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Das Thema “kulturelles Erbe und Nachhaltigkeit” des “World Summit of Arts Education in Funchal.Madeira.Portugal” im März 2023 gab den Impuls, ein künstlerisches Forschungsprojekt “4 questions about nature” vor Ort zu entwickeln, um Beziehungen zwischen persönlichen Orten, Natur und Nachhaltigkeit aufdecken zu können. Die ortsbezogene künstlerische Forschungsmethode des Displacements, des In-Beziehung-Setzens von unterschiedlichen Positionen zu einem Thema wie Nachhaltigkeit, ermöglicht es, divergente Aspekte auch ungewöhnlich assoziativ miteinander zu vernetzen, um neue Perspektiven aufzeigen zu können. Mit Michel Foucault (1967) wird der Raum als ein Netzwerk verstanden, welches aus vielen Orten besteht. Orte stehen in Beziehung zueinander und erhalten neben ihrer physischen auch eine diskursive Bedeutung durch Geschichten, welche Menschen an Orten erleben und über Orte erzählen. Mit dem Forschungsprojekt wurden diese Geschichten erkundet, indem zehn Menschen interviewt wurden. Das Besondere an diesen Interviews war, dass die Antworten zu einer Art Ortskarte aus Schrift und Bild skizziert wurden. Derart sind zehn ortsbezogene Karten entstanden, welche nach ihrem Lesen zu einer “Landkarte der Beziehungen zwischen persönlichen Orten–Natur–Nachhaltigkeit” als künstlerisches Ergebnis der Erforschung transformiert wurden. Mit dem künstlerischen Forschungsprojekt wird die bislang vernachlässigte kulturelle Dimension von Nachhaltigkeit mit dem Motiv aufgezeigt, das Drei-Säulen-Modell (Ökolologie, Ökonomie, Soziales) von Nachhaltigkeit um die kulturelle Dimension [...].

O documentário "O Presidente Improvável" (Franca, 2022) conta-nos como o cientista social Fernando Henrique Cardoso chegou ao poder. Um dos presidentes brasileiros que foi reeleito e que equilibrou a economia nacional com o Plano Real. Seu legado se mistura ao da democracia brasileira, estando presente nos principais eventos que derrubaram a ditadura militar. Com depoimentos de grandes pensadores, amigos de vida e amigos políticos de expressão internacional, o documentário mostra como um intelectual ascendeu ao poder de forma não intencional. Com direção de Belisário Franca é uma obra que nos dá a dimensão da trajetória de um grande estadista, que se divide entre seguir a carreira acadêmica ou a política, ou as duas ao mesmo tempo, entre viver no exílio ou voltar para ajudar na redemocratização do país. Analisamos, neste texto, o percurso político de FHC.

O presente artigo foca-se na análise de Reminiscências de uma Viagem à Lituânia (1972) e na forma como Jonas Mekas aprofunda a autobiografia em cinema através das ideias de errância e desenraizamento. Estes conceitos têm com mote a viagem do realizador à terra natal, após anos de emigração nos Estados Unidos. A voice over, as derivações espaciais pelas suas memórias e lugares completam-se numa estrutura fílmica, que apela a um modo de ver e filmar o que é “pessoal”, que vai além do que convencionalmente tomamos como diarístico e autobiográfico.

A temática feminina tem se tornado recorrente no cinema, neste artigo, a partir da comparação de duas obras cinematográficas, Frances Ha (2012) e A Pior Pessoa do Mundo (2021), são propostas reflexões sobre uma fase transitória (e um pouco confusa) da vida da mulher contemporânea: quando não se é mais jovem, mas ainda não se alcançou a maturidade esperada – e por vezes – cobrada. Enquanto percurso metodológico, foi utilizada a proposta de Cândida Vilares Gancho (2006) para análise de narrativa e a de Francis Vanoye e Anne GoliotLété (2012) para análise fílmica. Como contribuições teóricas, partimos de quatro campos conceituais fundamentais para as análises: Walter Benjamin (1994), explicando narrativa; Mikhail Bakhtin, a partir de Julia Kristeva (2012), com o conceito de intertextualidade, Jacques Aumont (1995) sobre cinema e Simone de Beauvoir (2012) para as percepções do feminino. Após a análise comparativa, foi possível chegar a algumas conclusões que apontam para narrativas cinematográficas que retratam protagonistas questionadoras em relação às demandas sociais impostas às mulheres. Frances e Julie, apesar das dificuldades, buscam uma existência que lhes seja favorável, de acordo com suas visões de mundo e escolhas individuais que nem sempre condizem com o imperativo social.

O projecto artístico e geofilosófico “A Terra como Acontecimento” na sua vertente cinematográfica opera uma problematização da relação à Terra e à natureza. Trata-se de um projeto transdisciplinar que, pela sua essência, leva à aparição de novas imagens da Terra, questionando a noção de território, historicamente e etologicamente marcada. Sente-se crescentemente que a lógica territorial que captura a terra está a chegar a um momento crítico, de que a crise climática e a entrada no Antropoceno são um indício importante. No filme “A Terra como Acontecimento II” pelo seu uso das matérias, pela transdução das artes que desenvolve, opera uma desterritorialização acentuando a deslocalização das matérias e interrogando-as na sua originalidade quase pré-humana. Apenas o cinema tem a capacidade de desterritorializar a lógica das fronteiras históricas, sem reterritorialização ilusória. A aparição da terra na sua elementaridade tal como o cinema lhe dá lugar sem a dominar, cruzada com frases também elas nomádicas, que pontuam o vídeo, abre possibilidades políticas para o pensar da relação com a Terra e a comunidade dos que nela habitam. Está em causa uma expressão criativa que pretende intervir e dar visibilidade a outras possibilidades do habitar da Terra. [...].

Quando as cigarras choram (2006-2021) é uma série de animação japonesa derivada de uma franquia de videogames e publicações em mangá. A animação traz a história de Rika Furude, uma sacerdotisa que, por cem anos, tenta evitar seu próprio assassinato na localidade de Hinamizawa. Para desvendar o mistério, ela precisa dos amigos e da comunidade, que a acolhem e a aceitam. Utiliza-se como metodologia a revisão de bibliografia a respeito de topofrenia e psicologia social sob o ponto de vista de Edith Stein. Este texto trata da localidade onde os eventos ocorrem e de como a constituição de laços e de uma rede de apoio são capazes de fazer com que uma história de tragédia se transforme em uma ode ao espírito de comunidade de Hinamizawa.

Neste artigo trata-se de um relato de experiência sobre a pesquisa e o trabalho efetivado pela realizadora audiovisual brasileira Cíntia Soares para a constituição do seu documentário Elos: traduzindo o intraduzível (2022). Na obra (auto)biográfica, ela promove interseções entre sua experiência subjetiva, enquanto pessoa com deficiência (PCD) e contextos sociais e históricos mais amplos, ligados diretamente a um passado de preconceitos e silenciamentos. Neste sentido, a jovem cineasta latino-americana busca explorar um distinto território por intermédio do fazer cinematográfico e da sensível possibilidade de expressão permitida por esta linguagem. A partir de uma perspectiva singular e da própria poética fílmica construída, esta protagonista reflete sobre conceitos como memória e lugar, permitindo-se romper limites e promover travessias em busca de almejados novos territórios e de diferenciadas possibilidades artísticas e expressivas ligadas ao afeto e à inclusão.

Democracia em Vertigem (2019), dirigido por Petra Costa, é um documentário em primeira pessoa que traçou a relação dela com o Brasil, com a memória de sua família e a conexão desses pontos com o impeachment da presidente Dilma Rousseff, em 2016, e a ascensão de Jair Bolsonaro. Para amparar o papel da autobiografia, a diretora explorou algumas noções de lugar e memória trabalhados por Pierre Nora, além de ideias sobre o esquecimento desenvolvidas por Marc Augé e Paul Ricoeur. Esses temas orbitam em torno de conceitos cinematográficos de Bill Nichols e André Bazin. O artigo, portanto, vai observar como Petra trabalhou tais pontos para elucidar o passado, o presente e o futuro do Brasil.

No curta-metragem A gente se encontra aos domingos (2021), dirigido pela própria autora, histórias ordinárias são atravessadas por questões sociais, relações familiares e lugares; características comuns ao cinema brasileiro. Em um diálogo intimista, em que as esferas privada e pública são interseccionadas, relatos de experiências cinematográficas se unem às memórias pessoais e coletivas, enquadrando lembranças constituintes da família da própria diretora. O artigo intenciona dialogar, através dos discursos presentes no curta-metragem, com a noção de “lugares de memória”, do historiador Pierre Nora (1993), juntamente com a articulação da teoria do “espaço e lugar na perspectiva da experiência”, do geógrafo Yi-Fu Tuan, (1983), passando pela “partilha do sensível”, de Jacques Rancière (2005), para desaguar nos fragmentos da infância de Walter Benjamin (1987) e na relação entre memória e identidade, de Joël Candau (2011).

Pensar a Dança além da forma… é outra maneira de dizer: pensar o(a)s bailarino(a)s além da forma como dançam. Neste espaço proponho-me abordar a autobiografia como um processo de catarse sobre vivências que oscilam entre 1974 e 2023, durante aproximadamente meio século. Aproveitando o momento que atravesso, inspirada pelo percurso de Walter Benjamin, bem patente na obra Diários de Viagem (2022) em que nos é dado a conhecer o processo de escrita no exílio, entre e durante guerras, através de textos que relatam as vivências desse período e onde não faltaram conversas com Bertolt Brecht, parti para a reflexão. Passar à prática, em “estúdio” foi apenas mais um passo impulsionado pela vontade de desenhar uma vida através do movimento, utilizando o vídeo como registo. Este procedimento, diferente de um registo escrito pela possibilidade de captação imediata da imagem em movimento, proporciona-nos um olhar diferente e, com isso, uma nova visão sobre o trabalho em curso. Este fator tem, junto do ator (aquele que dança, que regista o processo e que depois observa e analisa) um valor e impacto diferente de um registo escrito por mais completo que seja. Neste processo acompanharam-me dois elementos sem formação em Dança, [...].

O convívio e a proximidade com as pessoas em situação de sem-abrigo residentes no Centro de Acolhimento Emergência Municipal (CAEM) de Santa Bárbara, na freguesia de Arroios, em Lisboa, nos possibilitou perceber que este grupo vulnerável (social, financeira e psicologicamente), marginalizados e excluídos socialmente, têm em comum relações de valor simbólico significativo com seus objetos pessoais. Com o objetivo de estudar a história social das coisas que eles carregam, os seus significados e a estrutura das trajetórias dessas relações sociais, bem como a construção de valores e significados, este estudo pretende entrevistar um grupo de residentes e registar através da imagem os seus objetos pessoais, a fim de desenvolver uma exposição que nos permita investigar o sentido dos objetos no interior da história de vida desses indivíduos. Por meio de entrevistas semi-estruturadas e registo fotográfico, queremos contar traços da biografia de pessoas em situação de sem-abrigo e dos seus objetos, para atuar como um estudo que aproxima a comunidade académica a este grupo social e promove reflexões sobre as ligações singulares e simbólicas com as coisas materiais.

Ao mergulhar em 3 filmes de Patricio Guzmán, A Nostalgia da Luz (2010), O Botão de Nácar (2015) e A Cordilheira dos Sonhos (2019) refletiremos sobre sua forma de contar a história do Chile e principalmente sua própria história, fazendo com que seus filmes sejam mais que um álbum de família do Chile, mas um álbum pessoal do cineasta configurando sua criação como uma espécie de documentário autobiográfico. Nosso objetivo perpassa pelas análises das imagens trazidas pelo cineasta que serão por nós estudadas quanto a sua inovação singular que constrói a sua poética trazendo para sua narrativa elementos que sugerem que seus filmes além de históricos, também são autobiográficos.

Filipa Venâncio recorre frequentemente, no seu trabalho de pintura à representação de espaços arquitetónicos, alternando entre a casa observada do exterior e as suas vistas interiores. Estudando as suas composições sequenciais na pintura (séries) é possível constatar estratégias que se aproximam da linguagem do cinema. Este aspeto é enfatizado na construção da narrativa visual, que muitas vezes é proposta ou simplesmente insinuada, através da apresentação de conjuntos pictóricos em travellings ou em panorâmicas, como se de um story board se tratasse. A própria pintura, por vezes, é desenvolvida a partir de fotografias e filmes. Outras vezes sugere a invenção de cenários, também eles com semelhanças e afinidades conceptuais às de determinadas filmografias, como em "Casa da Capela" (2021) - projeto alvo de análise específico nesta reflexão. O interesse por este cruzamento de territórios, como lugar de eleição e mote para projetos futuros e em execução, é também enunciado aqui por antecipação, possibilitando assim uma antevisão em première.

O presente artigo tem como objetivo refletir sobre as potencialidades de propostas pedagógicas desenvolvidas em Jardim de Infância (JI) através do recurso a imagens e a vídeos, projetados através da realidade aumentada. O JI é um local rico em aprendizagens fundamentais para as crianças, que naturalmente têm uma atração por esses recursos e pelas tecnologias, sendo estas uma fonte inesgotável de conhecimento. A esta luz, e no âmbito do Projeto Pedagógico de Grupo acerca da Literacia no JI, desenvolveuse uma experiência científica e tecnológica que evidenciou as competências das crianças a este nível, bem como promoveu novas e diversas aprendizagens através da sua participação ativa. É deveras importante que os educadores planifiquem a sua prática pedagógica de forma inovadora e criativa, neste caso concreto, com a utilização de imagens e de vídeos, rentabilizando a sua dinamicidade e interatividade para conceber situações de aprendizagem, onde impera a agência da criança. Esta proposta está documentada em fotografia e em vídeo, foi partilhada com a comunidade educativa, nomeadamente com os familiares das crianças, tendo estas usufruído de sessões cinematográficas no JI e no seu contexto familiar, onde as crianças são as personagens principais.

Directed by Maggie Gyllenhaal, the movie The lost daughter, adapted from homonymous novel written by Elena Ferrante, narrates Leda´s vacation, a College Professor who questions her own maternity when she gets in touch with a young mother and her daughter. Inside an uncomfortable game of mirrors, the protagonist dives into her past, gradually exposing her biography, surprising the spectator with family revelations. This review proposal is to analyse the film in the key of otherness and discuss the characters motivations from the meeting and the generations conflict, especially regarding to motherhood ambivalences perspective. Topics such as aging, female sexual freedom, marriage, emerge from the cinematographic narrative, released in 2021, and starring Olivia Colman. One of the goals is to examine the film using the book The second sex, by Simone de Beauvoir (2019), for whom a woman is not born a woman, she becomes a woman, since the social pressures and the adjustments demanded by the patriarchal configuration delineate the feminine.

Na intersecção entre o cinema e a arquitetura, o olhar e os lugares se entrecruzam a partir da construção de narrativas e ambiências que fazem do filme um mosaico de variedades e variações. Mais do que mero espaço cenográfico, a dimensão do lugar que compõe a cena agrega valores imateriais e subjetivos que dão sentido e significado às motivações, ao comportamento, às expectativas e aos valores das personagens. A casa, o bairro, a cidade são variações objetivas de lugares que existem para situar a narrativa, mas o modo como essas espacialidades são concebidas e formatadas a fim de se conectarem ao espectro emocional da obra ultrapassa a esfera da materialidade desprovida de simbolismos. A partir de exemplos de filmes em que os lugares expressam mais do que concepções cenográficas, como "L’heure d’été" (2008), "Visita ou Memórias e Confissões" (1982) e "Paris-Texas" (1984), o trabalho apresenta uma análise sobre a maneira como a arquitetura age na transformação do olhar do espectador indicando relações menos óbvia de espaço e propiciando uma experiência estética permeada pela fruição das várias possibilidades de composição do lugar.

Um dos personagens presentes no cinema estadunidense desde o início é o de homens que vagam pelas paisagens do país sem rumo e sem raiz. Por mais que a exploração das paisagens inóspitas do Oeste seja uma constante no gênero faroeste, o contexto urbano apresenta outras questões e desafios para esses personagens. Nos anos posteriores à Segunda Guerra Mundial muitas histórias focam nas dificuldades que envolvem a adaptação à vida civil dos que foram à guerra. Esse tema, abordado de diversas maneiras, está presente no cinema noir do período, mas não limitado a ele. Mesmo sem afirmar que o personagem é veterano, os filmes de forma geral possuem protagonistas desenraizados, desesperados e/ou a procura de algo. Partindo do filme de Edgar Ulmer, "Detour" (1945), o texto debate esses personagens e os desafios que enfrentam em espaços, que diferente do Oeste, não se constituem como um mundo de possibilidades, muito menos representam liberdade. No noir, esse homem sente-se aprisionado mesmo quando vislumbra o Oeste. Apoiada nas discussões de autores como Frank Krutnik (1991), Mike Chopra-Gant (2006) e Michael Kimmel (2005), problematizo a atualidade do tema ainda presente nas representações culturais.

Nosso percurso elegeu filmes capazes de pontuar a discussão sobre a dificuldade material e a resiliência nas situações-limite impostas a cidadãos em espaços sensivelmente modificados por novas condições de trabalho e sobrevivência. Partimos das escolhas narrativas do cinema italiano, destacando filmes de Gianni Amelio e sua problematização das migrações para alcançar o sentido experimental no documentário de Gianfranco Rosi, hábil em revisar a periferia romana trazendo a vida excluída e sobrevivente para o primeiro plano. Chloé Zhao aproveita o livro de Jessica Bruder e realiza o filme que atualiza as dimensões antropológica e audiovisual por meio de indivíduos praticamente apagados da existência civil. Como "Sacro GRA", "Nomadland" conta histórias de pessoas forçadas a ocupar territórios inabitáveis em seu próprio país. Ressaltando sequências originais por meio da análise imanente, investigamos como os conceitos de território e espaço são revirados pela própria composição dos filmes. As abordagens pedem novos modos de filmar e solicitam do espectador uma revisão urgente de conceitos políticos, econômicos e sociais, tanto quanto uma renovação do olhar para os filmes, para visualizar com profundidade os espaços ocupados pelos invisíveis, os limites e os modos de extravasar as condições de trabalho nas histórias contadas e na própria filmagem.

O Ballet Gulbenkian, que, indubitavelmente, foi a maior companhia de dança portuguesa do século vinte (com uma projecção nacional e internacional que nenhuma atingiu até ao presente) foi retratada no documentário "Um corpo que Dança" (2022), por Marco Martins e colaboradores, de um modo incongruente, do ponto de vista histórico, preconceituoso, do ponto de vista artístico, desequilibrado e desrespeitador da obra de muitos – e grandes artistas da dança – em benefício de alguns que nada de muito substantivo deixaram no agrupamento.

O artigo analisa o filme "Quilombo" (1984), do diretor Carlos Diegues, percebendo a construção do território de Palmares na obra como reflexos de uma identidade brasileira no momento de iminente redemocratização. As imagens do filme, que representam o quilombo são, desta forma, a imaginação de uma nação democrática possível, sendo a cultura afro-brasileira ponto nodal entre diversas demandas sociais barradas pela Ditadura Militar implantada a partir de 1964. Processo que anos depois se rompe com o neoliberalismo, mas que no momento da produção é marcante. Portanto, a perspectiva de Benedict Anderson ao pensar a nação como uma comunidade imaginada e Milton Santos entendendo o território como a soma de forças diversas, são acionados em um diálogo com o filme. Uma perspectiva pós-colonial onde a territorialidade fixa, surge como controle e exclusão do outro. Aporte teórico que entende o território quilombola no filme como o rompimento com diversos processos coloniais e excludentes no Brasil. Uma abordagem metodológica interdisciplinar entendendo o filme como um documento histórico que permita perceber as características inerentes ao tempo em que é produzido; como também um discurso estético, propondo uma direção investigativa da obra através das propriedades básicas do material fílmico e suas implicações práticas.

O artigo pretende fazer uma reflexão sobre o som na obra cinematográfica "Cinema Paradiso" (1988), que conta com uma obra-prima de trilha sonora assinada por Ennio Morricone. Para fazer esta análise foi usado como guia de orientação o texto O Som na Ficção Cinematográfica: Análise de pressupostos na criação de componentes sonoras para obras Cinematográficas/Videográficas de Ficção, da autoria do Professor Álvaro Barbosa (2000), da Universidade do Porto, comentando-se desde a trilha sonora aos sons classificados como diálogos, efeitos sonoros e música. Segundo este autor, estes elementos sonoros podem ser diegéticos, não diegéticos e meta diegéticos e ainda fatores como a amplitude, a tonalidade, o timbre e a especialização, que mudam o significado da interpretação do som. A investigação deste artigo é importante para futuros investigadores de obras cinematográficas compreenderem como o som afeta a perceção da obra e como possui uma metalinguagem. Uma das preocupações é mostrar que, em "Cinema Paradiso", o som serve para construir atmosferas de ambientação e intensificar as emoções das personagens. Este artigo visa contribuir para que o investigador tenha uma leitura expandida do roteiro do filme.

Este artigo discute as articulações narrativas e as estratégias de registro de três documentários realizados por diretoras brasileiras em seus filmes sobre o impeachment de Dilma Rousseff: Filme Manifesto: O Golpe de Estado de Paula Fabiana (2016), O processo de Maria Augusta Ramos (2018) e Alvorada de Anna Myulaert e Lô Politi (2020). Analisaremos como esses filmes retratam o processo de impeachment da única presidenta brasileira apropriam-se de imagens do mundo histórico em três espaços distintos – as ruas, o parlamento e a residência presidencial – ancoradas na experiência e na observação para construir asserções solidárias à Dilma e analíticas a respeito deste fato traumático da história contemporânea do Brasil.

Tendo em vista os estudos bakhtinianos, encaramos o objeto fílmico como um importante parceiro dialógico. Assim, ao se reconhecer o cinema como produtor de discursos, a análise fílmica aparece como elemento de relevância na sociedade contemporânea, já que nossas sociedades contemporâneas são bombardeadas, diariamente, por turbilhões de imagens. Dessa forma, elegemos o filme "Tudo sobre minha mãe", do cineasta espanhol Pedro Almodóvar, como mola propulsora de reflexões sobre gênero, sexualidade e diversidade. É através da alteridade, a qual se efetiva por meio do reconhecimento do objeto fílmico como o Outro com quem se dialoga, que tais reflexões encontram solo fértil para germinar.

A partir de discussões que são ancoradas em teóricos da recepção e sobre o corpo feminino e sua dimensão na literatura, este artigo discute a narrativa fílmica de "Picnic na Montanha Misteriosa" (1975), de Peter Weir, adaptação de romance homônimo de Joan Lindsay (1967). O estudo tem como intenção entender a mitificação da figura feminina através dos efeitos produzidos pela obra cinematográfica do diretor em questão, tendo como contraponto a figura da audiência e a apreensão para a concretização do sentido da obra. Para tanto, é importante destacar as reflexões que abarcam as relações de gênero no cinema, pois, assim como em outras linguagens, a representação do feminino, quase sempre, alterna entre presença e ausência, ou seja, ora como um objeto mediante um olhar masculino, ora como uma imagem esmaecida quando protagoniza a criação de sentido. Em contrapartida, a teoria feminista do cinema (Rosen, 1973, Mellen, 1974 & Haskell, 1987) há muito tem proposto uma nova perspectiva ao espaço obscurecido pela construção social dos gêneros. O cinema é uma área importante para que sejam estabelecidas as discussões sobre gênero.

O objetivo do presente artigo é apresentar uma breve discussão sobre dois filmes dirigidos por James Ivory, Uma Janela para o Amor (1985) e Maurice (1987), ambos adaptados da obra do autor britânico E. M. Forster. O foco da discussão é a crítica de gênero e problemas em torno da sexualidade na Inglaterra do início do século passado. Esses temas são adaptados e contextualizados em espaços típicos dos filmes heritage, um termo crítico desenvolvido no contexto acadêmico britânico para designar filmes de época que exploram o passado e a literatura daquele país. Antes da análise dos filmes, apresentamos a perspectiva crítica feminista que problematiza as questões levantadas pelas narrativas fílmicas, principalmente a partir dos textos de Mulvey (1983), Cook (1996), Pidduck (1997), Monk (2011), dentre outras. Os filmes de Ivory selecionam e elaboram imagens que criticam as relações entre poder, gênero e sexualidade, e com isso diversificam a cultura visual contemporânea a partir de uma distribuição mais democrática dos discursos e representações da experiência humana.

Esse artigo compõe uma pesquisa maior, que resultou em uma dissertação de mestrado, na qual se buscou compreender as representações do feminino contemporâneo nas obras da cineasta brasileira Laís Bodanzky. Para tanto, as observações foram feitas a partir das metodologias de Análise de Narrativa, propostas por Cândida Vilares Gancho (2006), e da Análise Fílmica, proposta por Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété (2012). No presente trabalho, o recorte se faz a partir da análise do filme "Chega de Saudade" (2007), com resultados que apontam para uma narrativa que debate, de maneira poética, o envelhecer da mulher. Trata-se, por fim, de uma obra contemporânea, com enredo psicológico, que propõe a quebra de paradigmas sociais patriarcais e machistas, sinalizando para a representação de um feminino possível, sob a ótica de uma cineasta mulher.

Este artigo visa a analisar dois filmes centrados em histórias de mulheres lésbicas em diferentes contextos históricos, econômicos e sociais, a saber, "Rafiki" (2018) e "The world to come" (2020). Os filmes são vistos a partir da teoria de gênero e têm como base o documentário O outro lado de Hollywood (1995), de modo que se possam analisar possíveis mudanças estéticas e narrativas na subjetividade de mulheres no cinema contemporâneo. Objetivamos reflexões a partir das mudanças percebidas no tratamento de personagens historicamente concebidas como pervertidas sexuais ou enquadradas através de estereótipos sexistas-patriarcais. Buscamos compreender as diferentes formas pelas quais o protagonismo de mulheres diretoras, produtoras, escritoras e espectadoras modelam novos cenários de representatividade e representação, ao vocalizarem novas subjetividades no audiovisual contemporâneo. A questão não é mais tanto romper com os ideais centrados em imaginários masculinos, mas o esforço de criar narrativas que deem conta de falar a partir e através das mais diferentes visões de mundo, criando condições para que a representatividade de outros sujeitos sociais concretize narrativas.

Neste artigo procuramos mostrar, como no seriado "The L Word", uma importante produção audiovisual para a diversidade humana, não existe um padrão de lésbica, nem de gênero, em obras de ficção ou na realidade. Que a sexualidade é muito mais ampla do que apenas o enquadramento nos gêneros masculino e feminino. Que na escala entre ser homem e ser mulher há pessoas com características acentuadas de cada lado, com mais ou menos comportamentos acentuados de ambos os lados, sem um padrão definido, porque o ser humano consegue transitar em fronteiras com territórios próximos e distantes, entre o masculino e o feminino, sem uma dosagem estipulada de um e de outro, formando vários gêneros a partir destes dois.

O presente artigo apresenta algumas considerações a respeito da conversa nos documentários de Eduardo Coutinho e é parte da dissertação de mestrado "O Corpo Que Fala: A Conversa no Documentário de Eduardo Coutinho", defendida em 2021. Trazemos duas das conversas que constituem o filme "As Canções" (2011), enfatizando a centralidade do corpo falante na constituição das cenas. A conversa e o cantar são analisados enquanto acontecimentos que alteram as configurações de força da cena ao acionarem intensidades singulares que constituem, na materialidade do filme, uma imagem intensa que se extrapola e se abre ao imponderável do corpo.

Versando fundamentalmente sobre o filme "Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos" (2018), de João Salaviza e Renée Nader Messora, este artigo pretende problematizar as relações entre os regimes de percepção das ontologias ameríndias, nomeadamente dos Krahô, e a fenomenologia do cinema, elaborando para tal três questões primordiais: 1) a relação convocada pelo filme entre animismo, xamanismo e as próprias qualidades cinematográficas; 2) a inexistência de uma identidade fixa (antes multidões) como resultado de um regime de conhecimento circulante e as devidas implicações na (não) representação de um rosto; 3) aproximações entre a conceptualização do cristal na crítica deleuziana do cinema e na antropologia de Viveiros de Castro.

No presente artigo, destacaremos o filme Ajuricaba – o rebelde da Amazônia, a fim de refletir sobre como os indígenas Manaus e seu personagem mítico Ajuricaba, bem como as paisagens da Amazônia e seus significados incorporados, são representados numa narrativa que se alterna entre o século XVIII e o presente. Ao ter a sua história relembrada na narrativa fílmica que se conecta com o presente o filme destaca “certas continuidades históricas”, conforme anuncia Shohat e Stam (2006), as quais buscaremos analisar. No filme, é também simbólica a representação desses espaços da Amazônia e a sua relação entre o urbano e o não urbano. Essas paisagens e suas reproduções permanecem vinculadas, de acordo com Aumont (1995), àquilo que se encontra dentro do campo e traz indícios do que está fora de campo. Essas paisagens que se encontram dentro do campo deixam de ser apenas imagens para adquirir significados e se transformar em espaços imaginários, simbólicos e sensíveis (Martin, 2003). Nesse sentido, tanto as paisagens da Amazônia quanto o personagem Ajuricaba se transformam em símbolos não mais de um indivíduo particular e espaço específico, mas de todo guerreiro que resiste à opressão, assim como resiste a Amazônia com suas riquezas naturais.

Este trabalho é um recorte da pesquisa poética que vem sendo desenvolvida no Mestrado em Artes Visuais - PPGAVI/UFPEL. Buscamos investigar como questões territoriais vêm sendo tratadas em algumas produções cinematográficas brasileiras, nos interessa debater o conceito de território e de des-re-territorialização a partir das trajetórias de pessoas LGBTs em quatro filmes recentes: "Antes o Tempo não Acabava" (2016) de Fábio Baldo e Sérgio Andrade, "Corpo Elétrico" (2017) de Marcelo Caetano, "Tinta Bruta" (2018), de Marcio Reolon e Filipe Matzembacher e "Sócrates" (2018), de Alexandre Moratto. Começamos com a compreensão de território e de processos de territorialização pelos trabalhos de Milton Santos (2002, 2004), Gilles Deleuze e Félix Guattari (2012), Nestor Perlongher (1993) e Rogerio Haesbaert (2002). Tomamos as relações dos diferentes protagonistas com os territórios que habitam ao longo das tramas, associando suas trajetórias ora a processos de desterritorialização, ora a processos de reterritorialização. Trazemos Jack Halberstam (2005) para pensar as produções espaciais dos protagonistas que fogem a uma lógica heteronormativa.

O trabalho estabelece relações entre memória e paisagem no filme "Nostalgia da Luz", de Patricio Guzmán, a partir da noção de vestígio. No filme, o realizador investiga os mistérios de uma paisagem - o deserto do Atacama - para se questionar acerca da memória de um país - o Chile. Através da observação dos vestígios encontrados no deserto chileno, Guzmán chega à sua principal temática: a memória dos presos políticos desaparecidos na ditadura de Pinochet.

Esse artigo busca demonstrar como a Direção de Fotografia pode contribuir na criação de imaginários sobre territórios do Sertão – regiões áridas e semidesérticas do Nordeste e Centro-Oeste brasileiro. Evidenciamos, através de análise fílmica, visionamento de "making ofs", coleta e realização de entrevistas, o quanto os métodos de invenção situados nos domínios dos fotógrafos atuam como elementos de poesia, fazendo uso da metáfora e da alegoria (Pasolini, 1982; Savernini, 1999), tanto na representação do espaço quanto nas apresentações dos personagens. Nosso marco teórico centra-se no ato criador (Salles, 1998) e na imaginação do espaço e do território (Lefebvre,2006; Santos, 2006). O texto é dividido em três partes: O Sertão no Cinema Brasileiro; A direção de fotografia como criadora de espaço e poesia e Imagens poéticas do território Sertanejo. Nesse último, investigamos a contribuição da direção de fotografia em três filmes recentes: Deserto (Weber, 2016), fotografado por Rui Poças, AIP; Por trás do Céu (Soh, 2016), fotografado por Azul Serra, e Big Jato (Assis, 2016), fotografado por Beto Martins.

A partir da análise do filme "O Botão de Pérola" (2015), do realizador chileno Patrício Guzmán, serão discutidas questões relativas ao documentário ensaístico, como o caráter subjetivo e o tratamento poético dado à narrativa. Veremos como o filme de Guzmán aciona no espectador potentes pensamentos de mundo, por meio de uma cartografia afetiva descentrada, repleta de belas metáforas visuais. Ao enfatizar a força da natureza, "O Botão de Pérola" reforça a potência do território chileno e o poder de resistência e renovação de seus povos. Analisaremos como o diretor adensa as imagens do presente com a energia das sobrevivências (Didi-Huberman, 2013) através de rostos, falas, paisagens e vestígios.

Ao longo da história do cinema português, temos assistido a um interesse analítico por comunidades fechadas que se situam fora do perímetro urbano das cidades. Porém, desde Leitão de Barros e a sua descoberta da Nazaré, no início do século passado, até António Reis e Margarida Cordeiro, em Trás-os-Montes, algo mudou nas representações do território e seus usos. Uma contextualização histórica e cultural da situação em que viviam os habitantes deste território pode ajudar a entender melhor a passagem do “folclore” à “memória”. O percurso peculiar do filme Trás-os-Montes (1976), de António Reis e Margarida Cordeiro, passa por uma materialização da poesia em imagens, através do território de algumas aldeias e dos seus trajes e costumes. Esta etnoficção é aqui analisada a partir de alguns artigos da imprensa da época por ocasião da estreia do filme. Através do conceito de “censura preventiva da comunidade” (Jakobson), pretendemos analisar a relação, criada pelo filme em Trás-os-Montes, entre o intelectual e o povo.

A arte como expressão da alma humana possui o poder da leveza e da beleza, denuncia, torna visível, esclarece e convence. Nesse caminho, o cinema representa uma "arma" no arsenal contra o colonialismo em contextos pós-coloniais em que as territorialidades estão em disputas de forma multidimensional, seja na cultura, nos bens minerais, nos recursos naturais, fauna e flora. “Arma” essa que se adequa ao conceito de Soft Power de Joseph Nye (2004a). Nesse sentido, o presente trabalho, objetiva apontar algumas intersecções entre a arte do cinema, aspetos das relações entre povos colonizadores, colonizados e as subsequentes teorias pós-coloniais delas decorrentes. A partir daí, analisam-se os roteiros de três filmes identificados com a temática do colonialismo, quais sejam o indiano "Lagaan" (Gowariker, 2001), o japonês "Princesa Mononoke" (Miyazaki, 1997) e o estadunidense "Avatar" (Cameron, 2009). Como conclusão, entre outras, evidencia-se que as obras cinematográficas auxiliam nas discussões e visão crítica a respeito de temáticas sensíveis como colonialismo em contextos pós-coloniais.

Ofrecemos un punto de reflexión acerca de la relación de la luz con el arte, sus intersecciones desde las Vanguardias históricas hasta la actualidad, enfatizando el valor de la luz como acto creativo y la tecnología como herramienta para desarrollar nuevas formas lumínicas.

Roma se presenta como una ciudad de carácter turístico e histórico, escenificada cinematográficamente desde la representación del Imperio Romano o como una suerte de ciudad-museo, un imaginario al que el cine de Hollywood ha contribuido de forma determinante. En esta investigación queremos mirar hacia el contraplano de esta perspectiva, nos interesa adentrarnos en la representación fílmica de lo periférico en esta ciudad. Para ello hemos elegido una corriente artística con pretensión de reflejo del mundo de su época: el neorrealismo italiano, el cual se centra en las vivencias cotidianas. Nuestro objeto de estudio es la mirada fílmica nativa de Rossellini, director romano, que se hace cargo de retratar la realidad de los espacios y de las vidas periféricas de la Roma afectada por la Segunda Guerra Mundial Roma, città aperta (1945), Paisà (1946) o Europa 51 (1952) muestran cómo se habitaba el territorio precario y se hace cargo de un espacio protagonizado por los sin voz y las circunstancias de la ocupación fascista, pero, además, como explica Bazin, de forma antiespectacular y antiteatral. La Roma de los desposeídos de Rossellini es el reflejo cristalizado en la pantalla de un territorio y de un ser humano que ya no existe, [...].

Estudio sobre el arcano término misterio, y presente en el cine de David Lynch, y Alfred Hitchcock, a más de la pintura de René Magritte y Giorgio de Chirico. Por consiguiente, este artículo indaga de una manera interdisciplinar y poética dicha facultad, relacionando las obras de artistas muy vinculados con las artes plásticas y con la imagen en movimiento. Recorridos paralelos por el surrealismo, el inconsciente y lo siniestro. Extraños objetos, mansiones lujosas, personajes trastornados, asesinatos sin resolver y, sobre todo, muchas calles con largas sombras. Argumentos y paisajes sublimes que coinciden todos hacia el ritual de lo incógnito. Antesala de futuras adversidades.

This article focuses on the Festival de Cans, a picturesque film event that takes place in Cans, a rural hamlet in the heart of the West Galician province of Pontevedra. Through an ethnographic approach, this research seeks to understand how Cans’ peculiar rituals and the organization’s rhetoric uses parody as an aesthetic vehicle that allows us to reinterpret dominant meanings, allowing the conversion of the Galician rural landscape, its community, and settings into a location of cultural importance. Thus, it is interesting to observe how the festival articulates an exceptional setting where barns, workshops, basements, cellars and stables serve temporarily as film venues, altering the high-ranked film festivals cinephilic standards, excess and etiquette. Via the hybridization of classic film festival traditions with rural celebratory traditions Cans has consolidated its position both in the Spanish film festival circuit and the Galician film industry, becoming a must-attend event among Galician media professionals and personalities.

Cineastas comerciais conseguem criar estereótipos aplicados a personagens materializando-os como seres violentos, assassinos e idiotizados. O preconceito cultural pode se difundir em larga escala pela indústria cultural do cinema uma representação negativada de segmentos humanos como os albinos. Diante da consideração de uma antropologia de grupamentos atingidos pelo albinismo, os quais são excluídos pela sociedade urbana contemporânea estudamos como o cinema enxerga, em linhas gerais, pessoas com essa condição genética hereditária de problemas de pele (sensibilidade à luz do sol) e deficiência da visão. Com fundamento numa atitude metodológica crítico dialética se promoveu a pesquisa e análise fílmica específica; entrevista de cineasta conciliando com uma leitura bibliográfica existente sobre a temática tendo como autores principais André Bazin e Henri Lefebvre, além do epistemólogo especialmente convidado Sigmund Freud. A resultante se expressa pelo diálogo epistemológico verificado diante de uma nova visão estética fílmica do albinismo.

O filme "Bacurau" é o objeto deste artigo. Considera-se, aqui, o território de Bacurau, nome fictício, uma metáfora das favelas, das áreas mais pobres do Nordeste, e também uma analogia sobre o Cangaço e uma espécie de Canudos vitoriosa, representável por Bacurau em seu estrato social e sua marginalidade espacial. O artigo faz uma analogia entre as paisagens, os massacres e a ausência de infraestrutura urbana no território de Bacurau, e as imagens, as lutas e resistências das populações que vivem em territórios racializados. Utiliza os conceitos de biopolítica e necropolítica e faz uma breve retomada da história social e política do Brasil desde Canudos, passando pelo Cangaço, até a eleição de Bolsonaro para presidente da República, contexto histórico em que Bacurau é filmado e lançado. Conclui que Bacurau é um emblema de resistência histórica de povos dos territórios racializados no mosaico do território nacional brasileiro, e das suas lutas pelo direito à vida e ao próprio território, muito além de uma distopia do futuro imaginado no contexto político e social das eleições presidenciais de 2018.

O artigo propõe analisar o filme, Hoje eu quero voltar sozinho, do cineasta Daniel Ribeiro. A Análise encontra-se fundamentada dentro do panorama de gênero e de valorização quanto à identidade LGBT diante do espaço cinematográfico. A sugestão do artigo tem como proposta à reflexão sobre a temática da homossexualidade entre adolescentes, e questões relacionadas à humilhação na escola, problemáticas quanto à inserção de pessoas portadoras de necessidades espaciais na educação formal tradicional, as descobertas da adolescência quanto ao amor, e o medo dos pais diante aos desafios e desejos destes imaturos adolescentes no espaço da contemporaneidade. sendo assim, também percebemos na adaptação uma variedade de temáticas inseridas no roteiro cinematográfico, e relevante ao tema inicial da descoberta da homossexualidade na fase da adolescência e no processo comparativo das obras ocorre uma divisão de opiniões entre a busca pela independência financeira e a descoberta do amor, além da dualidade de sentimentos, a busca por um intercâmbio internacional com a finalidade de se libertar do medo de desapontar a família perante a opção. A obra apresenta a importância da problemática do tema que é pouco explorado, com toques de criatividade, sutileza, e destreza artística no desenrolar do filme.

O objetivo do artigo é apresentar uma análise sobre as identidades culturais contextualizadas no Caribe a partir do filme Cargo (2017), escrito e dirigido por Kareem Mortimer. Para isso, iniciamos com breves considerações sobre a produção de identidades caribenhas a partir de Hall (1990), e sobre a articulação dessas categorias enquanto posicionamentos a partir de Stam e Shohat (2016). Sobre a crítica a partir da perspectiva teórica pós-colonial, discutimos noções presentes em Prysthon (2014) e Bhabha (1992, 1998). A análise sobre as continuidades e descontinuidades temporais articuladas no filme ampara-se no conceito de cronotopo presente em Bahktin (2010) e Cohen (2006). E, de modo a contextualizar o cinema periférico e caribenho, destacamos alguns pontos presentes em França (2006) e Hambuch (2015), respectivamente. Cargo examina o legado da colonização e os efeitos da exploração econômica a partir de imagens que contrabalançam os estereótipos e clichês a que o cinema mainstream com frequência recorre para dar conta de contextos periféricos.

Esse texto resulta de um filme que não foi editado. As gravações foram realizadas objetivando as jangadas de pau fundeadas na Praia do Flamengo, Salvador, Bahia, Brasil. A expressão “making the making” é utilizada nesse artigo para refletir sobre a potência da fotografia em contextos de produção audiovisual, a confecção do roteiro a partir da autoria compartilhada entre pesquisadoras e personagem central e a construção política de um filme etnográfico.

Este artigo toma como ponto de partida o filme japonês "Sol negro", realizado por Koreyoshi Kurahara em 1964, e recorre ao conceito de Arts-Based Research como principal ferramenta metodológica. A obra providencia uma série de elementos úteis para a compreensão de algumas transformações verificadas na sociedade nipónica do pós Segunda Guerra Mundial, tais como o aparecimento de uma juventude em permanente revolta com as normas sociais, o consumo e a cultura de massas, a relação da sociedade japonesa com figuras exógenas e também as alterações, simbólicas e materiais, da morfologia urbana durante o processo de globalização. Paralelamente, Sol negro incide igualmente sobre temáticas como o racismo estrutural, dirigido às comunidades afrodescendentes, e a estereotipização da sua figura através da cultura de massas.