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This article aims to discuss the relationship that the surrealists had with the real city and, from there, to examine some of the urban spaces they preferred, where they identified possibilities of apprehension that differed from those of common sense. In this regard, this work initially focuses on the surrealist making and on the possibility of existence of a surrealist architecture or a surrealist city. Next, we will have a look at some of the games that the surrealists played about the real city, imagining possibilities of intervention; then we will try to identify the seduction that certain architectures exerted on them, such as the expressions of the so-called Art Nouveau and the commercial gallery (covered passage) spaces. In addition, we will look at some characters and architectures that are close to the values which the surrealists advocate, configuring a writing of dreams. Finally, we will examine some architects whose work is surrealist or very close to surrealism. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article discusses how the surrealist imagetic-poetic creation shapes both an esthetic and an ethical attitude. It defends the perspective that surrealist practices paved the way to new subjectivation modes of individuals from westernized societies, insofar as they question commonly established dichotomies such as: body-mind; human-non-human; naturesociety; subject-object. Thus, a discussion was developed surrounding the surrealist image, based on the First Manifesto written by André Breton. Subsequentially, it was discussed how the work of Antonin Artaud and Hilda Hilst reverberated some of the surrealist proposals, each in their own way. Finally, it becomes clear that the artists and poets who adopted the practices of surrealism sought to affect both the field of language and literature, destabilizing them and, at the same time, forming new and until then unthought-of images. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This work analyzes how Surrealism as an ethical, aesthetic, and political proposal can contribute to rethinking teaching practice in Early Childhood Education. This problem consists of “How can Surrealism broaden the understanding of teaching practices in Early Childhood Education, from the perspective of Walter Benjamin?”. A question arises given the need to think about an educational practice with children that allows creativity, freedom, and imagination. The central objective of this work is to investigate the possible relationship between Surrealism and Early Childhood Education, emphasizing the role of education and the concept of childhood from the perspective of Walter Benjamin, to broaden the understanding of teaching practices in Early Childhood Education. For this, bibliographical research was used. The analyses demonstrate that the ethical, aesthetic, and political proposals of Surrealism are close to childhood and can provide a teaching practice in Early Childhood Education that values imagination, playfulness, creativity and the importance of building collective history. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The article aims to analyze the presence of poetry in the pictorial work of Juan Miró, an artist who established a lasting dialogue with poets after his entry into the surrealist group. This dialogue proved to be decisive for the development of an unprecedented plastic expression, supported by the notion of "poetic image" as defined by André Breton in the Manifesto of Surrealism, and which gave rise to "dream paintings" and "poem paintings". The works carried out in the period from 1924 to 1927 will be privileged in the analysis due to the combination and/or fusion that can be observed there of writing with image, poetry and painting, as well as the dream theme, resulting in the conception of a picto-poetry and in the affirmation of the artist as a poet. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Starting from the observation that the word "surrealism" is commonly used in confusing, contradictory or suspicious meanings, this article sets out to clarify the essential principles of the movement. It begins by quoting a passage from the 1924 Manifesto, in which André Breton already distinguished the spirit and the letter of surrealism. It then looks at two questions: who can call himself a surrealist? And what does it mean to be surrealist?, in order to then elucidate the distinction between being a surrealist and appearing to be surrealist. Next, it studies the historical limits of the surrealist movement and points out the eternal values with which surrealism identifies itself: love, freedom and poetry. In summary, the article shows that a rigorous definition of the letter of surrealism allows us to specify its spirit even more freely, as well as to locate the surrealist movement historically. By way of conclusion, the author closes with some personal comments on surrealism, in which he situates himself as a militant of the movement, from 1964 to 1969, as a writer and as a defender of the surrealist spirit. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Alejo Carpentier’s work is known for its scathing disprovals of surrealist ideas. Although, at young age, the author promoted the movement and built himself intellectually from within surrealist precepts, as well as attached to surrealist artists. The presumed disruption with Surrealism is a benchmark in Carpentier’s literary production and shows an ambiguous position, since it is possible to track significant surrealist traces in his essays and narratives. The main concept linked to the author (the "Marvelous Real") is in the spotlight between the rejection of surrealism, as a basic precept, and the resumption of some of itsideas. In this work, we aim to analyze the contradictory position of Carpentier’s discourse through the dialogue between essays written by him at different moments of life, as well as their comparison with critical works on the subject. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article aims to problematize the relationship between automatic writing and the marvelous. To do so, we start from the interest of young André Breton in creative processes beyond the literary sphere, in a context where, in addition to Freud's recent discoveries about the unconscious, various experiences intersect: a poetic production that experiments with the decentralization of the creating subject, scientific investigations in the field of neurology and psychiatry on automatic psychic phenomena, and belief in the manifestation of life after death. All these experiences point to the same issue: the manifestation of thought, free from the coercion of morality, taste, and reason. Although there is something universal in this issue, perhaps inherent to the poetic experience itself, we recognize that surrealist automatism is an original "war machine" against reflection and language, the literary institution, the notion of reality, and the foundations of modernity. Despite all the controversies surrounding surrealist automatic writing, it makes a difference because it is all difference; by freeing language from its communicative function, it does not express the freedom of man, it is freedom in action, revealing the unknown and opening the doors to the marvelous. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Jules Supervielle (1884-1960) had a life marked by movements between Europe and South America. Born in Montevideo and living in Paris since 1894, he witnessed up close major events in different areas, such as the artistic avant-garde, rapid technological evolution and the First World War. He developed his poetic voice in this context shared with Guillaume Apollinaire (1880-1918), André Breton (1896-1966), Louis Aragon (1897-1982), among other writers. In 1924, when Breton published the Manifesto of Surrealism, Supervielle was about to release one of his most important poetry books. In this article, we propose to analyze how this French-Uruguayan poet, through testimonies and theoretical reflections, seeks to individualize himself in relation to the surrealist aesthetic, established with great influence from the first manifesto onwards. We will also explore, in addition to divergences, at which points they would converge, and why such approximations would be possible. With this approach, we intend, in addition to studying the poetics of Jules Supervielle, to contribute to the understanding of the complexity of surrealism, exploring its diffusion and reception in the artistic world since its emergence. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article proposes a reflection on texts written throughout the 20th century in different social, cultural, and literary spaces, but which have relationships that are either divergent or contiguous. Thus Massak (1986), a play by Guyanese writer Elie Stéphenson, is related to Le Nègre du Gouverneur (1972), a narrative by Serge Patient, another Guyanese writer. Both have in common a legendary character from French Guiana, the African D'Chimbo. I will start by briefly discussing this character and Serge Patient's narrative, and then introduce Massak, who stages the episode of the revolt of the Maroons in French Guiana. I will then mention “Que foi o Quilombo dos Palmares” (What was Quilombo dos Palmares, 1956), an essay by the surrealist poet Benjamin Péret, to recall the proximity between marronage and the Palmares revolt, its defense of freedom without concessions, opposed in every way to black assimilation. Finally, I will comment on how the options of freedom and absolute non-conformism appear in the text of André Breton’s Manifesto of Surrealism (1924). The defense of these two options is evident both in the trajectory of the authors concerned and in their texts and, even today, seems to be fundamental for the histories and literatures of Latin America. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

With its likes and dislikes, rejections and approvals, the Manifesto of Surrealism (1924), by the French poet André Breton (1896-1966), assumed great importance in the context of ideas, culture, the arts, poetry and also in the political world, both in the period in which it was launched and subsequently, to this day. Bearing in mind the difficulty in reading and understanding its content and, not unfrequently, the accusation of obscurity and hermeticism against it, this article aims to examine the Manifesto, identifying the main elements which guided Breton's approach and which will shape the essence of surrealism. To this end, and with the aimof making it easier to understand the abovementioned publication, use is made of the author's teaching experience on the subject and of the wealth of experience it has provided, with the understanding, moreover, that such an approach makes it possible to unveil and value the Manifesto even more. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article introduces the concepts and becomings that arise from the idea of collage as a loving and creative journey that has as its aim the composition and re-composition of the self and the world. The meanings of collage are exposed; We review the main names of collage in modern art, combining the thoughts of different authors who embrace difference as a tenet based on the fragments and splinters created by modernity. The similarities and differences between collage and montage are made explicit, as well as the way that collections of objects connect with the motion of cutting, searching and pasting, knowing that the process is as or more significant than the final product. This article also outlines and proposes a review of concepts and historiographical dependencies, even from Amerindian and African knowledge, which precede the establishment of collage as a technique in the field of art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

As relações entre Gaston Bachelard e o Surrealismo são inúmeras. Ao analisá-las em detalhe, são ressaltadas as interações, algumas divergências, mas, sobretudo as crenças comuns. Estas repousam essencialmente sobre o poder da imaginação de transformar o universo.

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El objetivo de este artículo es el de analizar el legado de Remedios Varo desde el giro ontológico que propicia el estudio desde las prácticas artísticas frente a otras concepciones más representacionales. Precisamente encontramos en esta autora del exilio republicano español, el germen de lo que se constituirán los debates de arte contemporáneo a finales del siglo XX en torno a los modos de producción y recepción de obra y su deriva a la investigación de las prácticas artísticas. Por ello, utilizaremos la ontología múltiple, proveniente de los estudios sociales de la ciencia, y la aplicaremos en el análisis de los materiales recogidos en torno a la autora, haciendo especial hincapié en la última década de su exilio en México. Con ello, desplegaremos las retroalimentaciones e hibridaciones de su vida y obra a través de distintas dimensiones conectadas entre sí, como son: la mutabilidad y fluidez de los cuerpos, el tránsito y devenir en las ciudades, las relaciones entre libertad y reclusión de los viajes y, finalmente, el carácter alquímico de las relaciones que atraviesan sus obras. De este modo, atenderemos a las fugas no normativas y desestabilizadoras de su vida y obra y cómo han ido -y continúan- cristalizándose en múltiples sentidos. Este tipo de aproximación a Remedios Varo es importante en cuanto posibilita investigar la historia del arte distanciándose de parámetros canónicos y excluyentes, además de favorecer la construcción de nuevos sentidos futuros de la autora y su obra.

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E por que poesia em tempos de indigência? Sugerimos uma torção na questão originalmente proposta num verso de "Pão e vinho", poema de Hölderlin, e um deslocamento da Alemanha oitocentista à universidade pública brasileira de 2023. O sentimento de crise que atingiu dimensões imprevistas a partir de março de 2020 não é novo, tampouco resultado apenas da pandemia num dos países mais afetados pelo coronavírus. Neste artigo, apresentamos pressupostos da pesquisa "Experiência de poesia: um projeto poético para tempos de indigência", refletindo sobre a perda progressiva do sentido do mundo nos últimos anos, provocada pela combinação indigente da pandemia de Covid-19 com desemprego, luto, solidão e ensimesmamento e seus impactos no trabalho com poesia em sala de aula com alunos da graduação em Letras. Partimos da concepção de Poesia depreendida do nosso trabalho com a obravida de Mário Cesariny, em seu diálogo surrealista e romântico: uma afirmação -- não necessariamente vinculada à escrita de versos -- de um modo de vida revoltado e apaixonado, erguido cotidianamente contra o cotidiano de modo a lançar luz sobre uma produção incessante de imagens do desejo. Será possível, então, operar um retorno à produção escrita para perceber os poemas como potências disruptivas e perturbadoras dos limites imaginativos instaurados pela retórica da crise permanente e seus efeitos cotidianos. Parece-nos urgente a adoção de outras estratégias didáticas para o acesso a uma experiência com a poesia num cenário de crescente miséria e violência, que incidem diretamente sobre as possibilidades de realização libertadora da imagem poética. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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The concept of procedure developed by the Argentine writer César Aira in his essay "La nueva escritura" is the starting point with which, in a critical gesture that stages a certain barbarism, this paper seeks to speculate around a provocation by the Chilean Roberto Bolaño: could there be a "clandestine surrealism in Latin America"?. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Jean Painlevé (1902-1989) fue un autor de documentales de naturaleza cercano a la vanguardia cinematográfica y a la biología. Este trabajo presenta al autor y a su obra en lengua española y propone que es una referencia para el estudio de una rama surrealista de la historia del documental de naturaleza. Para ello, se realiza un estado de la cuestión a nivel hispano hablante y una breve biografía centrada en la relación del autor con la vanguardia. A continuación, a través de una genealogía estética que tiene a Painlevé como centro, se muestra como su estética no surge de forma espontánea, sino como parte de una red de autores que tiene un acercamiento técnico similar al documental de naturaleza. A este acercamineto se le llama el documental surrealista de naturaleza y las tres técnicas definitorias estudiadas en este artículo son la microcinematografía, las alteraciones temporales y el uso de laboratorios para las grabaciones.

Resumo Ainda que não tenha havido um movimento surrealista no Brasil, alguns modernistas se identificaram com a estética e alguns dos princípios norteadores deste movimento, como por exemplo o inconsciente, e realizaram trabalhos no campo da fotomontagem. Contudo, tais experiências foram ofuscadas, inicialmente pelo desejo de criar um imaginário nacional e, posteriormente, pelo espaço conquistado por obras de caráter mais construtivo.

O presente trabalho se debruça sobre o fotógrafo francês Jacques-André Boiffard (1902 - 1961) e sua primeira publicação na revista “Documents” (1929 - 1930), na qual contribuiu com três fotografias de pés humanos em diálogo com um texto de Georges Bataille, diretor geral do periódico. Este artigo tem como objetivo realizar uma leitura visual dessas imagens, relacionando-as com o contexto do surrealismo francês em seu surgimento, e com a arte moderna e a literatura romântico-simbolista produzida na França desde o século XIX. Tratando-se de uma produção fotográfica na qual a anatomia fragmentada ganha destaque, no decorrer da discussão são apresentadas análises mais recentes sobre o trabalho de Boiffard, empreendidas por historiadores e teóricos da arte como Georges Didi-Huberman, Roland Barthes, Briony Fer e Eliane Robert Moraes, nos quais se discorre sobre a relação entre fotografia e fetichismo, expondo também sobre como a agressiva linguagem visual empregada por Boiffard, após sua aproximação de Georges Bataille, representaria uma ruptura com o imagético surrealista, mais idealizante, produzido pela vertente do grupo ligada a André Breton.

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Este artigo consiste em um diálogo com o texto Algumas inquitetações acerca do anacronismo na história da arte, apresentado pela profa. Rosa Gabriella de Castro Gonçalves (UFBA) no X encontro do GT de estética da ANPOF. Tomando como ponto de partida a relação das vanguardas europeias dos anos 1920 com o assim chamado primitivismo, trata-se de desenvolver uma reflexão, sem querer de forma alguma esgotar o tema, sobres as relações entre estética e antropologia. Para estabelecer essa relação, o texto estrutura-se em três tópicos: em primeiro lugar, a relação entre estética e etnografia, no qual se tentará articular, analisando particularmente o surrealismo, o interesse comum dos dois campos na questão da relação com o outro; em segundo lugar, a relação entre etnografia e estética, no qual se pretende mostrar, a partir de uma citação de Levi-Strauss que o etnógrafo na medida em que analisa mitos e narrativas pode ser entendido como um esteta ou crítico literário e finamente a relação entre estética e contra-antropologia em que partindo das Metafísicas canibais de Eduardo Viveiros de Castro, pretende-se tirar algumas consequências para a estética do conceito de contra-antropologia.

Este ensayo tiene como objetivo explorar cómo el poemario La tortuga ecuestre de César Moro, escrito entre 1938 y 1939, y el cortometraje Un perro andaluz de Luis Buñuel, que vio la luz en el año 1929, dos obras emblemáticas de la vanguardia surrealista, abordaron la representación icónica del cuerpo. Este fenómeno es analizado, por un lado, desde la perspectiva del quiasmo hallada en la obra del filósofo Maurice Merleau-Ponty; y, por otro, desde las semióticas generativa (Algirdas Julien Greimas y Joseph Courtés) y tensiva (Jacques Fontanille y Claude Zilberberg). La conclusión a la que se llega es que dichas obras confirman que el discurso surrealista en la poesía y el cine toma a través de la iconicidad una conciencia del quiasmo al enfocar el cuerpo y el mundo como una sola entidad, de modo íntegro y unitario.

Juan Berlengieri, asociado esencialmente a la figura de Antonio Berni, fue uno de los artistas rosarinos más relevantes de la primera mitad del siglo xx; sin embargo, su prematura muerte y la dispersión de sus obras y escritos conspiraron largamente contra la realización de estudios e investigaciones puntuales sobre su trayectoria. Aun así, destaca en el panorama del arte moderno de la ciudad por la calidad de sus realizaciones y por la intensidad de su actividad en el marco de las principales formaciones culturales, como la Mutualidad Popular de Estudiantes y Artistas Plásticos y la Agrupación de Artistas Plásticos Independientes, asociadas al conmocionado clima de crisis y beligerancia que signaron, en el país y el mundo, los decenios de los treinta y los cuarenta. Por otro lado, su inserción en la izquierda más radical y su aproximación a los realismos y el surrealismo le aseguraron un lugar prominente en las principales alternativas políticas y estéticas operantes durante esos años.

En Krazy Kat, George Herriman pintó con trazos humorísticos la infinidad de variaciones sobre una pantomima sexual que desafiaba las fronteras de género, raza e incluso especie, en un patrón recurrente de sadomasoquismo y sentimientos no correspondidos: Krazy, un gato de sexo indeterminado, está locamente enamorado del ratón Ignatz, cuyo mayor deleite en la vida resulta de lanzar ladrillos contra el felino personaje, unas agresiones que no logran sino aumentar la pasión de Krazy por el roedor; al mismo tiempo, Krazy tiene su propio admirador secreto en Offissa Pupp, que encarcela una y otra vez al escurridizo Ignatz. Esta tragicomedia minimalista se desarrolla sobre el fondo en continua transformación de un onírico desierto, lo que acentúa el surrealismo de la serie. Curiosamente, esta poco ortodoxa obra historietística apareció durante más de tres décadas en periódicos de la cadena de Hearst, contando con el apoyo personal de este magnate de la prensa. El texto siguiente traza las conexiones entre Krazy Kat y las sensibilidades surrealistas, y ofrece una interpretación de esta narrativa gráfica en términos de sexo, psicología y raza.

Ao indagar a complexa relação estética que se tece entre a poética do gótico e a poética do surrealismo, assegurada pelas experiências da crise do mito, do informe, e em consequência, do terror e do horror, neste artigo, proponho a leitura de alguns poemas que encenam essa difícil articulação. Paul Éluard, Julia Hartwig e Anne Sexton buscam, com efeito, os procedimentos aptos à encenação do doloroso desamparo subjetivo, que diz respeito, também, à questão dos limites do gênero. O regime da negatividade característico da poética gótica leva à recusa da busca por novos mitos e por novas imagens da criatividade feminina, típica do romantismo. Ao valorizar a representação do espaço, o gótico preparou o caminho da crítica, poética e feminista, dos discursos da psicanálise e da fenomenologia.

No Manifesto surrealista, de 1924, Breton explicita o produto da atividade surrealista como uma “luz de imagem”, gerado pela aproximação involuntária de duas realidades distantes. Essa estrutura dupla da imagem surrealista tem um caráter disruptivo, que rompe com a nossa percepção da realidade cotidiana. Com isso, abre-se a possibilidade de um espaço para a crítica social e histórica, bem como para uma intervenção estético-política justamente em uma sociedade na qual as formas tradicionais de crítica parecem estar neutralizadas. Essa experiência surrealista e esse espaço aberto por ela Walter Benjamin caracteriza respectivamente com a fórmula “iluminação profana” e “espaço de imagem” (Bildraum). Ambos apresentam uma grande semelhança com alguns pontos e consequências, em seus conceitos, tanto de “imagem do pensamento”, como de “imagem dialética”, sobretudo na medida em que esses conceitos também são formulados em meio à crise cultural da sociedade europeia, nos 1920, e buscam uma saída revolucionária para a mesma. Trata-se de investigar aqui, por meio de uma análise comparativa dessas concepções de imagem, até onde vai a influência e a relevância do surrealismo para o pensamento figurativo-dialético de Benjamin e para sua compreensão da história. Recebido: 27/10/2017 Aceito: 30/6/2019

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“Infancia y muerte” es un poema que Federico García Lorca escribió en 1929 durante su estancia en los Estados Unidos, pero que finalmente no incluyó en el manuscrito de Poeta en Nueva York. El texto, que trata de la pérdida de la infancia, lo dio a conocer en 1978 Rafael Martínez Nadal gracias a su edición de los Autógrafos inéditos del poeta granadino. Este artículo aborda un análisis del citado poema, centrándose en sus símbolos y en el concepto de abyección.

El presente trabajo procura releer Teoría del túnel, primer ensayo extenso escrito por Julio Cortázar, en la tentativa de analizar ahí­ una preocupación –poco estudiada por la crítica especializada– por el vínculo problemático entre individuo y comunidad en el marco de un estudio sobre la actualidad del surrealismo y el existencialismo hacia fines de los años 40. Esta clave de lectura para ingresar a un ensayo publicado póstumamente casi medio siglo después de su escritura permite revisar el conjunto de la producción cortazariana, esquivando la periodización evolutiva más canónica en etapas sucesivas (Cortázar apolítico, Cortázar comprometido) mediante el registro crí­tico de un pulso comunitario en estado de latencia que dinamiza su escritura.

Este artigo tem como objetivo analisar como o cinema de Luis Buñuel lida com a devoção de protagonistas no exercício de algum grau no sacerdócio, especialmente o cristão, permeado pelo ateísmo do cineasta e pelo surrealismo em sua obra, já que os infortúnios da religiosidade são recorrentes como tema em sua filmografia. A partir dos conceitos de surrealismo e suas estratégias na construção audiovisual da desarticulação racional, três filmes com protagonistas sacerdotais são analisados em termos de quanto eles se alinham ou diferem daqueles atributos do movimento surrealista, em busca de particularidades. Os filmes são Nazarin (de 1959), Viridiana (de 1961) e Simão do deserto (de 1965). Eles também são comparados entre si e com as características surrealistas específicas e críticas da religião, recorrentes no trabalho do cineasta espanhol, a fim de observar em que medida elas se aplicam a cada um deles. Em todos os três filmes, as adversidades dos protagonistas reforçam a sensação de que sua devoção e seu sacrifício não podem tornar os beneficiários melhores nem realizar seus próprios planos. Na prática, a perspectiva supostamente isenta defendida pelo diretor reitera a inutilidade da fé, numa construção lógica que se afasta do princípio subconsciente surrealista, estratégia que somente Simão do deserto (de 1965) recupera claramente, embora mantendo a mesma tese.

Este artículo estudia la recepción del surrealismo en Colombia a partir de un caso paradigmático como el del poeta Fernando Charry Lara. Aunque la crítica ha intentado establecer la influencia del movimiento francés en su obra poética, su lectura del surrealismo no ha sido lo suficientemente estudiada en su obra crítica. Por esto, primero se reconstruye el campo cultural que sirvió de telón de fondo para la recepción de las vanguardias en Colombia. Luego, se analizan cronológicamente varios artículos del autor, con el fin de descubrir las particularidades de este proceso. El análisis permite evidenciar un cambio en su actitud no solo hacia el movimiento francés, sino en su concepción de la poesía.

O presente artigo propõe uma reflexão teórica em torno da narrativa intermedial tal como perspetivada e praticada pelos surrealistas, partindo da análise de duas obras do poeta e artista de Ofício Múltiplo Mário-Henrique Leiria – designadamente Pas Pour les Parents (1951) e Conto de Natal para Crianças (1972). Partindo da observação dos principais tópicos que caracterizam este objeto de estudo, no enquadramento das práticas artísticas experimentais do período em análise que cruzam a poesia com a fotografia e a colagem, este artigo apresenta-se essencialmente como um comentário metacrítico em torno de um conjunto de instrumentos e conceitos essenciais para ponderar sobre modos de tratar as porosidades entre as artes, de forma a pôr em evidência o lado importante da abordagem intermedial: a tentativa de dar resposta a experiências e ideias de poesia, literatura e arte que diluem fronteiras, e de onde acolhemos novas maneiras de trabalhar não só o literário, como diferentes artes.

Este artigo discute o conceito de exterioridade no âmbito da produção teórica e poética do Grupo Surrealista de Madrid. Procura-se identificar neste conceito as principais linhas de força que o articulam com a atividade do GSM e com o movimento surrealista no seu escopo mais amplo, considerando o modo como a poética da exterioridade se manifesta enquanto conferidora de coerências entre estética e política, atentando, particularmente, na influência da tradição anarquista no surrealismo. Este artigo discute o conceito de exterioridade no âmbito da produção teórica e poética do Grupo Surrealista de Madrid. Procura-se identificar neste conceito as principais linhas de força que o articulam com a atividade do GSM e com o movimento surrealista no seu escopo mais amplo, considerando o modo como a poética da exterioridade se manifesta enquanto conferidora de coerências entre estética e política, atentando, particularmente, na influência da tradição anarquista no surrealismo.

É uma marca de boa parte do pensamento do séc. XX, tanto na literatura quanto na filosofia, a recepção da obra do Marquês de Sade. De fato, já no séc. XVIII, Sade formulara uma série de questões e propusera certos modos de pensar cuja relevância só viria a ser plenamente incorporada no pensamento contemporâneo. Nesse sentido, o pensamento do Marquês de Sade e a literatura e filosofia do séc. XX podem se esclarecer reciprocamente. Neste texto, queremos mostrar a recepção de um tema específico – o antidualismo – em duas instâncias: a poesia surrealista de Roberto Piva e o pensamento queer de Paul Preciado. Mais especificamente, trata-se de analisar como Sade foi recebido – direta ou indiretamente – tanto na literatura quanto na filosofia, por autores e autoras cujo projeto consistia em denunciar os aspectos excludentes ou mesmo potenciais autoritários em visões de mundo dualistas. Buscamos, assim, além de comentar e elucidar aspectos da obra de Sade, de Roberto Piva e de Paul Preciado, mostrar aspectos de uma passagem na história da filosofia contemporânea: a incorporação da filosofia do Marquês de Sade na formulação de um pensamento que enxerga no corpo sexuado e na reflexão filosófico-literária sobre a sexualidade humana uma possibilidade de renovação de aspectos fundantes de uma experiência cultural que encontra, no séc. XX, impasses políticos significativos.

O Surrealismo emerge com uma proposta de liberdade de expressão fundamentada em teorias freudianas, transportando alguns conteúdos psicanalíticos no desenvolvimento dessa estética. Assim, a escrita automática, que busca no inconsciente humano os sentimentos considerados reais pelos surrealistas, será a prática para uma nova linguagem literária. Destarte, para verificar essa nova proposta artística, far-se-á uma análise do poema Les yeux d’Elsa de Louis Aragon, através do qual se evidencia a construção da imagem feminina nesse processo apregoado pelos Surrealistas.

Este estudio pretende analizar la construcción del método paranoico-crítico de Salvador Dalí. Se desarrollará un análisis que pone en evidencia la experimentación que lo llevó a buscar nuevas formas de expresión para la implementación de este método en diferentes prácticas fuera de la pintura, especialmente en el cine. Parte de esta experimentación resalta el esfuerzo de tratar de simular esas imágenes paranoico-críticas a través del acercamiento a la fotografía, holografía y el cine, y veremos cómo estas no se vieron del todo realizadas. El interés de este texto es poner en evidencia que las limitaciones que encontró Dalí desaparecen con la imagen digital, y es por esto que teorizamos que en el actual contexto, tenemos la posibilidad de crear una paranoia crítica en movimiento. Para esto se va a examinar la naturaleza euclidiana de la representación pictórica y su extensión a la cámara oscura, la aparición de nuevos espacios en el cine, las características del medio digital, su respectiva transición a través de la tecnología de video, un análisis de las implicaciones del movimiento en la imagen y la construcción conceptual de la paranoia en movimiento.

O carnaval de rua do Rio de Janeiro, manifestação cultural em franco crescimento nas últimas três décadas, foi alvo de recentes investimentos ordenadores pelo poder público e pelos interesses mercantis. Uma das consequências desta intervenção foi a distinção dos blocos de rua entre oficiais e não-oficiais. É acerca deste segundo tipo de blocos, caracterizados pela espontaneidade e pela horizontalidade, que este artigo tratará, tomando como caso exemplar o Cordão do Boi Tolo. Tais manifestações consubstanciam vivências da cidade que se impõem, do ponto de vista estético e cultural, como experiências criativas de performatização dos corpos. Numa perspectiva política, estas manifestações constituem formas libertárias de ocupação do espaço público e de ressignificação dos usos da cidade. Unindo análise literária, reflexão sociológica e observação etnográfica, o artigo pretende discutir este carnaval de rua como um prolongamento inesperado das propostas surrealista e situacionista de reencantamento do mundo e de manifestação do maravilhoso. Conclui-se que a magia que a literatura opera no surrealismo continua sendo atualizada nas ruas e encruzilhadas do Rio de Janeiro pelos blocos carnavalescos, em sua oposição aos poderes institucionais e ao controle do mercado. É no gozo da cidade pelos foliões que a flânerie se converte em escrita criativa da realidade. É nas ruas da metrópole carnavalizada que a deriva se encontra enraizada nas mais antigas tradições da praça como espaço livre e gratuito de criação popular.

O presente trabalho discute, com base na série de TV La Casa de Papel (Netflix, 2017-2020), criada por Álex Pina, o conceito de máscara, aspectos de sua função nas artes e as relações intertextuais tecidas pela série, ao estabelecer diálogos com movimentos artísticos e culturais, que imprimem à narrativa características que a distinguem de outras fórmulas do gênero policial. Um dos símbolos que caracterizam a série é o uso da máscara de Dalí. Para a conceituação de máscara utiliza-se Berthold (2001) e Lecoq (2010); sobre Dalí e o Surrealismo, Dalí e Halsman (1954) e Teles (1986); para composição da linguagem audiovisual, Mercado (2011).

In the present study, through the literary imagination provoked by the work Legal Science and its two husbands, by Luis Alberto Warat, the reader is invited to a complex thinking in Law, based on the need for the dialectic of sensitivity and reason in law. Within the surrealist ideal, a Cartesian, dogmatic and closed view is problematized, as questions raised on gender as a category of becoming. The guiding question is: would gender be a possibility of openness, of decentralization, of an ambivalent becoming? Thus, from a complex-paradoxical approach, the ambiguities that are inherent to being are problematized. It is concluded that gender, in a simplistic/dichotomous bias, derives from the pruning of a desire, from a castrated becoming by a Cartesian ideology, from a centered, logocentric rationality, as the vision of gender becomes open to the perspective of emptiness, of opening up to new perspectives of becoming complex and paradoxical. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artigo traz uma leitura interdisciplinar de Nadja, romance escrito por André Breton em 1928, a partir das concepções de realidade propostas pelos surrealistas e pela psicanálise. No surrealismo, através da critica ao realismo, surge o conceito de surreal, com o qual artistas passaram a se exprimir em produções artísticas e em uma conduta particular de vida no pós-guerra. Na psicanálise, Freud foi levado a superar a dicotomia entre interno/externo, assim como entre normal/patológico, implicando, com isso, uma nova concepção de realidade, que posteriormente foi reformulada por Lacan sob o conceito de real. Esta leitura traz como decorrência a denúncia ao conformismo e a superação das falsas dicotomias, ensejando, tanto com a psicanálise quanto com o surrealismo, uma transformação na práxis do sujeito.