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Neste texto, discutimos as relações entre o design, a arte e o meio ambiente a partir de uma perspectiva transdisciplinar. Para tanto, o artigo divide-se em três partes: na primeira, fazemos uma breve discussão enfocando os debates decoloniais no campo do design, através de autores como Walter Mignolo e Arturo Escobar. Na segunda, trazemos como estudos de caso práticas artísticas e produções que dialogam com o campo do design, da arte e da tecnologia e que colocam em debate questões relacionadas ao meio ambiente e à natureza, indicando-nos caminhos férteis para pensarmos e imaginarmos outros modos de ser e viver no mundo contemporâneo. No último tópico, voltamos nosso olhar para os projetos Desertesejo (2000/2014), Amoreiras (2010) e Encontros (2012), do artista Gilbertto Prado e/ou com o grupo Poéticas Digitais.

O artigo investiga as obras produzidas pelo autor, abordando as interseções entre arte e tecnologia. O conceito de valoração é discutido com base nas ideias de Peter Pal Pelbart e Byung-Chul Han fornecerá estofo teórico para as questões de proximidade e distância mediadas pelos dispositivos eletrônicos.A investigação ainda também incorpora os conceitos de Walter Benjamin sobre teor coisal, formal e factual. O valor depende de uma pesagem comparativa e de um juízo implícito, mas para essas áreas, a valoração antecede o valor e pode fazer com que a arte e a tecnologia não criem diferenças. Os devires serão vistos a partir da conceituação deleuze-guattariana, dando animalidades e eletrônica à instalação e colocando os eletrosseres a problematizar as existências modelizadas do antropoceno.

As tecnologias digitais estão cada vez mais presentes nas mais diversas áreas da sociedade, e na área das Artes não é diferente. Os modos de criação e expressão artística igualmente embarcam nestas mudanças tornando possíveis novos formas do fazer artístico em um ambiente virtual. Ao buscar melhor compreender o universo do desenho digital nos deparamos com diversas questões que o envolvem, como surgimento, funcionamento e contextos socioculturais do meio. O presente artigo representa um recorte de uma pesquisa maior vinculada ao Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UFPEL, com apoio da CAPES, sobre o cenário no qual o desenho digital se insere no Curso de Graduação de Design Digital do Centro de Artes da citada universidade, cujo objetivo principal é relatar minha experiência com o tema enquanto estagiária docente.

A iminência dos desenvolvimentos tecnocientíficos observados sobretudo a partir dos anos 1960 tem ampliado as maneiras como artistas podem se expressar, principalmente mediante a adoção e colaboração com interfaces inteligentes, que cada vez mais assimilam qualidades humanas e são capazes de assistir a criação. Deste cenário emerge o acoplamento homem-máquina, que embaralha a práxis e se materializa na hibridação – uma simbiose que adota o corpo enquanto metáfora para simbolizar sistemas complexos de naturezas distintas, orgânicas e inorgânicas. A partir do entendimento da necessidade de se refletir sobre a criatividade artística na dimensão artificial, experimentadas numa dinâmica de cocriação, o artigo irá destacar algumas características de um cenário em que a gestação de obras artificializadas implica a adoção de discursos antropomorfizados capazes de assimilar a metamorfose que simboliza tanto uma nova geração de imagens técnicas, quanto um novo momento para a arte e a ciência. A análise se constrói a partir das noções de imagem técnica (FLUSSER), incorpora o pensamento de sistemas enquanto corpos (ZUANON) e apresenta brevemente as noções de embodiment, emoção e sociabilidade (SUCHMAN) como elementos para pensar os próximos passos da criação assistida por interfaces inteligentes. A plataforma de criação Playform auxilia a construção da narrativa.

Reconfigurando linguagens desde as experimentações híbridas das décadas de 1960 e 1970, a arte vem empreendendo ampla variedade de trabalhos com as mídias, a exemplo das instalações audiovisuais. A partir de uma estética não-essencialista e que considera a tecnologia, esse artigo tem como objetivo analisar o dispositivo “Suspense”, de Katia Maciel. Ele forma um campo imagético envolvendo o cinema, o vídeo, a fotografia e a literatura. Um espaço virtual que, à luz de Bergson, valoriza o tempo como duração, matéria, percepção, memória e invenção, a potencialização do corpo e o rompimento com a narrativa linear. Entre a ética pautada nas relações da natureza com o meio urbano e a estética, “Suspense" deseja forçar o pensamento e a mudança nos modos de ver e viver no mundo.

O presente texto apresenta uma tradução do capítulo publicado por Jussi Parikka, no livro Across and Beyond, de 2017, cujo título original é The Lab Imaginary: Speculative Practices in Situ. A publicação surge do projeto de pesquisa What Is a Media Lab, que Jussi Parikka desenvolve em conjunto com Lori Emerson e Darren Wershler. Trata-se de um importante texto para as reflexões acerca dos laboratórios experimentais das mídias.

Este artigo é sobre um sistema de realidade virtual e multimídia original intitulado Visorama com hardware e software dedicados, voltado para as áreas de arte eletrônica, turismo histórico, educação e entretenimento. O Visorama se distingue dos outros sistemas em seus três níveis de desenvolvimento: software, hardware e aplicações. Ao nível do software, o Visorama utiliza as novas técnicas de visualização baseadas em imagens, (imaged based rendering). Comparados aos sistemas e programas hoje existentes, o Visorama apresenta as seguintes vantagens: um sistema de multirresolução que permite que ao longo do zoom a imagem possua a mesma resolução e uma linguagem de alto nível, baseada em um diagrama de estado, possibilitando a especificação das transições entre imagens fixas e em movimento, vídeos e sons, e a temporalização da imagem em sua relação com o espectador. Ao nível do hardware, o Visorama simula, por sua carenagem, um sistema ótico tradicional – no caso, um telescópio. O protótipo do Visorama possui um visor binocular que torna possível a implementação de uma visão estereoscópica (3D) e apresenta uma altíssima resolução de imagem. O aparelho por si só representa um nível de simulação, que torna mais natural e imersiva a relação dos usuários com as imagens geradas. Ao nível das aplicações, o objetivo básico do aparelho é criar a ilusão, no observador, de que ele está olhando para o espaço circundante através da ocular do visor. A interação do observador com a realidade está relacionada a dois tipos básicos de deslocamentos: o espectador se desloca no espaço seguindo os diversos pontos nodais nele contidos como tantas possibilidades de navegação; o espectador se desloca no tempo através de suas esperas, uma vez que a relação entre as imagens de um mesmo ponto do espaço são temporalizadas.

http://dx.doi.org/10.5007/1807-9288.2015v11n1p315 Este artigo discute a arte Glitch digital e suas relações com a arte visual do passado, com ênfase na arte moderna, com o intuito de entendermos o porquê e como este recente gênero artístico e sua estética são apreciados atualmente. Começamos definindo a arte Glitch e suas duas classificações mais difundidas: Pure glitch e Glitch-alike, assim como descrevemos suas características visuais e apresentamos artistas que utilizam a estética do erro. Seguimos para uma breve e relevante apresentação da música Glitch e de alguns artistas no campo da arte sonora do ruído e do som danificado, a fim de constatar semelhanças entre as práticas sonoras e visuais. Avançamos na investigação das diversas características das artes do passado, em suas diferentes manifestações visuais, e suas relações com a arte Glitch, para assim entendermos que muito do que se aprecia hoje neste gênero artístico são elementos que já vem sendo considerados e debatidos como arte há séculos atrás.

O presente relato apresenta uma proposta artística conceitual desenvolvida pelos autores no deserto do Mojave, na Califórnia. Calzona Collective é uma instalação coletiva que debate questões ligadas aos espaços territoriais, ocupações, falcatruas nas ocupações de terras, gentrificação e a própria fruição artística. O coletivo de artistas busca repensar as representações do campo da Land Art, no contexto do século XXI, em localidades remotas. O coletivo adquiriu no site de leilões Ebay vastas quantidades de terra. Cada alqueire de terra nessa região custa em torno de um dólar. Essa área de terra é denominada Calzona. Nesse espaço territorial, que pertence aos artistas individualmente, os artistas desenvolvem suas ações e obras.

Este artigo trata de algumas relações possíveis entre as áreas da arte, docência e ensino tecnológico, com o olhar dirigido à formação docente para o ensino técnico e profissionalizante. Apresentando considerações baseadas em uma pesquisa de Mestrado, e tendo aporte teórico em Nietzsche e Foucault, tratamos os movimentos provocados pela presença da arte, especialmente da arte contemporânea no contexto do ensino tecnológico como deslocamentos e os problematizamos em relação ao potencial formativo da experiência com arte contemporânea, a formação dos docentes que atuam na Educação Profissional e às concepções de arte presentes nesse sistema de ensino. Por fim, discorremos sobre as possibilidades de abertura à arte no ensino tecnológico e sobre potência da arte contemporânea para agenciar estratégias de formação continuada na EPT

Este trabalho tem como objetivo apresentar experimentos realizados no ensino da arte integrado às novas tecnologias, vislumbrando a articulação e interação entre os campos da Arte, Tecnologia e Educação. Desta forma, serão apresentados os resultados e a avaliação das oficinas, bem como sua estrutura metodológica e a problematização a partir das questões surgidas.

Este artigo apresenta a vida profissional de Diana Domingues e seus projetos artísticos que utilizam tecnologias digitais, apontando algumas questões pertinentes ao campo artístico envolvendo mídias digitais. Neste artigo busca-se analisar o projeto VR Aquarium de Domingues, que explora o uso de interfaces para imersão em um ambiente de realidade virtual. Visamos reconhecer e compreender: o uso das interfaces, bem como os conceitos pertinentes a este campo de conhecimento; a maneira como a artista explora a interatividade através das condições de interação do visitante; as possíveis aproximações da obra pela análise de como ocorre a criação, a produção, a disponibilização, a visualização e a manutenção neste trabalho.