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Sulla scorta dello studio mirato delle varianti genetiche dagli abbozzi di versione poetica consegnati all’autografo della lezione pavese sul libro X dell’Iliade, si ricostruisce l’orizzonte “pragmatico” della ricezione omerica di Vincenzo Monti nei primi anni dell’Ottocento sia rispetto agli antecedenti di Samuel Clarke e di Melchiorre Cesarotti sia rispetto alle istanze “neoclassiche” parallele e complementari di Ugo Foscolo, con nuove acquisizioni e spunti di riflessione per la cronologia aggiornata dell’intero volgarizzamento in vista della princeps (Brescia, dai torchi di Nicolò Bettoni) del 1810-1811.

Incandescenti e apodittici, i corpi delle improvvisatrici hanno rappresentato un fenomeno di spiccata intermedialità tra Sette e Ottocento, caricandosi di valori culturali estesi che sono stati valorizzati dalle recenti ricerche multidisciplinari. Ripensati come documenti viventi, come luoghi cioè di una performance che è messa in scena di sé nelle forme di un dialogo continuo con il pubblico, con la tradizione, con le convenzioni sociali, con i generi, quei corpi inviolati non hanno ancora smesso di parlare, di interrogarci nella loro atemporale eloquenza. Quest’intervento intende sondare alcuni aspetti del corpo-voce delle poetesse improvvisatrici attraverso fonti documentarie letterarie e iconografiche, partendo, in particolare, da alcuni celebri ritratti realizzati da Angelica Kauffmann per arrivare alla statuaria celebrativa e alla memoria trasmessa dalle cronache degli spettacoli, dalle recensioni, dagli egodocuments, al fine di mettere in luce la costruzione di un’identità pubblica dentro e fuori le scene.

Considerando especialmente os empréstimos de música popular americana tomados por Stravinsky durante o seu período neoclássico, este artigo apresenta reflexões a respeito de processos a partir dos quais a identidade modernista de Stravinsky pode ter se articulado. Em alguns momentos, Stravinsky estabelece alianças situacionais que ocorrem através da reinterpretação da música do passado e, em algumas circunstâncias, associa sua estética neoclássica à música popular. O presente texto procura debater a aproximação de Stravinsky com a conceito de se compor obras tendo como base “a ideia do popular americano”, observando que tais empréstimos refletem o fato de que Stravinsky não se voltou exclusivamente à música da tradição concertista durante sua fase neoclássica, mas também aos sons e à inventividade de seu próprio tempo.

Este trabalho parte da percepção de que a obra do pianista e compositor de jazz Thelonious Monk, para além de sua grande relevância musical, pode ser vista em uma dimensão canônica e simbólica que, através de suas composições, do seu jeito de fazer música e, também, de sua personalidade marcante que beira a excentricidade, Monk parece ter se tornado uma espécie de mito, um emblema capaz de influenciar e pautar as discussões ligadas ao jazz. Neste sentido, o objetivo deste trabalho é observar como este emblema parece, de certa forma, ser um elemento em disputa, uma espécie de capital simbólico usado para validar diversas correntes musicais, especialmente a vanguarda e o neoclassicismo, que parecem disputar uma certa hegemonia dentro do campo da musicologia do jazz. Muito desta discussão pode ser visto nas obra de autores como Daniel McClure (2006), David Ake (2002), que discutem a consolidação do cânone jazzístico e as disputas dentro deste campo, e Robin Kelley (1999), que discute como a obra e a imagem de Monk foram apropriadas por grupos, de ambos os lados, que tentavam consolidar uma tradição e uma narrativa sobre o que é o jazz. Além destes autores é conveniente trazer à discussão algumas percepções ligadas ao campo neoclássico a partir de textos como The Jazz Tradition (1993), escrito por Martin Williams, e os textos do trompetista Wynton Marsalis (2008). Por fim, através das gravações de releituras feitas das composições de Thelonious, será possível, sonoramente, observar como cada um destes campos se apropria deste repertório e quais discursos musicais eles tentam validar a partir dele.

Il poemetto Urania è l’ultimo lavoro neoclassico di Alessandro Manzoni, uno degli esponenti del Romanticismo italiano. L’obiettivo del mio articolo è l’analisi della scena dell’incontro fra il poeta Pindaro e la Musa Urania. Le mie ricerche mirano a riconoscere le relazioni tra la scena del poemetto e la tradizione classica dell’incontro di un poeta con una divinità ispiratrice. Le mie analisi sono ispirate alle ricerche di Tomasz Mojsik, storico e filologo classico polacco, sul ruolo delle Muse nella cultura della Grecia antica.

A estrutura formal dos quatro movimentos do Quarteto de Cordas nº 8 (1944) de Heitor Villa-Lobos revela sua preocupação com o reaproveitamento das formas clássicas (forma-sonata, andante, minueto/ scherzo e rondó-sonata) em função da linguagem harmônica pós-tonal desenvolvida pelo compositor ao longo dos anos 1920. Este estudo investiga a correlação entre harmonia e forma interpretando as analogias aparentemente feitas por Villa-Lobos para emular os pontos de articulação formal no classicismo. O emprego de estruturas peculiares de acordes, com recorrência de simetria intervalar ao invés da tonalidade tradicional, levou à aplicação de ferramentas derivadas da teoria dos conjuntos, mais adequada a esta abordagem.

O presente artigo trata de compreender como a modernidade dos jardins de Roberto Burle Marx se forma por meio do recurso a estratégias que poderiam ser qualificadas como conservadoras ou mesmo regressivas caso fossem analisadas a partir da tradicional perspectiva da história do modernismo brasileiro. A análise de um de seus procedimentos formais peculiares - o uso de elementos arquitetônicos adquiridos em demolições na composição dos seus jardins -, em conexão com sua prática de colecionador de plantas e de arte, deve servir à construção de novos instrumentos críticos de abordagem de sua obra paisagística.

Este estudo analisa o 1º movimento do Quarteto de Cordas nº 7 de Villa-Lobos e investiga possíveis referências aos quartetos de cordas compostos por Franz Haydn, como Villa-Lobos sugeriu a Arnaldo Estrella.This article analyses the 1st movement of Villa-Lobos' String Quartet nº 7 and search for possible references to Franz Haydn's string quartets, as suggested by Villa-Lobos in conversations with Arnaldo Estrella.

No presente artigo, esboço uma problematização acerca do pensamento estético de Schopenhauer, particularmente no que diz respeito à sua análise sobre a arquitetura e a fruição do objeto arquitetônico. Pretendo abrir duas vertentes de análise, relativas a duas inquietações minhas: primeiramente, a compreensão da arquitetura em termos da submissão a relações causais e fins utilitários, deixando entrever, com isso, certa filiação de Schopenhauer aos cânones da arquitetura neoclassicista. Depois, o modo mesmo de fruição do objeto arquitetônico, limitada à contemplação visual, tendo como corolário a distinção, a meu ver, precária, entre a arquitetura e o artefato. A guisa de conclusão, procuro amalgamar tais inquietações levantando a necessidade de uma distinção entre hierarquia e transversalidade no que tange a uma compreensão da leitura estética presente no Livro III de O mundo como vontade e como representação.

Il ciclo dei trentasei Contorni danteschi del pittore e disegnatore berlinese Giovanni Bonaventura Genelli (1798-1868) rappresenta un interessante tentativo d’interpretare il testo della Commedia alla luce dei principi del classicismo tedesco, sull’esempio di Carstens e di Koch e, in parte di Flaxman da cui però Genelli si distingue per continua ricerca volta ad esprimere la plasticità delle forme. Caratteristica precipua delle sue illustrazioni è inoltre il ricorso continuo sia alla scultura antica che agli affreschi michelangioleschi della Sistina come repertorio iconografico. L’articolo approfondisce questi aspetti con particolare riferimento alle sedici tavole dedicate all’Inferno. The cycle of the 36 outline illustrations to Dante’s Divine Comedy represents a very interesting attempt towards a pictorial interpretation of the text inspired to the principles of the German classicism. Genelli is in this respect a follower of Carstens and Koch. The cleanliness of his line drawing with no shading and few background details is reminiscent of Flaxman; nonetheless, an evident mark of Genelli’s style is his permanent effort of exploring and expressing the dynamic plasticity of bodies. To represent Dante’s world he also draws on ancient sculpture as well as on Michelangelo’s Sistina frescoes as a iconographic repertoire. These aspects are here illustrated with special regard to the sixteen illustration of the Hell.

Neste trabalho discute-se o emprego de conceitos tradicionalmente usados para descrever a Cultura e a Literatura da viragem do século XVIII para o XIX (Romantismo, Iluminismo, Neoclassicismo) procurando chamar a atenção não apenas para a sua utilidade mas também para o efeito de distorção que podem ter enquanto condicionantes do trabalho do investigador.

Tomadas entre os anos de 1862 e 1863, as primeiras fotos paulistanas de autoria de Militão Augusto de Azevedo são sempre evocadas por documentarem a vetustez, a precariedade e a letargia da cidade de São Paulo dos meados do século XIX. Nossa interpretação, no entanto, baseada na leitura de fontes primárias da época, propõe um sentido substancialmente oposto a esse. Entre os anos de 1850 e 1860, a arquitetura e os espaços urbanos de São Paulo já apresentavam significativas modernizações, que aparecem nas fotografias de Militão de Azevedo, hoje pertencentes ao acervo do Museu Paulista e também da Divisão de Iconografia e Museus, do Departamento do Patrimônio Histórico paulistano.

O presente artigo dedica-se a recuperar a memória de antigos palacetes erguidos nas proximidades da Estação da Luz a partir do início da segunda metade do século XIX. Foi por essa época que a região se tornou o primeiro bairro residencial de elite da cidade de São Paulo, concentrando palacetes que expressaram elaborações locais de vertentes do Neoclassismo e do Ecletismo arquitetônicos. Pretende-se, assim, abordar os processos de interpretação que caracterizaram essa produção arquitetônica.

RESUMO O presente artigo trata de compreender como a modernidade dos jardins de Roberto Burle Marx se forma por meio do recurso a estratégias que poderiam ser qualificadas como conservadoras ou mesmo regressivas caso fossem analisadas a partir da tradicional perspectiva da história do modernismo brasileiro. A análise de um de seus procedimentos formais peculiares - o uso de elementos arquitetônicos adquiridos em demolições na composição dos seus jardins -, em conexão com sua prática de colecionador de plantas e de arte, deve servir à construção de novos instrumentos críticos de abordagem de sua obra paisagística.