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Submitted by Eder Wilker Borges Pena (eder.pena@unesp.br) on 2022-04-16T03:04:38Z No. of bitstreams: 1 Henry Cowell - O Catalisador Experimental (Eder W. B. Pena).pdf: 6245877 bytes, checksum: 5023850b9f21ecd3f446508d6823d08f (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2022-04-18T14:38:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pena_ewb_dr_ia.pdf: 6245877 bytes, checksum: 5023850b9f21ecd3f446508d6823d08f (MD5) Made available in DSpace on 2022-04-18T14:38:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pena_ewb_dr_ia.pdf: 6245877 bytes, checksum: 5023850b9f21ecd3f446508d6823d08f (MD5) Previous issue date: 2022-03-22 Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) O seguinte trabalho teve como objetivo constatar a natureza da atuação do compositor Henry Cowell como catalisadora da estética experimental em seus mais variados âmbitos. Inicialmente, reconstruímos uma teoria acerca do conceito de experimentalismo que contemplasse todo o histórico do conceito e o expandisse para contemplar novas questões relativas às suas formas de manifestação e sua condição na contemporaneidade. Após isto, através da obra musical de Cowell, seus escritos, estudos acadêmicos realizados sobre o compositor, relatos, documentos e críticas musicais da época, elencamos elementos biográficos que demonstrassem a semente do pensamento experimental e sua motivação, moldando o pensamento estético do compositor. Com esta base, realizamos uma análise discursiva do papel desempenhado pelos escritos de Cowell na propaganda e estabelecimento de um ambiente hábil em termos de público, publicação, gravação, realização e reconhecimento através de três pilares primordiais: o nacionalismo radical, a exploração de parâmetros privilegiados pela música exterior à tradição da música de concerto europeia e o desenvolvimento poético de práticas heterodoxas que viriam a caracterizar a prática experimental. Também, exploramos a relevância da criação da New Music Society, instituição criada por Cowell, responsável pela maior parte da condição de existência da prática experimental enquanto organizadora de concertos, publicação de partituras, gravação de obras, propaganda e financiamento de novos compositores ignorados pelas instituições tradicionais. Por fim, delineamos um panorama estético da obra musical de Cowell e como cada um dos seus desenvolvimentos poéticos serviram como base e referência propulsora para formas ainda mais radicais de experimentalismo durante a segunda metade do século XX. Desta forma, pudemos constatar nossa hipótese inicial de que a atuação de Cowell no mundo da música, em termos políticos, editoriais, organizadores, composicionais, teóricos, acadêmicos e interpessoais cumpriu a função de catalisador da estética experimental, sendo imprescindível à sua existência como ela veio a se tornar. The following work aimed to ascertain the nature of Henry Cowell’s role as a catalyst of the experimental aesthetic in its broad scope. Initially, we rebuilt a theory on experimentalism which contemplates all its history and expands it to all its new issues related to its forms of expression and its condition in the contemporary era. Afterward, through the musical work of Cowell, his writings, academic writings on the composer, reports, documents, and musical criticism from his time, we listed biographical elements which could exemplify the root of the experimental thought and its motivation in molding the aesthetic thinking of the composer. With this basis, we made a discursive analysis of the role played by Cowell’s writings in the propaganda and establishing of a possible environment, in terms of public, publication, recording, realization, and recognition through three paramount pillars: the radical nationalism, the exploration of priviliged musical parameters outside of the European tradition of concert music and the poietical development of unorthodox practices that would become distinguishing features of the experimental practice. Also, we explored the relevancy of the creation of the New Music Society, originated by Cowell, responsible for most of the existing conditions of the experimental practice as an organizer of concerts, publisher of scores, recording of scores, propaganda, and financing of new composers neglected by the traditional institutions. Ultimately, we outlined an aesthetic panorama of Cowell’s music and how each of his poietical developments served as a basis and propellant reference to more radical forms of experimentalism during the second half of the twentieth century. Thus, we were able to confirm our initial hypothesis in which Cowell’s action in the world of music, in political, publishing, organizing, compositional, theoretical, academic, and interpersonal terms fulfilled its function as a catalyzer of the experimental aesthetics, being indispensable to its existence as it came to be. 2018/02583-7 2019/05014-6

RESUMO Relegado a notas de rodapé da história do Fluxus e cena pós-Cage de Nova Iorque, Henry Flynt desenvolveu, entre 1960 e 1966, uma abordagem crítica da vanguarda a partir de postura revolucionária, procurando respostas para perguntas que seus contemporâneos artistas aparentemente ignoravam. Trabalhamos aqui com três textos que radicalizam um discurso crítico à vanguarda que vai de uma crítica formalista até uma crítica total de caráter anticolonial e marxista. Estes três momentos são apresentados em rounds , um para cada enfrentamento com a vanguarda, passando por suas estruturas formal, social e política, em um percurso que vai do abstrato ao concreto e se manifesta em uma práxis revolucionária. ABSTRACT Relegated to footnotes in the history of Fluxus and the post-Cage scene in New York, Henry Flynt developed from 1960 to 1966 a critical approach to the avant-garde from a revolutionary stance, looking for answers to questions which his peers apparently ignored. We work here with three texts which radicalized a critical discourse against the avant-garde, going from a formalistic critique to a total critique of Marxist and anti-colonial character. These three moments are presented in "rounds", one for each confrontation with the avant-garde , passing through its formal, social and political structures, in a route that goes from the abstract to the concrete and is manifested in a revolutionary praxis. RESUMEN Relegado a notas en pie de página de la historia del Fluxus y a la escena posterior a Cage en Nueva York, Henry Flynt desarrolló, entre 1960 y 1966, un abordaje crítico de la vanguardia a partir de su postura revolucionaria, buscando respuestas para preguntas que artistas contemporáneos aparentemente ignoraban. Utilizamos aquí tres textos, que radicalizan un discurso crítico a la vanguardia que sigue desde una crítica formalista hasta una crítica total de carácter anticolonial y marxista. Esos tres momentos son planteados en “rounds” , uno para cada enfrentamiento con la vanguardia, pasando por sus estructuras formal, social y política, en un camino desde el abstracto hasta el concreto y que se manifiesta en una praxis revolucionaria.

This research aims to investigate how Artesanato Furioso develops its artistic project from an approach that places performative action as its main focus. Recognizing that the hegemonic notion of musical work would refer, according to Lydia Goehr (1992), to a musical practice arising from a specific historical and socio cultural context, which can not be applied in a generalized way, this research was based on theories of musical morphology defended by Valério Fiel da Costa (2016), which support the practice of Artesanato Furioso. In this view, the work would be situated in the morphological field, having its form concretized through performative action. The analyzes presented in this research had as main focus the performance process developed by the Artesanato Furioso project in the cases discussed. Four performances, with distinct characteristics, representing the typical situations addressed by the project were selected: Child of Tree (1975), by John Cage, Quatre Fois (1980), by Didier Guigue, Wu Li (1990), by Hans-Joachim Koellreuter, and ÍCONES: iconoclastia, iconoplasmia e o Ícone de J-P Caron (2016), from Artesanato Furioso itself. In the analysis, the interpretive decisions and solutions adopted by the performers were mapped throughout the performance process, considering, in addition to the public performances, the planning and preparation stages, and the information provided by the performers regarding their understanding of the proposed approach. From the comparison between the information and recordings collected, it was possible to trace the morphological profile of the performances studied and showing the relationship between the performance process and the morphological results produced. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Esta pesquisa tem como objetivo investigar como o Artesanato Furioso desenvolve seu projeto artístico a partir de uma abordagem que coloca a ação performática como foco principal. Reconhecendo que a noção hegemônica de obra musical remeteria, segundo Lydia Goehr (1992), a uma prática musical oriunda de um contexto histórico e sócio-cultural específico, não podendo ser aplicado de maneira generalizada, esta pesquisa tomou como base as teorias de morfologia musical defendidas por Valério Fiel da Costa (2016), as quais fundamentam a prática do Artesanato Furioso. Nessa visão, a obra estaria situada no campo morfológico, tendo sua forma concretizada por meio da ação performática. As análises apresentadas nesta pesquisa tiverem como foco principal o processo performático desenvolvido pelo projeto Artesanato Furioso nos casos abordados. Foram selecionadas quatro performances, com características distintas, representativas das situações típicas abordadas pelo projeto: Child of Tree (1975), de John Cage, Quatre Fois (1980), de Didier Guigue, Wu Li (1990), de Hans-Joachim Koellreuter, e ÍCONES: iconoclastia, iconoplasmia e o Ícone de J-P Caron (2016), do próprio Artesanato Furioso. Nas análises foi feito o mapeamento das decisões interpretativas e soluções adotadas pelos performers ao longo do processo performático, considerando, além das performances públicas, as etapas de planejamento e preparação, e as informações fornecidas pelos performers quanto ao seu entendimento da proposta abordada. A partir da comparação entre as informações e gravações coletadas, foi possível traçar o perfil morfológico das performances estudadas e mostrando a relação entre o processo performático e os resultados morfológicos produzidos.

Este artigo pretende abordar como participantes da cena de música experimental de São Paulo realizam práticas terapêuticas através das performances que ali acontecem. A terapia consistiria no uso da música como mediadora para uma busca pelo transe, intencionando tratar estados como a ansiedade ou a condição patológica que o blasé citadino pode gerar. Esses males, como dizem, são ocasionados pelo ethos dessa cidade, vetor que lhes impõe a necessidade de adaptação a um modo de vida que não compactuam. Por fim, considera-se que o grau de proximidade entre o performer e o público é relacionado ao grau da eficácia do tratamento pretendido e, a partir da reflexão sobre esse grupo e uma rápida comparação com outros, sugere-se que formas de tratamentos como essa podem ser recorrentes entre populações marginalizadas, permitindo-lhes uma forma de insistir em um modo de vida paralelo ao ethos predominante. This article addresses how participants of the experimental music scene in São Paulo perform therapeutic practices through the performances that occur there. The therapy consists in using music as a form of mediation in search of trance, to treat states such as anxiety or urban blasé demeanor, which can become a problem. These “maladies” are caused by the city ethos, a vector that imposes the need to adapt to a way of life they disagree with. Finally, the degree of proximity between the performer and the public affects the degree of efficacy of the intended therapy, inferring that treatments like these can be recurrent among marginalized groups, allowing them to insist on a way of life parallel to the predominant ethos.

Submitted by Rosa Aparecida do Couto Silva (rosa.couto@unesp.br) on 2020-08-18T23:47:37Z No. of bitstreams: 1 tese Rosa Couto - Itamar Assumpção e a Encruzilhada Urbana - versão final.pdf: 4066462 bytes, checksum: 1c4b54780b202c3aae399c163a621347 (MD5) Approved for entry into archive by Jacqueline de Almeida null (jacquie@franca.unesp.br) on 2020-08-19T16:20:33Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Silva_RAC_te_franca.pdf: 4066462 bytes, checksum: 1c4b54780b202c3aae399c163a621347 (MD5) Made available in DSpace on 2020-08-19T16:20:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_RAC_te_franca.pdf: 4066462 bytes, checksum: 1c4b54780b202c3aae399c163a621347 (MD5) Previous issue date: 2020-07-07 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O objetivo principal desta tese é analisar os aspectos experimentais da obra musical de Itamar Assumpção, artista relacionado à movimentação cultural conhecida como Vanguarda Paulista, ocorrida em São Paulo, no início dos anos 80. Os artistas ligados à Vanguarda Paulista assumiram uma posição crítica e criativa frente às imposições do mercado musical. As principais fontes dessa pesquisa são os sete álbuns de estúdio lançados durante a carreira de Itamar Assumpção: Beleléu Leléu Eu, Sampa Midnight, Intercontinental! Quem Diria! Era Só o que Faltava !, Bicho de 7 cabeças vol. I, II e III, Ataulfo Alves por Itamar Assumpção - Para sempre agora e Pretobrás - por que eu não pensei nisso antes? Tendo esse material como suporte, a pesquisa procura demonstrar como a negritude e as referências culturais afro-brasileiras são utilizadas de maneira inovadora, a fim de construir uma linguagem musical específica. Por fim, este trabalho elucida as relações intrínsecas entre o racismo institucional / sistêmico e o mercado musical, com base no reforço de estereótipos negativos impostos aos afro-brasileiros, que impactam diretamente a obra do artista estudado. This dissertation’s main objective is to analyze the experimental aspects of the Itamar Assumpção's musical work, an artist related to the cultural movement known as Vanguarda Paulista, which took place in São Paulo, in the early 1980s.Vanguarda Paulista was an artistic scene in which musicians took a critical and creative stand against the musical market impositions. The main sources for this reserach are the seven studio albums released during the Assumpção's career: Beleléu Leléu Eu, Sampa Midnight, Intercontinental! Quem Diria! Era Só o que Faltava!, Bicho de 7 cabeças vol. I, II and III, Ataulfo Alves por Itamar Assumpção – Pra sempre agora and Pretobrás -por que que eu não pensei nisso antes? Having this material as support the research seeks to demonstrate how blackness and Afro-Brazilian cultural references are used in an innovative way, in order to build a specific musical language. Finally, this work elucidates the intrinsic relations between institutional / systemic racism and the musical market, based on the reinforcement of negative stereotypes imposed to the Afro-Brazilians that directly impact the work of the studied artist. El objetivo principal de esta tesis es analizar los aspectos experimentales de la obra musical de Itamar Assumpção, artista afín al movimiento cultural conocido como Vanguarda Paulista, que tuvo lugar en São Paulo, Brasil, a principios de la década de 1980. Los artistas vinculados a la Vanguarda Paulista asumieron una posición crítica y creativa contra las imposiciones del mercado de la música. Las principales fuentes de esta investigación son los siete álbumes de estudio publicados durante la carrera de Itamar Assumpção: Beleléu Leléu Eu, Sampa Midnight, Intercontinental! Quem Diria! Era só o que faltava!, Bicho de 7 cabeças vol. I, II y III, Ataulfo por Alves de Itamar Assumpção – Pra sempre agora y Pretobrás - por que que eu não pensei nisso antes? Con este material como soporte, la investigación busca demostrar cómo la negritud y las referencias culturales afrobrasileñas son utilizadas de manera innovadora, para construir un lenguaje musical específico. Finalmente, este trabajo dilucida las relaciones intrínsecas entre el racismo institucional / sistémico y el mercado musical, a partir del refuerzo de estereotipos negativos impuestos a los afrobrasileños, que impactan directamente en la obra del artista estudiado. 001

RADIOFONIAS Extension Program has been held since 2015 at the Arts Center (CEART) of State's University of Santa Catarina (UDESC). RADIOFONIAS proposes itself as a space for experimentation, broadcast and archive of inventions on voice, sound art, experimental music, among other sound, vocal and musical projects, with the aim of stimulating an expanded listening. It aims to disseminate and to contextualizate the esthetical, historical and social elements of artistic sound productions that are alternative to the productions hegemonically broadcast on commercial and educational radio stations.&nbsp, O Programa de Extensão RADIOFONIAS é realizado desde 2015 no Centro de Artes (CEART) da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC). RADIOFONIAS propõe-se enquanto espaço de experimentação, veiculação e arquivo de invenções sobre voz, arte sonora, música experimental, entre outros projetos sonoros, vocais e musicais, com o objetivo de estimular uma escuta expandida. Busca-se a difusão e a contextualização estética, histórica e social de produções sonoras artísticas alternativas às produções hegemonicamente veiculadas em rádios comerciais e educativas.

Orientador: Antônio Rafael Carvalho dos Santos Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Caetano Veloso lançou o LP Jóia em 1975, junto ao disco Qualquer Coisa. Àquela altura, o cantor e compositor atuava no cenário musical brasileiro há quase dez anos. Nesse período, sua imagem pública teve diversas mudanças: passou de cantor de Bossa Nova a líder do movimento tropicalista, preso político e artista exilado. Em seu retorno, tornou-se um dos principais representantes da MPB. No início dos anos 1970, Caetano lançou uma série de discos com caráter altamente experimental, sendo o Jóia o último desses, que foi sucedido por uma maior aproximação com a canção pop. O objetivo desta dissertação é analisar como Caetano responde musicalmente ao contexto em que se insere, elucidando os procedimentos estéticos e composicionais do disco Jóia. Justifico essa abordagem por diversos motivos. Veloso é, até hoje, um dos compositores de maior renome da MPB, gênero que ocupava nos anos 1970 um lugar central na cultura brasileira. O compositor esteve, por muitos momentos, em uma posição ambígua naquele cenário, ora apontado como possível liderança na resistência contra a Ditadura Militar, ora visto como um compositor alienado das questões políticas da época. Os trabalhos acadêmicos que colocam Veloso em enfoque muitas vezes lançam o olhar apenas sobre o período do movimento tropicalista do final dos anos 1960. Embora Caetano tenha tido, nos anos 1970, uma de suas décadas de maior produtividade artística, sua música do período não foi tão analisada. Quando se torna objeto de pesquisa, o enfoque recai sobre as letras da canções, deixando diversos aspectos musicais de lado. Minha abordagem, nessa perspectiva, é uma tentativa de suprir essa lacuna. Para isso, busquei uma análise mais abrangente do disco, que incluiu elementos como o projeto gráfico, os arranjos, as instrumentações, os ritmos, os procedimentos melódicos e harmônicos, os diferentes usos da voz e as letras das canções. A partir dessas informações, identifiquei nas canções do disco Jóia diversos procedimentos de intertextualidade e diálogos com a poesia concreta, um uso extenso de procedimentos modais nas melodias e harmonias, experimentações e improvisos vocais e arranjos construídos de forma intuitiva e com baixa densidade instrumental. Pude verificar também diálogos com a Bossa Nova, com gêneros tradicionais brasileiros como a toada e a marcha-rancho, com cantos de religiões afro-brasileiras e a música de povos indígenas brasileiros, além de momentos de aproximação com gêneros estrangeiros, como o rock, o blues e o jazz Abstract: Caetano Veloso released the LP Jóia in 1975, alongside the album Qualquer Coisa. At that time, the singer and composer had been active in the Brazilian music scene for almost ten years. During this period, his public image had several changes: he went from a Bossa Nova singer to the leader of the Tropicalia movement, a political prisoner and an exiled artist. Upon his return, he became one of the main names of Brasilian Popular Music (MPB). In the early 1970s, Caetano released a series of highly experimental records. Jóia was the last one, being succeeded by a closer relationship with pop music. This dissertation aims to analyze how Caetano musically responds to the context in which he is inserted, elucidating the aesthetic and compositional procedures of the disc Jóia. I justify this approach for several reasons. Veloso is, to this day, one of the most renowned composers of MPB, a genre that occupied a central spot in the Brazilian culture in the 1970s. The composer was for many moments in an ambiguous position in the scenario, sometimes pointed out as a possible leader in the resistance against the Military Dictatorship, other times seen as a composer alienated from political issues. The academic works that study Veloso often focus only on the period of the Tropicalia movement of the late 1960s. Although Caetano had, in the 1970s, one decade of greatest artistic productivity, the music he made in the period was not much analyzed - when it becomes the object of research, the main focus is the lyrics of the songs, leaving several musical aspects aside. My approach, in this perspective, is an attempt to fill this gap. For that, I sought a wider analysis of the disc, which included elements such as the graphic design, the arrangements, the instruments, the rhythms, the melodic and harmonic procedures, the different uses of the voice and the lyrics of the songs. With that information, I identified on the disc Jóia several intertextuality procedures, dialogues with concrete poetry, extensive use of modal procedures in melodies and harmonies, experimentations, vocal improvisations and arrangements built intuitively and with low instrumental density. I also verified dialogues with Bossa Nova, with traditional Brazilian genres such as toada and marcha-rancho, with songs by Afro-Brazilian religions and the music of Brazilian indigenous people, in addition to moments of approach with foreign genres, such as rock, blues and jazz Mestrado Música, Teoria, Criação e Prática Mestre em Música

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação Música em Contexto, 2019. A presente dissertação pretendeu investigar em que medida uma prática de Livre Improvisação musical pode ser desenvolvida quando pensada sob a perspectiva do corpo conceitual e estético do Zen Budismo. O resultado final é a criação musical Hiatos. Para se concretizar esta investigação, foram delimitados quais são os principais aspectos que caracterizam a Livre Improvisação. Foram abordados os conceitos de liberdade e de tempo, além de uma contextualização conceitual e histórica sobre improvisação musical associada à pós-modernidade. Em um segundo momento, foram expostas determinadas noções do Zen Budismo, a saber: suas origens e definição; de que forma as artes e a música se manifestam no Zen; a estética wabi sabi; os conceitos de shunyata (vacuidade) e não dualidade. Posteriormente, visou-se delimitar de que modo tais aspectos do Zen Budismo podem ser traduzidos para a criação propriamente musical de uma composição baseada na improvisação, delimitando-se: a estética Ma (silêncio sugestivo); a estética sawari (ruído belo); a assimetria enquanto aspecto estético; o uso de um jisei (tipo de poema japonês) como estratégia balizadora para uma improvisação; e o conceito de improvisação semeada. (BARRETT, 2014) Em seguida, apresenta-se como resultado a partitura da comprovisação Hiatos; sua performance em vídeo encontra-se anexada a esta dissertação. No último capítulo foi realizada uma análise da partitura e da performance de Hiatos tendo por base as delimitações de Cook (1997) e Corrêa (2014). This dissertation aimed to investigate to what extent a practice of musical Free Improvisation can be thought from the conceptual and aesthetic perspective of the Zen Buddhist philosophy. The outcome is the musical creation Hiatos. In order to achieve this research, the main aspects which characterize Free Improvisation were delineated. Also, the concepts of freedom and time were discussed, as well as a conceptual and historical contextualization about musical improvisation associated to postmodernism. Secondly, certain notions of Zen Buddhism were exposed, namely: its origins and definition; how the arts and music manifest themselves in Zen; the wabi sabi aesthetic; the concepts of shunyata (emptiness) and non-duality. Subsequently, it was aimed to delineate how such aspects of Zen Buddhism can be translated to musical creation of a composition based on Free Improvisation; in that way, certain aspects were delineated: the Ma aesthetic (suggestive silence); the sawari aesthetic (beautiful noise); asymmetry as an aesthetic aspect; the use of a jisei (a type of Japanese poem) as a goal-setting strategy for improvisation; and the concept of seeded improvisation. (BARRETT, 2014) Then, the result is the score of the comprovisation Hiatos; the performance video is attached to this dissertation. In the last chapter an analysis of Hiatos’ score and performance was made based on the writings of Cook (1997) and Corrêa (2014).

Esta tese examina um conjunto de práticas musicais de vários géneros da música experimental contemporânea. A partir da constatação de convergências e semelhanças entre peças de compositores contemporâneos e artistas de música eletrónica independentes, e partindo do pressuposto de que estas semelhanças se devem à presença de uma compreensão do som como uma entidade material complexa, esta investigação desenvolve uma abordagem multifacetada na análise e sistematização destas correspondências. O som como conceito central na música do século vinte é o ponto de partida para esta pesquisa e a presença desta focalização, durante o último século em diferentes géneros e contextos musicais, reflete-se na natureza transcultural deste estudo. O estudo baseia-se na conceção do som como uma entidade complexa, tal como foi proposto por Giacinto Scelsi e os espetralistas, para definir uma série de características essenciais que podem ser encontradas em obras de compositores oriundos de diferentes contextos, tais como a exploração do espetro sonoro, uma ideia alargada da harmonia e temporalidade musical e um uso específico da repetição. Estes autores abordam o som como se este fosse um material físico, evitando certas estruturas baseadas em notas no sentido tradicional e em construções abstratas, para se concentrarem na exploração do timbre, criando um material sonoro rico. As obras que constroem o corpus principal deste estudo – de Georg Friedrich Haas, Bernhard Lang, Giovanni Verrando, Riccardo Nova, Pan Sonic, Ryoji Ikeda e Raime – provêm de diferentes géneros, como o pósespetralismo, minimalismo, eletroacústica, eletrónica-glitch e dubstep. A partir destes casos de estudo, a investigação orienta-se tanto para o objeto (artístico) como para o sujeito (criador e recetor) incluindo uma análise das obras selecionadas (baseada numa análise auditiva, espetral e da partitura) das obras selecionadas e duas pesquisas empíricas: uma construída a partir de inquéritos de escuta a ouvintes e outra a partir de entrevistas aos compositores e intérpretes. Os resultados obtidos incluem dados analíticos – correspondentes à descrição de nove atributos musicais comuns – resultados dos inquéritos de escuta com a identificação de três modos de escuta e uma definição das intenções poiéticas dos compositores que, apesar de serem distintas, apresentam várias convergências. Estes resultados pretendem fundamentar uma perspetiva de cruzamento entre géneros musicais diferentes, à qual chamamos multi-género. Esta perspetiva sobre o som será definida como “extático-materialista”. Esta visão baseia-se numa conceção partilhada de som, envolve uma compreensão específica do tempo e do espaço na criação e perceção musical, e – longe de ser um conceito auto-reflexivo – inclui componentes da experiência cultural e da prática de compositores, artistas e ouvintes. O som, na perspetiva extático-materialista, é o território comum entre criador e o recetor; onde ambos os participantes captam elementos materiais do som e a partir daí constroem os caminhos subjetivos na sua escuta (emotivos, analíticos, culturais). Este modelo extático-materialista é examinado no âmbito da música contemporânea experimental, incluindo os aspetos mais problemáticos, como a sua natureza elitista e autorreferencial, para propor possíveis aplicações práticas. Os compositores e os ouvintes que representam a perspetiva extático-materialista participam na comunicação musical de forma contextual e inter-relacionada, motivados por uma espécie de ética que os desafia a fazer escolhas, agindo, afetando e sendo afetados pelo som. Por fim, esta investigação ilustra a forma como a visão multi-género pode ser aplicada a diferentes formas do conhecimento musical (didático, artístico e curatorial) através do uso de uma abordagem multimodal (sensorial-perceptiva, teórica, abstrata e histórica), com o objetivo de aproximar as práticas musicais experimentais de um público mais vasto. This doctoral research examines a cross-genre set of practices within today’s experimental music scene. Starting from the observation that there are convergences and similarities between pieces by contemporary composers and those by independent electronic performers, and proposing that these commonalities are due to the presence of a shared understanding of sound as being a complex and material entity, this study develops a multifaceted approach to explore and give shape to these correspondences. The centrality of sound in the music of the 20th century is the starting point for this research, and the presence of this radical reappraisal during last century in several different genres and contexts is reflected in the cross-cultural aspects of this study. The research elaborates on the conception of sound as a complex entity –postulated by Giacinto Scelsi and the spectralists– in order to define a series of key characteristics (including exploration of the sonic spectrum, an extended conception of harmony and temporality, and a particular use of repetition) which can be found in the pieces of composers working in very different contexts. These figures approach sound as a physical material, avoiding certain tone-based structures and abstract construction techniques in favour of focusing on creating a sonic material rich in timbral exploration. Selected pieces (i.e. compositions by Georg Friedrich Haas, Bernhard Lang, Giovanni Verrando, Riccardo Nova, Pan Sonic, Ryoji Ikeda, and Raime) coming from different genres (i . e . post-spectralism, minimalism, electroacoustic, glitch electronica, and dubstep) serve as the main body of research for both an object- and a subject-oriented investigation. In order to give shape to this shared perspective on sound, this study includes an analysis of these pieces (i . e . based on aural, spectral, and score examinations) and two empirical surveys, one targeting listeners (i.e. the listening questionnaires) and the other composers and interpreters (i.e. the interviews and other correspondence). The collected results subsequently encompass: analytic data and the description of nine shared musical attributes; perceptual examinations and the identification of three listening modes used in finding key elements within the selected pieces; and a clear definition of similar yet distinct poietic intentions among the different composers. These results serve to justify the proposed cross-genre perspective on sound that I define as the ecstatic-materialist perspective. This shared vision is grounded in a similar conception of sound, it involves a specific understanding of time and space in musical creation and perception, and –far from being a self-reflexive concept– it implicates components from the cultural and practical experience of composers, performers, and listeners equally. Sound in the ecstatic-materialist perspective is the common territory between creator and recipient; both participants locate material elements of sound and follow subjective paths in listening (e.g. affective, source-based, socio-cultural). The proposed ecstatic-materialist model is examined in relation to the current world of experimental contemporary music, including the more problematic aspects such as its elitist and auto-referential nature, in order to explore the practical applications of the outlook. Composers and listeners exemplifying the ecstaticmaterialist perspective are involved in musical communication in a contextual, interrelated fashion, motivated by a kind of ethic that empowers them to make choices, take action, affect and be affected by sound in the wider context in which it is experienced. Finally, this study illustrates how the cross-genre ecstatic-materialist view can be applied to the different ways in which musical knowledge is communicated (didactic, artistic, and curatorial) by using a multimodal approach (sensorial-perceptive, theoretical, abstract, and historical) in order to reduce the gap between experimental music practices and a wider audience.

Partindo da teoria crítica e prática artística desenvolvida por Henry Flynt (1940- ) o trabalho propõe desenvolver um método a ser exercitado na pesquisa artística dentro do campo da música experimental. Henry Flynt lida com o questionamento da hegemonia da arte eurocêntrica nos meios institucionais e na hierarquização cultural da sociedade, propondo alternativas a este cenário em seus trabalhos e assumindo uma postura politica contra o imperialismo cultural, o colonialismo e o elitismo eurocêntrico. A esse sistema crítico construído pelas leituras de Flynt foi então aplicado uma prática sonora chamada “O Pequeno Livro Vermelho do Drone”. Dentre as principais abordagens discutidas no projeto estão em foco a proposição por Henry Flynt da música negra como base para uma cultura revolucionária e o uso do drone para a construção de novas formas de expressão não-hierárquicas. Starting from the critical theory and artistic practice developed by Henry Flynt (1940-) the work proposes to develop a method to be exercised in the artistic research within the field of experimental music. Henry Flynt deals with the questioning of the hegemony of Eurocentric art in the institutional media and in the cultural hierarchy of society, proposing alternatives to this scenario in his works and adopting a political stance on cultural imperialism, colonialism and Eurocentric elitism. This critical system built by Flynt's readings was then applied to a sound practice called "The Little Red Drone Book". Among the main approaches discussed in the project are the focus of Henry Flynt's proposition of black music as the basis for a revolutionary culture and the use of the drone for the construction of new non-hierarchical forms of expression.

Resumo Este pequeno ensaio é uma discussão sobre os significados da expressão música popular. Nosso ponto de partida provém das constatações de Richard Middleton sobre a polissemia da música popular. No entanto, problematizamos as questões de Middleton quando o cotejamos com a perspectiva dos Estudos Culturais sobre o que se entende por cultura popular, bem como com a perspectiva da teoria crítica sobre o que se entende por vanguarda. Assim, a expressão música popular, mais que um conceito, torna-se um campo em disputa pelas várias forças culturais que constituíram a sonoridade contemporânea, do folclore ao modernismo, da cultura de massa ao experimentalismo. Absctract This short essay is a discussion of the meanings of the expression popular music. Our starting point are Richard Middleton’s findings on the polysemy of popular music. However, we problematize the discussion of Middleton when we compare it with the perspective of Cultural Studies on what is meant by popular culture, as well as with the perspective of Critical Theory about what is understood by the vanguard. Thus, the expression popular music, rather than a concept, becomes a field for disputing various cultural forces that constituted the contemporary sonority, from folklore to modernism, from mass culture to experimentalism.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-11-06T19:28:24Z No. of bitstreams: 1 MIGUEL FABRICIO DE OLIVEIRA ALVES.pdf: 4255347 bytes, checksum: 47de13ed193e78d6f30026f5b9cfcef0 (MD5) Made available in DSpace on 2018-11-06T19:28:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MIGUEL FABRICIO DE OLIVEIRA ALVES.pdf: 4255347 bytes, checksum: 47de13ed193e78d6f30026f5b9cfcef0 (MD5) Previous issue date: 2018-08-31 After finally leaving the tour in 1966 at a time when his career reached high levels of public and market, thus causing a certain break with the parameters of the cultural industry, the Beatles began to concentrate their work in the studio producing what the critic considers as their more important works, evidencing a maturation that would show itself from his compositions and arrangements. Such compositions become more complex, representing their passage from commercial pop music to more elaborate, experimental and avant-garde music, exposing influences to various musical currents and references to their experiences with LSD. It is the purpose of this study to analyze the context in which these changes occurred, the relationship of the Beatles to their time, psychedelia, oriental mysticism and avant-garde rock sections. Após deixarem definitivamente as turnês em 1966, no momento em que sua carreira atingia altos níveis de público e mercado, os Beatles trouxeram certa ruptura com os parâmetros da indústria cultural. O famoso quarteto passou a concentrar seu trabalho no estúdio produzindo o que a crítica considera como suas mais importantes obras, evidenciando um amadurecimento que se mostraria a partir de suas composições e arranjos. Tais composições passam a ficar mais complexas, representando assim sua passagem da música comercial pop para uma música mais elaborada, experimental e de vanguarda. Nestas composições, expõem influências de diversas correntes musicais e referências às suas experiências com drogas e com outras culturas. O objetivo desse estudo é analisar o contexto em que essas mudanças ocorreram, a relação dos Beatles com o seu tempo, com a psicodelia, com o misticismo oriental e com setores vanguardistas da música.

Submitted by Gabriel Francisco Barboza Lemos (gabrielfranciscolemos@gmail.com) on 2018-09-28T13:41:47Z No. of bitstreams: 1 Mestrado_2018_FINAL_PDF.pdf: 17241288 bytes, checksum: aa4adf3c4ab852bf34bf08215205e197 (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) Made available in DSpace on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) Previous issue date: 2018-07-30 Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) Na segunda metade do Século XX, em especial nas décadas de 1960 e 1970, artistas e intelectuais discutiram calorosamente acerca da relação entre a atuação poética (criativa) do artista e sua influência no campo político e ideológico social. Nesse contexto, o compositor inglês Cornelius Cardew (1936 - 1981) se destacou por desenvolver um trabalho composicional e teórico contundente, crítico e autocrítico sobre a vanguarda musical e sua dimensão ideológica. Transitou entre duas das mais influentes orientações estéticas da segunda metade do Século XX, a música de vanguarda e a música politicamente engajada, ambas fundamentais na construção de chaves de leitura acerca da relação entre o compositor e a sociedade ocidental capitalista. Cardew se dedicou no decorrer de toda a década de 1960 na criação e divulgação de obras diretamente influenciadas pela escola americana experimental. Compôs obras que trabalhavam com a aleatoriedade, a improvisação (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) e a notação gráfica, dentre essas, Treatise (1963-7) se destaca. Em 1969, ainda ligado às diretrizes aleatórias e ritualísticas da escola americana, o compositor fundou a orquestra experimental Scratch Orchestra (1969-74). Não obstante, influenciado pelo trabalho de pesquisa feito em conjunto com a orquestra (haja a existência de um núcleo de estudos teóricos chamado de Ideological Group), nos anos seguintes ao encerramento das atividades do grupo, Cardew se engajou na utilização da música como ferramenta na conscientização da luta de classes. Orientado pela linha de pensamento Marxista-Leninista, sua produção teórica e musical dos anos 1970 é marcada por um forte engajamento revolucionário, culminando na publicação do livro Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). Em seus últimos anos de vida, o compositor volta a utilizar a notação tradicional e compõe peças para piano, canções e música coral que, se comparadas à sua produção anterior, configuram-se como outra linguagem musical, operando sob uma chave de leitura híbrida e diametralmente oposta à vanguarda experimental. Marcadas por alusões e citações diretas ao repertório musical revolucionário, erudito e popular, as peças para piano dos anos 1970 indicam uma preocupação com a inteligibilidade do discurso musical e almejam uma clareza semântica que se consubstancia junto do ímpeto político do autor. Nesse sentido, o projeto proposto parte da necessidade de melhor compreender e refletir sobre a produção de Cornelius Cardew como um compositor que personificou contradições radicais na prática musical, na atuação profissional e política de seu tempo. O interesse na pesquisa e no levantamento de dados acerca dessas duas fases de Cardew reside em sua drástica mudança de orientação ideológica – porém, logicamente compreensíveis a partir dos encaminhamentos de sua atuação. Como fundamentação teórica este estudo utiliza-se de uma bibliografia que compreende algumas fontes distintas de análise do objeto em questão. Por sua vez, agrupados em quatro vias teóricas distintas; textos de autoria do próprio compositor, a aplicação desse corpo teórico na análise da música de Cardew, a ideologia marxista aplicada às artes (em especial à música erudita) e, finalmente um conjunto de autores que também abordam a relação entre linguagem e música no Século XX. In the second half of the twentieth century, especially in the 1960s and 1970s, artists and intellectuals intensify argued about the relationship between the poetic (creative) performance of the artist and his influence on the political and ideological social field. In this context, the English composer Cornelius Cardew (1936 - 1981) stood out for developing a compelling, critical and self-critical compositional and theoretical body of work about the musical avant-garde and its ideological dimension. He transited between two of the most influential aesthetic orientations of the second half of the twentieth century, avant-garde music and politically engaged music, both fundamental in the construction of reading about the relationship between the composer and western capitalist society. Throughout the 1960s, Cardew devoted himself in the creation and dissemination of works directly influenced by the experimental American school. He composed works that worked with randomness, improvisation (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) and the graphic notation – among these, Treatise (1963-7) stands out. In 1969, still attached to the random approach and ritualistic directives of the American school, the composer founded the experimental orchestra Scratch Orchestra (1969-74). Nevertheless, influenced by the research work done in conjunction with the orchestra (strictly related to the theoretical studies group called the Ideological Group), in the years following the closing of the group's activities, Cardew engaged in the use of music as a tool in the awareness of the class struggle. Guided by the Marxist-Leninist line of thought, his theoretical and musical production of the 1970s is marked by a strong revolutionary engagement, which culminates in the publication of Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). In his later years of life, the composer revisits the traditional notation and composes pieces for piano, songs and choral music that, if compared to his previous production, configure themselves as another musical language, operating under a hybrid reading key and diametrically opposed to the experimental vanguard. Marked by allusions and direct quotations to the revolutionary, erudite and popular musical repertoire, the piano pieces of the 1970s indicate a concern with the intelligibility of musical discourse and aim for a semantic clarity that is consubstantial with the author's political impetus. In this sense, the proposed project started from the need to better understand and reflect on the production of Cornelius Cardew as a composer who personified radical contradictions in musical practice, in the professional and political performance of his time. The interest in researching and collecting data on these two phases of Cardew lies in his drastic change in ideological orientation – hence logically understandable from the directions of his trajectory. As theoretical foundation, this study uses a bibliography that includes some different sources of analysis of the object in question. In turn, grouped into four different theoretical lines; texts written by the composer himself, the application of this theoretical body to the analysis of Cardew's music, the Marxist ideology applied to the arts (especially to erudite music) and finally a set of authors who also deal with the relationship between language and music in the 20th century. FAPESP: 2016/05113-6

Made available in DSpace on 2019-10-03T17:31:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2018. Added 1 bitstream(s) on 2021-07-14T17:52:27Z : No. of bitstreams: 1 S0101-90742018000100301.pdf: 86336 bytes, checksum: 8f3574f97ca79bbfa3856df75684be36 (MD5) Resumo Este pequeno ensaio é uma discussão sobre os significados da expressão música popular. Nosso ponto de partida provém das constatações de Richard Middleton sobre a polissemia da música popular. No entanto, problematizamos as questões de Middleton quando o cotejamos com a perspectiva dos Estudos Culturais sobre o que se entende por cultura popular, bem como com a perspectiva da teoria crítica sobre o que se entende por vanguarda. Assim, a expressão música popular, mais que um conceito, torna-se um campo em disputa pelas várias forças culturais que constituíram a sonoridade contemporânea, do folclore ao modernismo, da cultura de massa ao experimentalismo. Absctract This short essay is a discussion of the meanings of the expression popular music. Our starting point are Richard Middleton’s findings on the polysemy of popular music. However, we problematize the discussion of Middleton when we compare it with the perspective of Cultural Studies on what is meant by popular culture, as well as with the perspective of Critical Theory about what is understood by the vanguard. Thus, the expression popular music, rather than a concept, becomes a field for disputing various cultural forces that constituted the contemporary sonority, from folklore to modernism, from mass culture to experimentalism. Universidade Estadual Paulista Universidade Estadual Paulista

Submitted by EDER WILKER BORGES PENA null (ederwbp@gmail.com) on 2017-07-19T02:55:36Z No. of bitstreams: 1 Satierik Musique. Da natureza da música humorística em Erik Satie.pdf: 13436858 bytes, checksum: 8c1e22998db1245a7682bec3d2880ad8 (MD5) Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-07-19T18:33:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pena_ewb_me_ia.pdf: 13436858 bytes, checksum: 8c1e22998db1245a7682bec3d2880ad8 (MD5) Made available in DSpace on 2017-07-19T18:33:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pena_ewb_me_ia.pdf: 13436858 bytes, checksum: 8c1e22998db1245a7682bec3d2880ad8 (MD5) Previous issue date: 2017-07-03 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O seguinte trabalho tem por objetivo abordar a natureza da música humorística em Erik Satie, sua aplicação, função e caráter estético. Para isto, através de sua obra musical, seus escritos, estudos acadêmicos realizados sobre o compositor, relatos e críticas musicais da época, buscou-se, inicialmente, reconstruir a lógica pessoal e composicional do compositor, ambas inerentes. Em seguida, a fim de tornar possível uma análise adequada do humor em suas obras, procurou-se, através da reflexão existente sobre o tema no âmbito da filosofia, atribuir uma definição clara e prática da natureza do humor, do riso, assim como, determinar a gênese de sua má reputação. A partir disto, com base no conceito de humor e em textos musicológicos sobre a música humorística, desenvolvemos um aparato técnico de reconhecimento e aplicabilidade do humor no âmbito da música. Com este referencial teórico em mãos, fez-se possível a análise da aplicação e função do humor em quinze conjuntos de peças humorísticas do compositor: Gnossiennes; Pièces Froides; Troix Morceaux en forme de Poire; Préludes Flasques (Pour un Chien); Véritables Préludes Flasques (Pour un Chien); Descriptions Automatiques; Croquis et Agaceries d’un Gros Bonhomme en Bois; Embryons Desséchés; Chapitres Tournés en Tous Sens; Vieux Sequins et Vieilles Curaisses; Choses Vues à droite et à gauche; Heures Séculaires et Instantanées; Trois Valses distinguées de précieux dégoûté; Avant-dernières Pensées; e Sonatine Bureaucratique. Em seguida, através de artigos humorísticos publicados por Satie e de críticas publicadas acerca do compositor, foi realizada uma análise comparativa da função de contracrítica ao cânone e à tradição desempenhada pelo humor de Satie. Desta forma, pôde-se desmistificar o caráter superficial e inofensivo e a ideia de excentricidade, amadorismo e insensatez que trespassa sua prática humorística, tanto musical quanto textual. Por fim, através de todo o trabalho desenvolvido, averiguou-se a hipótese inicial, na qual a obra de Satie, em função do eleito aspecto do humor, entre outros, é, de fato, um experimentalismo avant la lettre em seu caráter estético. The following work aims to approach the nature of Erik Satie‟s humorous music, its application, role played and aesthetical disposition. In order to do this, we sought, initially, through his musical works, writings, academical studies about the composer, reports and musical criticism at the time, to rebuild his personal and compositional logic, both inherent. Thereafter, for the purpose of making an appropriated analysis of humor in his works, we searched, through the existing reflection on the subject in the field of philosophy, to ascribe a clear and practical definition upon the nature of humor, laughter, as well as to determine the genesis of its bad reputation. Thus, based on the concept of humor and in musicological texts about humorous music, we developed a technical apparatus of recognition and application of humor in the musical‟s scope. With that theoretical referential in hands, it was made possible an analysis of the application and function of humor in fifteen groups of humorous pieces written by the composer: Gnossiennes; Pièces Froides; Troix Morceaux en forme de Poire; Préludes Flasques (Pour un Chien); Véritables Préludes Flasques (Pour un Chien); Descriptions Automatiques; Croquis et Agaceries d‟un Gros Bonhomme en Bois; Embryons Desséchés; Chapitres Tournés en Tous Sens; Vieux Sequins et Vieilles Curaisses; Choses Vues à droite et à gauche; Heures Séculaires et Instantanées; Trois Valses distinguées de précieux dégoûté; Avant-dernières Pensées; and Sonatine Bureaucratique. Subsequently, through humorous articles published by Satie and critics published on the composer, we made a comparative analysis of the countercriticism role played by Erik Satie‟s humor against the canon and tradition. Thus, we could demystify the superficial and innocuous character and the idea of eccentricity, amateurism and insanity which trespass his humorous practice, the musical and textual as well. Last, but not least, throughout all the work developed, we verified the initial hypothesis in which Satie‟s oeuvre, due to the elected aspect of humor, among others, is, indeed, an experimentalism avant la lettre in its aesthetical disposition.

Este trabalho apresenta em forma de texto considerações a respeito de Repetitivo e Barulhento, um conjunto de disco, obra audiovisual e performance criado por Luciano Zanatta e Ricardo De Carli. Os autores são integrantes do Grupo de Pesquisa em Criação Sonora da UFRGS e da Medula – coletivo de experimentação sonora. São apresentados aspectos técnicos e conceituais do processo de criativo e relatos memoriais dos autores, na forma de um discurso que alterna entre primeira e terceira pessoa. Repetitivo e Barulhento dialoga com os campos da música popular e do ruído a partir de uma perspectiva de música experimental. O texto aqui apresentado não pretende ser um comentário externo à obra à qual faz referência e, sim, uma camada a mais na sua composição, seguindo, assim, os princípios de pensar fazendo e fazer pensando que caracterizam a pesquisa artística como modalidade de investigação. This paper presents remarks in the form of text about Repetitivo e Barulhento, an albun, audiovisual work and performance created by Luciano Zanatta and Ricardo de Carli. The authors are members of the Research Group on Sound Creation of UFRGS and Medula - collective of sound experimentation. Technical and conceptual aspects of the creative process and memorial reports from the authors are presented in the form of a discourse that alternates between first and third person. Repetitivo e Barulhento dialogue with the fields of popular music and noise from a perspective of experimental music. The text presented here is not meant to be an external commentary on the work to which it refers and rather is an additional layer in the composition, thus following the principles of thinking while doing that characterize artistic research as a research modality.

Submitted by Isabel Gomes (itg@lisboa.ucp.pt) on 2017-09-06T15:28:33Z No. of bitstreams: 1 dissertacao_final_igor_almeida_2017.pdf: 2177364 bytes, checksum: dd6d1a521a70a2a87dcae7a3c3053de2 (MD5) Approved for entry into archive by Isabel Gomes (itg@lisboa.ucp.pt) on 2017-09-06T15:28:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertacao_final_igor_almeida_2017.pdf: 2177364 bytes, checksum: dd6d1a521a70a2a87dcae7a3c3053de2 (MD5) Made available in DSpace on 2017-09-06T15:28:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao_final_igor_almeida_2017.pdf: 2177364 bytes, checksum: dd6d1a521a70a2a87dcae7a3c3053de2 (MD5) Previous issue date: 2017-06-30

Mestrado em Música O presente trabalho propõe investigar as relações do gesto de performance com outros fenómenos musicais no processo composicional. A dissertação é composta pela apresentação dos principais trabalhos desenvolvidos sobre o gesto, por uma análise referente ao gesto presente nas obras de Iancu Dumitrescu e Janis Christou, e pela apresentação do meu portifólio de composições, que pretende reflectir sobre os meus processos composicionais. This work proposes research about the relations of performance gestures which other musical phenomena in compositional process. The dissertation is composed by a presentation of major works developed about gesture, for a gestural analysis in Iancu Dumitrescu's and Janis Christou's works, and for a presentation of my portfolio of compositions, that reflects my compositional processes.

Submitted by Isabel Gomes (itg@lisboa.ucp.pt) on 2017-01-31T15:40:12Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao_CarlaSoares.pdf: 807991 bytes, checksum: 2e7a4434e5b27daf22bb2606fd66a907 (MD5) Approved for entry into archive by Isabel Gomes (itg@lisboa.ucp.pt) on 2017-01-31T15:40:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao_CarlaSoares.pdf: 807991 bytes, checksum: 2e7a4434e5b27daf22bb2606fd66a907 (MD5) Made available in DSpace on 2017-01-31T15:40:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao_CarlaSoares.pdf: 807991 bytes, checksum: 2e7a4434e5b27daf22bb2606fd66a907 (MD5) Previous issue date: 2016-04-11

Mestrado em Ensino de Música Na presente dissertação é feita uma reflexão sobre a corrente estética da música nova/experimental e sobre os modelos pedagógicos que a ela estão relacionados. É proposto o Modelo Teórico para o Desenvolvimento da Criatividade que se baseia na experimentação tácita e na integração de um contexto musical ou imaginário na experiência pessoal. Este modelo permite ainda desenvolver a permeabilidade das funções intérpreteimprovisador- compositor nos alunos de instrumento. This dissertation presents a reflection on new/experimental music aesthetics, as well as on associated pedagogical models. The Theoretical Model for the Development of Creativity is proposed with the following aims: (a) integrate embodied exploration of a musical or imaginary context into personal experience; (b) integrate interpretation, improvisation and performance-based composition in a transdisciplinary way into instrumental teaching.