically, we try to find if the linguistic Ionic model is mainly reproduced or if, on the contrary, a local dialect is used. Once considered the dialect features shared by Laconian epigrams, prose inscriptions from the same region and epic dialect, we conclude that, contrary to a widespread view, they are written in the epichoric dialect and that its local features are not avoided., Ministerio de Economía y Competitividad (MINECO), Depto. de Filología Clásica, Fac. de Filología, Ediciones Complutense, TRUE, pub

El Archivo Digital del Romancero es el resultado del proyecto de digitalización de los fondos de poesía tradicional de la Fundación Ramón Menéndez Pidal. Se trata de un repositorio virtual creado mediante el software Omeka e ideado con dos objetivos fundamentales: la preservación de un patrimonio único y la difusión de sus contenidos para que puedan ser fruto de análisis por parte de la comunidad científica. Mediante este artículo nos proponemos trazar un recorrido por esta herramienta que no solo sirva como presentación sino también como una práctica demostración de su uso y posibilidades; pero, además, detallaremos los principales problemas a los que nos hemos enfrentado en el proceso de adaptar los documentos desde el formato analógico al digital con la modesta intención de que pueda servir de ayuda a investigadores que se encuentren en proyectos similares, Depto. de Literaturas Hispánicas y Bibliografía, Fac. de Filología, Instituto Universitario Menéndez Pidal, TRUE, pub

RESUMEN: El investigador Joseph Farrell ha definido la pasada centuria como “el siglo virgiliano”, debido a la centralidad que alcanzó el poeta mantuano en los estudios clásicos. En este artículo pretendemos hacer un recorrido general por algunos de los intérpretes de la «Eneida» en el siglo XX para mostrar las razones que pueden justificar el diagnóstico propuesto por Farrell. Nuestra conclusión nos llevará a establecer una estrecha relación entre el prestigio académico de Virgilio en el siglo XX y el auge de ciertas corrientes de crítica literaria que se impusieron simultáneamente., The scholar Joseph Farrell defined the past century as “the Virgilian century”, due to the notability that the poet from Mantua achieved in Classical Studies. This paper undertakes an overview of some of the interpreters of the «Aeneid» in the 20th century to show the reasons that can justify the conclusion by Farrell. The conclusion of this paper leads to establish a close relationship between Virgil’s academic prestige in the 20th century and the rise of certain and concurring currents of literary criticism., Depto. de Filología Clásica, Fac. de Filología, TRUE, pub

En confrontación con las interpretaciones que asignan un significado religioso o teológico a las referencias a los dioses, a lo sagrado, o al “último dios” presentes en la obra de Martin Heidegger, este trabajo defiende una lectura en clave estrictamente ontológica de tales referencias. Para ello, se remite al diálogo que Heidegger mantiene con la poesía de Hölderlin y se argumenta que el significado que atribuye a la invocación hölderliniana a los “dioses huidos” depende del carácter ontológico que, en otro contexto, concede a la nominación de los dioses característica del decir poético griego. Ese mismo carácter se pone de manifiesto en el sentido que, según Heidegger, ostenta la apelación a “lo sagrado” de la poesía de Hölderlin como nombre poético del ser en su despliegue histórico. Finalmente, dicha interpretación se hace extensiva a la figura del “último dios”, resaltando que su comprensión pasa por atender a la exégesis heideggeriana de la cuestión de la huida de los dioses en la obra poética de Hölderlin., Depto. de Filosofía y Sociedad, Fac. de Filosofía, TRUE, pub

This article aims to tell about an experience of a didactic sequence applied to classes from Middle School during the Portuguese Language classroom at a Minas Gerais municipal school. The pedagogical practices were ruled by PIBID scholarship holders under the supervision of the class professor. Departed from the book Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), by Jarid Arraes. And based on the perspective of literary literacy (Cosson, 2009), it was sought to know and to value the genre cordel literature and to produce cordéis keeping in mind the act of honoring local personalities, nationals and/or internationals chosen by the students themselves. The final product from the classes showed an effective way to use the literary text for building feelings and personal identities., Este artículo es un relato de experiencia de una secuencia didáctica aplicada en las clases de los últimos años de la Enseñanza Fundamental II, durante las clases de Lengua Portuguesa, en una escuela municipal de la red de educación pública de Minas Gerais. Las prácticas pedagógicas fueron regidas por becarios del PIBID, bajo la supervisión de la docente supervisora de las clases. El punto de partida fue el libro Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), de Jarid Arraes. Y, desde la perspectiva del letramento literario (Cosson, 2009), buscamos comprender y valorar el género de la literatura cordel y producir cordéis con el objetivo de homenajear a personalidades locales, nacionales y/o internacionales elegidas por los propios estudiantes. El producto final de las clases demostró el uso de textos literarios para crear significados e identidades., Este artigo é um relato de experiência de uma sequência didática aplicada em turmas dos anos finais do Ensino Fundamental II, durante as aulas de Língua Portuguesa, numa escola municipal da rede pública de ensino de Minas Gerais. As práticas pedagógicas foram regidas por bolsistas do PIBID, sob a supervisão da professora supervisora das turmas. Partiu-se do livro Heroínas negras brasileiras em 15 cordéis (2017), de Jarid Arraes. E, na perspectiva do letramento literário (Cosson, 2009), buscou-se conhecer e valorizar o gênero literatura de cordel e produzir cordéis com o fito de homenagear personalidades locais, nacionais e/ou internacionais escolhidas pelos próprios estudantes. O produto final das aulas evidenciou um uso do texto literário para a constituição de sentidos e de identidades.

la poesía de Juan Ramón Jiménez pretende volver a unir palabra y cosa, separadas por la crisis fin-de-siècle del lenguaje. Para lograrlo adopta un realismo mágico trascendente. El sujeto poético desvela el sentido oculto de las cosas y consigue aumentar el mundo mediante la conversión de la palabra poética en símbolo. La poesía piensa la realidad con la intuición, la cual se expresa simbólicamente. Esta es la dimensión gnoseológica de lo simbólico. Pero el símbolo tiene valor ontológico porque él mismo es la cosa simbolizada. De este modo, la hace ser y conecta palabra y cosa.

Many poets writing after World War II felt a sense of diffidence towards the great ideals of history and religion. They offer a satiric interpretation of their time, and their work often perverts the typological reading of history illustrated in the Bible by opposing the promises of a second coming by Christ with the horrors of the war and the Holocaust, suggesting that the concept of “sacrifice” has no redemptive value. Anthony Hecht, an American post-war formalist, expresses this message through an ekphrastic medium, specifically emblems, inspired by mediaeval culture and Renaissance poetry. One of his early works, The Seven Deadly Sins, in collaboration with the engraver Leonard Baskin, presents a modern collection of emblem poems featuring the figure of Christ, which like the emblematic form can be seen as “word made flesh”. Through their combinations of icons and words, the emblems become the perfect form to assess the dialectical opposition between God and man, body and soul, past and present., Muchos poetas activos después de la Segunda Guerra Mundial sienten un cierto recelo hacia los grandes ideales de la historia y de la religión. Ellos ofrecen una interpretación satírica de su época, y sus obras, a menudo, pervierten la lectura tipológica de la historia presentada en la Biblia, oponiendo a la promesa de la vuelta de Cristo, los horrores de la guerra y del Holocausto, y privando así el concepto de “sacrificio” de cualquier valor redentor. Anthony Hecht, un formalista americano de la posguerra, expresa este concepto a través de un medio ekfrástico, el emblema, inspirado por la cultura medieval y la poesía del Renacimiento. Una de sus obras juveniles, The Seven Deadly Sins, en colaboración con el grabador Leonard Baskin, presenta una colección moderna de estampas acerca de la figura de Cristo quien, como los emblemas que unen texto e imagen, puede ser descrito como “palabra encarnada”. Gracias a la combinación de imágenes y palabras, los emblemas se convierten en forma poética adecuada para evaluar la oposición dialéctica entre Dios y el hombre, cuerpo y alma, pasado y presente.

la poesía de Juan Ramón Jiménez pretende volver a unir palabra y cosa, separadas por la crisis fin-de-siècle del lenguaje. Para lograrlo adopta un realismo mágico trascendente. El sujeto poético desvela el sentido oculto de las cosas y consigue aumentar el mundo mediante la conversión de la palabra poética en símbolo. La poesía piensa la realidad con la intuición, la cual se expresa simbólicamente. Esta es la dimensión gnoseológica de lo simbólico. Pero el símbolo tiene valor ontológico porque él mismo es la cosa simbolizada. De este modo, la hace ser y conecta palabra y cosa.

El propósito de este trabajo es analizar la obra poética de la escritora española Elena Medel a partir de una noción, como la de kidult, recientemente popularizada por la antropología para problematizar el alto grado de complejidad adquirido por los pasajes de edad en el contexto posmoderno y neoliberal del siglo XXI. Será precisamente a partir de esta mirada, que yuxtapone y borronea los límites entre la niñez (kid) y la adultez (adult), que abordaremos el ethos infantil presente en toda su producción. El artículo propondrá, de este modo, un recorrido de la obra poética de Medel que abordará las diferentes flexiones adoptadas por lo kidult: desde la propuesta adolescente de Mi primer bikini (2002), pasando por las formas del duelo y la infancia en Tara (2006), hasta la problematización acceso del acceso a la adultez estará atravesado por el contexto de crisis económica española en Chatterton (2014)., The purpose of this paper is to analyze the poetic work of the Spanish writer Elena Medel from a notion, such as that of kidult, recently popularized by anthropology to problematize the high degree of complexity acquired by passages of age in the postmodern context and neo-liberalism. It will be precisely from this point of view, which juxtaposes and blurs the limits between childhood and adulthood, that we will address the childish ethos present in all her production. The article will thus propose an approach of Medel’s poetic work that will address the different inflections adopted by the kidult: the adolescent proposal of Mi primer bikini (2002), the forms of grieving and childhood in Tara (2006), and the problematization of access to adulthood during the Spanish economic crisis in Chatterton (2014).

Isabel Pérez Montalbán (Córdoba, 1964, residente en Málaga) ha consolidado ya una voz poética sumamente personal y diferenciable en el concierto de la poesía española de las últimas décadas. Desde una geopolítica ubicada en el sur pobre andaluz, su poesía elabora lo que aquí denominamos como el relato de la carencia. Subraya la posición de subalternidad ocupada por la mujer en la sociedad española, acentuada por su condición de trabajadora (muchas veces en paro) y miembro de las capas más humildes de su ciudad de origen, Córdoba. No obstante, este gesto de autorreferencia biográfica no la aísla de un colectivo social (no sólo femenino), que afronta esas mismas condiciones de postergación y pobreza. La autora reivindica una lucha necesaria desde una poética henchida de denuncia, pero nutrida de una tensión afectiva, que le otorga una posición privilegiada en el panorama poético actual. No sólo es una voz representativa de las poéticas neo-sociales y de resistencia al statu quo sociopolítico, sino que exhibe una innovadora mirada de género, convirtiéndose a la vez en una versátil artesana del estilo., Isabel Pérez Montalbán (Córdoba, 1964, resident in Malaga) has already consolidated a highly personal and differentiable poetic voice in the concert of Spanish poetry of recent decades. From a geopolitics located in the poor Andalusian south, her poetry elaborates an account of the lack. It underlines the position of subalternity occupied by women in Spanish society, accentuated by her condition as a worker (often unemployed) and a member of the most humble layers of their city of origin, Córdoba. However, this gesture of biographical self-reference does not isolate her from a social group (not only female) that faces those same conditions of procrastination and poverty. The author claims a necessary struggle from a poetics full of denunciation, but nourished by an affective turn that gives her a privileged position in the current Spanish poetic panorama. Not only is it a representative voice of neosocial poetics and resistance to the socio-political statu quo, but it exhibits an innovative gender perspective becoming a versatile artisan of the style.

Amb les primeres aproximacions modernistes, una de les necessitats més urgents que es posen de manifest és la renovació poètica i l’allunyament dels models vuitcentistes. Així ho exposa el crític Ramon D. Perés, que clama per una modernització urgent de la poesia catalana que començaria per l’actualització de la forma. Perés distingeix entre els que segueixen els models de l’escola antiga —plens de falsedat i amb formes èpiques gastades— i els de l’escola nova —que fan una poesia sincera, espontània i renovada, entre els quals sobresurt el nom d’Apel·les Mestres., With the first Modernist approaches, one of the most urgent necessities was a renewal of poetry and separation from the nineteenth-century models. This was stated by the critic Ramon D. Perés, who called for an urgent modernisation of the Catalan poetry that would commence with an update of the form. Perés distinguished the models of the old school—full of falseness and anachronistic epic forms—from those of the new school—which seek a sincere, spontaneous and updated poetry, one prominent practitioner of which was Apel·les Mestres.

The cinema of the writer and anthropologist Ruy Duarte de Carvalho has been studied from the perspective of anthropology and from the historical contextualisation of its political function in Angola in the 1970s and 1980s. In this paper I would like, in a complementary way, to examine his film form. Duarte's films are works of urgency, but they are also works of a poet for whom form is important: beyond facilitating their circulation, it helps the films to fulfil a function that goes beyond a mere propagandistic commission. Duarte de Carvalho's films are based on the postulates of the MPLA, but they problematise them, paying attention to and giving voice to ethnic groups whose relationship with reality does not fit in with linear time and the idea of progress. At the same time, their constructive strategies allow them to take flight and come ever closer to what Duarte once called unwritten poetry., El cine del escritor y antropólogo Ruy Duarte de Carvalho ha sido estudiado desde la perspectiva de la antropología y desde la contextualización histórica de su función política en la Angola de los años setenta y ochenta. En este trabajo quiero, complementariamente, examinar su puesta en forma. Las películas de Duarte son obras de urgencia, pero también son obras de un poeta para el que la forma fílmica es importante: más allá de facilitar su circulación, contribuye a que las películas cumplan una función que supere el mero encargo propagandístico. Las obras cinematográficas de Duarte de Carvalho parten de los postulados del MPLA, pero los problematizan, prestando atención y dando voz a etnias cuya relación con lo real no se adecua al tiempo lineal y a la idea de progreso. Al mismo tiempo, sus estrategias constructivas les permiten alzar el vuelo y acercarse cada vez más a lo que Duarte llamó en alguna ocasión poesía no escrita.

This work carries out a literary analysis of the only three proclamations that the cuban poet, Nicolás Guillén, wrote and published in his vast literary production. From the results obtained from this study, the uses and management of the literary resources carried out by the poet stand out. As well as his intellectual mastery of the different historical-cultural periods of the Cuban nation, served as the basis for writing his polysemic proclamation of the poetry book Sóngoro cosongo and the other two proclamations of the prose text, El Diario que a díario, Este trabajo realiza un análisis literario de los tres únicos pregones que escribió y publicó el poeta cubano, Nicolás Guillén, en su vasta producción literaria. De los resultados obtenidos de este estudio destacan los usos y manejos de los recursos literarios que realiza el poeta. Así como, su dominio intelectual de los distintos períodos históricos-culturales de la nación cubana, le sirvieron de base para escribir su pregón polisémico del poemario Sóngoro cosongo y los otros dos pregones del texto prosístico, El Diario que a diario

César Vallejo es el gran poeta peruano universal. En cada lectura brinda la oportunidad de seguir disfrutando de un lenguaje personal cargado de una fuerza expresiva inaudita. Este artículo pretende analizar el proceso que, como una crisálida, tuvo lugar en Vallejo. Alejándose poco a poco de los modelos modernistas fue encontrando su propio ser poético. Para describir el fenómeno se ha tomado el poema «Idilio muerto» de Los heraldos negros (1919) y se ha realizado una comparación con «Trilce VI» del poemario Trilce (1922). El tópico de la amada es el lugar desde donde se enclava la analogía. Gracias a este análisis en torno a esta temática se puede observar el desarrollo poético del gran poeta peruano. Asimismo, se rememoran algunas cuestiones relacionadas con el lenguaje vallejiano de Trilce y su hermosa complejidad que siguen extasiando a los críticos tras cumplir cien años de su publicación., César Vallejo is the great Peruvian poet. In each reading it gives us the opportunity to continue enjoying a personal language loaded with an unprecedented expressive forcé. This article aims to analyze the process that, like a chrysalis, took place in Vallejo. Slowly moving away from modernist models, he found his own poetic essence. To describe the process, the poem «Dead Idil» from Los heraldos negros has been taken and a comparison has been made with «Trilce VI» from the Trilce collection of poems. The topic of the beloved woman is the place from where the analogy is nailed. Thanks to this analysis around the beloved woman one can observe the poetic development of the great Peruvian poet. Likewise, some issues related to Trilce’s Vallejo language and its beautiful complexity are recalled, which continue to amaze critics one hundred years after its publication.

Este trabajo estudia los elementos narrativos en el comentario manuscrito en lengua castellana y grafía latina a la poesía escrita por el morisco Ibrahim de Bolfad, morisco residente en Argel. Se trata de uno de los pocos poetas moriscos exiliados que escriben en lengua española cuyo nombre nos es conocido, autor de un poema en quintillas sobre los principios del Islam, la vida del Profeta, los atributos divinos y los principales temas de la teología islámica. El comentario a la poesía de Ibrahim de Bolfad se conserva en un manuscrito de la Biblioteca Nacional de España [bne: 9653], obra posiblemente de un morisco exiliado en Túnez. El presente trabajo pretende estudiar los elementos narrativos tanto en el comentario como en la poesía con el fin de resaltar la construcción de un metarrelato sobre la identidad morisca en el exilio norteafricano, como actividad narrativa desarrollada en lengua castellana en la Argelia de la edad moderna. La edición de las 114 quintillas como texto unitario apareció en el número 9 de esta misma publicación., This work studies the narrative elements in the manuscript commentary in Spanish language and Latin script to the poetry written by Ibrahim de Bolfad, Morisco resident in Algiers. He is one of the few Muslim exiles writers whose name is known. He was the author of a poem in quintuplets on the Islamic doctrine, the life of the Prophet, the divine attributes and the main themes of Islamic theology. The commentary on the poetry of Ibrahim de Bolfad is preserved in a manuscript at the Spanish Biblioteca Nacional [bne: 9653], being probably the work of a Morisco from Tunis. The present work aims to study the narrative elements both in the commentary and in the poem to highlight the construction of a meta-narrative on Morisco identity in the North African exile, as a conscious cultural program in Algeria in the modern age. The edition of the 114 quintillas as a unitary text appeared in the issue number 9 of this publication.

Reseña de la antología poética de Irazoki "Palabra de árbol", publicada por Hiperión

Libro de poemas is the collection of poems by Federico García Lorca which brings closure to his youth. In the book we find assorted mythological references such as the mention of a divinity or the story of a myth. The-se allusions are taken from his youthful readings and his education. The author from Granada will use Greco-Roman mythology to express his feelings or to identify himself with some classical figures. He also uses other aspects in his poems, such as the elements of nature, children's songs and fictional characters. The present work, unlike the other stu-dies that have been done on this subject, consists of a context that ex-plains the myth to which the author refers and helps in the understan-ding of the poems. Through an individual approach to the poems, a more complete analysis will be made, which tries to establish the mea-ning of the classical allusions. Thus, the main objective is to show how mythology works in Libro de poemas., Libro de poemas es el poemario de Federico García Lorca que cierra su etapa juvenil. En el libro encontraremos referencias mitológicas de diversa índole, desde la mención de una divinidad hasta el relato de un mito. Dichas alusiones las tomará de sus lecturas juveniles y de su formación. El autor granadino empleará la mitología grecorromana para expresar sus sentimientos o identificarse con alguna figura clásica. Usará también otros aspectos para sus poemas como los elementos de la naturaleza, canciones infantiles o algunos personajes de ficción. El presente trabajo, a diferencia de los otros estudios que se han hecho con esta temática, consta de un contexto que explica el mito al que se refiere el autor y ayuda en la comprensión de los poemas. A través de un acercamiento individual de los poemas, se hará un análisis más completo tratando de establecer un significado a las alusiones clásicas. Así pues, el objetivo principal es mostrar cómo funciona la mitología en Libro de poemas.

El fondo Ciro Mendía reúne información desde 1919 hasta 1979. Se destaca la serie Escritos, de la que hacen parte poesías, obras de teatro y escritos inéditos, en los que se encuentran Avestamor, La máscara de oro, La caja de papel, Pérdidas y ganancias, entre otros textos. La serie Correspondencia, reúne diversos documentos como cartas, documentos notariales, programas de mano, fórmulas médicas, contratos y notas del autor. Por último la serie Recortes de prensa, recoge publicaciones de algunas de sus poesías y obras de teatro, reseñas sobre la obra de Ciro Mendía. Ciro Mendía, cuyo nombre de pila era Carlos Edmundo Mejía Ángel, nació en el municipio de Caldas, Antioquia en 1892, poeta y dramaturgo, es considerado iniciador del teatro regional colombiano de los años veinte. Las presentaciones de sus obras generaron gran expectativa en la ciudad, publicó más de trece libros de poesía. Fue colaborador de las revistas, El Artista y Colombia, y del periódico El Espectador. De sus obras destacamos Sor miseria de 1919, En torno a la poesía popular de 1926, Farol sin calle, 1957, Teatro completo de 1986 y La golondrina de cristal de 1992. Murió en La Ceja, Antioquia en 1979., El fondo está conformado por 11 carpetas y 659 folios agrupados en las siguientes series documentales: Correspondencia: 1 carpetas para un total de 48 folios - Escritos: 7 carpetas para un total de 510 folios - Recortes de prensa: 3 carpetas para un total de 101 folios.

La poesía y la filosofía son diferentes. No obstante, a lo largo de la historia han mantenido un áspero diálogo que las ha relacionado. Este diálogo histórico se fundamenta sobre la existencia de una cercanía esencial entre ambas. Filosofía y poesía se parecen en que declaran la verdad y poseen relevancia ontológica. Por tanto, la afinidad que las relaciona es de carácter ontológico/ veritativo. Esta ontología de la verdad se funda sobre la naturaleza lingüística de ambas. El lenguaje de la filosofía y la poesía coincide en que, lejos de conformarse a una realidad ajena, pone él mismo aquello que dice. Así es como manifiesta la verdad, presentando la cosa.

Isabel Pérez Montalbán (Córdoba, 1964, residente en Málaga) ha consolidado ya una voz poética sumamente personal y diferenciable en el concierto de la poesía española de las últimas décadas. Desde una geopolítica ubicada en el sur pobre andaluz, su poesía elabora lo que aquí denominamos como el relato de la carencia. Subraya la posición de subalternidad ocupada por la mujer en la sociedad española, acentuada por su condición de trabajadora (muchas veces en paro) y miembro de las capas más humildes de su ciudad de origen, Córdoba. No obstante, este gesto de autorreferencia biográfica no la aísla de un colectivo social (no sólo femenino), que afronta esas mismas condiciones de postergación y pobreza. La autora reivindica una lucha necesaria desde una poética henchida de denuncia, pero nutrida de una tensión afectiva, que le otorga una posición privilegiada en el panorama poético actual. No sólo es una voz representativa de las poéticas neo-sociales y de resistencia al statu quo sociopolítico, sino que exhibe una innovadora mirada de género, convirtiéndose a la vez en una versátil artesana del estilo., Isabel Pérez Montalbán (Córdoba, 1964, resident in Malaga) has already consolidated a highly personal and differentiable poetic voice in the concert of Spanish poetry of recent decades. From a geopolitics located in the poor Andalusian south, her poetry elaborates an account of the lack. It underlines the position of subalternity occupied by women in Spanish society, accentuated by her condition as a worker (often unemployed) and a member of the most humble layers of their city of origin, Córdoba. However, this gesture of biographical self-reference does not isolate her from a social group (not only female) that faces those same conditions of procrastination and poverty. The author claims a necessary struggle from a poetics full of denunciation, but nourished by an affective turn that gives her a privileged position in the current Spanish poetic panorama. Not only is it a representative voice of neosocial poetics and resistance to the socio-political statu quo, but it exhibits an innovative gender perspective becoming a versatile artisan of the style.

En el presente artículo nos adentramos en las dimensiones de los trabajos de Octavio Paz como traductor-poeta, o, asimismo, poeta-traductor. Partiendo de la dificultad que encarna la traducción como hecho fundamental a la actividad literaria —que permite su expansión y recepción a mayor escala, siendo capaz de reinventar y traspasar las fronteras lingüísticas y sociales—, el objetivo de este trabajo es el de plantearnos diversas disyuntivas en lo que a la lengua poética se refiere: ¿es realmente posible llegar a traducirla? Si es así, ¿está un poeta verdaderamente capacitado para ello, o, por el contrario, es imposible que consiga distanciarse lo suficiente del texto como para ser fiel a su sentido original? Estas son algunas de las cuestiones que encontramos en la labor traductora y hermenéutica del autor mexicano, y son, también, las que trataremos de abordar desde el análisis y estudio de las aportaciones que iremos desentrañando en el desarrollo de las tesis de este ensayo.

Based on the awareness of the intrinsic difficulty that exists in every actof translation –especially in the poetic language–, this article aims atechoing this act as a bridge between cultures, paying attention to thevarious intricacies with which the translating activity can operate. Thus,with Octavio Paz as a guiding thread and focus of thought; the hypothesisto be worked on here is that, despite the latent untranslatability ofpoetic activity, this polysemic work remains more than necessary to createcommon fabrics between languages, from which they derive in turn,artistic and social growth. The poem is, therefore, an eternal space ofconflicts that are never completely solved; but which, nevertheless, it isworthwhile to continue to approach and try to think from — as the Mexicanpoet teaches us well — the complexity and depth of this symbolicand diverse language., Partiendo de la conciencia acerca de la dificultad intrínseca que hay en cada acto de traducción —más aún en lo que a la lengua poética se refiere—, el presente artículo pretende hacerse eco de este acto en tanto que puente entre culturas, atendiendo a los variados entresijos con los que la actividad traductora puede operar. Así, con Octavio Paz como hilo conductor y foco de pensamiento; la hipótesis que aquí se trabajará es que, pese a la intraducibilidad latente de la actividad poética, esta labor polisémica sigue siendo más que necesaria para crear tejidos comunes entre las lenguas, de las que derivan, a su vez, en un crecimiento artístico y social. Es poema es, por lo tanto, un espacio eterno de conflictos que no se solucionan nunca del todo; pero que, sin embargo, merece la pena seguir abordando y tratar de pensar desde —como bien nos enseña el poeta mexicano— la complejidad y profundidad de esta lengua simbólica y diversa.

In this work we witness a dimension of Octavio Paz’s world and his personaland cultural life that is sometimes forgotten by theorists: the poet’srelationship with the English-Speaking world, and his stay in Cambridge.From the testimonies and the narration of a story — intimate in toneand form — which, although it is far from a strictly academic tone, doesnot fail to provide us with valuable information in this regard; in the presentarticle we enter fully into the experiences, knowledge and reflectionsthat /we can extract from this period of Octavio Paz’s life, questioningalways burning issues such as the difficulty of a writer to educatehimself in a linguistic context that is not his own, or how all literatures— despite the original differences in their origins and the remotenessof their projections — are, in reality, a whole that is much more similarthan it might seem at first., En este trabajo asistimos a una dimensión del mundo y la vida personal y cultural de Octavio Paz en ocasiones olvidada por los teóricos: la relación del poeta con el mundo anglosajón, y su estancia en Cambridge. A partir de los testimonios y la narración de una historia —íntima en el tono y la forma—, que, aunque se aleja de un tono estrictamente académico, no por ello deja de aportarnos información valiosa a este respecto; en el presente artículo nos adentramos de lleno en las experiencias, saberes y reflexiones que podemos extraer de este periodo de la vida de Octavio Paz, cuestionando temas siempre candentes como la dificultad de un escritor para educarse a un contexto lingüístico que no es el suyo, o cómo todas las literaturas —pese a las diferencias originarias de sus orígenes y la lejanía de sus proyecciones— son, en realidad, un todo que se asemeja mucho más de lo que en un primer momento pudiera parecernos.

El tema de la dificultad intrínseca del lenguaje poético para ser traducido—traspasado de su lengua original a otras buscando su difusión y supropagación más allá del país originario—, es un tema ampliamente discutidoen la tradición teórica y crítica de los estudios literarios. Partiendode las traducciones que realizó Octavio Paz de poemas de Apollinaire,este artículo tiene por objetivo desentrañar las particularidades concretasde dicho trabajo, así como plantearnos diversas problemáticas relacionadascon él: cómo es posible cambiar el idioma de los textos sin perder suesencia artística, cómo se entrecruzan las voces de los autores en el procesode traducción, o cómo se construyen y deconstruyen los textos hastaconseguir su cambio lingüístico, entre otras. Desde una lectura atentade dichos poemas, atenderemos también a ver cómo la poesía de Apollinairecumple los objetivos que Octavio Paz esperaba del hecho literario:la sugerencia y la belleza de las imágenes, expresadas con gestos hermosose imprevistos.

This article aims to analyse the cohesive function of Latin alliteration in cases in which it serves as an element for linking together the hemistichs in the same line or hemistichs in adjacent lines. At an extra-versal level, three forms of alliterative cohesion are distinguished: 1) by enjambment (the words sounding the same at the start that belong to the same syntactical unit flow over the limits of the line); 2) by vertical correspondence (the words sounding the same at the start are placed in successive lines where they occupy the same metric position); 3) by concatenation at the end of each line and the beginning of the subsequent line (… X/X… X/X…, etc., or … X/X… Y/Y…, etc.). The alliterative cohesion by concatenation at the end of each line and the beginning of the subsequent line has been studied due to its systematic use in ancient Irish poetry, but not in Latin, where, as it is shown in this article, there is evidence of the phenomenon. The existence of this cohesive procedure in Latin is verified in poets from different literary periods: Lucretius, Vergilius, Silius Italicus, Prudentius and Claudius Claudianus. This type of studied concatenation is also found in Greek poetry (Homer, Hesiod, and Aeschylus). This leads us to surmise that it is a phenomenon inherent to the Indo-European tradition., En este artículo tenemos por objeto analizar la función cohesiva de la aliteración latina en aquellos casos en los que sirve de elemento de unión entre los hemistiquios de un mismo verso o los hemistiquios de versos contiguos. A nivel extraversal, la cohesión aliterante reviste tres modalidades: 1) por encabalgamiento (los términos con inicios homófonos, pertenecientes a una misma unidad sintáctica, traspasan los límites del verso), 2) por correspondencia vertical (los términos con inicios homófonos se colocan en versos sucesivos ocupando una idéntica posición métrica), 3) por concatenación en la cláusula de un verso y el comienzo del sucesivo (X/X… X/X…, etc., o X/X… Y/Y…, etc.). La cohesión de versos contiguos por concatenación en la cláusula de un verso y el comienzo del sucesivo ha sido estudiada por su sistemático uso en la poesía antiguo-irlandesa, pero no en latín, donde, como se muestra en el presente artículo, hay evidencias del fenómeno. La existencia de este mecanismo de cohesión en latín se constata en poetas de diferentes periodos literarios: Lucrecio, Virgilio, Silio Itálico, Prudencio y Claudio Claudiano. Este tipo de concatenación estudiado se da también en la poesía griega (Homero, Hesíodo y Esquilo), lo que nos hace suponer que se trata de un fenómeno de tradición indoeuropea.