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Este artigo propõe uma genealogia das visões maquínicas da gestualidade. O texto está estruturado em três partes. A primeira descreve como a reprodutibilidade técnica da imagem é posta a serviço da reduplicação do gesto, de sua abstração e de sua apropriação em diversos domínios. A segunda parte demonstra que a matriz do modelo técnico contemporâneo, voltada para a predição dos comportamentos, já estava parcialmente definida pela cibernética. Finalmente, a última parte analisa os dispositivos de visão computacional baseados na detecção automática de gestos e movimentos voltados para a predição e o controle da conduta. Esse percurso genealógico evidencia dois vetores de transformação: uma progressiva abstração e expropriação dos gestos pela imagem técnica e um relativo apagamento da identidade e da subjetividade à medida que o viés preditivo da imagem técnica é reforçado.

Monteiro Lobato e Mário de Andrade foram os escritores brasileiros que mais se dedicaram à fotografia na primeira metade do século XX. Registram-se amigos e famílias, viagens pelo Brasil e pelos Estados Unidos, monumentos históricos e poços de petróleo, paisagens naturais e humanas. Apesar de amadores e homens de letras, em algum momento de suas vidas, ambos acreditaram que suas imagens poderiam ter uma destinação pública, que seriam capazes de expressar algo a respeito do Brasil ou de si próprios. As versões mais difundidas da história da literatura brasileira consagraram o antagonismo estético entre eles. O que suas fotografias podem nos dizer sobre essa rivalidade? Que outras histórias do moderno essa comparação suscitaria? À luz da elaboração da figura do escritor-fotógrafo pelas vanguardas históricas – em particular as soviéticas – e da natureza mecânica da câmera, buscamos observar as afinidades e distinções que marcam as respectivas apropriações do moderno na fotografia desses autores.

Apresentação e expediente do volume 24, número 02, 2021, da Revista Eco-Pós.

Os autocromos estereoscópicos que Marc Ferrez (1843-1923) produziu em sua última década de vida são radicalmente diferentes da obra conhecida do autor. Este ensaio retoma os panoramas urbanos do Rio de Janeiro na virada do século e sugere, em contraste com esses, que as imagens idílico-melancólicas realizadas, em sua maioria, na Europa, durante o período da Grande Guerra, são resultado da influência do cinema no olhar do veterano fotógrafo.

Em maio de 1855, a família Meneses, do Rio de Janeiro, vai ao daguerreotipista fazer os seus retratos. A partir desse episódio, este ensaio investiga as expectativas, aspirações e os obstáculos à realização pública das imagens dos personagens envolvidos: um cirurgião-mor do Exército busca honra e reconhecimento; uma poetisa mais educação e liberdade para as mulheres; e um fotógrafo, fortuna e prestígio. Palavras-chave: fotógrafos brasileiros; século XIX; miniaturas; emancipação da mulher; Brasil-Império.

Desde su invención, la fotografía ha ocupado cada vez más el lugar —necesaria y problemáticamente— del guardián de las imágenes dispares en un mundo desencantado. La fotografía ha monitoreado esta distancia —distancia entre la imagen que verifica y otra que elude, entre la transparencia y la opacidad del mundo—. Por ejemplo, cada vez que esta incluye una foto de otro medio en ella (una pintura o una pantalla de televisión). Cada una de estas imágenes pone en escena un capítulo de la historia de la fotografía del siglo xx. Su última generación de artistas visuales trató de expresar el dolor de su propia virtualización. El primerísimo artista del nuevo milenio redescubrió una promesa latente del cuerpo que se encuentra dentro de cada imagen.

Hans Belting sugere que as ‘imagens são os nômades dos meios’, porque montam e desmontam acampamento a cada surgimento de uma nova mídia. Sempre que a fotografia retrata outra imagem (pintura, tela de tevê) encena um capítulo dessa história. A fotografia foi guardiã dos paradoxos da distância e das tensões entre imagem e mundo na modernidade. Por isso ocupa hoje lugar crucial no debate acerca da visualidade contemporânea. Nosso destino e o das imagens estão de algum modo entrelaçados. A última geração de artistas visuais do século XX procurou expressar a dor da virtualização; a fotografia do século XXI redescobre a promessa de corpo latente em cada imagem.

A partir dos” perceptos” fotográficos de Valéria Costa Pinto discute-se o modo como problemas colocados pelas vanguardas fotográficas dos anos 1920 são retomados por artistas contemporâneos. As propriedades cinemáticas dos ‘perceptos” permitem ainda ensaiar a proposição de uma dimensão ur-tópica da fotografia, isto é, aquela em que ela nos faculta a experiência da presença e da origem dos lugares.

As novas tecnologias audiovisuais não constituem apenas uma diferença técnica e material face aos meios de representação da cultura letrada e oral. Estas tecnologias surgem no bojo de um intrincado processo de modernização social que tanto minou hierarquias sociais, quanto fomentou uma acirrada disputa por uma nova dimensão do espaço público. Os meios de comunicação constituíram nas sociedades contemporâneas novas arenas públicas para multidões de espectadores-cidadãos. Se, conforme Benedict Anderson, os sentimentos de nacionalidade no século XIX prosperaram graças à difusão da imprensa, pautando o cotidiano de uma “comunidade imaginada” (Anderson, 1991), ao longo do século XX, a cultura da imagem, notadamente a televisão, vai ter um papel decisivo na determinação da época e do lugar dos nossos pertencimentos coletivos.

Photography and the representation of suffering — Based on a comparison of three photographs — Lewis Hine’s “A Madonna of the tenements”, Dorothea Lange’s “Migrant mother”, and the image of João Hélio printed on his mother’s t-shirt — this paper examines the transformations that the representation of suffering and pain have undergone. The public dimension of these images — through the image of the suffering mother — illustrates the changes the public space has undergone and the central role of the victims’ discourse in the contemporary world.

A partir do confronto de três fotografias — a “Madonna dos cortiços”, de Lewis Hine, a “Mãe migrante”, de Dorothea Lange, e a imagem estampada de João Hélio na camiseta de sua mãe —, este trabalho investiga as transformações da representação do sofrimento e da dor. A dimensão pública destas fotografias permite acompanhar, por intermédio da imagem da mãe que sofre, as mudanças na natureza do espaço público e o papel decisivo do discurso das vítimas na constituição de sua feição contemporânea.

A fama de Aby Warburg (1866-1929) sempre superou o conhecimento de sua obra. Mas, nas últimas duas décadas, alguns dos mais importantes pensadores da estética - como Georges Didi-Huberman e Giorgio Agamben - encontram neste obscuro historiador da arte alemão um precursor de suas próprias investigações. Partindo do debate sobre o legado de Warburg nas obras de Ernst Gombrich e Erwin Panofsky, este ensaio procura historiar a trajetória deste resgate e repertoriar os conceitos e procedimentos warburgianos que mais mobilizam os teóricos contemporâneos. Sugere-se, por fim, que é devido à crescente influência de Walter Benjamin e às inquietações suscitadas pelo estatuto da imagem na contemporaneidade que os estudos de Warburg voltam a servir de referência para historiadores e estudiosos da imagem.

Desde fins do século XIX e durante as primeiras décadas do século XX, mulheres e fotografias são figuras-chave em uma cultura em que as fronteiras entre público e privado, visível e invisível, revelado e oculto estão sendo borradas ou rapidamente modificadas. Este ensaio procura desenvolver essa premissa, discutindo trajetórias de fotógrafas e explorando imagens, provenientes dos mais diferentes campos, que colocam em cena essa correlação.