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Neste Dossiê Temático, o Comitê Editorial teve como objetivo reunir trabalhos realizados entre e com os povos indígenas, que envolvem tanto artistas indígenas como também não indígenas, mas que, sobretudo, estivessem engajados nas lutas e nos processos de visibilidade das culturas e manifestações desses povos.

Este projeto de pesquisa nasce da situação emergencial de confinamento social vivida em 2020 decorrente da pandemia de COVID-19. Associa-se à pesquisa desenvolvida na Espanha pela Associação Enclave de Evaluación y Derechos Humanos, que iniciou o projeto intitulado Infância Confinada, visando entender o que pensam e sentem meninas, meninos e adolescentes sobre a questão do COVID-19 no que diz respeito aos impactos em suas vidas e à construção de significados tanto individual como coletivamente.

Resumo Baseado em pesquisa etnográfica realizada durante 12 meses, em classes especiais de acolhimento para crianças não-francófonas (EPE2A) de duas escolas públicas de ensino fundamental na cidade de Paris - França, este artigo busca compreender como as experiências destas crianças são organizadas através de performances narrativas. Embora estas crianças sejam provenientes de países, classes sociais, grupos étnicos e religiões radicalmente distintos, elas convivem cotidianamente nesta classe na qual a única forma de comunicação é a língua francesa. Desta maneira, contar e compartilhar histórias torna-se um desafio para estes estudantes. Este artigo analisa como e o que contam estas crianças imigrantes nesta situação de intenso contato multicultural. Abstract Based on ethnographic research conducted during 12 months at two elementary public schools in Paris, focusing a special class to France newcomers (EPE2A), this article intends to know how the experiences of these children are being organized through oral and written narratives. Although these children come from different countries and social classes, belonging to distinct ethnic groups and with radically different religious, they live daily in this classroom where the unique form of oral communication is the French language (still unfamiliar for the majority). In that manner, tell and share stories becomes a challenge to each student. This paper analyzes how and what immigrant children tell in such situation of intense multicultural contact.

Este artigo propõe um olhar privilegiado para as narrativas orais contadas por crianças. Parte-se da constatação de que há um vasto acervo de trabalhos acadêmicos sobre narradores adultos e sobre histórias contadas para crianças, porém pouco ainda se tem tratado da produção narrativa das crianças. Inicio o texto com uma breve exposição da pesquisa que venho desenvolvendo, sobre as performances de contadores de “causos” da fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai. Num segundo momento, forneço um panorama dos estudos da oralidade e da performance, que embasam esse trabalho e, finalmente, descrevo o contexto etnográfico em que alunos de uma escola rural uruguaia contam “narrativas de assombro”.

Este artigo procura propor uma compreensão do audiovisual como linguagem - técnica, ética e estética – analisando as possibilidades de seu uso dentro e fora da sala de aula. O texto, que é dividido em três partes, procura enfatizar o potencial de alunos e professores de teatro como produtores e realizadores audiovisuais, e não apenas como espectadores. A primeira parte apresenta um breve histórico do cinema, tecendo algumas considerações sobre o documentário contemporâneo; a segunda procura refletir sobre as diversas formas pelas quais o audiovisual vem sendo utilizado em sala de aula e, finalmente, a terceira propõe, baseada em exemplos práticos, estratégias para a leitura e, sobretudo, para a produção de imagens.

Na região da fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai a narração de histórias, bem como os sujeitos que as contam, são elementos-chave para a compreensão da sociedade em questão. Devido à multiplicidade de elementos que compõe os eventos narrativos locais, a demanda por uma forma de registro mais ampla que a da escrita logo se apresentou. Neste sentido, ao longo de minha pesquisa de campo foram realizados registros audiovisuais tanto dos contadores em situação de performance quanto de elementos referentes ao seu contexto. Consciente das especificidades da linguagem audiovisual, a questão de como “contar histórias com imagens”, ou seja, de como remontar recortes da realidade de forma que produzam uma nova narrativa consistente, vem acompanhando meu trabalho desde o seu início. Baseada nesta experiência, procuro refletir neste artigo sobre as diversas etapas que compõem o processo de elaboração de um vídeo etnográfico.

Partindo de etnografia realizada na fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai, este artigo procura refletir sobre a relação entre espetacularidade, experiência e significado nas performances narrativas executadas por “contadores de causos” da região.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Antrolopologia Social. Este trabalho aborda o contexto de transmissão das tradições orais da fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai, sob a hipótese de que a circulação de narrativas cria, nas zonas vizinhas destes três países, uma cultura comum. Inicialmente, o referencial etnográfico derivou na realização de um mapeamento das características da oralidade na região: quem são os contadores, como executam suas performances, quais são os temas recorrentes de seus causos, quais são os locais onde ocorrem as "rodas de causo", os horários preferidos para a sua narração e como se caracteriza a participação dos ouvintes. A análise deste material é realizada com base em duas perspectivas, das narrativas como expressão da experiência (com foco sobre os eventos narrados) e das narrativas como performance (com foco sobre os eventos narrativos), a partir das quais são discutidas especificidades do ethos local (gaúcho ou gaucho), tais como o apelo à ruralidade (nas referências à "campanha" e à relação com o cavalo), a mobilidade dos indivíduos através da fronteira, a vivência.

Dissertação (Mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Na Campanha do Rio Grande do Sul - fronteira com Argentina e Uruguai - há uma forte tradição oral que é recriada e transmitida cotidianamente. Nestas ocasiões, nestes "eventos narrativos", contadores e contadoras de causos incorporam e reproduzem, na sua ação de contar, aspectos da memória do grupo. A pesquisa nesta negião demonstrou que esta memória desenvolve-se a partir de diferentes relações: com o meio ambiente (o pampa), com a história local (marcada por inúmeros conflitos armados), com o trabalho cotidiano (calcado na lida campeira) e com os países vizinhos (de colonização e língua espanhola) e manifesta-se não apenas no imaginário da população - suas narrativas - mas também através do corpo e da voz destes contadores, através de suas performances. O conceito de performance, neste sentido, dá conta de todo o universo que envolve as narrações orais, desde as ações físicas e vocais dos contadores até a rede de relações estabelecidas com o público (os ouvintes - sua comunidade narrativa) e com o meio que os cerca.

O objetivo dessa tese foi formular, tendo a prática pedagógica como pano de fundo, uma reflexão acadêmica acerca da Educação Performática, Intercultural/Decolonial e Sensível no campo da Extensão e Cultura Universitárias. Para isso, desenvolvemos uma análise das experiências formativas em um Programa de Extensão e Cultura Universitárias: o Grupo CorpoEncena da UFCAT como ponto de partida; a seguir, elaboramos uma reflexão conceitual e categórica dos postulados das Performances Culturais e das suas mediações com a Educação, da Inteculturalidade/Decolonialidade e de suas mediações com a Educação, bem como da Educação do Sensível como aporte para processos formativos no interior da Universidade. Encerramos a escrita produzindo uma proposta de Projeto de Extensão e Cultura Universitárias que dialoga com o referencial proposto na tese, bem como com os saberes e práticas de matriz africana e suas inter-relações com a formação de pessoas com deficiência. The objective of this thesis was to formulate, having the pedagogical practice as a background, an academic reflection on Performance, Intercultural/Decolonial and Sensitive Education in the field of University Extension and Culture. For that, we developed an analysis of the formative experiences in a University Extension and Culture Program: the Grupo CorpoEncena of UFCAT as a starting point; then, we elaborate a conceptual and categorical reflection of the postulates of Cultural Performances and their mediations with Education, of Interculturality/Decoloniality and their mediations with Education, as well as of Sensitive Education as a contribution to formative processes within the University. We ended the writing by producing a proposal for a University Extension and Culture Project that dialogues with the framework proposed in the thesis, as well as with the knowledge and practices of an African matrix and their interrelationships with the training of people with disabilities.

Dissertação (Mestrado) — Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes, Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas, Brasília, 2021. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). Esta pesquisa propõe uma reflexão sobre a Estética do Oprimido de Augusto Boal (2009) como uma práxis pedagógica, em diálogo com a perspectiva da Educação Libertadora de Paulo Feire (2003). Para a constituição do corpus de análise desta pesquisa inicialmente foram realizadas revisão e análise de referenciais bibliográficos que compõem o campo de estudos do Teatro do Oprimido, da Pedagogia do Oprimido, da Pedagogia do Teatro e da Arte-educação de forma mais ampla. À princípio a pesquisa previa a práxis pedagógica em sala de aula com jovens e crianças, entretanto, com a pandemia da Covid-19 e a necessidade do ensino remoto, optou-se por investigar com outros professores e professoras de arte sem como poderia se dar uma educação libertadora neste novo momento, marcado por intensas mudanças nas relações artístico-pedagógicas e aprofundamento de opressões. Parte-se de uma perspectiva “etnográfica-performativa” em que há construção de um processo artístico-pedagógico em conjunto com as e os professores participantes da pesquisa a partir da intervenção da autora. Neste sentido, foram propostos: um questionário on-line para professores de artes do Distrito Federal, sobre o ensino remoto emergencial e as práticas metodológicas em sala de aula; uma oficina formativa remota intitulada “Estética do Oprimido para professores”, visando à multiplicação dos elementos trazidos por Augusto Boal com o Método do Teatro do Oprimido (T.O) e a perspectiva da Estética do Oprimido e entrevistas semiestruturadas remotas com artistas-pesquisadores do Teatro do Oprimido sobre suas experiências, para compreender como a prática artística pode se relacionar com o ensino dentro da Estética do Oprimido. A partir da escuta dos professores e professoras de artes e da construção artístico-pedagógica de forma remota, foi possível traçar alguns caminhos e possibilidades da Estética do Oprimido na práxis pedagógica daqueles e aquelas que desejam ser educadores e educadoras libertadores em sala de aula. This research proposes a reflection on Augusto Boal's Aesthetics of the Oppressed (2009) as a pedagogical praxis, in dialogue with Paulo Feire's perspective of Liberating Education (2003). In order to compile the corpus of analysis for this study, a reviewand analysis of bibliographic references was conducted encompassing the field of studies on the Theater of the Oppressed, the Pedagogy of the Oppressed, Theater Education, and Art Education. Initially, the research was to address pedagogical praxis in theclassroom with adolescents and children, however, with the Covid-19 pandemic and the need for remote learning, it was decided to explore with other arts educators what a liberating education might look like in this new moment of intense change in artistic-educational relationships and the intensification of oppression. It starts from an "ethnographic-performative" perspective, in which an artistic-pedagogical process is constructed together with the professors involved in the research, based on the intervention of the author. In this sense, it has been suggested: an online questionnaire for art teachers from Distrito Federal about emergency distance education and methodological practices in the classroom; a remote formative workshop entitled "Aesthetics of the Oppressed for Teachers" aimed at multiplying the elements brought by Augusto Boal with the method of the Theater of the Oppressed (TO) and the perspective of the Aesthetics of the Oppressed, as well as semi-structured distance interviews with artists/researchers of Teatro do Oppressed about their experiences in order to understand how artistic practice can relate to teaching within the Aesthetics of the Oppressed. By listening to art teachers and artistic-pedagogical construction remotely, it was possible to trace some of the ways and possibilities of the Aesthetics of the oppressed in the pedagogical practice of those who wish to be liberating educators in the classroom.

Este trabalho apresenta um estudo sobre performances de contação de histórias, compartilhadas entre crianças e adultos, com o objetivo de investigar como essa experiência pode contribuir com o protagonismo infantil em ambientes escolares. Nesse sentido, foi desenvolvida uma pesquisa performativa, cujas práticas foram realizadas em duas escolas públicas na Região Metropolitana do Vale do Aço, em Minas Gerais – Brasil. A metodologia deste trabalho é eminentemente guiada-pela-prática e teve como aspectos metodológicos fundamentais: (i) a poética, a potência do corpo como primazia; (ii) os processos de criação, interação e transformação presentes nas performances e na pesquisa como performance; (iii) o entusiasmo com a escuta das histórias das crianças e com os acontecimentos que emergem a partir das performances de contação de histórias; (iv) a interação com as crianças, não apenas como interlocutoras, mas como coprodutoras de saberes e histórias. A abordagem da contação de histórias como performance foi escolhida nesta pesquisa por sua perspectiva crítica e inventiva: a noção de performance, ao ser compreendida como um elemento essencial da experiência humana, constitui uma ferramenta para problematizar as múltiplas relações da vida cotidiana, como as relações adulto-criança no contexto escolar. Nessa perspectiva, integram as práticas dessa pesquisa a criação de apresentação da Performance Ananse e a realização de oficinas de contação de histórias com crianças. Essas práticas e as histórias narradas pelas crianças nos levaram a problematizar temas como: colonialismo, racismo, violência, silencio e silenciamentos, interação adulto-crianças, culturas infantis, a importância de múltiplas histórias. Nesse processo, foi possível perceber que a contação de histórias como performance é uma experiência liminar que pode desestabilizar aquilo que nós, adultos, sabemos sobre a escola, sobre o contar histórias, sobre as crianças. Além disso, evidenciou-se que o protagonismo das crianças nas escolas é atravessado e limitado por enquadramentos disciplinares e pela assimetria de poder na relação adulto-criança. Concluímos que é relevante a perspectiva do protagonismo compartilhado, em que haja flexibilidade nas relações de poder adulto-criança, o que demanda do adulto abertura para lidar com suas limitações, para aprender com as crianças, para cocriar experiências interativas nas quais as crianças possam participar de escolhas pedagógicas, serem reconhecidas como autoras de suas histórias, produtoras de culturas e saberes. This research presents a study on storytelling performances, shared between children and adults, with the goal of investigating how this experience can contribute to children's protagonism in school environments. In this context, a performative research was developed, whose practices were carried out in two public schools in the Metropolitan Region of Vale do Aço, in Minas Gerais – Brazil. The methodology of this work is eminently guided-by-practice and had as fundamental methodological aspects: (i) poetics, the power of the body as primacy; (ii) the processes of creation, interaction and transformation present in performances and in research as performance; (iii) the enthusiasm for listening to children's stories and with the events that emerge from the storytelling performances; (iv) interaction with children, not only as interlocutors, but as co-producers of knowledge and stories. The approach of storytelling as performance was chosen in this research for its critical and inventive perspective: the notion of performance, when understood as an essential element of human experience, constitutes a tool to problematize the multiple relationships of everyday life, such as relationships adult-child in the school context. From this perspective, the practices of this research include the creation of a Performance Ananse presentation and the realization of storytelling workshops with children. These practices and the stories narrated by the children led us to problematize themes such as: colonialism, racism, violence, silence and silencing, adult-child interaction, children's cultures, the importance of multiple stories. In this process, it was possible to realize that storytelling as a performance is a liminal experience that can destabilize what we adults know about school, about storytelling, about children. Furthermore, it was evident that the role of children in schools is crossed and limited by disciplinary frameworks and by the asymmetry of power in the adult-child relationship. We conclude that is really relevance the perspective of shared protagonism, in which there is flexibility in the adult-child power relations, which demands an openness from the adult to deal with their limitations, to learn with children, to co-create interactive experiences in which children can participate in pedagogical choices, be recognized as authors of their stories, producers of cultures and knowledge. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Neste estudo, sistematizado em uma tese, teve-se por objetivo discutir sobre tambor de crioula e a performance da coreira em rodas voltadas para São Benedito que acontecem nas cidades de São Luís e Alcântara no estado do Maranhão. A pesquisa de campo foi realizada no período de 2017 a 2019 nas cidades mencionadas. Observou-se que o tambor de crioula é uma performance cultural, considerada Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade desde 2007 pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – (IPHAN). O enfoque principal são os chamados tambores de promessa, vinculados com a religiosidade do catolicismo negro e realizados como modo de agradecimento e devoção, sobretudo, a São Benedito. As discussões propostas neste material envolvem as noções tambor de crioula, memória, oralidade, narrativa oral, cultura popular, catolicismo popular e a centralidade das mulheres no tambor. Como abordagem metodológica usou-se como base a narrativa oral por buscar entender o tambor e a performance da coreira a partir da perspectiva das mulheres/coreiras e a poetnografia que é utilizada como uma porta de acesso ao processo criativo que é derivado dos atravessamentos do campo e da história de vida da pesquisadora. Da imersão em campo, a partir da Poetnografia, derivam-se as produções visuais denominadas ecossonâncias visuais. In this study, systematized as a thesis, the objective was to discuss about creole drum and the performance of the coreira on circle dances associated with St. Benedict, the Moor, that take place in the cities of São Luís and Alcântara in the state of Maranhão, Brazil. The field research was carried out in the period from 2017 to 2019 in the mentioned cities. It was observed that the creole drum is a cultural performance, considered as Intangible Cultural Heritage of Humanity since 2007 by the National Historical and Artistic Heritage Institute - (IPHAN). The focus is on the drums of promise, linked to the religiosity of black Catholicism and performed as a way of thankfulness and devotion, above all, to St. Benedict, the Moor. The discussions proposed in this material involve the notions of Creole drum, memory, orality, oral narrative, popular culture, popular Catholicism and the centrality of women in the creole drum. As a methodological approach, the basis used was the oral narrative for trying to understand the drum and the performance of the coreira from the perspective of women / coreiras and the poetnography which is used as a gateway to the creative process that is derived from the junction of the field research and the researcher’s life story. From the immersion in the field, by means of Poetnography, the visual productions called visual ecossonances are derived.

Dissertação (Mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes, Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas, Brasília, 2020. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). O objetivo desta pesquisa é habitar e investigar o território de troca entre adultos e crianças, e discutir como a forma estética, política e pedagógica em que os adultos atuam pode movimentar as fronteiras geográficas e simbólicas, bem como questões de dominação e poder. O trabalho se delineia a partir do mapeamento das ações de mediação artística e criação da obra - DE VER CIDADE, Brasília numa caixa de brincar - obra interativa desenvolvida a partir de uma pesquisa com crianças, e das interações entre adultos, crianças e a cidade de Brasília. A obra esteve aberta durante duas semanas em um equipamento cultural localizado na superquadra 508 sul da cidade de Brasília, patrimônio cultural da humanidade, e recebeu mais de 700 estudantes (4 a 12 anos) de escolas públicas de diferentes regiões administrativas do Distrito Federal. Por meio do método da cartografia, foram levantadas pistas que permitem analisar as políticas de relação que permeavam o programa educativo desenvolvido para aproximar e potencializar a experiência com a obra. A partir do envio de cartas para pessoas que participaram do projeto, foi estabelecido um espaço de conversa que subsidiou o mapeamento das ações desenvolvidas - abordagens metodológicas, interações físico-afetivas, relações com espaço urbano - bem como das discussões sobre questões de forma e paradigmas que colaboram para o desmantelamento das fronteiras entre adultos e crianças, conteúdo e sentido, arte e educação, a fim de ressignificar e forjar nessa brecha um lugar-entre, um território de troca, invenção e emancipação. Este estudo parte de um uma percepção sensível com os territórios corpo-criança e cidade-escola e traz à tona discussões que transitam entre os estudos da infância, decolonialidade, pedagogias em arte e apontamentos do Modo Operativo And, que dedica-se a investigar os funcionamentos do acontecimento e das relações e as consequências que daí emergem. The objective of this research is to inhabit and to investigate the exchange territory between adults and children, and to discuss how the aesthetic, political and pedagogical way in which adults operate can move the geographical and symbolic boundaries, as well as issues of domination and power. The work is outlined from the mapping of artistic mediation actions and creation of the work – DE VER CIDADE, Brasília numa caixa de brincar – an interactive work developed from a research with children, and the interactions between adults, children and the city of Brasilia. The work had been opened for two weeks in a cultural facility located in the superquadra 508 south of the city of Brasília, an intagible Cultural Heritage, and had more than 700 students (4 to 12 years old) visiting it, from public schools in different administrative areas of the Federal District. Through the cartography method, clues were raised that allow to analyze the relationship policies that permeated the educational program developed to approximate and enhance the experience with the work. From letters sent to people who participated in the project, a space for conversation was established that supported the mapping of the actions developed – methodological approaches, physical-affective interactions, relations with urban space – as well as discussions on issues of ways and paradigms that collaborate to dismantle the boundaries between adults and children, content and meaning, art and education, in order to resignify and forge in this gap a "place-between", a territory of exchange, invention and emancipation. This study starts from a sensitive perception with the "body-child" and "city-school" territories and brings up discussions that move between childhood studies, decoloniality, art pedagogies and notes of the "Modo Operativo And”, which devotes itself to investigating the performance of the event and the relations, and the consequences that emerge from it.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar os saberes e fazeres tradicionais nos processos de formação de artistas-docentes nas artes da cena. Para tal, parte de um trajeto empírico, buscando a reflexão na e a partir da prática, que foi desenvolvida de 2016 a 2019, na concepção e implantação da disciplina de Manifestações Dramáticas Populares, no curso de Teatro Licenciatura da Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás. No âmbito dessa disciplina, foram vivenciadas, por discentes e docentes, manifestações tais como o Bumba meu boi, a Congada, o Tambor de crioula, o Caroço e o Cacuriá, alternando o ambiente da universidade com aquele das comunidades detentoras dos saberes e fazeres tradicionais visitados. A partir das noções de descolonização, ancestralidade e pluriepistemologia, bem como do debate com os mestres e mestras, com o corpo discente e com autores integrantes de comunidades tradicionais, a tese propõe uma metodologia de abordagem performático-pedagógica para o estudo dos saberes e fazeres tradicionais nas licenciaturas em Artes da Cena. Resulta do processo a sistematização de estratégias (Vivências mediadas de aproximação; Encontros com mestres; Vivências em campo; Relatos do vivido e referências em movimento; Criações performático-pedagógicas) e a elaboração de dez princípios performático-pedagógicos (Mobilização do corpo, Reconhecimento da tradição, Dinâmica da tradição, Coletividade, Relação com a ancestralidade, Partilha de saberes, Importância dos mestres/mestras, Capacidade de improvisação, Teatralidade, Tocar-cantar-dançar-contar) que orientam o trabalho. Constata-se ainda que a ampliação dos limites da universidade, no sentido de ousar organizar o tempo de outra maneira, realizar o aprendizado em outros espaços, estabelecer outras hierarquias, foi fundamental para o processo de ensino-aprendizagem proposto. Nesse processo, o contato com mestres e suas comunidades modificou percepções pedagógicas, estéticas e, principalmente éticas e sociais. This research aims to investigate the traditional knowledge and practices in the training processes of artist-teachers in the performing arts. To this end, it is based in an empirical path, seeking reflection on and from practice, which was developed from 2016 to 2019, in the design and implementation of the discipline Manifestações Dramáticas Populares, in the Theater Degree course of Escola de Música e Artes Cênicas from the Federal University of Goiás. Within the scope of this discipline, traditions such as Bumba meu boi, Congada, Tambor de Crioula, Caroço and Cacuriá were experienced, alternating the environment of the university with that of the communities which hold the traditional knowledge and practices visited. Based on the notions of decolonization, ancestry and pluriepistemology, as well as in the debate with masters and teachers, with the students and with authors who are members of traditional communities, the thesis proposes a performance-pedagogical approach methodology for the study of traditional knowledge and practices in Performing Arts pedagogical processes. Some fundamental pedagogical strategies were systematized (Mediated experiences; Meetings with masters; Field experiences; Reports of the lived and references in movement; Performance-pedagogical creations) and ten performance-pedagogical principles were elaborated (Mobilization of the body, Recognition of tradition, Dynamics of tradition, Collectivity, Relationship with ancestry, Sharing of knowledge, Importance of masters, Ability to improvise, Theatricality, Play-sing-dance-tell) to guide the work. It is also noted that the expansion of the university's limits, in the sense of daring to organize time in another way, to carry out learning in other spaces, to establish other hierarchies, was fundamental to the proposed teaching-learning process. In this process, contact with masters and their communities changed pedagogical, aesthetic and, mainly, ethical and social perceptions.

Esta Tese tem por objetivo apresentar o conceito de transcorporeidade, desde a perspectiva dos saberes do corpo e se propõe a questionar a construção e elaboração do conhecimento, ainda regida por uma herança colonial – de perspectiva epistêmica eurocêntrica – e a crença no método tradicional da ciência moderna como paradigma hegemônico. A investigação no território das artes do corpo sensível e criativo, tendo como referência propostas metodológicas de prática como pesquisa, teve como desafio desenvolver uma corporeidade investigativa e uma metodologia própria, nascidas da experiência do campo e da performatividade indisciplinar, o que veio a desenhar-se como uma metodologia intuitivo-criativa. Os passos iniciais da pesquisa apontaram tanto para a necessidade da descolonização do pensamento e da corporeidade da própria pesquisadora, como para o alinhamento teórico com os movimentos de descolonização epistêmica. Neste percurso construiu-se um forte entrelaçamento de referências epistêmicas do sul global, mais especificamente de epistemologias tradicionais dos povos originários do Brasil e de origem afrolatinoamericana, entre outras, entretecendo uma perspectiva transepistêmica inclusiva, de coexistência e entrelaçamento de saberes. O germinar da noção de transcorporeidade apresentada na tese, e a percepção de diversas dimensões de manifestação da mesma, tornou-se eixo medular e elemento integrador das constelações de conceitos, saberes e experiências, com que a tese se envolve e toma corpo. This Thesis aims to propose the concept of transcorporeity, from the perspective of the body wisdom and proposes to rethink the question of the construction and elaboration of knowledge, still governed by a colonial heritage - from an Eurocentric epistemic perspective - which includes the belief in the traditional method of modern science as a hegemonic paradigm. The investigation in the territory of the sensitive and creative body arts, having as reference the methodological proposal of the Performative Research, proposed to develop an investigative corporeality and its own methodology born from the field experience and an indisciplinary performance, which came to be designed as a intuitive-creative methodology. The initial steps of the research pointed to both the need for the decolonization of thought and the corporeity of the researcher herself, as well as the theoretical alignment with the epistemic decolonization movements. In this path, a strong intertwining of epistemic references from the global south was built, more specifically of traditional epistemologies of the peoples originating in Brazil and of African-Latinamerican origin, among others, interweaving an inclusive transepistemic perspective, of knowledge coexistence. The germination of the notion of transcorporeity, and the perception of several dimensions of its manifestation, became a medullary axis and an integrating element of the constellations of concepts, knowledge and experiences with which the thesis is involved and takes shape. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Esta Dissertação cartografou performances como experiências de criação de uma narratriz, envolvendo na composição desta uma discussão sobre corpo narrativo, performance art e performance narrativa (contação de histórias). Entendendo meu corpopalavra como primeiro espaçotempo performático e atravessada pelos conceitos de artista/docente de Isabel Marques (2011; 2014) e professor-performer de Naira Ciotti (2014), compreendi o híbrido narratriz como singularidade de uma artista/educadora que pode mobilizar questões inventando espaços liminares entre a performance, a contação de histórias, o teatro e a educação. A investigação aconteceu através da vivência de performances art provocadas pelas questões que o universo da narração oral trouxe a minha existência, costuradas às memórias de meu percurso pessoal como contadora de histórias e a pesquisas das contadoras de histórias brasileiras Aline Cântia Miguel (2017), Ângela Café (2015), Gislayne Avelar Matos (2014; 2015), Regina Machado (2004;2015) sobre a narração oral no mundo contemporâneo, como também da argentina Ana Padovani (2014). Foi através dessas tecituras que emergiu uma produção singular da narratriz, imbricando os fazeres artísticos da performance art com a performance narrativa num mesmo acontecimento, que também incluiu a relação entre performance e educação como disparadora de um processo de pedagogia do teatro, no texto contextualizadas com as vozes de Gilberto Icle (2017) e Mônica Bonatto (2017). Além disso, produzi discussões sobre corpo e performance, dialogando com teóricas/os como Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014) e Suely Rolnik (2016), entrelaçando ainda questões feministas e evidenciando a importância da produção de/ por mulheres, o que reverbera na linguagem produzida pelo corpo e nas palavras escolhidas para serem contadas, que tem ancoragem no que diz Clarissa Pinkola Estés (1998; 2018) e Márcia Tiburi (2019). Está presente no texto também o conceito de experiência em Jorge Larrosa (2014; 2018), visto a partir do lugar de uma mulher artista/educadora/ pesquisadora, que cria caminhos e elabora ref lexões sobre como toda essa tecitura pode ser geradora de uma pedagogia teatral autoral e contemporânea na escola. This dissertation mapped performances as experiences of creation by a narractress, gathering for its composition the discussion about the narrative body, the performance art, and the narrative performance (storytelling). Understanding my body-word as the first space-time of the act of performance, and going through the concepts of artist/teacher formulated by Isabel Marques (2011; 2014) and professor-performer by Naira Ciotti (2014), I understood the hybrid narractress as a singularity of an artist/educator who can mobilize some issues by inventing liminal spaces among performance, storytelling, theater, and education. The investigation happened through the experience of art provoked performances by the questions that the universe of oral narration brought to my existence, sewed to the memories of my personal path as a storyteller, and to the researches made by Brazilian storytellers Aline Cântia Miguel (2017), Ângela Café (2015), Gislayne Avelar Matos (2014; 2015), Regina Machado (2004;2015) on oral narration in the contemporary world, as also by the Argentinian Ana Padovani (2014). It was through those weavings that a unique production of the narractress emerged, imbricating the artistic works of performance art with the narrative performance in the same event, which also included the relationship between performance and education as a trigger for a theater pedagogy process, in the text contextualized to the voices of Gilberto Icle (2017), and Mônica Bonatto (2017). In addition, I developed discussions about body and performance, dialoguing with theorists as Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014), and Suely Rolnik (2016), connecting to the feminist agenda and highlighting the importance of the production of/ by women, that reverberates in the language produced by the body, and in the words chosen to be told, which is compatible to what Clarissa Pinkola Estés (1998; 2018), and Márcia Tiburi (2019) say. The concept of experience from Jorge Larrosa (2014; 2018) is also present in the text, seen from a woman artist/educator/researcher’s perspective, who creates paths and elaborates ref lections on how all this weaving can generate an authorial and contemporary theatrical pedagogy at school.

As Epístolas Profanas são cartografias (Suely Rolnik, Roberta Romagnoli) elaboradas a partir de algumas pulsações que nos movem, a saber: as manifestações dos silêncios através de performances artísticas nas ruas; uma estética dos silêncios (Susan Sontag) construída na encruzilhada entre a arte, a filosofia e a antropologia contemporâneas; uma pesquisa performativa (Ciane Fernandes, Brad Haseman) cujo método implica na literatura epistolar como gênero de conhecimento. Partimos dos silenciamentos culturais das mulheres, dialogando com algumas pensadoras, como Djamila Ribeiro, Sueli Carneiro, Marcia Tiburi, Gloria Anzaldúa, Grada Kilomba, Chimamanda Adichie, Gayatri Spivak, Judith Butler, Simone de Beauvoir, Michelle Perrot, dentre outras, até as manifestações desses silêncios através de performances artísticas e culturais (Eni Orlandi, Richard Schechner, Paul Zumthor). Esta cartografia epistolar é uma composição de cartas trocadas com leitoras, artistas, professoras, alunas, pesquisadoras, testemunhas, colegas e amigas interessadas, entre outras destinatárias reais e fictícias, como cidades e entidades personificadas, personagens artísticas e conceituais, dialogando com as referências que constituem o corpo do trabalho. As cartas referem-se a questões emergentes das nossas experiências práticas, desde os programas artísticos Estética do Silêncio (BA, 2015) e Estética do Silêncio (GO, 2019), até as performances artísticas Poemas & Sussurros, Epístolas Profanas, Mulher Elefanta, Constelação Silenciosa, Bela do Silêncio, Senhora do Silêncio e Mandalas dos Silêncios que desempenhamos nas ruas de algumas cidades brasileiras, entre Bahia, Brasília e Goiás (2015-2019). Referenciamos escritoras que manifestaram seus silêncios na literatura (Cora Coralina, Clarice Lispector, Hilda Hilst, Lya Luft, Virgínia Woolf, Franz Kakfa), dentre artistas de outras linguagens, nos correspondendo com pesquisadoras brasileiras contemporâneas dos silêncios nas artes. Nesta pesquisa performativa, experimentamos uma síntese entre sujeito e objeto, teoria e prática, conteúdo e forma, método e criação, podendo colaborar para as epistemologias e metodologias de pesquisas em/com artes, nas abordagens interdisciplinares das Performances Culturais. The Profane Epistles are cartographies (Suely Rolnik, Roberta Romagnoli) drawn from some pulsations that move us, namely: an expression of silence through artistic performances in the streets; an aesthetic performances (Susan Sontag) built at the intersection among art, philosophy and contemporary anthropology; a performance investigation (Ciane Fernandes, Brad Haseman) whose method implicates the epistolary literature as a genre of knowledge. We started from the cultural silencing of women, interacting with some thinkers, like Djamila Ribeiro, Sulei Carneiro, Marcia Tiburi, Gloria Anzaldúa, Grada Kilomba, Chimamanda Adichie, Gayatri Spivak, Judith Butlher, Simone de Beauvoir, Michelle Perrot, form among others, to demonstrations of this silence through artistic and cultural performances (Eni Orlandi, Richard Schechner, Paul Zumthor). This espistolary cartography is a composition of letters exchanged with readers, artists, professors, students, reseachers, witnesses, classmates and friends, from among other real and fictitious addressees, like cities and personified entities, artistic and highly – regarded characters, interacting with references who form the body of work. The letters refer to emergent questions from our practical experiences from the artistic programs Aesthetic of Silence (BA, 2015) and Poetics of Silence (GO, 2019), to the artistic performances Poems & Whispers, Profane Epistles, Elephant Woman, Silence Constellation, Beauty of Silence, Lady of Silence, which we performed in the streets of some brazilian cities amongst Bahia, Brasília e Goiás (2015-2019). We refered to writers who expressed their silence in the literature (Cora Coralina, Clarice Lispector, Hilda Hislt, Lya Luft, Virgínia Woolf, Franz Kafka), from among artists of other languages, writing to brazilian researchers contemporary with the silence in the arts. In this performative research, we experienced a synthesis between subject and object, theory and practice, content and shape, method and criation, being able to contribute to epistemologies and methodologies of researches into arts, interdisciplinary approaches to Cultural Performances. Outro

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2019. Esta Investigação tem por objetivo ampliar o conjunto das ações formativas com bebês e crianças pequenas em contextos de educação em creches, por meio das Pedagogias das Artes Cênicas em Práticas Performativas direcionadas para a primeira infância. Trata-se de uma pesquisa teórico-prática com abordagens epistemológicas e metodológicas nos estudos da Infância e da performance. Direciono as minhas observações e participações no âmbito do projeto “Transdiscibrincando: Poéticas para Bebês e Crianças Pequenas”, financiado pelo Fundo de Apoio à Cultura (FAC-DF), realizado em 2018 no Centro de Educação Infantil-1 (CEI-1), localizado na Asa Norte, em Brasília-DF. Em termos teóricos, me aproprio dos conceitos de escola como Entrelugar (ICLE, 2017; PINEAU, 2010) e da distinção entre bebês e crianças pequenas (TEBET, 2013; BARBOSA, 2010); recorro, também, ao conceito de Criança Performer e Cultura de Pares (MACHADO, 2010; CORSARO, 2005) para a problematização e compreensão dos diferentes sujeitos inter-relacionados nos seus modos distintos de estar no mundo. Enfatizo o fazer poético a ser vivenciado em campos de experiências, em ações estéticas, integradoras, lúdicas, políticas e pedagógicas. Os elementos de análise obtidos por minha inserção na creche como campo de investigação se aproximam da observação Etnográfica Propositiva (HARTMANN, 2014, 2017) e das Pesquisas e Práticas Performativas (HASEMANN, 2015; ICLE, 2019) aplicadas às práticas pedagógicas e artísticas. Constato que o território da creche com a multiplicidade de vidas que ali habitam é um fértil espaço para a atuação das Artes Cênicas nos seus mais variados aspectos. This research aims to expand the set of training actions with babies and young children in day care education contexts, through the Performing Arts Pedagogies in Performative Practices directed at early childhood. This is a theoretical-practical research with epistemological and methodological approaches in the studies of childhood and performance. I direct my observations and participation in the project “Transdiscibrincando: Poetics for Babies and Small Children”, funded by the Culture Support Fund (FAC-DF), held in 2018 at the Center for Early Childhood Education-1 (CEI-1), located in Asa Norte, in Brasília-DF. In theoretical terms, I appropriate school concepts such as Interplace (ICLE, 2017; PINEAU, 2010) and the distinction between babies and young children (TEBET, 2013; BARBOSA, 2010); I also refer to the concept of Child Performer and Peer Culture (MACHADO, 2010; CORSARO, 2005) for the problematization and understanding of different interrelated subjects in their distinct ways of being in the world. I emphasize the poetic doing to be experienced in fields of experiences, in aesthetic, integrative, playful, political and pedagogical actions. The elements of analysis obtained by my insertion in the nursery as a research field are close to the Propositive Ethnographic observation (HARTMANN, 2014, 2017) and the Performative Research and Practices (HASEMANN, 2015; ICLE, 2019) applied to pedagogical and artistic practices. I note that the territory of the nursery with the multiplicity of lives that live there is a fertile space for performing arts in its most varied aspects.

Esta pesquisa tem por objetivo avaliar a possibilidade metodológica de contar histórias com e no corpo, compreendendo este como um todo expressivo em sua totalidade de gestos e vozes, com professoras da Secretaria Municipal de Educação e Esporte (SME) de Goiânia. Investiga-se a seguinte questão: como o contar histórias com e no corpo pode se configurar em uma metodologia da pedagogia performativa para a formação continuada docente? Com base neste questionamento, espera-se investigar, experimentar e registrar possibilidades de contar histórias a partir de um trabalho cênico com foco na sensibilização corpórea de professores. Para tanto, possui como instrumento metodológico um experimento no formato de um curso de formação continuada em contação de histórias: Contar histórias com/no corpo, com duração de 40 horas, ofertado a 25 professoras da educação infantil e do ciclo I da SME de Goiânia. Tal curso teve uma metodologia pautada no processo colaborativo do saber, com os conhecimentos prévios, bem como as práticas pedagógicas das interlocutoras sendo significativos para a contextualização do experimento. Os conteúdos experienciados durante o curso foram: alongamentos, aquecimentos vocais, brinquedos cantados, jogos teatrais de Viola Spolin e Viewpoints. Para a coleta de dados, foram utilizados: questionários, filmagens, fotos e gravações das discussões e cartas escritas pelas alunas-professoras que foram entregues no último encontro. A interpretação de dados em consonância com o levantamento bibliográfico de concepções a respeito da pedagogia performativa, fundamentada nos estudos de Elyse Lamm Pineau, Luciana Hartmann, Gilberto Icle, João Francisco Duarte Jr. e Marcelo de Andrade Pereira, possibilitou o entendimento de que o contar histórias com e no corpo se configurou, nesse experimento, como uma metodologia da pedagogia performativa. Desse modo, ressalto algumas características do curso que considero ser inerentes à proposta da pedagogia performativa, tais como: o processo colaborativo do saber mediado pela troca de experiências e habilidades; o conhecimento reflexivo de aprender pelo fazer; o corpo como elemento essencial no processo de ensino-aprendizagem. Foi no, com e pelo corpo que as alunas-professoras realizavam os conteúdos propostos no curso, e se viram desafiadas a contar histórias. Essa metodologia propiciou uma sensibilização corporal das participantes, de modo a perceberem seus corpos como um todo expressivo e comunicativo. Essa percepção reverberou em suas performances como contadoras de histórias e também em suas performances como professoras. Desse modo, esta pesquisa instiga práticas da pedagogia performativa (sentir, pensar e agir) na formação continuada docente. This research aims to elicit a methodological possibility of telling stories with and in the body, comprehending this as an expressive whole in its gestures and voices, with teachers from the Municipal Department of Education and Sport (SME) of Goiânia. Investigating the following question: How can telling stories with and in the body can be configured in a methodology of performative pedagogy for continuing teacher education? Based on this questioning, it is hoped to investigate, experiment and register possibilities of telling stories from a scenic work with the focus on the corporal sensibilization of teachers. To do so, it has as an methodological tool an experiment in the format of a continuing training course in storytelling: Telling stories with / in the body, lasting 40 hours, offered to 25 teachers of early childhood education and cycle I of the SME of Goiânia. This course had a methodology based on the collaborative process of knowledge, which the previous knowledge, as well as the pedagogical practices of the interlocutors were significant for the contextualization of the experiment. The contents experienced during the course were: stretching, vocal warm-ups, sung toys, Viola Spolin theaters and Viewpoints. For data collection, we used: questionnaires, filming, photos and recordings of the discussions and letters written by the female students who were delivered at the last meeting. The interpretation of data in consonance with the bibliographical survey of conceptions regarding the performative pedagogy based on the studies of: Elyse Lamm Pineau, Luciana Hartmann, Gilberto Icle, João Francisco Duarte JR and Marcelo de Andrade Pereira, made possible the understanding that storytelling with and in the body was configured, in this experiment, as a methodology of performative pedagogy. Thus, I highlight some characteristics of the course that I consider to be inherent to the proposal of performative pedagogy, such as: the collaborative process of knowledge mediated by the exchange of experiences and skills; the reflective knowledge of learning by doing; the body as an essential element in the process of teaching learning. It was in, with and by the body that the female teachers performed the contents proposed in the course, and were challenged to tell stories. This methodology provided a sensitization of the participants in order to perceive their bodies as an expressive and communicative whole. This perception reverberated in her performances as storytellers and also in her performances as teachers. In this way, this research instigates practices of performative pedagogy (feel, think and act) in the continuing teacher formation. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

Resumo: Do encontro com mulheres kalunga das comunidades de Engenho II, Vão de Almas e Riachão, surge o encantamento por suas narrativas pessoais. Do encantamento à consciência de que essas narrativas dizem respeito à performance dessas mulheres em suas comunidades, estruturou-se o projeto de mestrado em Performances Culturais, com o objetivo de investigar a arte de contar histórias a partir das experiências de mulheres quilombolas, observando nesse processo suas estratégias sociais na construção de modos de vida e identidade a partir de suas memórias. Perceber e deixar-se afetar por esse contexto é nesse trabalho discutido como o processo de criação de contação de histórias da performance de Glorinha Fulustreka, uma personagem criada em 2000 com o intuito de divulgar a cultura do cerrado goiano. From the meeting with Kalunga women from the communities of Engenho II, Vão de Almas and Riachão, the enchantment for their "personal narratives" arises. From the enchantment to the awareness that these narratives relate to the performance of these women in their communities, the master project in Cultural Performances was structured, with the objective of investigating the art of storytelling based on the experiences of quilombola women, observing in this process their social strategies in the construction of ways of life and identity from their memories. Perceiving and letting itself be affected by this context is discussed in this work as the storytelling process of the performance of Glorinha Fulustreka, a character created in 2000 with the purpose of divulging the culture of the Cerrado of Goiás.

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The Pedagogical Performance of Tutors (PPT) of the Universidade Aberta do Brasil (UAB), at the Universidade Federal de Santa Maria (UFSM), that was the main research topic, based in the great Education area. The E-learning in higher education was the context. Investigating how the PPT of postgraduate courses, at UAB/UFSM in a Specialization level, could potentiate the development of a Creative Learning- Teaching Process (CLTP) was the problem that directed us. As a general objective, we wish to understand the principles of PPT of the UAB/UFSM that can enhance the development of a CLTP. We found theoretical basis in the Performance Studies, by Richard Schechner and Victor Turner and in the teaching performance studies, by Mallmann (2008). Methodologically, we systematized a Case Study producing data with tutors through questionnaires, interviews, observations, e-mail, reading documents, messages and images obtained by social networks (Facebook and WhatsApp). In the analytical model, we consider the procedures of the Discursive Textual Analysis (DTA) that, after the unitarization phase, originated the categories Technological-Pedagogical Fluency (TPF), Creativity, Educational Social Skills (ESS), Interaction and collaboration and Presentiality, which are broadly interwoven in the PPT, defining the framework for the conceptual proposition of this research. Conclusively, we consider that these categories, by enabling the development of pedagogical strategies, constitute, in the PPT, the principles capable of enhancing a CLTP. A Performance Pedagógica dos Tutores (PPT) da Universidade Aberta do Brasil (UAB), na Universidade Federal de Santa Maria (UFSM), foi o tema principal desta pesquisa, situado na grande área Educação. A Educação a Distância (EAD), no ensino superior, foi o contexto. Investigar como a PPT de cursos de pós-graduação, em nível de Especialização da UAB/UFSM, pode potencializar o desenvolvimento de um Processo Ensino-Aprendizagem Criativo (PEAC) foi o problema que nos direcionou. Como objetivo geral, desejamos compreender quais são os princípios da PPT da UAB/UFSM que podem potencializar o desenvolvimento de um PEAC. Encontramos base teórica nos Estudos da Performance, de Richard Schechner e Victor Turner e nos estudos da performance docente, de Mallmann (2008). Metodologicamente, sistematizamos um Estudo de Caso produzindo dados com tutores por intermédio de questionários, entrevistas, observações, e-mail, leitura de documentos, mensagens e imagens obtidas por redes sociais (Facebook e WhatsApp). No modelo analítico, contemplamos os procedimentos da Análise Textual Discursiva (ATD) que, após a fase da unitarização, originou as categorias Fluência Tecnológico-Pedagógica (FTP), Criatividade, Habilidades Sociais Educativas (HSE), Interação e colaboração e Presencialidade, as quais estão amplamente imbricadas na PPT, definindo a estrutura para a proposição conceitual desta pesquisa. Conclusivamente, consideramos que essas categorias, ao possibilitarem o desenvolvimento de estratégias pedagógicas, constituem, na PPT, os princípios capazes de potencializar um PEAC.

The contemporary art is built on a path that proclaims, among other things, the plurality of artistic manifestations. Transdisciplinary pathways are quite recurrent in this context. So, the present dissertation text discusses an investigation developed in the PPGART / CAL of the Federal University of Santa Maria (UFSM) in Visual Poetics in contemporary art, inserted in the research line Art and Culture. The objective of the study consisted, initially, in the elaboration of a poetic, based on the crisscrossing between the Theater and an Art Performance in its approaches in the contemporary art. His poetic journey was made by the displacement of a theatrical personage originating from Commédia Dell’arte, constructed from an autobiographical text for a subject of performance actions. To support this course, he relied on theorists Cohen, Glusberg, Goldberg, Phelan and Taylor. Dario Fo also based his methodological creation procedures on Commédia Dell’arte. The creation was done from theoretical research, field research and in laboratories through improvisations. This research was based on the characteristics of Zanni, a typical character, from the Commédia Dell’arte, popular Italian culture of the XVI century. The intention was to potentiate the Zanni as an instituting figure of the performative work. This manifestation happened between the popular layers like form of expression, denouncing the terrible conditions to which they were submitted. It was glimpsed that his detonating posture of social issues of the time was approaching Performance Art as a transgressive language. Thereafter, two series of Performances were performed. In the first series I developed a work titled afterwards of Pre-Performance. In this first series were realized three versions of Performances, O Zanni Performer vendendo ilusões I, II and III. The second series focuses on environmental issues and has three Performances. The first was the name of the series, O Zanni Performer no Lixão, the second Aqui ou Alixo and the third was Reciclando (Des) Ilusões. Thus, the research entitled An Artistic Path: from the Zanni to the Performing Subject, came to meet both the presuppositions of contemporary performative art and political-social issues, being shaken by the outbursts of the political class. Therefore, the realization of these Performances was a social critic at the same time that it opportunized a way of the artist to update the Zanni and to construct a reflection on the contemporary art. A arte contemporânea se edifica por um percurso que apregoa, entre outras coisas, à pluralidade de manifestações artísticas. Os percursos transdisciplinares são bastante recorrentes neste contexto. Assim, o presente texto de dissertação discorre sobre uma investigação desenvolvida no PPGART/CAL da Universidade Federal de Santa Maria (UFSM) em Poéticas Visuais na arte contemporânea, inserida na linha de pesquisa Arte e Cultura. O objetivo do estudo consistiu, inicialmente, na elaboração de uma poética calcada no entrelaçamento entre o Teatro e a Performance Arte em suas aproximações na arte contemporânea. Seu percurso poético se fez pela via do deslocamento de um personagem teatral oriundo da Commédia Dell’arte, construído a partir de um texto autobiográfico para um sujeito de ações performáticas. Para subsidiar este percurso, apoiou-se nos teóricos Cohen, Glusberg, Goldberg, Phelan e Taylor. Dario Fo também embasou os procedimentos metodológicos de criação no que se referiu à Commédia Dell’arte. A criação foi realizada a partir de pesquisa teórica, pesquisa de campo e em laboratórios por meio de improvisações. A referida pesquisa partiu das características do Zanni, personagem-tipo, oriundo da Commédia Dell’arte, cultura popular italiana do século XVI. Esta manifestação acontecia entre as camadas populares como forma de expressão, denunciando as péssimas condições a que estavam submetidas, tendo como principal característica a improvisação. O intuito foi potencializar o Zanni como Figura instauradora da obra performativa. Vislumbrouse que sua postura detonadora das questões sociais da época aproximava-se da Performance Arte como linguagem transgressora. A partir de então, foram realizadas duas séries de Performances. Na primeira série desenvolvi um trabalho intitulado posteriormente de Pré-Performance. Nessa primeira série foram realizadas três versões de Performances, O Zanni Performer vendendo ilusões I, II e III. A segunda série atenta para questões de cunho ambiental e contou com três Performances. A primeira foi o próprio nome da série, O Zanni Performer no Lixão, a segunda Aqui ou Alixo e a terceira foi Reciclando (Des) Ilusões. Sendo assim, a pesquisa intitulada Um Percurso Artístico: do Zanni ao Sujeito Performático, veio ao encontro tanto dos pressupostos da arte contemporânea performativa quanto de questões político-sociais, sendo abaladas pelos desmandos da classe política. Portanto, a realização destas Performances foi uma crítica social ao mesmo tempo em que oportunizou uma forma do artista atualizar o Zanni e construir uma reflexão sobre a arte contemporânea.

This study tried, to investigate how the narrative in the pedagogical practice of Pilates’ method and modern dance can constitute an experience in the body and for the body. It was characterized as a research of qualitative approach, of participant’s narrative type, since both students and students were subjects of the study. The corporal practices were developed with academics of the first semester of bachelor course in Dance at the Federal University of Santa Maria, RS state, in the discipline of Technical Exercises I, that has inserted in its curricular content the Modern Dance. The following methodological procedures were adopted for the best use in class: divided into three moments. At first, it performed body preparations based on the principles of Pilates’ movements. Next, the students were pedagogically taught how to experience, identify and relate these principles from these bodily practices from the technique of Martha Graham’s school and, in the third moment, it was provided a space for dialogue about these experiences in the body. Subsequently, I described the pedagogical practices, emphasizing the narratives of the research participants. As a starting point, for discussing the approaches of the two focused traditions, comparisons were made between the principles of Pilates’ movement and Graham’s technique, as well as technical movements, in relation to Pilates’ exercises, crossed by didactic resources, in order to promote possibilities of experience in the body and for the body. The materiality that emerged from this practical theoretical application has been asserted that it is feasible to generate experience in the body and by means of the body conception and the approach chosen by the teacher. Este estudo teve como problematização central investigar o modo que a narração, na prática pedagógica do Método Pilates e da Dança Moderna, pode constituir uma experiência no/ pelo corpo. Caracterizou-se em uma pesquisa de abordagem qualitativa, do tipo narrativa participante, uma vez que, tanto alunos e alunas, quanto a pesquisadora foram sujeitos do estudo. As práticas corporais foram desenvolvidas com acadêmicos do primeiro semestre do Curso de Dança Bacharelado e Licenciatura da Universidade Federal de Santa Maria, estado do Rio Grande do Sul, na disciplina de Exercícios Técnicos I, componente curricular cujo conteúdo trata da Dança Moderna. Foram adotados os seguintes procedimentos metodológicos, divididos em três momentos, para melhor utilização do tempo de aula: no primeiro momento, realizou-se a preparação de corpo baseada nos princípios do movimento Pilates. No segundo momento, os alunos e alunas foram orientados(as) –pedagogicamente- a experimentar, identificar e relacionar esses princípios, destas práticas corporais à técnica da Escola de Martha Graham. E, no terceiro momento, possibilitou-se um espaço de diálogo a respeito dessas experiências no corpo. Após essas atividades, realizou-se a descrição das práticas pedagógicas, enfatizando as narrativas dos participantes desta pesquisa. Como ponto de partida, a fim de discutir as aproximações das duas tradições enfocadas, foram elencadas comparações entre os princípios do movimento do Pilates e a técnica de Graham e, também, movimentos técnicos em relação aos exercícios do Pilates, atravessados por recursos didáticos, os quais tinham como função promover possibilidades de experiência no corpo e pelo corpo. As materialidades que emergiram desta aplicação teórico-prática afiançaram ser possível propiciar/gerar experiência no corpo e pelo corpo, com a concepção e a abordagem de corpo escolhida pelo professor.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, 2017. Esta pesquisa tem por objetivo suscitar reflexões sobre o brincar a partir de uma experiência com os professores-formadores das Oficinas Pedagógicas da Secretaria de Educação do Distrito Federal. Procura responder à questão: em que medida a oferta de um curso de formação continuada, envolvendo atividades lúdico-corporais, pode contribuir para ampliação do repertório de brincadeiras corporais dos participantes, enriquecendo sua prática pedagógica, de maneira a modificá-la? Com estas proposições, espera-se que possam ser vivenciadas experiências poéticas em dias simples do cotidiano, com os professores e, como efeito cascata, destes com os estudantes, em todas as etapas do Ensino. Trata-se de uma pesquisa-ação em que os envolvidos são, diretamente, os professores-formadores das Oficinas Pedagógicas do DF. Conceitualmente, são revisitadas as noções de corporeidade, experiência estética, ludicidade e atividades lúdico-corporais. Para tanto, estabeleço diálogo com as contribuições dos estudos de Cipriano Luckesi, Duarte Jr., Gilles Brougère, Isabel Marques, Jaqueline Braumtz e Celso Pan, Johan Huizinga, Jorge Larrosa, Lev Vigotski, Lydia Hortélio, Mário de Andrade, Maristela Loureiro e Ana Tatit, Michel Mafesolli, Paulo Freire, Tizuko Kishimoto, dentre outros. O filme documentário Tarja Branca, dirigido por Cacau Rodhen (2014), também é utilizado para a fundamentação teórica. Os procedimentos metodológicos utilizados são: oferta do curso: Formação de formadores: Rodas de Brincar- 60 horas, registro escrito e audiovisual, depoimentos, análise das informações construídas, pesquisa bibliográfica e videográfica. Com a interpretação dos dados, é possível perceber que a participação em atividades lúdico-corporais favorece a experiência de momentos estéticos compartilhados, além de potencializar a energia de viver, suscitando alegrias, que impulsionam os profissionais a transformarem a sua prática docente. Os professores-formadores das Oficinas Pedagógicas mencionam a intenção de contagiar os professores-cursistas com as vivências que, segundo eles, enriquecem seu repertório. Outro depoimento recorrente é o de que a formação é significativa, tanto para o aspecto profissional quanto para o pessoal dos participantes, que se percebem mais brincantes em sua própria vida, junto aos estudantes e às pessoas de suas famílias. É uma pesquisa em processo contínuo, envolvendo ação-reflexão-ação, que pode ser potencializada, ano após ano, com a participação dos profissionais atuantes nas Oficinas Pedagógicas do Distrito Federal (potenciais multiplicadores), no espaço da formação continuada. This research aims to stimulate thinking about the role of the play in the classroom from an experience with the teacher-trainers of the Pedagogical Workshops of the Secretariat of Education of the Federal District. It seeks to answer the question: to what extent can the offer of a continuing education training courses for teachers, involving ludic-motor activities, contribute to expanding the repertoire of playing activities for the participants, enriching and changing their pedagogical practice? With these propositions, it is expected that poetic experiences can be experienced in dayly, with the teachers and generating a cascade effect over their students in all stages of teaching. It is an action-research involving teachers’ trainers (multipliers) participating in Pedagogical Workshops of DF (Federal District): continuing training spaces whose courses bring as guiding axes for ludic activities. As the theoretical foundation, concepts of ludicity, corporeity, ludic-bodily activities and aesthetic experience are revisited. To this end, we have contributions from studies of Cipriano Luckesi, Duarte Jr., Gilles Brougère, Isabel Marques, Jaqueline Braumtz e Celso Pan, Johan Huizinga, Jorge Larrosa, Lev Vigotski, Lydia Hortélio, Mário de Andrade, Maristela Loureiro e Ana Tatit, Michel Mafesolli, Paulo Freire, Tizuko Kishimoto, among others. The documentary White Stripe, direct by Rodhen (2014) is used to theoretical foundation too. The methodological procedure for registration and analysis included the viability of the training of trainers: Wheels of Play course – 60 hours, field diaries, audiovisual record, and testimonies, in addition to written records. Because of interpretation of the data, it’s possible to perceive that the participation in ludic-bodily activities favors the experience of shared aesthetic moments, besides potentiating the energy of living, provoking joys, that impel the professionals to transform their teaching practice. The teacher-trainers of the Pedagogical Workshops mention the intention to inspire the teachers-students with the experiences that, according to them, has enriched their repertoire of playfulness. Another recurrent testimony is that the training is significant, both for the professional and the personal aspect of the participants, who perceive themselves as more engaging in their own lives, with the students and the people of their families. This is a continuous process, involving action-reflection-action research, which can be increased, year after year, with the participation of multipliers in continuing training courses.

Submitted by Tais Ferreira (taisferreirateatro@gmail.com) on 2017-04-25T23:17:29Z No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2017-04-26T12:12:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) Made available in DSpace on 2017-04-26T12:12:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE TAIS FERREIRA 2017 UFBA UNIBO.pdf: 13879218 bytes, checksum: 48286fd761ef8d324044e532f1891389 (MD5) CNPq A tese é uma pesquisa empírica de recepção cênica desenvolvida com 95 depoentes voluntários professores de teatro e dança brasileiros. O objetivo é a análise dos processos de constituição de suas identidades de espectador e os possíveis atravessamentos dessas em suas práticas docentes. A investigação é primordialmente de cunho qualitativo, valendo-se também de dados quantitativos. Os percursos metodológicos empreendidos e as filiações teóricas da tese são justificados através de uma problematização dos estudos de recepção das artes do espetáculo, em uma revisão crítica da teoria da área nas últimas quatro décadas. A construção dos dados empíricos aconteceu através de um questionário escrito composto de 67 questões objetivas e descritivas. O teatro comparado serve como indutor para as análises. Outras fontes foram agregadas ao escopo analítico inicial a fim de compor os macro e micro contextos da pesquisa, tais como documentos oficiais contendo informações sobre os sistemas educacionais do Brasil e da Itália, países onde foi desenvolvido o trabalho. Relatórios de frequentação, hábitos e práticas culturais produzidos por órgãos oficiais de pesquisas no Brasil, na América Latina e na Comunidade Europeia são comparados entre si e com os dados dos depoentes. As análises qualitativas subsequentes abordam as noções de corpo, linguagem e cultura como mediações dos processos de recepção. Discute-se a constituição deste grupo de professores como espectadores, a partir das narrativas escritas relacionadas às memórias de recepção e fruição, aos repertórios adquiridos e às aprendizagens ao longo de suas histórias de vida. É observada a presença de pedagogias do espectador na educação recebida pelos depoentes, bem como nas práticas pedagógicas em teatro e dança que conduzem. Por conseguinte, a análise sugere que os professores se constituem como espectadores através de suas experiências, localizadas em contextos determinados e atravessadas por diferentes instâncias socioculturais. Suas identidades de espectador se imbricam, por sua vez, a suas identidades docentes. O termo identidade de espectador é resultado da intersecção teórica entre os estudos culturais, a educação e as artes performativas. Assim, no trânsito entre professores que aprendem a ser espectador e que ensinam a ser espectador, localizam-se as ponderações finais. Conclui-se a tese com propostas para a formação docente em teatro e dança que instiguem a construção de futuras pedagogias do espectador nos processos de ensino e aprendizagem das artes da cena no Brasil.

O objetivo deste estudo é relacionar os aspectos metodológicos dos jogos teatrais, tais como elaborados por Viola Spolin (1906-1994), e o jogo simbólico (jeu symbolique), como apresentado por Jean Piaget (1896-1980). Esta pesquisa analisa a função simbólica e os jogos simbólicos ([1945]) no pensamento de Piaget e os jogos improvisacionais de Viola Spolin ([1963]). Nessa perspectiva, estabelece diálogos em seus sentidos lúdicos e pedagógicos e apresenta como o conhecimento dessas características simbólicas e do conhecimento intuitivo podem influir na condução de propostas para o ensino do teatro com crianças na escola pública. Este trabalho parte das significações estabelecidas pela relação entre significado/significante e do estabelecimento da inteligência intuitiva, elementos presentes no jogo teatral. The aim of this study is to relate the methodological aspects of theater games, such as developed by Viola Spolin (1906-1994), and symbolic play (jeu symbolique) as presented by Jean Piaget (1896-1980). This research analyzes the symbolic function and the symbolic games ([1945]) at the thought of Piaget and the improvisational games of Viola Spolin ([1963]). From this perspective, establish dialogues in their entertainment and educational way and shows how the knowledge of these symbolic characteristics and the intuitive knowledge can influence the driving proposals for theater education in public schools with children. This dissertation departs from the meaning established by the relationship between meaning/significant with the intuitive intelligence, which are elements presents in the theatrical play. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, 2016. Este trabalho trata da Pedagogia Teatral desenvolvida na Escola Parque 210/211 Norte, Brasília-DF, a partir das experiências pedagógicas vivenciadas entre os anos de 2012 a 2015, com crianças do 1º ao 5º ano do Ensino Fundamental. A metodologia utilizada para desenvolver a pesquisa baseou-se em revisão bibliográfica do tema proposto; descrição e reflexão sobre a experiência pedagógica teatral; realização de trabalho de campo no formato de Oficina de Teatro com 04 turmas e duração de 24 horas, bem como sua descrição e análise; entrevistas semiestruturadas com os professores de Teatro da Escola Parque e registro audiovisual das atividades desenvolvidas. Além disso, foram utilizados dados dos registros da atividade profissional da pesquisadora no intuito de auxiliar nas análises. A partir da compreensão desse contexto foram estabelecidas relações com as noções de interculturalidade, multiculturalidade e transculturalidade para subsidiar as discussões acerca da diversidade cultural presente na escola e sobre diferentes culturas que formam o ambiente escolar, em diálogo com a Arte, a Educação, a Antropologia e a Sociologia. Dessa forma, a pesquisa tem como embasamento teórico, entre outros, os estudos das culturas infantis (Manuel Sarmento; Clarice Cohn); da inter, multi e transculturalidade relacionadas à diversidade cultural (Stuart Hall, Diana Taylor e Boaventura de Sousa Santos) e da Pedagogia Teatral (Gilberto Icle, Luciana Hartmann, Ingrid Koudela). Assim, a partir das experiências dos estudantes e do reconhecimento da criança como produtora de conhecimento, é possível considerar a Pedagogia Teatral apresentada nesta pesquisa nas suas dimensões estética, cultural e social. This work approaches the Theatre Pedagogy developed at the Escola Parque 210/211 Norte, in Brasília – DF, Brazil, from the teaching experiences lived between 2012 and 2015, with children from the 1st to 5th year of the Brazilian Ensino Fundamental, which is similar to Elementary School. The methodology used to develop this research is based on a revision of references on the given topic; description and reflection upon the theatre pedagogical experience; performance of work in loco in the format of Theatre Workshops with 04 groups and length of time of 24 hours, as well as its description and analysis; semi-structure interviews with theatre teachers from Escola Parque and media records on the developed activities. Furthermore, the author’s professional activities data were also used in order to base the analysis. From the understanding of this context I betake to the notions of interculturalism, multiculturalism and transculturalism exchanges to subsidize the discussions on culture diversity present in school and also about different cultures that form the school environment, in a dialogue with Arts, Education, Anthropology and Sociology. Thus, the research here presented has as theoretical fundament the study of children cultures (Manuel Sarmento; Clarice Cohn); inter, multi and transculturalism exchanges related to the cultural diversity (Stuart Hall, Diana Taylor and Boaventura de Sousa Santos) and the Theatre Pedagogy (Gilberto Icle, Luciana Hartmann, Ingrid Koudela). Therefore, from students experience e through the recognition of children as producers of knowledge, it is possible to regard the Theatre Pedagogy here presented in its esthetic, cultural and social dimensions.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. Esta tese versa sobre a Dança Portuguesa do Maranhão, uma pesquisa exploratória de caráter etnográfico, no período de 2012 a 2014, realizada na capital São Luís e na cidade de Pinheiro - Maranhão. Investiga e analisa esta dança a partir de suas formas de pertencimentos, seus processos de criação e as influências estéticas obtidas das manifestações maranhenses e das danças tradicionais de Portugal “Vira” e “Malhão” pertencentes as regiões do Minho. A Dança Portuguesa do Maranhão convive num contexto múltiplo de expressões culturais evidenciado no período dos festejos juninos nas apresentações públicas. As reflexões teóricas foram pautadas a partir dos estudos culturais e da fenomenologia. Foram feitas pesquisas e diário de campo a partir da observação, entrevistas e conversas com os envolvidos nessas danças, registros áudio visuais e revisão bibliográfica sobre o tema em questão. This thesis deals with the Portuguese Dance of Maranhão, an exploratory research based on ethnographic method, between 2012 to 2014, held in São Luis capital and the city of Pinheiro - Maranhão. Investigates and analyzes this dance from their forms of belongings, their creative processes and aesthetic influences obtained from Maranhanses dancers, demonstrations of the traditional dances of Portugal "Vira" and "Malhão" belonging to the regions of Minho. The Portuguese Dance of Maranhao coexists in multiple contexts evidenced by cultural expressions in the period of the "festas juninas" in public presentations. The theoretical reflections were guided by cultural studies and phenomenology. We made a research and diary from observation, interviews, and conversations with those involved in these dances, audiovisual records and literature review on the topic. Cette thèse traite de la Danse Portugaise du Maranhão, une recherche exploratoire de caractère ethnographique réalisée dans la capitale São Luís et dans la ville de Pinheiro – Maranhão, entre 2012 et 2014. Elle investigue et analyse cette danse à partir de ses formes d'appartenance, de ses processus de création et des influences esthétiques reçues des manifestations culturelles de l'État du Maranhão et des danses traditionnelles du Portugal « Vira » et « Malhão » originaires des régions du Minho. La Danse Portugaise du Maranhão coexiste dans un contexte multiple d'expressions culturelles qui est mis en évidence pendant la période des fêtes de la Saint Jean dans les représentations publiques. Les réflexions théoriques se sont basées sur des études culturelles et la phénoménologie. Il a été fait des recherches et le journal de terrain à partir de l'observation, d'entrevues et de conversations avec les personnes impliquées dans ces danses, ainsi que des enregistrements audio-visuels et une révision bibliographique sur le sujet concerné.

Este trabalho analisa as perspectivas do sistema Stanislávski propostas pelo encenador russo Constantin Stanislávski (1863-1938), estabelecendo-se um diálogo com as recentes pesquisas da neurobiologia das emoções. Faz-se um estudo do percurso histórico sobre as emoções na história do pensamento ocidental, partindo de Platão na história antiga e culminando na compreensão das concepções do neurocientista português Antônio Damásio (1944) sobre a produção e interpretação das emoções humanas. Em seguida, investiga-se as propostas de interpretação “orgânica” de Stanislávski, focando principalmente no conceito e procedimentos da chamada memória emotiva. Realiza-se um estudo das concepções do psicólogo francês Théodule-Armand Ribot (1839-1916) sobre o conceito de memória afetiva (em francês, la memoire affective; em russo, Affectivnaia pamiat’) que dá suporte ao conceito utilizado por Stanislávski. Ao final, traça-se um diálogo dos conhecimentos apresentados onde se compreendem as construções biológicas que permeiam o sistema. This research analyzes the perspectives of Stanislavski’ system as proposed by the Russian director Constantin Stanislavski (1863 – 1938) in dialogue with recent proposals of the neurobiology of emotions. It begins with the main definitions about emotions in western history, starting with Plato and reaching conceptions posed by the Portuguese neuroscientist Antonio Damásio (1944) who investigate the production and interpretations of the human emotions. The work focuses on the proposals of the “organic” interpretation by Stanislavski, mainly on the concept and procedures of what has been called emotive memory. This discussion is based on the findings of the French psychologist Théodule-Armand Ribot (1839- 1916), and his concept of affective memory (in French, la memoire affective; In Russian, Affectivnaia pamiat’) that underpinned the concept used by Stanislavski. At the end, the thesis establishes the neurobiological construction that pervade the Stanislavski’ system. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Ce document traite de l'introduction et de l'impact du mélodrame français au Brésil au XIXe siècle. Cherchant à clarifier la trajectoire de cette forme théâtrale dans le pays, l'étude veut recueillir et systématiser des diverses informations, à partir de la récupération de sources historiques et matériel théorique, publiée dans le pays et à l'étranger, notamment en France, où le mélodrame est né. À cette fin, une série de recherches ont été faites dans les catalogues des bibliothèques nationales et étrangères, permettant d'organiser des références bibliographiques, consulter les ouvrages originaux dramaturgiques et effectuer des recherches à propos de l'utilisation du terme mélodrame et à propos de la mise en scène de pièces mélodramatiques écrites par des auteurs français de mélodrames du XIXe siècle. Les résultats sous-tendent l'élaboration du texte de la thèse, qui compare des différents systèmes culturels (France et Brésil) et veut comprendre les implications de la mise en place de cette forme théâtrale dans le domaine social et dans le domaine littéraire, selon la compréhension que la littérature dramatique ne se limite pas au langage verbal enregistré dans les pièces. En ce sens, cette étude présente un aperçu de l'art dramatique, spectacles, public et commentaires sur pièces et esthétique mélodramatique, présente dans les discours régulièrement parus dans la presse, comme un registre de l imaginaire collectif de la population. Ainsi, il est prévu de contribuer à la compréhension de ce phénomène associé avec le contexte particulier de sa réception au Brésil, dans cette importante période historique du développement social dans le pays. Este trabalho trata da introdução e da repercussão do melodrama francês no Brasil, no século XIX. Visando elucidar a trajetória dessa forma teatral no contexto brasileiro, o estudo concentrou-se em reunir e sistematizar informações diversas e originais, provenientes da recuperação de fontes históricas e de material teórico publicado no país e no exterior, especialmente na França, berço do melodrama. Para tanto, foi realizada uma série de pesquisas em catálogos de bibliotecas nacionais e estrangeiras, que possibilitaram a organização de referenciais bibliográficos, a consulta de obras dramatúrgicas originais e levantamentos, em periódicos brasileiros do século XIX, acerca do uso do termo melodrama e acerca da encenação, em nossos palcos, de peças melodramáticas escritas pelos principais autores franceses de melodramas dos Oitocentos. Os resultados obtidos com essas pesquisas orientaram a comparação entre sistemas culturais distintos (França e Brasil) e a análise das implicações do estabelecimento dessa forma teatral no campo social e no campo literário, conforme o entendimento de que a literatura dramática não se limita à linguagem verbal registrada nas peças. Nesse sentido, o presente estudo apresenta um panorama sobre dramaturgia, espetáculos, público e comentários em relação às peças e à estética melodramática, presentes em discursos regularmente veiculados pela imprensa, como um registro do imaginário coletivo da população. Desse modo, espera-se contribuir para a compreensão deste fenômeno, associado ao contexto peculiar de sua recepção no Brasil, tendo em vista que a relação entre as obras encenadas nos palcos brasileiros e seu público acompanha e reflete a produção artística neste importante período histórico de transformação social no país.

Este trabalho visa à análise do diálogo interdisciplinar e liminar estabelecido entre Richard Schechner e Victor Turner através da definição, análise e discussão do conceito de ritual em suas obras. A pesquisa foi desenvolvida através da leitura e fichamento dos principais volumes publicados destes autores, sendo eles Schism and Continuity; Forest of Symbols; The Ritual Process; Dramas, Fields and Metaphors e From Ritual to Theater de Turner e de Schechner Environmental Theater; Essays on Performance Theory; Between Theater and Anthropology; The Future of Ritual e Performance Studies. Não foram encontrados registros de trabalhos semelhantes. Sendo esse um trabalho inédito e que oferece uma revisão dos escritos destes dois autores. Discutir o ritual por esta perspectiva multifacetada é abrir o leque de novas possibilidades de discussão de um conceito tão importante e que tendo sido já tão discutido necessita de novo fôlego para ganhar novos horizontes. Trata-se de um trabalho considerado liminar, pois sua riqueza metodológica está justamente no fato de a pesquisa localizar-se no "entre" o teatro e a antropologia. Não se prende a nenhuma disciplina e ao mesmo tempo pertence a muitas. Trata-se de um estudo bibliográfico que poderá servir de aporte teórico para os mais variados campos de pesquisa. This work aims to analyze the concepts of ritual developed by Richard Schechner and Victor Turner. This is realized through the definition, analysis and discussion of the concepts looking for the dialog between Schechner and Turner. The research was developed by reading and analysing the major volumes published by these authors, what is Schism and Continuity; Forest of Symbols; The Ritual Process; Dramas, Fields and Metaphors and From Ritual to Theater by Turner and made by Schechner Environmental Theater; Essays on Performance Theory; Between Theater and Anthropology; The Future of Ritual and Performance Studies. Was not found any work like this. It is an inedited and presented an important review on Schechner‟s and Turner‟s written. The ritual concept needs this multiplicity look to take a new breath and look up different sea-lines. This job has a methodological richness because points out precisely the fact that the research belongs analyse the field "between" the theatre and anthropology. It is not remand to any discipline and the same time belongs to all of them. This is a bibliographic study what can provide theoretical support for various research fields. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Esta dissertação apresenta a Dança dos Congos que se realiza na cidade de Goiás (Goiás/Brasil) desde a primeira metade do século XVIII. Nesse ritual, é realizada a luta entre mouros e cristãos e constitui-se em uma performance dividida em marchas de rua e embaixadas, executadas por homens afro-brasileiros, possuidores de poucos recursos financeiros, sendo realizada, sobretudo, no Centro Histórico da cidade (reconhecida como patrimônio mundial pela UNESCO), por ocasião das festas do Divino Espírito Santo e de Nossa Senhora do Rosário. Trata-se de uma pesquisa etnográfica, cujo principal objetivo é interpretar as performances do ritual da Dança dos Congos e as complexas relações de significados naquele sistema cultural. Por isso, primeiramente foi realizada uma descrição pormenorizada da estrutura da Dança dos Congos, destacando gestos, oralidade, músicas, indumentárias, dramatizações. Também foram acionados os referenciais teóricos das performances culturais, enquanto categoria analítica, para analisar o conhecimento encorporado na dança e nos dançantes dos congos. Logo em seguida, levantaram-se algumas questões sobre o contexto sócio-histórico e cultural dos congos, trançando reflexões sobre os estudos etnográficos da Dança dos Congos, explorando a possibilidade de uma interlocução entre a etnografia realizada por Brandão (1977) e a que realizei. E por fim, observaram-se as representações e apropriação dessa forma de expressão em relação ao conjunto de bens patrimoniais da cidade de Goiás e as políticas de salvaguardas executadas por seus detentores. Este estudo permitiu identificar que a performance da Dança dos Congos, da cidade de Goiás é a materialização da iconografia de um povo que vive, luta, resiste e permanece. This master thesis introduces the Congo dance, which has been performed in Goiás City (Goiás/Brazil) since the first half of the 18th century. In this ritual, we are able to watch the fight between Moors and Christians. The routine is divided into street parades and representations of an embassy mission, performed by poor Afro-Brazilian men, usually at the city’s Historical Centre (held as a UNESCO world cultural heritage). The performances generally take place during the Divine Holy Ghost and the Our Lady of the Rosary festivals. This is an ethnographic research project, which aims at interpreting the performances of the Congo dance ritual and its complex meaning relations. Therefore, a detailed description of the Congo dance structure was done, by highlighting its gestures, orality, music, clothing and dramatization. Also, as an analytical category, the theoretical background to such cultural performances was reviewed, aiming at analysing the dance and dancers’ embodied knowledge. Furthermore, some questions on the congos’ cultural social historical were raised, bringing some comparison among the thoughts on ethnographic studies on the Congo dance and the possibility of an interlocution between Brandão’s ethnography (1977) and the one presented in this paper. Eventually, the representation and appropriation of this way of expression towards the whole Goiás City’s cultural heritage and how safeguard policy is done were deeply observed. As a conclusion, the study states that the Congo dance from Goiás City is the materialisation of the iconography of people who live, fight, resist and remain. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

Este estudo tem o objetivo de apresentar e discutir alguns aspectos do dramatismo, método de análise das relações humanas e principalmente dos atos da linguagem e de pensamento, tal como apresentado pelo filósofo e crítico literário norte-americano Kenneth Burke (1897- 1993), entre os anos de 1930 a 1960. Praticamente desconhecido em nossa língua, o nome de Kenneth Burke e seu dramatismo são presenças obrigatórias nos recentes compêndios que abordam os estudos da performance e das performances culturais, pela comparação e relação que estabelecem entre a vida cotidiana e o drama e necessitam ser melhor conhecidos. Entre tantos teóricos, seus trabalhos influenciaram os críticos literários Harold Bloom (1930) e Susan Sontag (1933-2004), sua aluna na Universidade de Chicago, e principalmente a fundamentação do sociólogo Erving Goffman (1922-1982), seja em seus estudos da vida cotidiana como em sua “abordagem dramatúrgica” (dramaturgical approach). Como se infere, a partir do dramatismo, não somos apenas utilizadores da linguagem, somos também utilizados por ela, ela determina nossas ações. O dramatismo se estabelece como um instrumento de análise da linguagem como ação simbólica a partir de cinco termos chave (pentad dramatístico): o ato em si, o que foi feito; o agente do ato, o ator, quem realizou o ato; a cena (o lugar, o onde); a agência, os meios/instrumentos ou como se realiza a ação, ou ainda a capacidade autônoma das pessoas fazerem suas próprias escolhas; e o propósito. O ato é o termo central em torno do qual se organizam as cinco categorias de análise (pentad) e a investigação dos motivos da ação é a estratégia fundamental da análise dramatística. Burke propõe que o campo de observação da ação humana e de suas incontáveis combinações, as transposições e as transformações entre os termos do citado pentad, possibilitem uma análise da ação humana que tem o drama como termo central. O dramatismo procura responder as questões de como podem ser explicadas as ações humanas e, principalmente, como estas ações são determinadas pela capacidade simbólica. O dramatismo torna-se elemento central na análise da teatralidade humana, do ser humano em performance. This study aims at presenting and discussing some of the aspects of dramatism, method of analysis of human relations and mainly of the acts of the language and of the thinking, as it is presented by the North American philosopher and literary critic Kenneth Burke (1897-1993), from the years 1930 to 1960. Practically unknown in our language, Kenneth Burke‟s name and of his dramatism are compulsory presences in the recent compendiums which deal with the studies of performance and of cultural performances, for the comparison and the relation they establish between everyday life and the drama and thus require be better known. Among many theorists, Burke‟s works have influenced the literary critics Harold Bloom (1930) and Susan Sontag (1933-2004), his student at the University of Chicago, and mainly the theoretical founding of the sociologist Erving Goffman (1922-1982), being that in his studies of everyday life as well as in his “dramaturgical approach”. As it is implied from dramatism, we are not only language users, we are also used by it and language determines our actions. Dramatism is established as an instrument of analysis of language as symbolic action from five key terms (dramatistic pentad): the act in itself, what has been done; the agent of the act, the actor, who performed the act; the scene (the place, the where); the agency, the means/instruments or how the action is performed, or even the autonomous capability of people to make their own choices; and the purpose. The act is the central term around which the five categories of analyses are organized (pentad) and the investigation of the motives of the action is the fundamental strategy of the dramatistic analyses. Burke proposes that the field of observation of the human action and of its innumerable combinations, the transpositions and the transformations among the terms of the cited pentad, makes it possible for an analysis of the human action that has drama as its central term. Dramatism attempts to answer the questions of how human actions can be explained, and mainly how these actions are determined by the symbolic capability. Dramatism becomes a central element in the analysis of human theatricality, of the human being in performance. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This paper aproaches a research on performance art. It is lectured here the mechanisms and keys that allow the performer to fully offer and deliver oneself to the other performer. This research gatter elements within the Batuque culture that enabled the performer to face the leap into the abyss that is to perform, which is, that allow to throw oneself on the here and now on in front of other. How to face this unknown person? Or, especially, how to conect with the unknown, with the other? On this thesis is presented the poetic and the keys that the author used for something to happen with him, to propose oneself experiences in art. These "keys" that the performer found open doors, shortcuts, to enter the state of performance and thus contact with the public. These keys found in the drumming of the rite became, in its majority, part of the poetic, which are constituent elements of performance, making it also the trigger element of the experience with and before other. Five Performances were created from this research, namely: How to explain the sacrifice of a chicken , berried in wealth the body ends up to sufocate. Sit down! Listen , Holly Spirit of 7 Crossroad , From the same mud you came e for the same mud shall return . Esta dissertação aborda uma pesquisa em performance arte. Disserta-se aqui sobre os mecanismos e chaves que possibilitam que o performer oferte-se, se entregue totalmente para o outro em performance. Esta pesquisa buscou elementos dentro da cultura do Batuque que possibilitassem que o performer enfrentasse o pulo no abismo que é performar, ou seja, que permitissem que ele se jogasse no aqui e no agora diante do outro. Como enfrentar este desconhecido? Ou, principalmente, como entrar em contato com o desconhecido, com o outro? Nesta dissertação apresenta-se a poética e as chaves que o autor utilizou para que algo acontecesse nele, para propor-se a experiências em arte. Tais chaves que o performer encontrou abrem portas, atalhos, para adentrar no estado de performance e, assim, entrar em contato com o público. Estas chaves encontradas no rito do batuque tornaram-se, em sua maioria, parte da poética, ou seja, elementos constitutivos da performance tornando-se, também, o elemento desencadeador da experiência com e perante o outro. Foram criadas cinco Performances a partir desta pesquisa, sendo elas: Como explicar o sacrifício a uma galinha , Enterrado em riquezas o corpo acaba por se sufocar. Sente! Escute , Espirito Santo das 7 Encruzilhadas , Do mesmo barro viestes e Para o mesmo barro voltarás .

Tese (Doutorado) – Instituto de Artes da Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. Esse doutoramento propõe um olhar subjetivo a respeito dos textos dramatúrgicos Mariana Pineda, Yerma, Bodas de Sangue e A Casa de Bernarda Alba, da coletânea Impresiones y Paisajese da conferênciaJuego y teoríadel duende, de autoria do poeta-dramaturgo espanhol Federico Garcia Lorca (1898-1936), à luz do conceito de Geopoética, do autor escocês Kenneth White. A Geopoética é uma teoria transdisciplinar que versa a respeito da relação do homem com a Terra. Pela perspectiva desse olhar, pretendo verificar a existência e a convergência de elementos geopoéticos nos textos supracitados, e buscar uma compreensão mais ampla a respeito da relação do poeta-dramaturgo com o contexto geográfico espanhol pelo viés da sua dramaturgia. O corpus dessa pesquisa foi estabelecido pelo desafio de experimentar a teoria supracitada de modo a criar um campo de diálogo interdisciplinar que privilegia as linguagens cênica, dramatúrgica, poética, geográfica e científica, a partir do teatro contemporâneo. Os traços culturais universais, o olhar sobre o espaço e a paisagem, e a valoração simbólica destes, excedem as marcas do tempo e podem corroborar tais elementos na escrita de F. G. Lorca antes mesmo do surgimento desse conceito. Desse modo, configura-se a pedra angular desse doutoramento pelo viés da afluência de saberes do teatro e da geografia, da dramaturgia e da geopoética para construção / transmissão de conhecimento por meio de uma linguagem artística. Esse doutoramento segue o movimento contemporâneo de investigação científica que conecta as disciplinas Arte e Literatura à Geografia, e visa abrir outro horizonte de diálogo interdisciplinar ao aliar os princípios da Geopoética à Dramaturgia. This PhD thesis proposes a subjective perspective of view about Federico García Lorca’s plays Mariana Pineda, Yerma, Blood Wedding and The House of Bernarda Alba, his collection Impresiones y Paysajes, and his conference Juego y teoríadelduende, according to the concept of Geopoetics, elaborated by Kenneth White. Geopoetics is a transdisciplinarytheory about the relationshipbetweenhumankind andthe planet Earth. From the perspective of this view, I intend to verify the existence and convergence of elements of geopoetics in Lorca’s literary texts, and seek a broader understanding about the poet-playwright connection with the Spanish territory. Thecorpusof this researchwas established aimingto experience with the aforementioned theoryto createa field of dialog that privilegesscenic, theatrical, poetic, geographicand scientificlanguages.Some aspects of Lorca’s texts like universalcultural traits, the way he used to observe thespace andthe landscape, and used to value its symbology, exceeded the marks of time. Furthermore, the mentioned aspects reveal the characteristicsof geopoetics in Lorca’s texts, beforeK.Whiteelaborate this concept. Thus, the cornerstoneof thisPhD thesis is setatthe confluenceof knowledgeof theater andgeography, dramaturgy and geopoeticsforconstruction /transmission ofknowledge throughan artistic language.This thesisfollows thecontemporarydynamics ofscientific researchesthat connectsArt and Literature toGeography,and aims to open another horizon of interdisciplinary dialogue by combining the Geopoetics with Dramaturgy.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. Um elemento jocoso, às vezes forçoso, surge em determinados processos artístico-pedagógicos ligados ao teatro, considerando o modo pelo qual os sujeitos envolvidos se comunicam em uma situação de jogo, improviso ou cena preparada. Nesta dissertação, objetivo analisá-lo visando desenvolver uma pedagogia teatral por meio do cômico, investigando suas possibilidades de comunicação e produção de conhecimento no processo de ensino-aprendizagem do teatro. Para isso, apoio-me nas seguintes estratégias metodológicas: descrição e reflexão sobre o meu percurso como artista, educador e pesquisador; realização de pesquisas de campo em escolas públicas de ensino médio do Distrito Federal/DF, no período de 2008 a 2011; entrevistas audiovisuais e semiestruturadas com artistas que trabalham com o cômico e o riso, seja em cena ou em oficinas de formação em espaços não formais e informais; relato da minha participação nos workshops oferecidos na Escola do Ator Cômico, em Curitiba, Paraná, no 2º semestre de 2012; e, finalmente, descrição e análise da aplicação da proposta, em 2013, em turmas do ensino médio em uma escola pública do Distrito Federal, entremeada com a avaliação que os estudantes fizeram a respeito das proposições que essa possível abordagem metodológica confere ao ensino-aprendizagem do teatro. Além desses instrumentos metodológicos que corporificaram esta pesquisa, utilizei como embasamento teórico estudos voltados para linha da Pedagogia do Teatro em diálogo com outros que se detiveram sobre o cômico e o riso em áreas do conhecimento como a Antropologia, a Educação, a Filosofia, a Literatura, a Pedagogia, dentre outras. Então, em meio a essa composição de instrumentais investigativos para a elaboração desta escrita, desejo ao leitor uma boa leitura... ______________________________________________________________________________ ABSTRACT A playful element, sometimes forcible, arises in certain artistic and pedagogical processes linked to the theater, considering the way in which those involved communicate in a game situation, scene or improvisation. At this research I intend to analyze it in order to develop a theater pedagogy through the comic, investigating its possibilities for communication and knowledge production in the process of teaching and learning of theater. To do so, I use the following methodological strategies: description and reflection on my journey as an artist, educator and researcher; field research conducted in public high schools in Distrito Federal (Federal District/Brazil) in the period from 2008 to 2011; audiovisual and semi-structured interviews with artists working with the comic and laughter, whether on stage or in training workshops in non-formal and informal spaces; report of my participation in workshops offered at the School of the Comic Actor in Curitiba, Paraná, in the second semester of 2012; and finally, description and analysis of the implementation of the proposal, in 2013, in high school classes in a public school in Distrito Federal, combined with the assessment that students provided about the propositions that this methodological approach grants to teaching and learning theater. In addition to these methodological tools that embodied this research, I used studies on the Pedagogy of Theatre as theoretical base line in dialogue with others that were focused on the comic and laughter from knowledge areas such as Anthropology, Education, Philosophy, Literature, Pedagogy, among others. Therefore, amidst this composition of investigative tools to elaborate this writing, I wish the reader a good read...

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Arte, Instituto de Artes 2014. Este trabalho discute e relata a experiência de um processo criativo desenvolvido em um corpo coletivo que objetivou experimentar técnicas de atuação e composição de cenas utilizando as tecnologias da câmera filmadora digital e do projetor. A elaboração das cenas foi inspirada pelas leituras das obras Alice no país das maravilhas, Alice através do espelho de Lewis Carroll e o Mito da Caverna de Platão. Através do exercício cênico, busca-se examinar em que media a atriz-agente se relaciona com as diferentes qualidades de presença geradas pela sua presença física com as tecnologias de captação e projeção ao vivo. Para tanto, a pesquisa, constrói, descreve e analisa o próprio processo criativo e seus desdobramentos com as linguagens da sombra e da telepresença. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT This dissertation discusses and reports the experience of a creative process developed within a collective that aimed to experiment with performance techniques and scene composition using the technology of the digital video camera and the projector. The creation of the scenes was inspired by the books Alice in Wonderland, Through the Looking-Glass and What Alice Found There by Lewis Carroll, and Plato´s Allegory of the Cave. The scenic exercise aimed to examine how the actor/agent relates to the different qualities of presence, created by her own physical presence with live scene capture and projection technologies. The research builds on, describes, and analyzes the creative process itself and how it unfolds in the languages of shadow and telepresence.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2014. As inovações coreográficas do norte-americano Merce Cunningham provocaram um deslocamento no olhar sobre o movimento ao romper com alguns paradigmas básicos na transição entre a dança moderna e a dança contemporânea. Como intérprete-criadora, participei do processo criativo do espetáculo “De Água e Sal” que foi uma forte referência na sistematização de uma ampliação expressiva na atuação cênica do intérprete. Adotando a percepção sensorial abordada pela Educação Somática como eixo principal de reflexão, e também a partir de Cunningham e da experiência em “De Água e Sal”, esta dissertação pretende realizar uma discussão sobre uma experimentação prática em dança, realizada na unidade curricular Práticas Corporais II, ministrada por mim para discentes do segundo semestre no curso de Licenciatura em Dança do Instituto Federal de Brasília. Nesta, aplicou-se com os alunos uma abordagem didática que visava a ampliação da percepção corporal e maiores possibilidades de exploração nas qualidades de movimento, provocando um repensar sobre a dança e promovendo uma ampliação na percepção do movimento corporal. Desenvolvido nesta dissertação, o conceito de corpo em estado de transparência surge então como um resultante situado pela evidência de um corpo que se move conectado pelas sensações e percepções, gerando um mover-se mais visceral e orgânico. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT The innovations of the American choreographer Merce Cunningham led to a displacement on the perspective over movement while breaking some basic paradigms in the transition between modern and contemporary dance. As interpretercreator I took part of the creative process in the show “De Água e Sal” (Of Water and Salt), which was a strong reference in the systematizing of an expressive broadening of the scenic work of the interpreter. By adopting the sensorial perception addressed by Somatic Education as the main axis of reflection, and also based on Cunningham and the experience with “De Água e Sal”, this dissertation aims to discuss a practical experimentation in dance accomplished in the curricular class Bodily Practices II, taught by me to second semester students from the Dance Department at the Federal Institute of Brasilia. During the class a teaching approach was applied on the students aiming to widen bodily perception and provide greater possibilities in exploring the qualities of movement, leading to rethinking dance and promoting a deautomatization of bodily perception. The concept of body in a state of transparency is the result of the evidence of a body that moves connected by sensations and perceptions, generating an authentic, visceral, and organic movement.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This work consists of ethnographic study on two theater groups of Santa Maria RS, the group EMAET and the TeatroVagaMundo. These groups have distinct features: the former is a theater school for people who are not actors/actresses and the latter constitutes itself as a professional/independent theater group. However both also carry out their works beyond the theater building, conventional space of the theater. It is mainly due to this characteristic that these groups were chosen for this study. Therefore the objective of this work is to understand the theatrical productions of these groups through participant observation in their quotidian of classes and/or rehearsals and performances, as cultural performances based on the theoretical scope of the performance studies at theater and anthropology and in discussions about street, street theater and alternative space categories. Este trabalho consiste em um estudo etnográfico sobre dois grupos de teatro de Santa Maria RS, o Grupo EMAET e o Teatro VagaMundo. Estes grupos possuem características distintas: o primeiro se trata de uma escola de teatro para não atores e o segundo se constitui como um grupo de teatro profissional/ independente. No entanto, ambos realizam seus trabalhos também para além do edifício teatral, espaço convencional do teatro. É, sobretudo, devido a esta característica que estes grupos foram escolhidos para este estudo. O objetivo deste trabalho, portanto, é compreender as produções teatrais destes grupos através da observação participante em seus cotidianos de aulas e/ ou ensaios e apresentações, como performances culturais, com base no escopo teórico dos estudos da performance no teatro e na antropologia e em discussões sobre as categorias de rua, teatro de rua e espaço alternativo.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This work aims to understand the consolidation of the villain as a stereotypical character, representative of questions related to conception of social, cultural and historical values, according to a collective imagination. For tihs, it seeks to support the comparative analysis of two works in which we can see the configuration of this character one, linked to a theater type, very popular, the melodrama, and other linked to Brazilian dramaturgy in the nineteenth century. This approach favors the observation of relevant aspects about the development of theater in Brazil, at a time when there was an accentuated movement towards the establishment of a national culture. In this context, there was a conflict between the aim of producing works of literary quality, according to foreign standards (mostly European) and scenic exercise. However, in this period, there was a predominance of representations of popular forms, like the melodrama, acclaimed by general public. Its success stimulated influence of its features in writing of the national works, encouraged the exploration of aspects like the utilization of villains characters and the relationship between written text and elements of the scenic spectacle, approaching theatre and literature with the composition of spectacular texts, based on the use of rubrics. Therefore, in this study, we present a show that this happened in practice and suggest its income in the characterization of the Brazilian literature. Este trabalho almeja compreender a consolidação do vilão como uma personagem estereotipada, representante de questões relacionadas à concepção de valores sociais, culturais e históricos, de acordo com um imaginário coletivo. Para tanto, busca-se apoio na análise comparativa de duas obras em que se pode observar a configuração dessa personagem uma delas, representante de um tipo teatral de forte apelo popular, o melodrama, e a outra, vinculada à dramaturgia brasileira produzida no século XIX. Tal abordagem favorece a observação de aspectos relevantes acerca do desenvolvimento do teatro no Brasil, numa época em que se verifica um movimento acentuado em prol do estabelecimento de uma cultura nacional. Nesse contexto, destaca-se um conflito entre o intuito de produzir obras de qualidade literária, de acordo com padrões estrangeiros (europeus, sobretudo) e o exercício cênico, em que se nota a predominância de representações de formas populares, como o melodrama, aclamado pelo grande público. Seu sucesso perante a plateia estimulou a influência de características de sua estrutura dramática sobre a escrita de obras nacionais, favorecendo a exploração de personagens-tipo (dentre elas, o vilão) e a relação do texto escrito com elementos próprios do espetáculo cênico, aproximando encenação teatral e literatura a partir da composição de peças que consagraram o uso sistemático de rubricas. Assim sendo, neste estudo, apresentamos uma mostra de que isso se deu na prática e sugerimos seu rendimento na caracterização da literatura dramática brasileira.

Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico This paper proposes using the complementarity of text and writing an ethnographic photoethnographic do some reading about the displacement of the subjects in the urban towns of Uruguaiana (BRA) and Paso de los Libres (ARG), Deliverance (BRA) and Rivera (URU). When people move on space planning, move with them cultural and material goods, ways of thinking and seeing the world. These guys crossing the bridge or take the line with them all their references to the world allowing that culture can be seen as a make, which can be produced and reproduced. In these various shifts for a diversity of views on the border, so try to understand how individuals who live in or are just passing through it, move in this space, how they relate from territorial marks, discussing the concepts of anthropological place and no place proposed by Marc Augé (1994). To present and describe the seizures made from the resort to fieldwork as photoethnographic founding of this research methodology, and this study included in discussions of audiovisual anthropology. Este trabalho se propõe por meio da complementaridade entre texto etnográfico escrito e uma fotoetnografia realizar uma leitura sobre os deslocamentos dos sujeitos no espaço urbano, nas cidades de Uruguaiana (BRA) e Paso de Los Libres (ARG), Livramento (BRA) e Rivera (URU). Ao se moverem pessoas sobre o espaço territorial, se movem com elas bens culturais e materiais, modos de pensar e ver o mundo. Esses sujeitos que atravessam a ponte ou a linha levam com eles todas as suas referências de mundo permitindo que a cultura possa ser vista enquanto um fazer, possível de ser produzido e reproduzido. Nestes diferentes deslocamentos há uma diversidade de olhares sobre a fronteira, por isso procuro entender como os sujeitos que moram na região ou que estão somente de passagem por ela, se movem neste espaço, como se relacionam a partir dos marcos territoriais, discutindo os conceitos de lugar antropológico e não-lugar propostos por Marc Augé (1994). Para apresentar e descrever as apreensões realizadas a partir do trabalho de campo recorro à fotoetnografia como metodologia fundante desta pesquisa, estando este estudo inserido nas discussões da antropologia audiovisual.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, 2011. Estudo da telepresença no teatro com a imagem do ator projetada em vídeo e transmitida via Internet. Análise da teatralidade na telepresença. Defende características do ator telepresente: estar presente num espaço de onde tem controle de sua imagem, em tempo real, em um ou mais locais diferentes. Apresenta uma analogia do trabalho do ator telepresente com o ator-manipulador do teatro de formas animadas. O conteúdo é correlacionado com a montagem teatral da peça “Pitomba Online”, onde são descritos e analisados trechos que exemplificam as questões levantadas. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT The study of the telepresence in dramatics with the actor's image projected on video and transmitted by Internet. It analyses the theatricality in the telepresence. It maintains features of the telepresent actor: being present in an area where you have control of your own image, at real time, at one or many different locations. It presents an analogy of the telepresent actor’s work with the handler actor from Animated Forms of Theatre. The content is correlated to the stage production of the play "Pitomba Online”, where excerpts are described and analyzed to exemplify raised issues.