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Este capítulo tem como foco o projeto Sounds of Intent, que visa mapear o desenvolvimento musical de jovens com as necessidades mais complexas. A partir de 2002, a equipe de pesquisa trabalhou com um grupo de profissionais que atuavam na área - musicoterapeutas, educadores musicais e outros profissionais - para desenvolver descrições precisas e interpretações compartilhadas das diferentes formas e níveis de engajamento musical que observaram entre crianças e jovens com necessidades educacionais especiais. O referencial teórico desenvolvido pela equipe é discutido nessa tradução.

Research on technology-based learning and teaching has demonstrated evidence of its relevant role in music education. However, the application of technology to studio-based instrumental learning and teaching remains a relatively under-researched area. The article draws on findings from a recent exploratory study (HAMOND, 2017) which included fieldwork in Brazil. The aim of this study was to investigate the nature and potential pedagogical use of technology-mediated feedback in a higher education piano studio. Participants were one student-teacher dyad plus the researcher (the first author) with the dyad working on a memorised movement of a classical sonata of the student’s current repertoire. The technology system involved a digital piano connected to a laptop computer running Digital Audio Workstation (DAW) software via Musical Instrument Digital Interface (MIDI) interface, and an additional computer screen. Three data sets were collected: videoed piano lessons (n = 2), semi-structured interviews with participants after each piano lesson (n = 4) and technology-generated MIDI data through the use of DAW software. Qualitative data analysis (QDA) involved a multi-methods approach. Research outcomes demonstrated how new digital technology can improve accessibility to aspects of advanced musical behaviour and learning that are often outside the individual’s conscious awareness. The use of new digital technology can also optimise traditional pedagogical approaches in one-to-one piano studios, since it is likely to make the lesson foci clearer and the learning process more efficient.

This paper examines and compares teaching practice models of three music teacher training courses originating from Brazil and England, as well as addressing issues regarding the initial preparation of the music teacher in both countries. Activity theory was employed as a theoretical framework to explain the related factors involved in both models’ implementation. A number of challenges were indentified such as: (i) how to balance the theoretical and practical dimensions of the curriculum; (ii) the quest for mechanisms for the transferral of the pedagogical and musical instrument knowledge acquired by students to music teaching practice contexts; and (iii) the absence of a specialist music teacher as mentors in some educational contexts. Findings showed that there is diversity in teaching practice models due to different educational and technological contexts employed.

O objetivo da presente pesquisa foi investigar a natureza do feedback quando um sistema de tecnologia digital foi aplicado em aulas de piano com três duplas de professores e alunos no ensino superior no Brasil. Os dados foram coletados por meio de observações de aulas registradas em vídeo, entrevistas com os participantes e também dados relacionados ao uso de uma tecnologia específica. Uma análise temática dos dados resultantes sugere que os participantes usaram feedback verbal e feedback não verbal em três áreas de foco da aula: música (partitura), performance (por exemplo, dinâmica, articulação) e tecnologia (parâmetros de Musical Instrument Digital Interface [MIDI]). A aplicação da tecnologia permitiu que o foco da aula ficasse mais claro, tornando os alunos mais conscientes de suas performances e de seus processos de aprendizagem. Os dados sugerem que o engajamento com a tecnologia variou nos três casos observados. O uso do feedback mediado pela tecnologia parece ter benefícios; isso pode, por sua vez, otimizar as abordagens pedagógicas mais tradicionais no ensino e aprendizagem de piano no ensino superior e também enriquecer o estudo individual.

A maior parte das pesquisas realizadas sobre Ansiedade na Performance Musical (APM) tem considerado sua relação com as características internas do intérprete musical, a condição de preparação para a performance e fatores relativos ao ambiente no momento da execução. Os métodos para o seu alívio geralmente têm natureza clínica. Poucas pesquisas situam-se ao redor de um modelo conceitual explícito e abrangente. Este artigo propõe um quadro teórico que retrata a ansiedade no contexto da performance musical como um processo que tem uma dimensão clara de tempo (pré-, durante e pós-performance). O modelo ilustra os prováveis processos que ocorrem a partir do momento em que um artista concorda em participar de uma performance específica e explica como eles podem dar origem tanto a formas mal adaptativas quanto adaptativas da ansiedade na performance. Os efeitos potenciais a longo prazo sobre o artista também são discutidos. Uma descrição detalhada do modelo e as teorias por trás do seu desenvolvimento são seguidas por uma consideração das implicações do modelo e da sua potencial utilidade para pesquisa e educação

A vocalização humana apresenta pontos chave do nosso desenvolvimento musical e é ela que promove nossas primeiras manifestações de habilidades para podermos nos comunicar musicalmente. As melodias da fala constituem os primeiros elementos linguísticos a serem vivenciados e dominados, e são precursores indistinguíveis do canto melódico, posto que são elementos essenciais na comunicação musical intrapessoal e interpessoal. O canto como forma de comunicação tem origem nos contornos melódicos vocais, cujos intervalos musicais são explorados na fala dirigida do adulto1 (pais, responsáveis ou cuidadores) 2 ao bebê3 (lactente ou criança) para promover o desenvolvimento da linguagem. Características semelhantes, porém, mais explícitas, são evidenciadas no canto dirigido do adulto ao bebê através de canções de ninar e de canções de brincar. Esses elementos musicais básicos da comunicação podem ser percebidos ainda no útero e formam as bases para as vocalizações e comportamentos musicais subsequentes do bebê. Além disso, a integração fundamental da emoção com a percepção e a cognição dá origem a uma rede de comportamentos vocais e emocionais interligados que são centrais para a comunicação humana. O capítulo investigará a crescente evidência da comunicação musical como parte integral da vocalização humana e da expressão emocional.