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Sound presents an important opposition to ocularcentrism, based on the priority of sight in the perception of the plastic arts before the rest of the main human senses. The acceptance and inclusion of sound in sound sculpture helps us to eliminate said hegemony as a receiving organ, allowing us to perceive emotions and artistic experiences through the ears and the rest of the body. Sound, as a sculptural material, defines its environment and transforms it spatially, hence its sculptural qualities, El sonido presenta una importante oposición frente al ocularcentrismo, basado en la prioridad de la vista en la percepción de las artes plásticas ante al resto de los sentidos humanos principales. La aceptación e inclusión del sonido en la escultura sonora nos ayuda a eliminar dicha hegemonía como órgano receptor, permitiéndonos percibir las emociones y experiencias artísticas a través de los oídos y del resto del cuerpo. El sonido, como materia escultórica, define su entorno y lo transforma espacialmente, de ahí sus cualidades escultóricas.

Sound presents an important opposition to ocularcentrism, based on the priority of sight in the perception of the plastic arts before the rest of the main human senses. The acceptance and inclusion of sound in sound sculpture helps us to eliminate said hegemony as a receiving organ, allowing us to perceive emotions and artistic experiences through the ears and the rest of the body. Sound, as a sculptural material, defines its environment and transforms it spatially, hence its sculptural qualities, El sonido presenta una importante oposición frente al ocularcentrismo, basado en la prioridad de la vista en la percepción de las artes plásticas ante al resto de los sentidos humanos principales. La aceptación e inclusión del sonido en la escultura sonora nos ayuda a eliminar dicha hegemonía como órgano receptor, permitiéndonos percibir las emociones y experiencias artísticas a través de los oídos y del resto del cuerpo. El sonido, como materia escultórica, define su entorno y lo transforma espacialmente, de ahí sus cualidades escultóricas.

This study tracks and analyzes the creative work of various musicians and sound artists of Latin-American and Spanish origin who are currently developing their careers in New York City. From this perspective, it attempts to reflect on the possibility of conceiving and articulating a Latin identity in the field of experimental music. In an initial approach, the possible motivations that justify their adherence to the New York sound experimentation scene are examined, as well as the reasons for their scarce presence in the identity mechanisms that structure Hispanic communities in the United States. Faced with the classical conception of experimental music as an abstract, international and neutral manifestation, it is possible to question the ideological aspects that underlie its origin as an expression of American cultural reaffirmation, first, and as a colonial mechanism, second. This line of argument tries to reveal the deep contradictions that these artists assume when participating in this context. Finally, various forms of emancipation present in their respective artistic works are explored, such as the use of language, the incorporation of certain self-reflective visions about identities in Latin America and, especially, the adoption of more critical approaches regarding the use and consumption of technologies, which can be interpreted as a shared ideological position., Este estudio rastrea y analiza el trabajo creativo de diversos músicos y artistas sonoros de origen hispanoamericano y español que actualmente desarrollan su carrera en la ciudad de Nueva York. Con ello, se pretende reflexionar sobre la posibilidad de concebir y articular una identidad latina en el campo de la música experimental. Desde una primera aproximación, se examinan las posibles motivaciones que justifican su adhesión a la escena de la experimentación sonora neoyorquina, así como las razones de su escasa presencia en los mecanismos identitarios que estructuran las comunidades hispanas en los Estados Unidos. Frente a la clásica concepción de la música experimental como una manifestación abstracta, internacional y neutra, cabe cuestionar los aspectos ideológicos que subyacen desde su origen como una expresión de reafirmación cultural estadounidense, primero, y como un mecanismo colonial, después. Esta línea argumental trata de revelar las profundas contradicciones que estos artistas asumen al participar en este contexto. Finalmente, se exploran diversas vías de emancipación presentes en sus respectivos trabajos artísticos, como el uso de la lengua, la incorporación de ciertas visiones reflexivas acerca de las identidades en Latinoamérica y, especialmente, la adopción de planteamientos más críticos respecto del uso y consumo de las tecnologías, que pueden interpretarse como un posicionamiento ideológico afín. &nbsp

[CA] El present treball final de màster consisteix en la composició musical, a través de loops proporcionats per la biblioteca d’àudios de Logic Pro X i sorolls, per al vídeo-dansa “Efímero”, el qual comptarà amb un suport visual elaborat a través de tècniques de videomapping que serviran d’interacció per al ballarí de l’escenografia. Aquesta composició tindrà per objectiu fer sentir al receptor una sèrie d’emocions per les quals passa el subjecte de l’escena enfront d’un problema. En primer lloc trobarem al ballarí buscant l’entesa d’allò que li impedeix ser lliure, per tant se cercarà fer sentir a l’espectador un sentiment de pànic, ansietat i impotència. En segon lloc veurem que el subjecte ha passat per un procés d’acceptació d’eixos sentiments que no el deixaven ser lliure, i ara se sent sol, impotent i dubtós perquè no sap si demanar ajuda. En aquesta etapa l’objectiu serà que el receptor empatitze amb el subjecte i experimente eixa sensació d’opressió personal per la qual algunes persones passen enfront d’un problema. En tercer lloc, i ja de manera final, l’individu aconseguirà alliberar-se d’eixe malestar intern que no el deixava ser feliç, mitjançant la lluita personal i la reflexió. Així doncs, destacaran sentiments com l’alliberació, tranquil·litat, superació personal i la felicitat. Tot açò s’intentarà expressar junt amb una composició musical elaborada amb softwares d’àudio com Reaper, Logic Pro X i Adobe Audition. Tant la música com els efectes visuals, reforcen tots aquests sentiments mencionats donat que la finalitat que es buscarà serà que el receptor empatitze amb el subjecte i descodifique el missatge, que s’intenta transmetre, de manera correcta., [EN] This final master's thesis consists of the musical composition, through loops provided by the Logic Pro X audio library and noises, for the video-dance "Ephemeral", which will have a visual support developed through video mapping techniques that will serve as an interaction for the stage dancer. This composition will aim to make the receiver feel a series of emotions that the subject of the scene goes through in the face of a problem. First of all, we will find the dancer looking for an understanding of what prevents him from being free, then we will try to make the viewer feel a sense of panic, anxiety and helplessness. Secondly, we will see that the subject has gone through a process of accepting those feelings which did not allow him to be free, and now it feels lonely, helpless and doubtful because it does not know whether to ask for help. At this stage the goal will be for the receiver to empathize with the subject and experience that feeling of personal oppression that some people go through with a problem. Third, and finally, the individual will be able to free itself from that inner discomfort that did not allow it to be happy, through personal struggle and reflection. Thus, feelings such as liberation, tranquility, self-improvement, and happiness will stand out. All this will be tried together with a musical composition made in audio software such as Reaper, Logic Pro X and Adobe Audition. Both the music and the visual effects reinforce all these feelings mentioned since the purpose that will be sought will be to empathize with the subject and decode the message, which is trying to convey correctly.

[CA] El present treball final de màster consisteix en la composició musical, a través de loops proporcionats per la biblioteca d’àudios de Logic Pro X i sorolls, per al vídeo-dansa “Efímero”, el qual comptarà amb un suport visual elaborat a través de tècniques de videomapping que serviran d’interacció per al ballarí de l’escenografia. Aquesta composició tindrà per objectiu fer sentir al receptor una sèrie d’emocions per les quals passa el subjecte de l’escena enfront d’un problema. En primer lloc trobarem al ballarí buscant l’entesa d’allò que li impedeix ser lliure, per tant se cercarà fer sentir a l’espectador un sentiment de pànic, ansietat i impotència. En segon lloc veurem que el subjecte ha passat per un procés d’acceptació d’eixos sentiments que no el deixaven ser lliure, i ara se sent sol, impotent i dubtós perquè no sap si demanar ajuda. En aquesta etapa l’objectiu serà que el receptor empatitze amb el subjecte i experimente eixa sensació d’opressió personal per la qual algunes persones passen enfront d’un problema. En tercer lloc, i ja de manera final, l’individu aconseguirà alliberar-se d’eixe malestar intern que no el deixava ser feliç, mitjançant la lluita personal i la reflexió. Així doncs, destacaran sentiments com l’alliberació, tranquil·litat, superació personal i la felicitat. Tot açò s’intentarà expressar junt amb una composició musical elaborada amb softwares d’àudio com Reaper, Logic Pro X i Adobe Audition. Tant la música com els efectes visuals, reforcen tots aquests sentiments mencionats donat que la finalitat que es buscarà serà que el receptor empatitze amb el subjecte i descodifique el missatge, que s’intenta transmetre, de manera correcta., [EN] This final master's thesis consists of the musical composition, through loops provided by the Logic Pro X audio library and noises, for the video-dance "Ephemeral", which will have a visual support developed through video mapping techniques that will serve as an interaction for the stage dancer. This composition will aim to make the receiver feel a series of emotions that the subject of the scene goes through in the face of a problem. First of all, we will find the dancer looking for an understanding of what prevents him from being free, then we will try to make the viewer feel a sense of panic, anxiety and helplessness. Secondly, we will see that the subject has gone through a process of accepting those feelings which did not allow him to be free, and now it feels lonely, helpless and doubtful because it does not know whether to ask for help. At this stage the goal will be for the receiver to empathize with the subject and experience that feeling of personal oppression that some people go through with a problem. Third, and finally, the individual will be able to free itself from that inner discomfort that did not allow it to be happy, through personal struggle and reflection. Thus, feelings such as liberation, tranquility, self-improvement, and happiness will stand out. All this will be tried together with a musical composition made in audio software such as Reaper, Logic Pro X and Adobe Audition. Both the music and the visual effects reinforce all these feelings mentioned since the purpose that will be sought will be to empathize with the subject and decode the message, which is trying to convey correctly.

[CA] El present treball final de màster consisteix en la composició musical, a través de loops proporcionats per la biblioteca d’àudios de Logic Pro X i sorolls, per al vídeo-dansa “Efímero”, el qual comptarà amb un suport visual elaborat a través de tècniques de videomapping que serviran d’interacció per al ballarí de l’escenografia. Aquesta composició tindrà per objectiu fer sentir al receptor una sèrie d’emocions per les quals passa el subjecte de l’escena enfront d’un problema. En primer lloc trobarem al ballarí buscant l’entesa d’allò que li impedeix ser lliure, per tant se cercarà fer sentir a l’espectador un sentiment de pànic, ansietat i impotència. En segon lloc veurem que el subjecte ha passat per un procés d’acceptació d’eixos sentiments que no el deixaven ser lliure, i ara se sent sol, impotent i dubtós perquè no sap si demanar ajuda. En aquesta etapa l’objectiu serà que el receptor empatitze amb el subjecte i experimente eixa sensació d’opressió personal per la qual algunes persones passen enfront d’un problema. En tercer lloc, i ja de manera final, l’individu aconseguirà alliberar-se d’eixe malestar intern que no el deixava ser feliç, mitjançant la lluita personal i la reflexió. Així doncs, destacaran sentiments com l’alliberació, tranquil·litat, superació personal i la felicitat. Tot açò s’intentarà expressar junt amb una composició musical elaborada amb softwares d’àudio com Reaper, Logic Pro X i Adobe Audition. Tant la música com els efectes visuals, reforcen tots aquests sentiments mencionats donat que la finalitat que es buscarà serà que el receptor empatitze amb el subjecte i descodifique el missatge, que s’intenta transmetre, de manera correcta., [EN] This final master's thesis consists of the musical composition, through loops provided by the Logic Pro X audio library and noises, for the video-dance "Ephemeral", which will have a visual support developed through video mapping techniques that will serve as an interaction for the stage dancer. This composition will aim to make the receiver feel a series of emotions that the subject of the scene goes through in the face of a problem. First of all, we will find the dancer looking for an understanding of what prevents him from being free, then we will try to make the viewer feel a sense of panic, anxiety and helplessness. Secondly, we will see that the subject has gone through a process of accepting those feelings which did not allow him to be free, and now it feels lonely, helpless and doubtful because it does not know whether to ask for help. At this stage the goal will be for the receiver to empathize with the subject and experience that feeling of personal oppression that some people go through with a problem. Third, and finally, the individual will be able to free itself from that inner discomfort that did not allow it to be happy, through personal struggle and reflection. Thus, feelings such as liberation, tranquility, self-improvement, and happiness will stand out. All this will be tried together with a musical composition made in audio software such as Reaper, Logic Pro X and Adobe Audition. Both the music and the visual effects reinforce all these feelings mentioned since the purpose that will be sought will be to empathize with the subject and decode the message, which is trying to convey correctly.

[CA] El present treball final de màster consisteix en la composició musical, a través de loops proporcionats per la biblioteca d’àudios de Logic Pro X i sorolls, per al vídeo-dansa “Efímero”, el qual comptarà amb un suport visual elaborat a través de tècniques de videomapping que serviran d’interacció per al ballarí de l’escenografia. Aquesta composició tindrà per objectiu fer sentir al receptor una sèrie d’emocions per les quals passa el subjecte de l’escena enfront d’un problema. En primer lloc trobarem al ballarí buscant l’entesa d’allò que li impedeix ser lliure, per tant se cercarà fer sentir a l’espectador un sentiment de pànic, ansietat i impotència. En segon lloc veurem que el subjecte ha passat per un procés d’acceptació d’eixos sentiments que no el deixaven ser lliure, i ara se sent sol, impotent i dubtós perquè no sap si demanar ajuda. En aquesta etapa l’objectiu serà que el receptor empatitze amb el subjecte i experimente eixa sensació d’opressió personal per la qual algunes persones passen enfront d’un problema. En tercer lloc, i ja de manera final, l’individu aconseguirà alliberar-se d’eixe malestar intern que no el deixava ser feliç, mitjançant la lluita personal i la reflexió. Així doncs, destacaran sentiments com l’alliberació, tranquil·litat, superació personal i la felicitat. Tot açò s’intentarà expressar junt amb una composició musical elaborada amb softwares d’àudio com Reaper, Logic Pro X i Adobe Audition. Tant la música com els efectes visuals, reforcen tots aquests sentiments mencionats donat que la finalitat que es buscarà serà que el receptor empatitze amb el subjecte i descodifique el missatge, que s’intenta transmetre, de manera correcta., [EN] This final master's thesis consists of the musical composition, through loops provided by the Logic Pro X audio library and noises, for the video-dance "Ephemeral", which will have a visual support developed through video mapping techniques that will serve as an interaction for the stage dancer. This composition will aim to make the receiver feel a series of emotions that the subject of the scene goes through in the face of a problem. First of all, we will find the dancer looking for an understanding of what prevents him from being free, then we will try to make the viewer feel a sense of panic, anxiety and helplessness. Secondly, we will see that the subject has gone through a process of accepting those feelings which did not allow him to be free, and now it feels lonely, helpless and doubtful because it does not know whether to ask for help. At this stage the goal will be for the receiver to empathize with the subject and experience that feeling of personal oppression that some people go through with a problem. Third, and finally, the individual will be able to free itself from that inner discomfort that did not allow it to be happy, through personal struggle and reflection. Thus, feelings such as liberation, tranquility, self-improvement, and happiness will stand out. All this will be tried together with a musical composition made in audio software such as Reaper, Logic Pro X and Adobe Audition. Both the music and the visual effects reinforce all these feelings mentioned since the purpose that will be sought will be to empathize with the subject and decode the message, which is trying to convey correctly.

PROPUESTA CONCEPTUAL Las viviendas situadas encima del acantilado aun estando muy próximas, no se consideran como variable en este proyecto. Se trata de un tejido perteneciente a Algorta y está acompañado del antiguo barrio de pescadores cuyo trazado está aún más definido y no precisa encontrarse con los usos desarrollados en la cota de la explanada. No obstante, se propone una comunicación directa con el parque que salva las dos cotas que actualmente cuenta con un ascensor. Se decide reubicar este ascensor formando un puente que sirva de pórtico bajo el que entren sólo vehículos autorizados al espacio servidor que bordeará el edificio entre el muro y éste. Es por ello que la composición del proyecto no busca encontrar relaciones con los edificios sobre el acantilado, llegando en su caso a contrastar notablemente con ambos tejidos. Se decide configurar un volumen heterogéneo en sí mismo pero exento del entorno, ya que se entiende que cualquier arquitectura colocada aquí tiene que entenderse desde un punto de vista urbano más que de una mimetización con la naturaleza. El edificio define sus bordes y su relación distante con el entorno, doblándose y enfatizando las virtudes de esta parcela. Se entiende también como un telón de fondo de un paseo de varios kilómetros desde el origen de la ciudad en el Casco Viejo de Bilbao, por lo que se entiende como oportuno recoger la materialidad de toda la variedad de arquitectura que se recorre por la ría hasta llegar dicho telón. Parece un error también robarle a la ciudad un terreno tan interesante para una función que, pese a no ser ajena al lugar, (se dan conciertos a menudo en la explanada), hace que el edificio se convierta en un intruso. Por ello se decide devolver el suelo que ocupa el edificio en la cubierta, de forma que el paisaje pueda verse desde una cota lo suficientemente alta como para ganar en perspectiva y ofrecer mejores vistas a un solar sentenciado por la planeidad. Eso sí, esta nueva topografía tendrá los obs

This article addresses various approaches to the category of ‘sound art’ in order to question some of the aesthetic and historical arguments that supposedly support it. On the one hand, some ideas related to the notion of sound art as a discipline that is clearly differentiated from the field of musical creation will be reviewed. At the opposite side, the conception of sound art as an emerging field and meeting point of different disciplines in dissolution raises other interesting thoughts, such as the failure to achieve an effective symbolic legitimation through an independent canon, the processes that argue the appropriation of the term itself, the acceptance of the music as a possible depleted category, etc. The contradictions derived from this line of argument question whether it is only a theoretical or artistic discussion, or if, rather, other aspects participate effectively in the creation and delimitation of the various contexts of sound art (festivals, exhibitions, journals...). In this sense, graphic music –from its conception as a hybrid artistic manifestation– notes some ideological mechanisms that deny the fact that their presence/absence within the spaces of the art sound is due only to artistic reasons., Este artículo aborda diversas aproximaciones a la categoría de arte sonoro con el fin de cuestionar algunos de los argumentos estéticos e históricos que supuestamente la sustentan. Por una parte, se revisarán algunas ideas vinculadas a la noción de arte sonoro como disciplina claramente diferenciada del campo de la creación musical. En el lado opuesto, la concepción del arte sonoro como un campo emergente y punto de encuentro de distintas disciplinas en disolución plantea otras interesantes reflexiones, como la imposibilidad de alcanzar una efectiva legitimación simbólica a través de un canon independiente, los procesos que argumentan la asimilación del propio término, la aceptación de la música como una posible categoría agotada, etc. Las contradicciones que se derivan de esta línea argumental cuestionan si se trata únicamente de un debate de naturaleza teórica o artística o si, más bien, son otros aspectos –de carácter sociológico– los que operan efectivamente en la creación y delimitación de los diversos contextos del arte sonoro. En este sentido, el grafismo musical, desde su concepción como manifestación artística híbrida, pone de relieve algunos mecanismos ideológicos que niegan que su presencia/ausencia dentro de los espacios del arte sonoro se deba únicamente a motivos de naturaleza artística.

Sound presents an important opposition to ocularcentrism, based on the priority of sight in the perception of the plastic arts before the rest of the main human senses. The acceptance and inclusion of sound in sound sculpture helps us to eliminate said hegemony as a receiving organ, allowing us to perceive emotions and artistic experiences through the ears and the rest of the body. Sound, as a sculptural material, defines its environment and transforms it spatially, hence its sculptural qualities., El sonido presenta unaimportante oposición frente alocularcentrismo, basadoen la prioridad de la vistaen la percepción de las artes plásticas ante al resto de los sentidos humanos principales. La aceptación e inclusión del sonido en la escultura sonoranos ayuda a eliminar dicha hegemonía como órgano receptor, permitiéndonos percibir las emociones y experiencias artísticas a través de los oídos y delresto del cuerpo. El sonido, como materiaescultórica, define su entornoy lo transforma espacialmente, de ahí sus cualidades escultóricas.

PROPUESTA CONCEPTUAL Las viviendas situadas encima del acantilado aun estando muy próximas, no se consideran como variable en este proyecto. Se trata de un tejido perteneciente a Algorta y está acompañado del antiguo barrio de pescadores cuyo trazado está aún más definido y no precisa encontrarse con los usos desarrollados en la cota de la explanada. No obstante, se propone una comunicación directa con el parque que salva las dos cotas que actualmente cuenta con un ascensor. Se decide reubicar este ascensor formando un puente que sirva de pórtico bajo el que entren sólo vehículos autorizados al espacio servidor que bordeará el edificio entre el muro y éste. Es por ello que la composición del proyecto no busca encontrar relaciones con los edificios sobre el acantilado, llegando en su caso a contrastar notablemente con ambos tejidos. Se decide configurar un volumen heterogéneo en sí mismo pero exento del entorno, ya que se entiende que cualquier arquitectura colocada aquí tiene que entenderse desde un punto de vista urbano más que de una mimetización con la naturaleza. El edificio define sus bordes y su relación distante con el entorno, doblándose y enfatizando las virtudes de esta parcela. Se entiende también como un telón de fondo de un paseo de varios kilómetros desde el origen de la ciudad en el Casco Viejo de Bilbao, por lo que se entiende como oportuno recoger la materialidad de toda la variedad de arquitectura que se recorre por la ría hasta llegar dicho telón. Parece un error también robarle a la ciudad un terreno tan interesante para una función que, pese a no ser ajena al lugar, (se dan conciertos a menudo en la explanada), hace que el edificio se convierta en un intruso. Por ello se decide devolver el suelo que ocupa el edificio en la cubierta, de forma que el paisaje pueda verse desde una cota lo suficientemente alta como para ganar en perspectiva y ofrecer mejores vistas a un solar sentenciado por la planeidad. Eso sí, esta nueva topografía tendrá los obs

Sound presents an important opposition to ocularcentrism, based on the priority of sight in the perception of the plastic arts before the rest of the main human senses. The acceptance and inclusion of sound in sound sculpture helps us to eliminate said hegemony as a receiving organ, allowing us to perceive emotions and artistic experiences through the ears and the rest of the body. Sound, as a sculptural material, defines its environment and transforms it spatially, hence its sculptural qualities., El sonido presenta unaimportante oposición frente alocularcentrismo, basadoen la prioridad de la vistaen la percepción de las artes plásticas ante al resto de los sentidos humanos principales. La aceptación e inclusión del sonido en la escultura sonoranos ayuda a eliminar dicha hegemonía como órgano receptor, permitiéndonos percibir las emociones y experiencias artísticas a través de los oídos y delresto del cuerpo. El sonido, como materiaescultórica, define su entornoy lo transforma espacialmente, de ahí sus cualidades escultóricas.

This article addresses various approaches to the category of ‘sound art’ in order to question some of the aesthetic and historical arguments that supposedly support it. On the one hand, some ideas related to the notion of sound art as a discipline that is clearly differentiated from the field of musical creation will be reviewed. At the opposite side, the conception of sound art as an emerging field and meeting point of different disciplines in dissolution raises other interesting thoughts, such as the failure to achieve an effective symbolic legitimation through an independent canon, the processes that argue the appropriation of the term itself, the acceptance of the music as a possible depleted category, etc. The contradictions derived from this line of argument question whether it is only a theoretical or artistic discussion, or if, rather, other aspects participate effectively in the creation and delimitation of the various contexts of sound art (festivals, exhibitions, journals...). In this sense, graphic music –from its conception as a hybrid artistic manifestation– notes some ideological mechanisms that deny the fact that their presence/absence within the spaces of the art sound is due only to artistic reasons., Este artículo aborda diversas aproximaciones a la categoría de arte sonoro con el fin de cuestionar algunos de los argumentos estéticos e históricos que supuestamente la sustentan. Por una parte, se revisarán algunas ideas vinculadas a la noción de arte sonoro como disciplina claramente diferenciada del campo de la creación musical. En el lado opuesto, la concepción del arte sonoro como un campo emergente y punto de encuentro de distintas disciplinas en disolución plantea otras interesantes reflexiones, como la imposibilidad de alcanzar una efectiva legitimación simbólica a través de un canon independiente, los procesos que argumentan la asimilación del propio término, la aceptación de la música como una posible categoría agotada, etc. Las contradicciones que se derivan de esta línea argumental cuestionan si se trata únicamente de un debate de naturaleza teórica o artística o si, más bien, son otros aspectos –de carácter sociológico– los que operan efectivamente en la creación y delimitación de los diversos contextos del arte sonoro. En este sentido, el grafismo musical, desde su concepción como manifestación artística híbrida, pone de relieve algunos mecanismos ideológicos que niegan que su presencia/ausencia dentro de los espacios del arte sonoro se deba únicamente a motivos de naturaleza artística.

PROPUESTA CONCEPTUAL Las viviendas situadas encima del acantilado aun estando muy próximas, no se consideran como variable en este proyecto. Se trata de un tejido perteneciente a Algorta y está acompañado del antiguo barrio de pescadores cuyo trazado está aún más definido y no precisa encontrarse con los usos desarrollados en la cota de la explanada. No obstante, se propone una comunicación directa con el parque que salva las dos cotas que actualmente cuenta con un ascensor. Se decide reubicar este ascensor formando un puente que sirva de pórtico bajo el que entren sólo vehículos autorizados al espacio servidor que bordeará el edificio entre el muro y éste. Es por ello que la composición del proyecto no busca encontrar relaciones con los edificios sobre el acantilado, llegando en su caso a contrastar notablemente con ambos tejidos. Se decide configurar un volumen heterogéneo en sí mismo pero exento del entorno, ya que se entiende que cualquier arquitectura colocada aquí tiene que entenderse desde un punto de vista urbano más que de una mimetización con la naturaleza. El edificio define sus bordes y su relación distante con el entorno, doblándose y enfatizando las virtudes de esta parcela. Se entiende también como un telón de fondo de un paseo de varios kilómetros desde el origen de la ciudad en el Casco Viejo de Bilbao, por lo que se entiende como oportuno recoger la materialidad de toda la variedad de arquitectura que se recorre por la ría hasta llegar dicho telón. Parece un error también robarle a la ciudad un terreno tan interesante para una función que, pese a no ser ajena al lugar, (se dan conciertos a menudo en la explanada), hace que el edificio se convierta en un intruso. Por ello se decide devolver el suelo que ocupa el edificio en la cubierta, de forma que el paisaje pueda verse desde una cota lo suficientemente alta como para ganar en perspectiva y ofrecer mejores vistas a un solar sentenciado por la planeidad. Eso sí, esta nueva topografía tendrá los obs

Sound presents an important opposition to ocularcentrism, based on the priority of sight in the perception of the plastic arts before the rest of the main human senses. The acceptance and inclusion of sound in sound sculpture helps us to eliminate said hegemony as a receiving organ, allowing us to perceive emotions and artistic experiences through the ears and the rest of the body. Sound, as a sculptural material, defines its environment and transforms it spatially, hence its sculptural qualities., El sonido presenta unaimportante oposición frente alocularcentrismo, basadoen la prioridad de la vistaen la percepción de las artes plásticas ante al resto de los sentidos humanos principales. La aceptación e inclusión del sonido en la escultura sonoranos ayuda a eliminar dicha hegemonía como órgano receptor, permitiéndonos percibir las emociones y experiencias artísticas a través de los oídos y delresto del cuerpo. El sonido, como materiaescultórica, define su entornoy lo transforma espacialmente, de ahí sus cualidades escultóricas.

[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto., [EN] The PDP11 collective is a group of artists that come from punk, rock, bossa nova, experimental cinema, interactive art and video art. In the beginning, the collective focused its work on the relationships between sound and image. PDP11 builds its visual discourse on the margin of the tangible by raising the sound to the irrational firmament of mathematics and from there, it untaintedly takes on a new identity, the dimension of colors. The sound left to the swing of the moment takes its form in noises, distortions, guitars, synthesizers, basses, voices and silences. The projects are developed collectively from an idea modulated by personal contributions during its development. The Antimatter project that we present is inspired by the physical concept of antimatter. The universe of the particles and antiparticles, and especially the transformation that occurs when they collide, bases the structure of this project.

[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto., [EN] The PDP11 collective is a group of artists that come from punk, rock, bossa nova, experimental cinema, interactive art and video art. In the beginning, the collective focused its work on the relationships between sound and image. PDP11 builds its visual discourse on the margin of the tangible by raising the sound to the irrational firmament of mathematics and from there, it untaintedly takes on a new identity, the dimension of colors. The sound left to the swing of the moment takes its form in noises, distortions, guitars, synthesizers, basses, voices and silences. The projects are developed collectively from an idea modulated by personal contributions during its development. The Antimatter project that we present is inspired by the physical concept of antimatter. The universe of the particles and antiparticles, and especially the transformation that occurs when they collide, bases the structure of this project.

[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto., [EN] The PDP11 collective is a group of artists that come from punk, rock, bossa nova, experimental cinema, interactive art and video art. In the beginning, the collective focused its work on the relationships between sound and image. PDP11 builds its visual discourse on the margin of the tangible by raising the sound to the irrational firmament of mathematics and from there, it untaintedly takes on a new identity, the dimension of colors. The sound left to the swing of the moment takes its form in noises, distortions, guitars, synthesizers, basses, voices and silences. The projects are developed collectively from an idea modulated by personal contributions during its development. The Antimatter project that we present is inspired by the physical concept of antimatter. The universe of the particles and antiparticles, and especially the transformation that occurs when they collide, bases the structure of this project.

[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto., [EN] The PDP11 collective is a group of artists that come from punk, rock, bossa nova, experimental cinema, interactive art and video art. In the beginning, the collective focused its work on the relationships between sound and image. PDP11 builds its visual discourse on the margin of the tangible by raising the sound to the irrational firmament of mathematics and from there, it untaintedly takes on a new identity, the dimension of colors. The sound left to the swing of the moment takes its form in noises, distortions, guitars, synthesizers, basses, voices and silences. The projects are developed collectively from an idea modulated by personal contributions during its development. The Antimatter project that we present is inspired by the physical concept of antimatter. The universe of the particles and antiparticles, and especially the transformation that occurs when they collide, bases the structure of this project.

This article aims to be an analytical-reflective approach to the role of the musical interpreter in the field of contemporary and experimental music today. From its origins and from the moment in which the interpreter was separated from the figure of the composer, their functions and ways of approaching music, their study and interpretation have been changing. These variations, however, remain closely linked to the changes of currents and compositional visions and how they define the concepts of musical idea, creative process or sound result. The term used to describe this new type of performer, extended performer, refers to how this function has been extended, expanded, beyond the limits of an instrumental or performative practice. Profiling the historical origins of the musical performer and going through the paradigm changes that took place during the 20th century with the different avant-garde currents and with proper names, such as John Cage or Pierre Boulez, we will reach the aforementioned extended performer of the present, exemplifying this new figure through current compositional movements, the importance of digitization in art and how it has raised a new relationship between the performer and their instrument, Este artigo pretende ser uma aproximação analítica-reflexiva da função do intérprete musical no campo da música contemporânea e experimental hoje em dia. Desde suas origens e desde o momento em que o intérprete se desligou da figura do compositor, suas funções e maneiras de abordar a música, seu estudo e interpretação vêm variando. Estas variações, contudo, continuam estreitamente vinculadas às mudanças de correntes e visões compositivas e de como estas definem os conceitos de ideia musical, processo criativo ou resultado sonoro. O termo utilizado para descrever este novo tipo de intérprete, extended performer, se refere à maneira como esta função tem se estendido, expandido, mais além dos limites de uma prática instrumental ou performativa. Perfilando as origens históricas do intérprete musical e passando pelas mudanças de paradigma sucedidas durante o século XX com as diferentes correntes vanguardistas e com nomes próprios, tais como John Cage ou Pierre Boulez, chegaremos ao citado extended performer atual, exemplificando esta nova figura a través de movimentos compositivos atuais, a importância da digitalização na arte e como esta tem abordado uma nova relação entre a intérprete e seu instrumento., Este artículo pretende ser una aproximación analítico-reflexiva de la función del intérprete musical en el campo de la música contemporánea y experimental hoy en día. Desde sus orígenes y desde el momento en que el intérprete se desligó de la figura del compositor, sus funciones y maneras de abordar la música, su estudio e interpretación han ido variando. Estas variaciones, sin embargo, siguen estrechamente vinculadas a los cambios de corrientes y visiones compositivas y de cómo estas definen los conceptos de idea musical, proceso creativo o resultado sonoro. El término utilizado para describir a este nuevo tipo de intérprete, extended performer, se refiere a cómo esta función se ha extendido, expandido, más allá de los límites de una práctica instrumental o performativa. Perfilando los orígenes históricos del intérprete musical y pasando por los cambios de paradigma que sucedieron durante el siglo XX con las diferentes corrientes vanguardistas y con nombres propios, tales como John Cage o Pierre Boulez, llegaremos al citado extended performer actual, ejemplificando esta nueva figura a través de movimientos compositivos actuales, la importancia de la digitalización en el arte y cómo esta ha planteado una nueva relación entre el intérprete y su instrumento

The present study aims to assess the effect of the methodological proposal regarding the application of experimental music in the development of creative qualities in music students. The proposal includes resources such as soundscapes, improvisation, cheironomy, foley, unconventional scores, composition and interdisciplinary practices. It was applied in the José María Rodríguez Conservatory of Music, using a random sample of students from 13 to 17 years old, as part of a program of elective classes whose duration was four months. A test was administered before and after the intervention of the methodological proposal to measure the students’ levels of musical creativity, in particular to assess their development along the four parameters assumed as quantitative criteria: extensiveness, flexibility, originality and syntax. The analysis of the results revealed that the methodological proposal does contribute to the increase of the mastery levels of these parameters in the students, which verifies and validates the hypothesis of the investigation. In the study it was demonstrated that including experimental music in music education programs, using the theoretical basis and the resources of the proposal, go beyond the expectation of only producing creative professional artists, as in addition to this, it is possible to develop sensitivity to the environment and collaborative skills, aspects very necessary for successful performance in many professions and in life in general.

This paper aims to investigate the process of conducting the first event of Experimenta, directed by Claudio Koremblit, which took place between March and November of 1997 at the Ricardo Rojas Cultural Center in the city of Buenos Aires. This events allows us to organize a first approach to the study of these other sonic circulations, in a game of tensions with the local hegemonic musical canon of the time. The text will attempt to record the possible resonances and divergences with other historical processes and events, in conjunction with the emergence of incipient theories and practices on sound, both locally and internationally., Cette étude vise à analyser le processus de réalisation du premier cycle d’Experimenta, dirigé par Claudio Koremblit, qui s’est déroulé entre mars et novembre 1997 au Centre Culturel Ricardo Rojas de la ville de Buenos Aires. Ce cycle a permis de mettre en place une première approche pour l’étude des manifestations sonores, dans un jeu de tensions avec le canon musical hégémonique local de l’époque. Le texte tentera de relever les résonances et les divergences possibles avec d’autres processus et événements historiques, ainsi que l’émergence de théories et de pratiques naissantes sur le son, à la fois localement et internationalement., Este trabalho tem como objetivo pesquisar o processo de realização do primeiro ciclo da Experimenta, dirigido por Claudio Koremblit, que teve lugar entre março e novembro de 1997 no Centro Cultural Ricardo Rojas, na cidade de Buenos Aires. Este ciclo permite organizar uma primeira abordagem para o estudo dessas outras circulações do som, em um jogo de tensões com o canon musical hegemônico local da época. O texto tentará registrar as possíveis ressonâncias e divergências com outros processos e eventos históricos, em conjunto com o surgimento de teorias e práticas incipientes sobre o som, tanto local como internacionalmente., El presente trabajo pretende indagar en el proceso de realización del primer ciclo de Experimenta, dirigido por Claudio Koremblit, ocurrido entre marzo y noviembre de 1997 en el Centro Cultural Ricardo Rojas de la ciudad de Buenos Aires. Este ciclo permite organizar un primer acercamiento al estudio de esas otras circulaciones de lo sonoro, en un juego de tensiones con el canon musical hegemónico local de la época. El texto intentará registrar las posibles resonancias y divergencias con otros procesos y acontecimientos históricos, en conjunto con la emergencia de incipientes teorías y prácticas sobre lo sonoro tanto a nivel local como internacional.

The present study aims to assess the effect of the methodological proposal regarding the application of experimental music in the development of creative qualities in music students. The proposal includes resources such as soundscapes, improvisation, cheironomy, foley, unconventional scores, composition and interdisciplinary practices. It was applied in the José María Rodríguez Conservatory of Music, using a random sample of students from 13 to 17 years old, as part of a program of elective classes whose duration was four months. A test was administered before and after the intervention of the methodological proposal to measure the students’ levels of musical creativity, in particular to assess their development along the four parameters assumed as quantitative criteria: extensiveness, flexibility, originality and syntax. The analysis of the results revealed that the methodological proposal does contribute to the increase of the mastery levels of these parameters in the students, which verifies and validates the hypothesis of the investigation. In the study it was demonstrated that including experimental music in music education programs, using the theoretical basis and the resources of the proposal, go beyond the expectation of only producing creative professional artists, as in addition to this, it is possible to develop sensitivity to the environment and collaborative skills, aspects very necessary for successful performance in many professions and in life in general.

The present study aims to assess the effect of the methodological proposal regarding the application of experimental music in the development of creative qualities in music students. The proposal includes resources such as soundscapes, improvisation, cheironomy, foley, unconventional scores, composition and interdisciplinary practices. It was applied in the José María Rodríguez Conservatory of Music, using a random sample of students from 13 to 17 years old, as part of a program of elective classes whose duration was four months. A test was administered before and after the intervention of the methodological proposal to measure the students’ levels of musical creativity, in particular to assess their development along the four parameters assumed as quantitative criteria: extensiveness, flexibility, originality and syntax. The analysis of the results revealed that the methodological proposal does contribute to the increase of the mastery levels of these parameters in the students, which verifies and validates the hypothesis of the investigation. In the study it was demonstrated that including experimental music in music education programs, using the theoretical basis and the resources of the proposal, go beyond the expectation of only producing creative professional artists, as in addition to this, it is possible to develop sensitivity to the environment and collaborative skills, aspects very necessary for successful performance in many professions and in life in general.

[EN] The idea of obtaining images from music has been treated over the centuries; not as an independent movement but always within the cultural and technological context of each era. This historical effort can be grouped into what has come to be called Visual Music, Sound Visualization or Visual Sound that bases its nature on the notion of synesthesia (Brougher 2005).The field of Visual Music has always been marked by the technological media involved in the creation of images. In this work, we conducted a historical review of some of the contributions that we consider most relevant, focusing on the relationship between technology and art. Our historical review begins with the first intuitions of the Greek philosophers to relate colour and sound and ends at the beginning of the digital age., [ES] La idea de obtener imágenes a partir de la música ha sido tratada a lo largo de los siglos; no como un movimiento independiente sino siempre dentro del contexto cultural y tecnológico de cada época. Este esfuerzo histórico se puede agrupar en lo que se ha venido a denominar Música Visual, Visualización del Sonido o Sonido Visual que fundamenta su naturaleza en la noción de sinestesia (Brougher 2005). El campo de la Música Visual siempre ha estado marcado por los medios tecnológicos involucrados en la creación de imágenes. En este trabajo realizamos una revisión histórica de algunas de las aportaciones que consideramos más relevantes centrándonos en las relaciones entre tecnología y arte. Nuestro repaso se inicia con las primeras intuiciones de los filósofos griegos de relacionar color y sonido y termina en los inicios de la era digital.

[EN] The idea of obtaining images from music has been treated over the centuries; not as an independent movement but always within the cultural and technological context of each era. This historical effort can be grouped into what has come to be called Visual Music, Sound Visualization or Visual Sound that bases its nature on the notion of synesthesia (Brougher 2005).The field of Visual Music has always been marked by the technological media involved in the creation of images. In this work, we conducted a historical review of some of the contributions that we consider most relevant, focusing on the relationship between technology and art. Our historical review begins with the first intuitions of the Greek philosophers to relate colour and sound and ends at the beginning of the digital age., [ES] La idea de obtener imágenes a partir de la música ha sido tratada a lo largo de los siglos; no como un movimiento independiente sino siempre dentro del contexto cultural y tecnológico de cada época. Este esfuerzo histórico se puede agrupar en lo que se ha venido a denominar Música Visual, Visualización del Sonido o Sonido Visual que fundamenta su naturaleza en la noción de sinestesia (Brougher 2005). El campo de la Música Visual siempre ha estado marcado por los medios tecnológicos involucrados en la creación de imágenes. En este trabajo realizamos una revisión histórica de algunas de las aportaciones que consideramos más relevantes centrándonos en las relaciones entre tecnología y arte. Nuestro repaso se inicia con las primeras intuiciones de los filósofos griegos de relacionar color y sonido y termina en los inicios de la era digital.

Kinesound is a natural user interface that works as a musical instrument. It consists of an iPhone 5 mobile phone, a special bracelet, a computer and custom made software built in the Pure Data IDE. This instrument is played with the mobile phone¿s movement, which is fixed onto the user¿s arm with the bracelet. The sound is generated through the software in the computer, which receives the sensors¿ information from the mobile phone. It¿s a tool that serves the purposes of: - Offering the experience of musical creation to beginners and experts as well. - Revealing another vision of the body, its movements and gestures, through a sonic aesthetic. - Prioritize principles of improvisation, intuition, observation, experimentation, the non-academic, spontaneity and expression in the practice of music and sound art., Kinesound es una interfaz natural de usuario que sirve como instrumento musical. Está compuesta por un teléfono móvil iPhone 5, un brazalete especial, un ordenador y un programa construido en Pure Data. El instrumento se utiliza con el movimiento libre del móvil, que va ajustado al brazo con el brazalete. El sonido se genera a través del programa especial, que recibe información de los sensores del teléfono móvil. Es una herramienta que tiene como propósito: - Brindar una experiencia de creación musical tanto a principiantes como expertos. - A través de una estética sonora, exponer otra visión sobre el cuerpo, los gestos y el movimiento. - Dar valor dentro de la música y el arte sonoro a principios como la improvisación, la intuición, la observación, la experimentación, lo no formal, lo espontáneo y la expresividad.

Kinesound is a natural user interface that works as a musical instrument. It consists of an iPhone 5 mobile phone, a special bracelet, a computer and custom made software built in the Pure Data IDE. This instrument is played with the mobile phone¿s movement, which is fixed onto the user¿s arm with the bracelet. The sound is generated through the software in the computer, which receives the sensors¿ information from the mobile phone. It¿s a tool that serves the purposes of: - Offering the experience of musical creation to beginners and experts as well. - Revealing another vision of the body, its movements and gestures, through a sonic aesthetic. - Prioritize principles of improvisation, intuition, observation, experimentation, the non-academic, spontaneity and expression in the practice of music and sound art., Kinesound es una interfaz natural de usuario que sirve como instrumento musical. Está compuesta por un teléfono móvil iPhone 5, un brazalete especial, un ordenador y un programa construido en Pure Data. El instrumento se utiliza con el movimiento libre del móvil, que va ajustado al brazo con el brazalete. El sonido se genera a través del programa especial, que recibe información de los sensores del teléfono móvil. Es una herramienta que tiene como propósito: - Brindar una experiencia de creación musical tanto a principiantes como expertos. - A través de una estética sonora, exponer otra visión sobre el cuerpo, los gestos y el movimiento. - Dar valor dentro de la música y el arte sonoro a principios como la improvisación, la intuición, la observación, la experimentación, lo no formal, lo espontáneo y la expresividad.

Kinesound is a natural user interface that works as a musical instrument. It consists of an iPhone 5 mobile phone, a special bracelet, a computer and custom made software built in the Pure Data IDE. This instrument is played with the mobile phone¿s movement, which is fixed onto the user¿s arm with the bracelet. The sound is generated through the software in the computer, which receives the sensors¿ information from the mobile phone. It¿s a tool that serves the purposes of: - Offering the experience of musical creation to beginners and experts as well. - Revealing another vision of the body, its movements and gestures, through a sonic aesthetic. - Prioritize principles of improvisation, intuition, observation, experimentation, the non-academic, spontaneity and expression in the practice of music and sound art., Kinesound es una interfaz natural de usuario que sirve como instrumento musical. Está compuesta por un teléfono móvil iPhone 5, un brazalete especial, un ordenador y un programa construido en Pure Data. El instrumento se utiliza con el movimiento libre del móvil, que va ajustado al brazo con el brazalete. El sonido se genera a través del programa especial, que recibe información de los sensores del teléfono móvil. Es una herramienta que tiene como propósito: - Brindar una experiencia de creación musical tanto a principiantes como expertos. - A través de una estética sonora, exponer otra visión sobre el cuerpo, los gestos y el movimiento. - Dar valor dentro de la música y el arte sonoro a principios como la improvisación, la intuición, la observación, la experimentación, lo no formal, lo espontáneo y la expresividad.

Kinesound is a natural user interface that works as a musical instrument. It consists of an iPhone 5 mobile phone, a special bracelet, a computer and custom made software built in the Pure Data IDE. This instrument is played with the mobile phone¿s movement, which is fixed onto the user¿s arm with the bracelet. The sound is generated through the software in the computer, which receives the sensors¿ information from the mobile phone. It¿s a tool that serves the purposes of: - Offering the experience of musical creation to beginners and experts as well. - Revealing another vision of the body, its movements and gestures, through a sonic aesthetic. - Prioritize principles of improvisation, intuition, observation, experimentation, the non-academic, spontaneity and expression in the practice of music and sound art., Kinesound es una interfaz natural de usuario que sirve como instrumento musical. Está compuesta por un teléfono móvil iPhone 5, un brazalete especial, un ordenador y un programa construido en Pure Data. El instrumento se utiliza con el movimiento libre del móvil, que va ajustado al brazo con el brazalete. El sonido se genera a través del programa especial, que recibe información de los sensores del teléfono móvil. Es una herramienta que tiene como propósito: - Brindar una experiencia de creación musical tanto a principiantes como expertos. - A través de una estética sonora, exponer otra visión sobre el cuerpo, los gestos y el movimiento. - Dar valor dentro de la música y el arte sonoro a principios como la improvisación, la intuición, la observación, la experimentación, lo no formal, lo espontáneo y la expresividad.

This work begins narrating how folk music has always been a remnant in the influence on classical composers. It makes special mention of origin Hungarian musicians Bela Bartok, Zoltan Kodaly. This Musicians are considerate in this work as the most immediate ancestors of an experimental musicians northamericans, because both are influenced by their passion for folk music. We select as musicians principals exponents of American experimental music to John Cage, Lou Harrison and Carl Ruggles. Their works will be considered and analyzed in this text as the sounds as the experiences. Composers that will analyze the sound as experience, as feeling, as emotion, as time and origin. related traits in folk music and experimental music. Not forgetting in this work, and in his final considerations, the relationship between the musician, creation, society and art., Este trabajo inicia su desarrollo teórico en la influencia de la música folklórica en los compositores de la música clásica. Para este propósito tomamos como ejemplo a los compositores y músicos de origen húngaro Béla Bartók, Zoltán Kodály. Éstos músicos son considerados en este trabajo como los antepasados más inmediatos de los músicos experimentales norteamericanos. Sobre todo, por la pasión e influencia de la música folclórica. En el presente texto se toman como exponentes de la música experimental norteamericana a los músicos John Cage, Lou Harrison y Carl Ruggles. Las obras de estos músicos serán consideradas en este trabajo como experiencias del sonido. En estos compositores analizaremos el concepto de música como experiencia, sensación, emoción, tiempo y origen. Rasgos que son compartidos por la música folclórica y por la música experimental. Sin olvidar en este trabajo, y en sus consideraciones finales, la relación entre el músico, la creación, la sociedad y el arte.

This work begins narrating how folk music has always been a remnant in the influence on classical composers. It makes special mention of origin Hungarian musicians Bela Bartok, Zoltan Kodaly. This Musicians are considerate in this work as the most immediate ancestors of an experimental musicians northamericans, because both are influenced by their passion for folk music. We select as musicians principals exponents of American experimental music to John Cage, Lou Harrison and Carl Ruggles. Their works will be considered and analyzed in this text as the sounds as the experiences. Composers that will analyze the sound as experience, as feeling, as emotion, as time and origin. related traits in folk music and experimental music. Not forgetting in this work, and in his final considerations, the relationship between the musician, creation, society and art., Este trabajo inicia su desarrollo teórico en la influencia de la música folklórica en los compositores de la música clásica. Para este propósito tomamos como ejemplo a los compositores y músicos de origen húngaro Béla Bartók, Zoltán Kodály. Éstos músicos son considerados en este trabajo como los antepasados más inmediatos de los músicos experimentales norteamericanos. Sobre todo, por la pasión e influencia de la música folclórica. En el presente texto se toman como exponentes de la música experimental norteamericana a los músicos John Cage, Lou Harrison y Carl Ruggles. Las obras de estos músicos serán consideradas en este trabajo como experiencias del sonido. En estos compositores analizaremos el concepto de música como experiencia, sensación, emoción, tiempo y origen. Rasgos que son compartidos por la música folclórica y por la música experimental. Sin olvidar en este trabajo, y en sus consideraciones finales, la relación entre el músico, la creación, la sociedad y el arte.

The present work seeks to deal with sound art, electronic and experimental music, and identifies its creators, their tools, methodologies and definitions, in the city of Medellín in the decade of 2004 to 2014. In this way, a state of the art is established. Art that evidences a counterpoint between his sonorous poetics. This text is, then, the first part of a project that is just beginning, its approach, search and preliminary results formalized in reflective tone., El presente trabajo busca ocuparse del arte sonoro, la música electrónica y experimental, e identifica sus creadores, sus herramientas, metodologías y definiciones, en la ciudad de Medellín en la década del 2004 al 2014. De esta manera, se establece un estado del arte que evidencia un contrapunto entre sus poéticas sonoras. Este texto es, entonces, la primera parte de un proyecto que apenas empieza, su planteamiento, búsqueda y resultados preliminares formalizados en tono reflexivo.

Música d'avantguarda apareguda a Europa i als Estats Units al principi dels anys c inquanta del segle XX. La característica principal és que es basa en recursos compositius no enfocats tant cap al producte musical com cap a l'experimentació per ella mateixa.

El presente escrito da cuenta de la creación y el desarrollo de un laboratorio de improvisación para cantantes. El objetivo del laboratorio fue utilizar la improvisación vocal colectiva y las posibilidades del aparato fonador como punto focal en la creación y el encuentro musical.

Este documento complementa y justifica la obra “Red en la voz”. Está enfocado en demostrar, a través un análisis histórico del jazz como cultura politizada, que la música experimental es afín a las expectativas institucionales de educar músicos transformadores de su entorno social.