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espanolLa integracion de la musica para conjuntos instrumentales en el ceremonial religioso durante el transito del siglo XVIII al XIX es una tematica que ha cobrado cierta relevancia en los ultimos anos en la agenda musicologica espanola e hispanoamericana. En el presente texto se analiza concretamente la inclusion de musica instrumental durante aquellas ceremonias o actos religiosos que, como las procesiones, se caracterizaban por el desplazamiento de comitivas mas o menos numerosas. El analisis de la documentacion administrativa procedente de dieciseis instituciones eclesiasticas espanolas evidencia, por un lado, la pervivencia de los ministriles en estas ceremonias hasta bien entrado el siglo XIX, en su funcion tradicional de alternar con el coro o la capilla de musica, y revela, por otro, la participacion de los conjuntos instrumentales modernos desde ubicaciones fijas, en sustitucion del organo o de los propios ministriles, con el objetivo de solemnizar el movimiento de las procesiones, los celebrantes y/o las autoridades religiosas. Finalmente, algunos repertorios musicales, titulados como versos o marchas, ilustran el tipo de piezas que podian escucharse durante estos eventos. EnglishThe integration of music for instrumental ensembles into religious ceremonies during the transition from the eighteenth to the nineteenth centuries is a subject that has gained importance in recent years in Spanish and Spanish-American musicology. This article analyses the inclusion of instrumental music during these ceremonies or religious acts that, like processions, were characterised by the translation of small or large entourages. The analysis of the administrative documentation from sixteen Spanish ecclesiastical institutions shows, on the one hand, the continued existence of minstrels in these ceremonies until well into the nineteenth century, in their traditional role of alternating with the choir or the music chapel. On the other, it reveals the participation of modern instrumental ensembles from fixed locations, replacing the organ or the minstrels themselves, with the objective of solemnising the movement of the processions, the celebrants and/ or the religious authorities. Finally, certain musical repertories, titled versos or marches, illustrate the type of pieces that could be heard during these events.

Este trabajo estudia el empleo de la música en la manipulación del pasado histórico. En concreto, se estudia el uso político y simbólico del canto y la liturgia hispánicos por el franquismo para justificar el acceso a un poder adquirido de manera ilegítima. El sistema de propaganda del régimen franquista recurrió con frecuencia a la simbología imperial en las ceremonias de estado como una de sus principales representaciones de poder. La primera de estas ceremonias fue la celebración de la victoria en la Guerra Civil, que culminó en mayo de 1939 con una fastuosa acción de gracias en la que se empleó el ritual visigodo para la unción de reyes, un ritual cargado de simbolismo con el que se intenta mostrar a Franco como “rey ungido” y resaltar su continuidad con la monarquía histórica hispánica. En la ceremonia se empelaron símbolos, gestos y repertorio litúrgico-musical del ritual de coronación de los reyes visigodos. Este repertorio se tomó de manuscritos medievales cuyas melodías no se pueden transcribir debido a que su notación musical no indica la altura de los sonidos. Por ello, y tal y como sucedió con otras restauraciones coetáneas (espacios arquitectónicos, reliquias, tipografías, etc.), se recrearon varias melodías presuntamente visigodas para transmitir un mensaje de tradición y continuidad con la realeza histórica.

espanolLas palabras de origen griego “diatonico”, “cromatico” y “enarmonico” han suscitado varias controversias a lo largo de la historia de la musica, ya que sus significados no han sido siempre claros ni compartidos por todos aquellos que las usaban. En este articulo se plantea una revision historica de los conceptos tras estas palabras a partir de las fuentes de teoria musical que han llegado hasta nuestros dias, partiendo de los usos actuales de los terminos y analizando los diferentes significados que estos han tenido en distintos momentos historicos. Asi mismo, se reflexiona sobre la necesidad que tenemos los musicologos de recurrir al analisis historico de los terminos tecnicos que utilizamos, tanto para consensuar significados actuales, como para poder abordar con garantias el estudio de las fuentes textuales historicas en las que esos terminos son utilizados. EnglishThe words ‘diatonic’, ‘chromatic’ and ‘enharmonic’, of Greek origin, have provoked several disputes throughout music history, as their meanings have not always been clear or shared by all those who used them. This article presents a historical revision of the concepts behind these terms based on the music-theory sources that have come down to us, beginning with the present-day uses of the terms and analysing the different meanings they have acquired at different points in history. It also reflects on the need musicologists have to resort to the historical analysis of the technical terms we use, both to agree on present-day meanings and to be able to successfully undertake the study of the historical textual sources in which these terms are used.

Giacomo Puccini (1858-1924) solo estuvo una vez en España. Fue durante los meses de febrero a marzo de 1892, en los que viajó desde Italia a Madrid para supervisar los ensayos de Edgar y asistir a su posterior estreno en el Teatro Real. A diferencia de Giuseppe Verdi años antes, Puccini apenas tuvo tiempo para conocer otras ciudades españolas. Los ensayos absorbieron todo su tiempo y, tras el estreno, rápidamente regresó a Milán. Edgar fue la primera ópera de Puccini que consiguió estrenarse fuera de Italia, de ahí su importancia para entender la recepción del músico en el extranjero y, sobre todo, en España. Por todo ello, en este artículo pretendemos estudiar el estreno de la primera ópera de Puccini en España, la recepción de la obra y del compositor italiano en Madrid, así como la estancia del músico en la mencionada ciudad. Giacomo Puccini (1858-1924) only travelled to Spain once. This trip took place during the months of February and March 1892, when he came to Madrid to supervise the rehearsals of Edgar and attend its subsequent premiere at the Teatro Real. Unlike Giuseppe Verdi years earlier, Puccini barely had time to visit other Spanish cities. The rehearsals took up all of his time and, after the premiere, he quickly returned to Milan. Edgar was Puccini’s first opera to be premiered outside Italy, hence its importance for understanding the composer’s reception abroad and particularly in Spain. This article thus seeks to examine the premiere of Puccini’s first opera in Spain, the reception of the work and the Italian composer in Madrid, as well as his visit to the city.

Entre 1838 y 1846, varios críticos vieneses publicaron artículos sobre los conciertos que ofreció Liszt en la capital austríaca. Esos prolijos textos no solo contienen el comentario a la parte meramente interpretativa de la ejecución del programa, sino también numerosos detalles acerca de los pianos que utilizó el maestro húngaro en cada ocasión, las obras que tocó en ellos y el comportamiento de dichos instrumentos en el escenario. El análisis de los documentos ha permitido conocer las características de los pianos, las marcas empleadas y cómo le asignaba Liszt las piezas a cada ejemplar. Los resultados han arrojado luz sobre el concepto sonoro del compositor en esos años –facilitando al intérprete de hoy en día la elección de instrumento para ese repertorio–, la actitud de la crítica respecto al medio sonoro concreto y la variedad de diseño de los pianos de aquel entonces.

En la construcción de la identidad cultural de Cuba, la canción constituyó una vía para expresar las cualidades de lo criollo, especialmente en los inicios del siglo XX. En la creación musical de Hilario González (La Habana, 1920-1996) la permanencia de esos ideales románticos y nacionalistas son elegidos para la comunicación artística y trascienden ese parámetro como propuesta consciente y portadora de rasgos de cubanidad. Más de sesenta obras confirman la presencia de la tradición popular en el uso de tópicos musicales vinculados a la canción y la danza cubanas, entre ellas, la habanera. Esto refleja una apropiación cultural por parte del compositor, figura apenas explorada en la historiografía.

La definición de una identidad por parte de la élite letrada de Bogotá durante el siglo XIX produjo un discurso en torno a lo civilizado. En este texto, proponemos indagar cuáles fueron los mecanismos para observar y controlar los comportamientos civilizados durante una función de ópera. Los cuerpos que se observaban eran cuerpos que, por medio de diferentes estrategias, manifestaban una identidad individual y colectiva. Las miradas cruzadas entre ellos nos permiten definir mecanismos de control y de verificación de una identidad republicana, asociada al ideal de civilización de la nueva república. La mirada del espectador-cronista era diferente según si se dirigía al proscenio, al público femenino o a los otros hombres. Esta mirada quedó consignada en las reseñas, verdaderas crónicas de una élite, cuya lectura oscila entre lo verídico y lo ideado. De esta manera, la ópera aparece como un gran teatro social, ajeno a consideraciones estéticas o artísticas.

espanolDe la denominada “musica saturada” al trap experimental, del flamenco contemporaneo al arte sonoro, la electronica o la musica academica actual, podriamos afirmar que una parte considerablemente significativa de la realidad musical espanola, hoy en dia, seria susceptible de ser considerada como resultado de un proceso de apropiacion, una suerte de palimpsesto en continua reconstitucion y resignificacion. Teniendo en cuenta conceptos tan heterogeneos entre si como pureza, distincion o cuerpo, y desde una adaptacion –critica y actualizada– del analisis tripartito de Jean-Jacques Nattiez, nos centraremos en el analisis del rastro intertextual presente en varios ejemplos emblematicos del flamenco actual y la creacion academica contemporanea, como los que personifican Nino de Elche o Rocio Marquez y Mauricio Sotelo o Jose Maria Sanchez-Verdu. EnglishFrom so-called “saturated music” to experimental trap, from contemporary flamenco to sound art, electronics and contemporary art music, it would be true to say that a considerably significant proportion of the present Spanish musical reality could be considered a result of a process of appropriation, a kind of palimpsest in continuous reconstitution and re-signification. This article considers concepts as heterogeneous as purity, and is based on a (critical and updated) adaptation of Jean-Jacques Nattiez’s three-part analysis. It focuses on the analysis of the intertextual trail present in several emblematic examples of contemporary flamenco and art music, such as those personified by Nino de Elche; Rocio Marquez and Mauricio Sotelo; and Jose Maria Sanchez-Verdu.

espanolComo consecuencia del auge del hip-hop o la musica dance, el uso de samples se ha convertido en una practica bastante comun en la actualidad. Aun asi, el rock se ha mostrado practicamente ajeno a ella al depender de una autenticidad basada en la interpretacion en vivo y renegar de los trucos de estudio. En este articulo se analizara el caso del postrock, uno de los pocos generos en los que se conjuga el sampleo con la interpretacion musical a la manera del rock, centrandonos en el modo en el que los grupos espanoles asociados a la etiqueta desde mediados de los 90 hasta la actualidad han empleado esta practica. Para llevar esto a cabo recurriremos a una reformulacion de las funciones que Emilia Greco y Ruben Lopez Cano adscriben al sampleo de acuerdo a la nocion de interfonografia de Serge Lacasse. EnglishAs a result of the rise of hip-hop and dance music, the use of samples has become a fairly common practice today. Nonetheless, it has been practically absent from rock music because it depends on an authenticity based on live performance and renouncing studio trickery. This article analyses the case of post-rock, one of the few genres combining sampling and the performance of rock music. More specifically, it focuses on the Spanish bands that have been associated with the genre since the mid- 90s. This analysis has been carried out by reformulating the functions Emilia Greco and Ruben Lopez Cano assigned to sampling in accordance with Serge Lacasse’s idea of transphonography.

La conexión emocional que el receptor experimenta mientras escucha la música, es un concepto de vaga definición en la investigación en música. Alrededor de hace tres décadas, apareció la psicología musical como disciplina para intentar comprender este fenómeno y, recientemente, la neurociencia y los estudios humanísticos se han visto involucrados también en el tema. Sin embargo, los científicos todavía no han completamente entendido las implicaciones de las respuestas automáticas e inconsciente del escucha. En línea con autores y estudios modernos que sugieren que la empatía es el principal órgano de percepción debido a la ilusión de un cuerpo artificial, este artículo presenta un acercamiento interdisciplinario para entender las emociones que derivan del escuchar música.

La carrera de Dirección Coral forma parte de la propuesta académica de diferentes universidades en Latinoamérica. En estos espacios de formación, los planes de estudio suelen poner el énfasis en el dominio y la comunicación de la gestualidad, la adquisición de técnicas de ensayo y ensamble, el conocimiento acerca de la correcta dicción idiomática, el estudio de la técnica vocal y la adquisición de habilidades auditivas. Sin embargo, estas capacidades muchas veces entran en conflicto con las necesidades y las exigencias que la actividad profesional demanda a los directores de coro, especialmente cuando las realidades de los grupos corales en los que los directores se desempeñan se alejan de las características propias de los grupos vocales profesionales. En este trabajo nos proponemos conocer algunas de las dimensiones de la realidad profesional con la cuales se encuentran los directores de coro al ejercer la profesión. Al mismo tiempo nos proponemos hacer un análisis crítico de la formación actual del director de coro desde una perspectiva decolonial con el fin de visibilizar los supuestos que subyacen a su formación y promover la necesidad de transformar esa realidad., The choral conducting career is part of the academic proposal of different universities in Latin America. In these training spaces, the study plans tend to emphasize the mastery and communication of gestures, the acquisition of rehearsal techniques, the knowledge about the correct idiomatic diction, the study of vocal technique and the acquisition of listening skills. However, these capacities often conflict with the needs and demands that the professional activity demands of choir conductors, especially when the realities of the choral groups in which the conductors perform are far from the characteristics of professional vocal groups. In this work we propose to know some of the dimensions of the professional reality that choir conductors encounter when practicing the profession. At the same time we propose to make a critical analysis of the current formation of the choir conductor from a decolonial perspective, in order to make visible the assumptions that underlie their formation and promote the need to transform that reality. Based on a set of interviews with choir conductors, analyzed using the Constant Comparison Method, we managed to find coincidences that led us to define some particular dimensions to continue thinking about institutional training, especially based on the needs that arise in the professional practice. We understand that it is increasingly urgent to be able to attend the context of professional practice and social demands as form of resistance against the coloniality of knowledge that imposes abstract content for abstract subjects., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

The few studies that have been published to date about Conrado del Campo have highlighted his great temperament for theatre music, a quality that is reflected in his large catalogue with more than 25 works, including operas, zarzuelas and other genres for the stage. This study examines the composer’s theatre music, considering the works he composed for Victor Espinós’ retablos between 1927 and 1930: Antaño o un corpus viejo en Madrid (1927), El cielo y Madrid se casan (1928), El retablo de fray Luis (1928) y El retablo de los remedios (1930). Using topic theory, these works will be analysed to show some of the compositional practices Del Campo trialled at this point of his life in order to reflect his conception of the Spanish operatic identity within a genre as peculiar as the musical retablo. Los pocos estudios realizados hasta la fecha sobre la figura de Conrado del Campo han coincidido en señalar su gran temperamento lírico, cualidad que se refleja en su catálogo en más de 25 títulos, entre óperas, zarzuelas y otros géneros de música teatral. En este trabajo proponemos una aproximación a la lírica del maestro a partir de una sección muy concreta de su producción, la música escrita para los retablos de Víctor Espinós entre 1927 y 1930: Antaño o un corpus viejo en Madrid (1927), El cielo y Madrid se casan (1928), El retablo de fray Luis (1928) y El retablo de los remedios (1930). Usando la teoría de tópicos, nos acercaremos a estas obras para mostrar alguna de las prácticas compositivas que Del Campo ensayó durante ese momento de su vida para plasmar su concepción de la identidad lírica española en un género tan particular como el retablo musical.

Barcelona carecía de un estudio sistemático de las primeras etapas de su vida concertística. A partir de los datos y la óptica del dietario del barón de Maldà y del Diario de Barcelona, este artículo estudia la organización y la evolución de los distintos formatos de conciertos en la ciudad entre 1760 y 1808. La vitalidad de las siestas musicales se considera desde su dimensión estética y social y desde su identidad compartida con los conciertos espirituales domésticos. Las academias domésticas por suscripción, en el punto de encuentro entre estos últimos y el naciente concierto público, se presentan como un espacio de negociación cultural clave para la evolución de las prácticas musicales urbanas. Por fin, a partir de este marco y con datos inéditos, se analiza la exitosa pero compleja recepción en Barcelona del oratorio La Creación de Joseph Haydn a través de la sucesión de conciertos públicos de 1804 y 1805. To date there has been no systematic study of early concert life in Barcelona. Based on the information and perspective of the diary of the Baron of Maldà and the Diario de Barcelona, this article examines the organisation and evolution of the different concert formats in the city between 1760 and 1808. The vitality of musical siestas is considered from their aesthetic and social dimension, and from their shared identity with domestic spiritual concerts. Domestic academies by subscription, the point of contact between the latter and the nascent public concert, are presented as an area of cultural negotiation, key to the evolution of urban musical practices. Finally, this framework and unpublished data is used to analyse the successful but complex reception of Joseph Haydn’s oratorio The Creation in Barcelona through a series of public concerts in 1804 and 1805.

The introduction of concerts to the variety of public entertainment on offer in large cities was a cultural, social and economic phenomenon of a transnational nature that began in the eighteenth century and was consolidated throughout the nineteenth century. For this reason, the early public concerts organised in Spain presented almost identical repertories, production systems and formats of performance to those that were organised in the great musical centres of the time, principally Paris, Vienna and London. On this basis, this article describes the rise of the public concert through the practices and strategies of the travelling virtuosi who performed in Madrid. In particular, it analyses the cases of Antonio Lolli, Michael Esser, Agostina Lhoest, Luigia Gerbini, Pierre Rode and Bernhard Romberg, internationally renowned soloists who chose Spain as a destination on some of their tours.

Spanish cathedrals played a significant role in the reception of European orchestral music in the late eighteenth and early nineteenth centuries. There is widespread evidence of this from various institutions. This article focuses on the Central-European repertoire preserved at León Cathedral. Its objective is to study the reception of these types of works at this cathedral. More specifically, this article aims to document how local musicians arranged and modified these compositions to suit the ensembles available to them. Particular attention is paid to the activity of the violinist Tomás Medrano during his time at the León Cathedral between 1783 and 1807. The article consists of three case studies, which illustrate how this musician copied and arranged orchestral pieces by Central-European composers. Las catedrales españolas jugaron un importante papel en la recepción de música orquestal europea a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Numerosas evidencias procedentes de diversas instituciones así lo confirman. El presente artículo se centrará en el repertorio orquestal centroeuropeo que está conservado en la Catedral de León. El objetivo principal de este trabajo es conocer cómo fue la recepción de este tipo de obras en dicha catedral. Más específicamente, se pretende documentar cómo los músicos locales adaptaron y modificaron estas composiciones para adecuarlas a las plantillas disponibles. En este texto, se estudiará concretamente la actividad desarrollada por el violinista Tomás Medrano durante su estancia en la catedral leonesa entre los años 1783 y 1807. El artículo consta de tres casos de estudio, que ilustran cómo este músico copió y adaptó obras orquestales compuestas por autores centroeuropeos.

La observación, las vivencias propias, la discusión y. ante todo, la reflexión, se entremezclan en este artículo que tiene el propósito de hacernos reflexionar sobre los cambios en la sensibilidad musical del hombre de los últimos años del siglo XX. Las profundas transformaciones tecnológicas que vienen produciéndose en las últimas décadas han dado lugar a una alteración del lugar que ocupa la música en la sociedad y en el individuo. José Jorge de Carvalho se centra en el impacto de estos cambios en la juventud al considerar que es el sector de la población en proceso de formación de su sensibilidad musical. A través de cuatro elementos de análisis interrelacionados entre sí: la tecnología, la ejecución, la recepción y las subculturas musicales, elabora un discurso ilustrado con ejemplos extraídos del universo musical mediático (el éxito de Xuxa, los conciertos de los Rolling Stones, etc.) y apoyados por la literatura relacionada con el tema, desde Adorno y Benjamin hasta Anali y Leppert.

El artículo comienza con un intento de redefinición de la sinfonía como concepto y como forma fuera del contexto tonal. Posteriormente se pasa a hablar de las seis sinfonías escritas por el autor consideradas en dos grupos, el primero con las tres primeras —sinfonía en un movimiento y de duración media— y las tres últimas —en varios movimientos y de mayor envergadura instrumental y temporal—. Seguidamente se pormenorizan las sinfonías una a una, comparando la segunda y tercera como obras surgidas del mismo material y al mismo tiempo, pero con resultados diversos. También se comparan las sinfonías cuarta y quinta en sus similitudes, como nacidas ambas del tema straussiano de Zaratustra, así como en sus diferencias morfológicas y de mentalidad compositivas. Finalmente se incide en la nueva problemática formal y de contenido que la sexta aporta, así como en las implicaciones que todo el ciclo comporta y en la posibilidad de que en el futuro continúe o no. Se añade un apéndice de fichas técnicas, discografía y bibliografía específica.

Para la realización del presente catálogo han sido consultados los siguientes archivos y fuentes: Registro de la Propiedad Intelectual, Registro de la Sociedad General de Autores, Archivo Lírico de Partituras y Archivo Lírico de la Sociedad General de Autores, Biblioteca Nacional, Biblioteca del Conservatorio de Madrid, Archivo de la familia del compositor y ERESBIL (Archivo de Compositores Vascos). La ordenación del catálogo se basa en un criterio genérico instrumental, si bien se han destacado géneros de especial significación en este caso, como el de los Himnos.

Se describe la presencia continuada en España de músicos de Latinoamérica durante los últimos cincuenta años. Ello genera una dialéctica de interrelaciones que tiene diversos jalones e intensidades y que se valora preferentemente en cuanto a lo recibido. Se analiza la significación de la bibliografía proveniente de Latinoamérica en los años 40 y 50, el magisterio de diversos compositores, el estrechamiento de relaciones merced a los tres festivales de música de América y España en la década de los 60, la novedosa trayectoria del festival hispano-mexicano, así como la apertura del Aula de Música del Ateneo de Madrid y de la revista y conciertos Sonda hacia autores y temas de Latinoamérica. Se valora el impulso y magisterio de los creadores americanos en cuestiones de música electroacústica y se hace mención de intérpretes y compositores radicados en España e integrados en su vida musical, sin olvidarse de las músicas populares, donde la idea de fusión es perfectamente palpable. Se anotan otras iniciativas hasta llegar a la nueva etapa inaugurada con los eventos del 92 y la creación del Consejo Iberoamericano de la Música.

Encarnación López La Argentinita (a-1945), es una de las más importantes figuras de la danza escénica española del s. XX y cofundadora del genero llamado ballet español o ballet flamenco. Ligada a la Generación del 27 y especialmente a Federico García Lorca, La Argentinita grabó discos de canciones populares y creó infinitud de ballets donde recuperaba el espíritu de la danza española de tradición, vertiéndola en las estructuras de la danza escénica de su tiempo. Los 50 años de su muerte han pasado sin demasiadas conmemoraciones en España. Su prematura muerte en Nueva York en 1945 le impidió continuar con sus ideas sobre la didáctica y la cristalización estilística de la Escuela Española. Su hermana menor, Pilar López, continuó su labor al frente de su compañía y mantuvo vivo parte del repertorio y del estilo de su hermana mayor y mentora artística. Pilar López se convirtió tras la muerte de Encarnación en la custodia principal de su patrimonio artístico y conserva celosamente el manuscrito inédito de un libro escrito por la propia Argentinita.

Pedro Pérez de Albéniz es una de las figuras claves de la historia del piano español. Como Primer Maestro de piano del Real Conservatorio de Música de Madrid fue el iniciador de la Escuela Moderna de Piano en España. Las bases de esta nueva escuela de piano fueron difundidas a través de su Método Completo para piano del Conservatorio de Música, publicado por Carrafa y Lodre en 1840, adoptado el 18 de mayo de 1840 como texto para la enseñanza de la clase de piano. Desde su plaza en el Conservatorio fue sistematizando la nueva escuela de piano, que recogía todos los avances producidos en el instrumento en los últimos tiempos, tanto en el campo de la técnica como de la interpretación musical. Compuesta entre 1830 y 1854, su obra pianística, al igual que su método, está en la línea de la producción europea. Entre los géneros que cultiva destacarán la fantasía y la variación, sin olvidar el género español. Su obra fue un modelo a seguir para la generación posterior, entre la que se encontraban sus mejores alumnos. Es, pues, junto a Santiago de Masarnau, el principal impulsor del piano romántico español.

En el presente trabajo, su autor ha pretendido analizar e ilustrar con ejemplos algunas de las características fundamentales que definen el estilo del músico catalán Eduard Toldra. (1895-1962), ciñéndose para ello a un aspecto decisivo de su producción: la canción "culta" contemporánea en lengua catalana, de la cual puede decirse que el compositor fue su verdadero creador. Y de todo el abanico de categorías conceptuales posibles desde los que podía ser abordado este tema y que, por otra parte ha sido objeto de su tesis doctoral "Eduard Toldrà, compositor", el autor optó por reflexionar acerca de la canción del maestro fijando su atención en los contenidos derivados de tres aspectos concretos: melodía, ritmo y armonía.

espanolTomando como caso de estudio la cancion “El hombre” de Rolando Alarcon, el presente articulo se propone analizar los significados religiosos presentes en el nivel sonoro del movimiento de la Nueva Cancion Chilena. Estructurado en cinco partes, el escrito toma como base la propuesta analitica de comparacion interobjetiva (o intertextual) planteada por Philip Tagg. En la primera se realiza una introduccion a la investigacion. En la segunda se exponen ciertas consideraciones y criterios metodologicos en torno a la propuesta de Tagg. En la tercera se revisan algunos antecedentes de la cancion “El hombre”, asi como su forma general y su letra. En la cuarta, se realiza el analisis musical interobjetivo centrado en cinco musemas. Finalmente, se presentan algunas conclusiones y perspectivas del estudio. EnglishTaking the song “El hombre” by Rolando Alarcon as a case study, this article analyses the religious meanings present in the Nueva Cancion Chilena movement on a sound level. Divided into five parts, the article takes Philip Tagg’s analytical proposal of inter-objective (or intertextual) comparison as its basis. The first part is an introduction to the research. The second outlines certain considerations and methodological criteria in regard to Tagg’s proposal. The third reviews some antecedents of the song “El hombre”, as well as its form and lyrics. The fourth is an interobjective music analysis centred on five musemas. Finally, some conclusions and perspectives on the study are presented.

En el presente estudio buscamos conocer los elementos que constituyen la experiencia de disfrute en relación a sus efectos en la actividad de ejecución musical. Conocer/explorar la experiencia de disfrute en el ejecutante. Realizamos un estudio exploratorio (cuali-cuantitativo) sobre la experiencia de disfrute en ejecutantes musicales. La pregunta formulada fue: ¿qué efecto crees que produce en tu vida disfrutar de la ejecución musical? A través del análisis de las frases de los participantes se identificaron diferentes experiencias psicológicas que fueron agrupadas en categorías específicas y sus componentes expresivos. Respondieron de manera escrita 207 ejecutantes musicales (81,15% varones) de entre 16 y 55 años de Buenos Aires (Argentina). Los sujetos se categorizaron según edad, sexo, tipo de instrumento que ejecuta. El efecto del disfrute en la ejecución de un instrumento musical se encuentra significado como felicidad y relajación en el área emocional; mientras que tranquilidad, bienestar, satisfacción y despreocupación caracterizan el efecto del disfrute en el área cognitiva. A nivel motivacional se ha consignado que el efecto del disfrute en la ejecución musical es la realización personal principalmente. Estas cuestiones han sido rescatadas de los dichos de los y las participantes de la presente investigación, expresando estados complejos., In this study we seek to know the elements that constitute the experience of enjoyment in relation to its effects on the musical performance activity. Know/explore the experience of enjoyment in the performer. We will carry out an exploratory study (quali-quantitative) about the experience of enjoyment in musical performers. The asked question was: What effect do you think it has on your life to enjoy musical performance? Through the analysis of the participants' phrases, different psychological experiences were identified that were grouped into specific categories and their expressive components. 207 musical performers (81.15% male) between 16 and 55 years old from Buenos Aires (Argentina) responded in writing. The 207 subjects were categorized according to age, sex, type of instrument they performed. The effect of enjoyment in the performance of a musical instrument is found as happiness and relaxation in the emotional area; while tranquility, wellbeing, satisfaction and carefreeness characterize the effect of enjoyment in the cognitive area. At the motivational level, it has been stated that the effect of enjoyment on musical performance is personal fulfillment mainly. These issues have been recovered from the speechs of the participants of the present investigation, expressing complex states., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

En los últimos años, los estudios sobre el efecto cognitivo de la música, se han focalizado en la búsqueda de actividades y estimulaciones que permitan modular las funciones cognitivas, entre ellas la memoria. El objetivo del presente artículo fue indagar el efecto del aprendizaje musical y el uso de intervenciones musicales focales sobre la memoria de tipo verbal, para lo cual se contó con la participación voluntaria de adultos jóvenes músicos y no músicos, los cuales aprendieron una lista de palabras, seguido de la participación en una actividad musical de reproducción o improvisación musical, contando con un grupo control de descanso. Finalmente, se evaluó la memoria a través de dos tareas de evocación (recuerdo libre y reconocimiento) de manera inmediata y diferida (7 días después). Los resultados obtenidos, a través del análisis de covarianza, indicaron que las propuestas musicales modularon positivamente la memoria, encontrando diferencias entre la reproducción y la improvisación musical. Por otra parte, se halló que las personas consideradas músicos exhibieron un mejor rendimiento en la tarea mnémica. Estos hallazgos permiten identificar las potencialidades de la música, específicamente el aprendizaje musical y la exposición a propuestas focales, como moduladores de la cognición humana., In the last years, studies about the cognitive effect of music have focused their search on activities and stimulations that modulate cognitive functions, memory included. The aim of the present article was to investigate the effect of musical learning and the use of focal musical interventions in verbal memory. Young musicians and non-musicians participated, who learnt a list of words, followed by participation in a musical activity of reproduction or improvisation, with a rest control group. Finally, memory was evaluated through two tasks (free recall and recognition) immediately and deferred (7 days later). The results obtained, through the analysis of covariance, indicated that musical proposals enhanced memory, whit differences between reproduction and musical improvisation. On the other hand, it was found that musicians exhibit a better performance in the mnemonic task than non-musicians. These findings allow us to identify the potentialities of music, specifically musical learning and exposure to focal proposals, as modulators of human cognition., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

As in the rest of the Western world, a new public sphere was being shaped in Spain since the mid-eighteenth century. In recent years, Spanish historiography has made remarkable progress in studying the history of this process, from its early stages in the academies and societies of friends, to the more complex forms of the public in today’s society. Nevertheless, there are enormous gaps and unknown areas in this history. One of these understudied aspects refers to the role music played in the process of creating new public spaces of sociability, debate and civic activity during the liberal era. This article introduces some ideas and suggests guidelines for research on how to approach the study of the shaping of a modern musical public in nineteenth-century Spain. Como en el resto del mundo occidental, en España se fue configurando una nueva esfera pública desde mediados del siglo XVIII. En años recientes la historiografía española ha avanzado de manera notable en el estudio de la historia de esa configuración, desde sus inicios en las academias y las sociedades de amigos dieciochescas, hasta las formas más complejas de lo público en la sociedad actual. No obstante, esta historia adolece de enormes lagunas y áreas incógnitas. Una de esas lagunas es la referida al papel que jugó la música en el proceso de creación de nuevos espacios públicos de sociabilidad, debate y actividad cívica en la época liberal. Este artículo introduce algunas ideas y propone pautas de investigación sobre cómo abordar el estudio de la conformación de un moderno público musical en la España del siglo XIX.

Founded in 1872, the Filarmónica de Madrid is a little-known society created by several noblemen that would only survive until 1874. In this short period, close to 20 concerts were programmed at the Escuela de Nacional de Música y Declamación. The works chosen for these concerts included a blend of chamber and symphonic music, the orchestra consisting of no more than 40 musicians at its peak. The society’s activity is related to that of the Sociedad de Conciertos, which strived to consolidate symphonism in Spain. The present article will examine the Filarmónica’s formation, regulations, audience and repertoire, which gave greater visibility to works by Spanish composers created especially for it. En 1872 se funda la Filarmónica de Madrid, una sociedad desconocida hasta la fecha, creada por varios nobles y que durará solamente hasta 1874. En este corto periodo programan cerca de veinte conciertos en la Escuela de Nacional de Música y Declamación. Entre las obras elegidas se combinan las de cámara y las sinfónicas, contando la orquesta con no más de cuarenta músicos en sus mejores momentos. La actividad de la agrupación entronca con la de la Sociedad de Conciertos, buscando cimentar el sinfonismo en España. A través del presente artículo se estudiará su formación, reglamento, público y repertorio, dando una mayor visibilidad a las obras de compositores españoles creadas ex profeso.

El término pandorga es definido en el diccionario de Covarrubias (1611) como “una consonancia medio alocada, y de mucho ruido que resulta de variedad de instrumentos”. Numerosas relaciones de sucesos en el mundo ibérico desde inicios de la Edad Moderna hacen referencia a la participación de estudiantes en ceremonias urbanas organizando pandorgas, consistentes en desfiles con disfraces burlescos en los que se tocaban instrumentos para hacer “ruido” y expresar alegría. Posteriormente, géneros teatrales como la mojiganga se acompañaban de ruidosos “instrumentos de pandorga”. Este trabajo analiza, desde una perspectiva musicológica, crónicas, letras de villancicos y textos teatrales, con el propósito de imaginar la música no escrita que sonaba en una pandorga, clarificar los significados cambiantes del término y evaluar el rol de las pandorgas de estudiantes en el ceremonial urbano.

A lo largo de la historia de la música encontramos numerosas composiciones que apelan a obras precedentes a través de préstamos o alusiones directas, aunque estos procedimientos adquieren especial protagonismo en la última parte del siglo XX con música sobre música o borrowing. En esa reelaboración y asimilación de músicas precedentes, los compositores dejan marcas que permiten apreciar las características y el alcance del diálogo que establecen con ellas. En este artículo propongo un acercamiento a composiciones de Gerardo Gandini y Marta Lambertini centrado en el análisis musical y la interpretación de esos usos en función de un discurso cultural. Para ello recurro a la confluencia de las pro-puestas de Gerard Genette y Linda Hutcheon, con el fin de establecer ciertas coordenadas para un análisis textual que tenga en cuenta las diferentes formas en que esas músicas del pasado se introducen en la estructura de la obra y el uso discursivo que el compositor hace de ellas., Este artículo se enmarca en las actividades del Proyecto de Investigación Músicas en conflicto, en España y Latinoamérica: entre la hegemonía y la transición (MINECO-16- HAR2015-64285-C2-1-P).

Desde que nacen, los bebés desarrollan la habilidad para percibir un amplio rango de relaciones intersensoriales. En este estudio se indaga el desarrollo de la habilidad para percibir relaciones intersensoriales basadas en el ritmo. Tres grupos de bebés –de 4, 7 y 10 meses– participaron en una tarea de preferencia intersensorial en la que se utilizó como estímulo audiovisual una mujer ejecutando dos performances–similares a las que los adultos realizan frente a los bebés durante los intercambios intersubjetivos–organizadas de acuerdo conpatrones rítmicos diferentes. Los resultados indican que sólo el grupo de bebés de 10 meses reconoce la relación intersensorial basada en el ritmo. Los resultados se discuten en relación con las capacidades para detectar y discriminar patrones rítmicos informadas en investigaciones previas. Se revisa también la implicancia de los resultados respecto del desarrollo intersubjetivo temprano., From birth onwards babies develop the ability to perceive a wide range of intersensory relationships. In this study we investigate the development of the ability to perceive intersensory rhythm-based relationships. Three groups of 4, 7 and 10-months-old babies participated in an intersensory preference task in which a woman was used as an audiovisual stimulus. The woman carried out two performances –similar to those that adults regularly perform in front of babies during intersubjective exchanges– organized according to different rhythmic patterns. The results suggest that only the 10-months-old group recognizes the rhythm-based intersensoryrelationships. The results are discussed as related to the previously known ability to detect and discriminate rhythmic patterns. Furthermore, the implications of these results for early intersubjective development are considered., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

La música produce reacciones emocionales intensas, similares a las que producen otros estímulos. La capacidad de procesar estímulos musicales requiere de varios componentes de procesamiento e involucra diversas regiones del cerebro. Los pacientes con Demencia Tipo Alzheimer (DTA) presentan alteraciones en la memoria episódica y deficiencias en el procesamiento emocional de los estímulos visuales. El objetivo de este estudio es llevar a cabo una revisión bibliográfica evaluativa para determinar si existen disociaciones entre el juicio emocional musical y el procesamiento de otros aspectos musicales en DTA y brindar una explicación desde los modelos teóricos y bases anatómicas implicadas. Los estudios mostraron que los pacientes con DTA muestran un rendimiento deficiente en algunos aspectos del procesamiento musical, como el global. A pesar de eso, se conserva el procesamiento emocional de las melodías. El componente de procesamiento emocional se conservaría en DTA. Y las áreas activadas son similares a los sujetos sanos, como el giro cingulado, el cerebelo y las áreas frontales. La música parece apuntar a procesos y áreas que se conservan en DTA. Esta revisión muestra la importancia de estudiar las emociones en la música, centrándose en lo que se conserva en DTA. Esta podría ser la clave para explicar la conservación relativa de la memoria musical en esta patología y para desarrollar tratamientos basados en la música., Music produces intense emotional reactions, similar to those caused by other stimuli. The ability to process musical stimuli requires several processing components and involves various regions of the brain. Episodic memory and emotional processing of visual stimuli is impaired in patients with Alzheimer’s disease (AD). The objective of this study is to carry out an evaluative bibliographical review to determine if there are dissociations between musical emotional judgment and processing of other musical aspects in AD, and provide an explanation from the theoretical models and anatomical bases involved. Studies suggests that patients with AD show deficits in some aspects of music processing, such as the global one. In spite of that, the emotional processing of the musical excerpts is preserved. The emotional processing component isintact in patients AD. Moreover, the areas that activates during music listening, are similar to healthy subjects, such as the cingulate gyrus, the cerebellum, and the frontal areas. The music seems to point to processes and areas that are preserved in AD. This review shows the importance of studying emotions in music, focusing on what is preserved in AD. This could be the key to explain the relative conservation of musical memory in this pathology and to develop treatments based on music., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

En este artículo presento, primero, una breve revisión de los estudios llevados a cabo desde el año 2013 al interior del Grupo de Investigaciones en Técnica Vocal del Laboratorio para el Estudio de la Experiencia Musical (LEEM-UNLP). Luego de argumentar acerca de la insuficiencia de los paradigmas tradicional y cientificista en pedagogía vocal, propongo un modelo pedagógico novedoso y original: la Pedagogía Vocal Holística (PVH). Presento sus fundamentos epistemológicos y teóricos, y listo sus 13 principios rectores. Estos principios se refieren al objeto de estudio de la PVH, a su definición de “sujeto”/“persona”, a su área de intervención, a su concepción sobre el rol de “profesor” y el involucramiento que su trabajo presupone, y a los ejercicios vocales, obras musicales y performances públicas. Por último, sugiero direcciones innovadoras de investigación en pedagogía vocal. Estas direcciones emergen de considerar espacios epistemológicos que resultan de combinar los aportes sobre los que se basa la Pedagogía Vocal Holística., In this article I present, first, a brief review of the studies carried out since 2013 within the Vocal Technique Research Group of the Laboratory for the Study of Musical Experience (LEEM-UNLP). After arguing about the inadequacy of the traditional and scientistic paradigms in vocal pedagogy, I propose a novel and original pedagogical model: Holistic Vocal Pedagogy (HVP). I present its epistemological and theoretical foundations, and I list its 13 guiding principles. These principles refer to the object of study of HVP, to its definition of "subject"/"person", to its area of intervention, to its conception about the role of the "professor" and the involvement that its work presupposes, and to vocal exercises, musical works and public performances. Finally, I suggest innovative research directions in vocal pedagogy. These directions emerge from considering epistemological spaces that result from combining the contributions on which the Holistic Vocal Pedagogy is based., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

Percepción y conocimiento de la música son dos aspectos estrechamente relacionados con emoción y motivación hacia la actividad musical. Además, la importancia de los últimos para el logro de los primeros ha sido verificada por numerosas disciplinas que proporcionan una parte del conocimiento global del aprendizaje y de la actividad musical: la Estética, la Musicología, la Moral, la Política, la Economía, o la Sexualidad. Sin embargo, la Psicología Social y la Neurociencia son, quizás, las más cercanas (Hargreaves, Hargreaves, y North, 2012; Sloboda, 2012; Ockelford, 2012). En este artículo se presenta una introducción del estado de la cuestión en Músico-Neuro-Psicología. Asimismo, se aportan datos sobre investigaciones previas generales y empíricos actuales para su concreción en tresestudios de casos de estudiantes diferenciados por grados de persistencia y de rendimiento en la actividad musical. Lo que se investiga en ellos es la igualdad o diferencia entre su vida musical y sus estudios musicales. Los resultados permiten discernir áreas comunes en las que el ambiente informal resulta revelador, pero también discrepancias por contexto de análisis (vida, escucha de música y estudios) y perfil del alumnado (éxito, rendimiento medio y abandono). Desde la reflexión sobre ellos, se resalta la necesidad de mayor presencia de aquello que el alumno vive en relación con la música en los estudios musicales. Su gran incidencia en aspectos emotivos y motivacionales determinará también su percepción y cognición musicales, derivando en el rendimiento y en la continuidad de la actividad., Perception and cognition of music are two aspects closely related to emotion and motivation towards musical activity. In addition, the importance of the latters for the achievement of the firsts has been verified by numerous disciplines, that provide a part of the global knowledge of learning and musical activity: Aesthetics, Musicology, Moral, Politics, Economics, or Sexuality. However, Social Psychology and Neuroscience are, perhaps, the closest to it (Hargreaves, Hargreaves, & North, 2012, Sloboda, 2012, Ockelford, 2012). In this article is presented an introduction of the state of the issues in Music-Neuro-Psychology. Likewise, data are provided on previous general and current empirical researches for its concretion in six case studies of students, differentiated by persistence and performance levels in the musical activity. What it is analysed in them is the equality or difference between their musical life and their musical studies. The results allow to discern common areas in which the informal environment is revealing, but also discrepancies by age, context of analysis (life and studies) and profile of the students (dropout, average, successful). From the reflection about it, the need of greater presence of what the student lives in relation to music in musical studies is highlighted. Its great incidence in emotive and motivational aspects will also determine its musical perception and cognition, resulting in performance and in continuity of the activity., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

Este trabajo articula los conceptos de subjetividad (González Rey y Lev Vygotsky), interacción (Lev Vygotsky), el cuerpo como medio (Hans Belting), la teoría de flow (Mihaly Csikszentmihalyi), y el estado de doble conciencia (Roy Ascott), con la posibilidad de una educación musical que implique participación, vivencia y experimentación; una práctica musical compartida, catalizadora del aprendizaje., This paper articulates the concepts of subjectivity (González Rey and Lev Vygotsky), interaction (Lev Vygotsky), the body as a medium (Hans Belting), the theory of "flow" (Mihaly Csikszentmihalyi), and the state of double consciousness (Roy Ascott), with the possibility of a music education that implies participation, experience and experimentation, a shared musical practice which catalyzes learning., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

Nueve estudiantes de interpretación musical pertenecientes al último año de un curso de Solfeo y Práctica Auditiva realizaron la actividad didáctica de crear una pieza musical en pequeños grupos, con el propósito de poner en práctica materias de armonía presentes en el programa de estudios del curso. Orientándose de acuerdo a una pauta de trabajo, elaboraron estas piezas para sus instrumentos de especialidad respectivos. Posteriormente, las creaciones fueron interpretadas por cada grupo al resto del curso, para que estos descubrieran auditivamente los enlaces armónicos utilizados en ellas. Los estudiantes se mostraron muy motivados al asumir el desafío de crear, actividad poco habitual para la mayoría. Las piezas instrumentales fueron atentamente escuchadas y comentadas por el curso y cada grupo logró describir sus trabajos demostrando dominio teórico sobre la unidad pedagógica en cuestión. En cuanto al reconocimiento auditivo de la armonía utilizada en ellas, los estudiantes lograron muy buenos resultados, pese a que anteriormente la mayoría manifestaba dificultades en esta materia. En esta comunicación planteo algunas hipótesis surgidas a lo largo del ejercicio de mi docencia, tomando como referencia la experiencia con este grupo de estudiantes, quienes presentaban desempeños inusualmente bajos en la resolución de ejercicios auditivos armónicos. Expongo de manera crítica la forma en que son llevadas a cabo algunas de las actividades didácticas orientadas al desarrollo del oído armónico y propongo algunas ideas para contribuir a mejorar estas prácticas pedagógicas., Nine students of Musical Performance belonging to the last year of a course of Solfege and Ear Training realized the didactic activity of creating a musical piece in small groups, with the purpose of putting into practice matters of harmony present in the course syllabus. Orienting themselves according to a pattern of work, they elaborated these pieces for their respective instruments. Subsequently, the creations were interpreted by each group to the rest of the course, so that these discovered auditively the harmonic bonds used in them. Students were very motivated to take on the challenge of creating, unusual activity for most. The instrumental pieces were carefully listened to and commented on by the course and each group managed to describe their works demonstrating theoretical mastery over the pedagogical unit in question. As for the auditory recognition of the harmony used in them, the students achieved very good results, although in the past most of them presented difficulties in this matter. I present in this paper some hypotheses that have emerged during my teaching practice, taking as reference the experience with this group of students, who presented unusually low performances in the resolution of harmonic auditory exercises. I critically describe the way in which some of the didactic activities aimed at the development of the harmonic., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

El análisis musical anotado de las orquestas típicas de tango expone los modos particulares en que -mediante la variación y la instrumentación- se elaboran los rasgos de los patrones rítmico-melódico-expresivos y de su despliegue tonal. En este trabajo se seleccionaron fragmentos instrumentales interpretados por las orquestas de Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese. Se procedió a: (1) escuchar y anotar pasajes de orquesta que presentaban patrones rítmico- melódico-articulatorios; (2) analizar la superficie musical y elaborar gráficos de reducción notacional; (3) aplicar técnicas microanalíticas para describir el componente expresivo témporo-dinámico. Del análisis se desprende que la variación estilística en el tango no es aleatoria, sino que contiene, intrínsecamente, características invariantes. Es decir que hay una manera de variar que es más identitaria de un estilo compositivo que de otro. Se observó en Pugliese y Troilo el predominio de un tratamiento discursivo a nivel global y de uno a nivel local, respectivamente., In the typical tango orchestras, the musical notation system exposes particular modes of developing the features of melodic, rhythmic, and articulatory patterns as well as their tonal display - through variation and instrumentation-. In this paper, several instrumental pieces have been selected from the interpretations of Aníbal Troilo’s and Osvaldo Pugliese’s orchestras. It has been proceeded to: (1) listen to and write orchestral passages containing melodic, rhythmic, and expressive patterns; (2) analyse the musical surface and develop graphics based on the reduction of the notation system; (3) apply microanalytical techniques to describe the temporal-dynamic component. Finally, it has been inferred that the problem of the stylistic variation in tango is not random, in the sense of free, but instead it intrinsically contains invariant features. This means that there is a way of varying, which is more identified with one compositional style rather than with the other. From Pugliese’s and Troilo’s performances, respectively, it has also been noted the predominance of a discursive treatment at global and local levels., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música

La Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, una de las más jóvenes de la radio y televisión europeas, se creó en 1964, en plena campaña de los XXV Años de Paz, con la que la dictadura franquista conmemoró su victoria en la Guerra Civil. Asumiendo una actitud de “mecenazgo artístico”, el régimen explotó la idea de que España vivía una etapa de desarrollo cultural y musical sin precedentes gracias, sobre todo, a la implicación del Estado. Con independencia de las razones de legitimación política subyacentes, lo cierto es que la creación del nuevo conjunto sinfónico, por iniciativa del Ministerio de Información y Turismo, supuso un hito en la vida musical española. Mediante el análisis de fuentes archivísticas hasta ahora desconocidas, el presente artículo estudia los orígenes de esta orquesta, con especial atención a los condicionantes que determinaron su estructura y primeros conciertos. The Spanish Radio and Television Symphony Orchestra, one of the most recent European orchestras of its kind, was created in 1964, during the campaign known as XXV Años de Paz commemorating the twenty-five anniversary of Franco’s victory in the Spanish Civil War. Taking on an attitude of “artistic patronage”, the Francoist regime exploited the idea that Spain was experiencing a period of unprecedented cultural and musical development, which was due, above all, to the implication of the State. Regardless of the underlying reasons of political legitimacy, the creation of the new symphonic ensemble, at the initiative of the Ministry of Information and Tourism, became a landmark in Spanish musical life. By analyzing previously unknown archival sources, this article examines the origins of the orchestra, paying particular attention to the factors that determined its structure and early concerts.

In 1888 it was the premiere of one of the most important works in the catalog of the composer Manuel Nieto Matán (1844-1915), the sainete lírico El gorro frigio. The success of this title is not related to the break with established standards in the repertoire of género chico, neither in the use of new practices, quite the opposite. Based on his experience as a composer, conductor and theatre manager, both him and his librettists agglutinate here a series of clichés, which constitute a guarantee into the commercialized theatre environment at the end of the Nineteenth-Century. This study questions the ideology commitment of the sainete, remarks the versatility of the work in a way to adapt to the new drama impositions in the early Twentieth-Century associated to its new release in 1907, and finally it examines the reiteration of the appearance of character of la morena Trinidad in the different Hispanic cultural environments. En 1888 tuvo lugar el estreno de una de las obras más destacadas dentro del catálogo perteneciente al compositor Manuel Nieto Matán (1844-1915), el sainete lírico El gorro frigio. El éxito de este título no radica en la ruptura con los patrones establecidos en el repertorio del género chico, ni en el empleo de procedimientos innovadores, sino todo lo contrario. En base a sus experiencias como compositor, director y empresario teatral, tanto él como sus libretistas aglutinan aquí una serie de tópicos muy explotados, que constituyen un aval dentro del entorno mercantilizado del teatro finisecular. Este estudio cuestiona el compromiso ideológico del sainete, advierte la versatilidad de la obra para adaptarse a las nuevas imposiciones dramáticas de comienzos del siglo XX en relación al reestreno de 1907, y finalmente examina la reiterada aparición del personaje de la morena Trinidad en las distintas esferas culturales hispanas.

El análisis de un Graduale y un Psalterium-himnarium, elaborados bajo el patrocinio de los Reyes Católicos, ha permitido adscribirles una importante serie de fragmentos escindidos dispersos por todo el mundo y reconsiderar el origen que tradicionalmente se les había asignado. El detallado estudio litúrgico-musical del Psalterium-himnarium pone de manifiesto su pertenencia al uso franciscano y ha posibilitado descubrir en su ciclo himnódico elementos característicos que apuntan a una regionalización y enriquecimiento con textos y melodías de producción hispana. Se expondrán también los argumentos que llevan a proponer el monasterio de San Juan de los Reyes, patrocinado por los monarcas para ser su panteón familiar, como el lugar para el que estos cantorales fueron comisionados, en el contexto de su activa implicación en la pugna entre las facciones conventual y observante de la orden franciscana. A detailed analysis of a Graduale and a Psalterium-himnarium, which were prepared under the patronage of the Catholic Monarchs, has allowed a significant number of fragments scattered around the world to be identified as belonging to them, and their provenance to be reassessed. An indepth liturgical-musical study of the Psalterium-himnarium reveals that it belongs to the Franciscan tradition and has uncovered several distinguishing features in its hymn cycle indicating that it was enriched locally through the inclusion of texts and melodies of Spanish origin. Evidence will be presented suggesting that these choirbooks were commissioned for the monastery of San Juan de los Reyes, funded by Ferdinand and Isabella as their royal pantheon, in the context of their active involvement in the struggle between the conventual and observant factions of the Franciscan order.

The Arxiu Nacional de Catalunya (National Archive of Catalonia) holds a collection of papers belonging to the distinguished cellist Pau Casals. Amid the personal and official correspondence the Catalan musician received are a small number of letters from Baltasar Samper. A composer, pianist, conductor, musicologist and critic, hailing from the Balearic Islands, Samper went into exile as a consequence of the Spanish Civil War, which initially led him to France and later to Mexico, where he ended his days. This study explores the epistolary ties between both musicians and, through this, the ways in which Samper faced exile in both countries, focusing on the transformation of his career in the music world. En el Arxiu Nacional de Catalunya se encuentra depositado el fondo documental del reconocido violonchelista Pau Casals. Entre la correspondencia personal y oficial recibida por el músico catalán hay un pequeño conjunto con la firma de Baltasar Samper; compositor, pianista, director de orquesta, musicólogo y crítico, oriundo de las Islas Baleares, cuyo exilio como consecuencia de la Guerra Civil lo llevó primero a Francia y luego a México, donde terminó sus días. Este trabajo explora el vínculo epistolar entre ambos músicos y, a través de él, los modos en que Samper enfrenta el exilio en los dos países, incidiendo de manera determinante en la transformación de su carrera en el ámbito de la música.

The EAFIT University, although it is a relatively new institution for advanced musical studies, has always been at the forefront of the contemporary composition of Colombia. The composition department of the Department of Music has an international recognition and has contributed to the formation of a contemporary Colombian musical aesthetic. Its production has added to the national catalog a wide variety of compositions ranging from great orchestral works to chamber pieces., La Universidad EAFIT, aunque es una institución relativamente nueva para estudios musicales avanzados, ha estado siempre a la vanguardia de la composición contemporánea de Colombia. El área de composición del Departamento de Música tiene un reconocimiento internacional y ha contribuido a la formación de una estética musical contemporánea colombiana. Su producción ha agregado al catálogo nacional una amplia variedad de composiciones que van desde grandes obras orquestales hasta piezas de cámara.

Este artículo pretende dar luz a los análisis de la prensa en relación a los fenómenos musicales de la Argentina contemporánea. Pivotea en la construcción del mundo discursivo y simbólico de los medios de comunicación en referencia a la historia de la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. En la indagación se puede observar una serie de momentos que muestran al grupo en un pasaje que va desde Los Redondos under de los 80 a Los Redondos “conflictivos” y la época de “los vándalos de los 90”. Las entrevistas a la banda por la prensa especializada de los 80 sugiere una serie de ideas de cómo es visto un grupo de rock and roll independiente en un escenario pos dictadura en la Argentina de ese momento. El análisis de los grandes medios de los 90 señalan otra cosmovisión de la banda en plena época neoliberal. Un ejército de términos peyorativos coloca al grupo liderado por el Indio Solari en un “gueto” de conflictividad social y discriminación difícil de salir., This article aims to give light to the analysis of the press in relation to the musical phenomena of contemporary Argentina. It focuses on the construction of the discursive and symbolic world of the media in reference to the history of the band Patricio Rey y los Redonditos de Ricota. In the investigation it is possible to recognize a series of moments that show the group in a passage that goes from Los Redondos “under” the 80s to Los Redondos “conflicting” and the time of the “vandals of the 90s”. Interviews to the band by the specialized press of the 80s suggest a series of ideas of how an independent rock and roll group is seen in a post dictatorship scenario in Argentina. The analysis of the great media of the 90s indicates another worldview of the band in the neoliberal time. Pejorative terms places the group led by Indio Solari in a ghetto of social conflict and discrimination difficult to get out., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música (SACCoM)

Se propone mostrar los resultados de una investigación documental y testimonial sobre la historia del Porro Marcado en la ciudad de Medellín, abordando los constructos de diversos autores relacionados con la danza y el baile, categorizados como antecedentes bibliográficos, investigativos y testimoniales, los cuales se estructuraron de acuerdo con los aportes que cada uno de ellos ofreció para el desarrollo de la misma. Se concluye que en la ciudad no existen fuentes suficientes que brinden aportes del Porro Marcado, por lo que se requiere desarrollar e implementar estrategias efectivas que permitan mantener vivo este estilo de baile y a su vez contar con referentes históricos del mismo., It is proposed to show the results of a documentary and testimonial research about marked porro history in the Medellín City, taking the constructs different authors related to dance, categorized as bibliographical, researched and testimonial records, which were structured according with the contributions that each one of them offered to develop this research. We conclude that in the city there are not enough sources that offer contributions to Porro Marcado, that´s why it is required to develop and implement effective strategies to keep alive this style of dance and having historical references., Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música (SACCoM)