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Reseña del libro: Orobon, Marie-Angèle, Campos Pérez, Lara, Sánchez Collantes, Sergio y Mira Abab, Alicia (coords.), Diccionario simbólico del republicanismo histórico español (siglos XIX-XX). Granada, Editorial Comares, 2024, 393 pp. ISBN: 978-84-1369-723-9.

A 19 de janeiro de 1919, tropas revoltosas proclamaram, no Porto, a reinstituição da Monarquia, logo seguidas por outras guarnições do norte de Portugal. O domínio monárquico em quase todo o norte do país, em particular do Porto, não teve equivalente a sul. A confrontação que se seguiu entre os revoltosos monárquicos e os republicanos levou ao fim da Monarquia do Norte a 13 de fevereiro. A investigação que aqui se apresenta visou desvelar, por meio de um estudo quantiqualitativo, a estrutura do discurso iconográfico que a Ilustração Portuguesa, única revista ilustrada coeva de grande circulação, construiu sobre esse episódio. Partiu-se da hipótese de que o discurso da Ilustração Portuguesa se alinhou com o poder governamental republicano, que controlava a capital, sede da revista e a maioria do território do país. Os dados permitiram validar a hipótese. A narrativa iconográfica da revista glorifica a República e os seus “heróis”, transformando a publicação num instrumento de “infopropaganda” ao serviço do poder estabelecido em Lisboa.

Bones and ivories objects from the late imperial age are today considered items of great and artistic value. A production linked to the wealthiest backgrounds, which began around the 1st century b.C. and over at the beginning of the Vth, in a rich repertoire of images and symbols con-nected mostly to the pagan world and which find their production in orien-tal craftshops of the Empire, heirs of the great Hellenistic culture, dear above all to the high imperial and to its propaganda.

The frescos that adorn the residences of the eighteenth century Palermitan aristrocacy are among the most interesting artistic testimonies of that age, not only because they celarly express the evolution of the taste from baroque to rococo and neoclassic style, but also and above all because they allow us to reconstruct peculiar traits and aspirations of the nobility. Princes and barons, always committed in claiming their political role e their status, hired the artists in vogue in the city to convey self celebrating messa-ges in glories, triumphs, mythological and literary scenes.

In the Middle Ages, the dimension of the imaginary often confu-sed the perception of reality with a process of abstraction. In this way, the representation of a cathedral could at the same time be the very idea of the cathedral. The imaginary was part of the field of representation not as sim-ple reproduction but as the transposition of an internal dimension. In art, as in literature, real representations are often used to evoke imaginary con-cepts. The dimension of the imaginary was accompanied by that of the symbolic, which consisted in the reference of the object considered to an implied, historical and ideal system of values.

La moneda romana presenta una gran variedad de mensajes iconográficos que muestran la gran relación que hubo entre la religión tradicional, la transmisión de mensajes por parte del Estado y la moneda. En este artículo se analizan algunos de estos mensajes y la vinculación existente entre la moneda y el sacrilegio. Para ello se han seleccionado piezas clave dentro de la amonedación romana tardorrepublicana y altoimperial, abarcando un marco cronológico que data, de manera aproximada entre el 133 a.C. y el 192 d.C. y se ha estudiado la vinculación existente entre los tipos expuestos y su contexto sociopolítico.

La presente investigación tiene como objetivo de estudio la iconografía del llanto de Isis y Neftis en conjunción con la literatura funeraria de época ptolemaica y romana donde se nos habla del duelo de las Dos Hermanas. Aunque el dolor de ambas diosas por la muerte de Osiris no quedó restringido a la literatura funeraria del periodo ptolemaico, parece que fue entonces cuando este tema se desarrolló con mayor detalle. Para realizar este estudio se han tenido en cuenta los textos de Las glorificaciones, entre los cuales se hallan los conocidos como Las lamentaciones de Isis y Neftis, al mismo tiempo que las representaciones de Isis y Neftis en diferentes soportes hallados en contexto funerario. La iconografía de las dos diosas nos muestra alusiones a los textos funerarios, la utilización del llanto como un elemento ritual para garantizar la pervivencia de la persona difunta en el Más Allá. Acentúa, además, la identificación del muerto con Osiris a través del arte pictórico y los rituales funerarios.

Analisar, descrever e classificar as realizações do homem consideradas cultural e socialmente arte é refletir sobre as experiências e os efeitos estéticos em diversos contextos ao longo da história e, principalmente, sobre os juízos de valores e imagem culturais. Nesse sentido, este artigo aborda a consciência histórica como um fenômeno coletivo desenvolvido pela cultura ocidental moderna ao encontro de um novo contexto, atual e decolonial. Por meio de uma revisão da literatura sobre a formação das disciplinas Estética e História da Arte, objetiva-se interpretar o significado da arte como imagem formadora dos ideais contemporâneos para um mundo sustentável, valorizando as diferenças como proposta de revisão do conhecimento estabelecido pelo ocidente, considerando novas narrativas com foco nos estudos da cultura visual para a formação de uma história inclusiva da arte. Para isso, os efeitos desse novo contexto são discutidos mediante a experiência estética sobre os desafios da construção de conhecimento ao se reverem os principais valores da cultura ocidental. Assim, conclui-se por meio desta análise que é necessário interpretar as transformações culturais pelas artes em relação às mudanças materiais, éticas e estéticas que envolvem a consciência histórica e novos desenvolvimentos para conhecimento em humanidades nos ambientes ocidentais e não ocidentais.

Dentro de los objetivos del presente artículo tenemos la tarea de exponer una comparación de algunas estampas de Francisco de Goya con imágenes disponibles del arte sacro en la época del artista que ofrecen poses muy similares de los personajes centrales respectivamente. Se va a realizar la descripción iconográfica de las estampas a comparar para encontrar los detalles que nos hablan en algunos casos de posibles relaciones directas, o en otros, de estilos comunes presentes en las representaciones del arte religioso en general y su presencia en la obra de Goya. La metodología se centra en los planteamientos para los estudios en tres etapas de Erwin Panofsky y con ello nos referimos a las etapas pre-iconográfica, iconográfica y la iconológica. Se consideran en este análisis elementos que mantienen posibilidades de asociación en el terreno interpretativo de acuerdo al contexto histórico y social de producción de las obras. La recuperación de elementos propios de una tradición iconográfica religiosa no siempre se realiza desde una sola perspectiva, sino de varias.

Review about Iván Rega Castro and Borja Franco Llopis´new book; Imágenes del islam y fiesta pública en la corte portuguesa. De la Unión Ibérica al terremoto de Lisboa, (Gijón: Ediciones Trea, 2021), 198 págs., (ISBN 978–84-18105–46 3).

This article proposes the thesis that Ignatius of Loyola was a radiant saint, an idea based on the visual strategies employed by the Society of Jesus in its Roman projects of the Seicento. This corporate cult image was originated in the literary and graphic sources of the order from the late 16th century, and was divided into two normative images: scenes in which Ignatius was enlightened by various divine apparitions; and scenes in which Ignatius himself shone. For the Jesuits, their founder was the prototype of the mystical saint enlightened by divinity, and this radiance became one of the most important visual markers of Jesuit iconography.

Della statua in terracotta di Eracle conservata nel Museo d’Arte rimane la testa coperta dalla leonté e parte del busto. La provenienza dell'opera è sconosciuta, ma il suo inquadramento stilistico e formale suggerisce una datazione entro la metà del IV secolo a.C. e un’attribuzione a ambiente etrusco-laziale. L’insieme della fronte ampia, del mento pronunciato nel quale si inscrivono tratti del volto di dimensioni contenute e la leonté simile più a un elmo sembrano distaccare questa particolare apoteosi dalle altre finora note. The head covered by the lionskin, and part of the bust are what remains of the terracotta statue of Heracles preserved in the Art Museum. The provenience of the work is unknown, but its stylistic and formal details suggest an attribution to an Etrusco-Latial environment of the fourth century BCE. The combination of the broad forehead with the pronounced chin, in which are inscribed facial features of smaller dimensions, and the helmet-like lionskin seem to distinguish this particular apotheosis from the others known so far.

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The inscription on the portrait preserved in the desert of San José de las Batuecas (La Alberca, Salamanca) identifies Saint Teresa of Avila at the age of 61. It is a late representation that resembles the vera effigies painted in Seville in 1576 by Jan Narduck, an example of how the prototype spread, mixed with new engraved themes in the 17th century. The peculiar combination of historical and biographical attributes on this panel -inscribed names and figures, physiognomic features, landscape - enables to identify the anachronism as part of the artistic mechanisms or artifices employed in the manufacture of historical and devotional images. They were created to make people believe in the reality they depict, and in the legitimation of the worship that they promote.

El castillo-convento de Penyafort (Santa Margarida i els Monjos, Barcelona) es un edificio declarado Bien Cultural de Interés Nacional (BCIN) con una secuencia de ocupación continuada entre los siglos XI y XX. Tras la adquisición del conjunto en 2002 por parte del ayuntamiento de Santa Margarida i els Monjos, se ha llevado un proceso de estudio histórico y arqueológico, y diversos trabajos de restauración y puesta en valor. Durante el transcurso de los mismos, el estudio de los paramentos y la estratigrafía vertical del enclave reveló la existencia de un conjunto de grafitos de los siglos XVII y XVIII que ilustran algunas escenas hagiográficas, navales y costumbristas. En este trabajo presentamos los resultados obtenidos, reflexionamos sobre las propuestas metodológicas para la documentación de este tipo de restos arqueológicos y analizamos su trascendencia como elemento patrimonial de alto valor.

La niña Sol Albizu cursó entre 1965 y 1974 los estudios de Primaria en el Colegio Nacional Gayarre de Barcelona (España). De 1970 a 1974 Albizu siguió los tres últimos cursos de Primaria y el primero de Comercio, entre los 10 años y los 14 años de edad. Recopiló en cuatro tomos los cuadernos de estos cuatro cursos. Contienen los dictados, redacciones y cuestionarios de Gramática, Geografía e Historia, Ciencias, Matemáticas, Religión, Política y Costura. Este material histórico es una colección privada que permite reflexionar sobre la ideología totalitaria, militarista y sexista en el franquismo tardío. Los cuadernos tienen el interés de recopilar un corpus de textos y de iconografía escolares de la dictadura franquista. Estos escritos y dibujos reflejan los trazos de una ideología totalitaria, militarista, teocrática y sexista. En 2006 dimos a conocer muestras de dichos cuadernos en el web www.sant-cugat.net/laborda/franquismo.htm. El objetivo de nuestro estudio es analizar los ejercicios y dibujos de los cuadernos. En él sostenemos la tesis de que la enseñanza durante la década de 1970 fue similar a la del inicio del régimen, en la década de 1940. Este anacronismo resulta una rareza cuyas causas presentamos en esta investigación.

Review of Barbara A. Kaminska's book, Images of Miracolous Healing in the Early Modern Netherlands, which is about the subject of illness, healing, medical profession and loss of one of the five senses in 16th-century Flemish and Dutch society, its consequences and its visual representation.

El ms. 154 de El Burgo de Osma, el primero conocido del Fortalitium fidei de Alonso de Espina, contiene una serie de representaciones relacionadas con distintas guerras libradas entre cristianos y musulmanes a lo largo de la Historia, en su mayoría desconocidas hasta ahora. Este artículo propone el análisis iconográfico de esa iluminación, y su encuadre en el estudio de la iconografía bélica desarrollada al final de la Edad Media en la península ibérica. El interés preferente de este trabajo se centra en las escenas de batalla, así como en la complementaria relación entre textos e imágenes que originan las narraciones plásticas del conflicto, y que, en su caso, nos ayudan a su identificación y contextualización historiográfica.

Este texto aborda el tema artístico de la mujer como encarnación de la muerte a través del motivo del cadáver femenino en la película La autopsia de Jane Doe (The Autopsy of Jane Doe, André Øvredal, 2016). La construcción del personaje de la mujer muerta se apoya en el estereotipo de la mujer fatal, entroncando con iconografías misóginas que demonizan la sexualidad femenina mediante el vínculo entre maldad y carnalidad. En el análisis iconográfico se analizan críticamente desde un enfoque feminista productos culturales que encuentran su razón de ser en una condición generizada de la maldad, tomando conciencia de la ideología que los impregna. La belleza es concebida como trampa o artificio, relacionando el cuerpo femenino con la tentación, el peligro, la muerte y la corrupción. Bajo la cobertura de una narración fantástica, se actualizan viejos clichés moralistas que reposan sobre definiciones estéticas de la belleza/fealdad cargadas de implicaciones patriarcales.

El arte de Amarna presenta unas características y particularidades inéditas en la cultura egipcia. La reina Nefertiti desempeña un papel fundamental en la iconografía amarniense. Ninguna otra reina aparece representada con tanta frecuencia y es apreciable cómo su figura evoluciona a lo largo del reinado de Akhenaton, hasta romper ciertos cánones históricamente establecidos para la realeza egipcia. Uno de los atributos de la realeza más significativo y emblemático es la corona, ornamento de dioses y reyes. La revisión de la iconografía, siguiendo una línea temporal y el análisis de las distintas coronas que porta la reina a lo largo del periodo de Amarna, constituyen un indicador de la importancia que va adquiriendo el personaje, así como una línea de investigación para tratar de determinar el poder que ostenta en cada uno de esos momentos.

El inusual programa iconográfico del Fuero Juzgo conservado en la Biblioteca Nacional de España está conformado por dos iluminaciones sin parangón. La primera representa la Bendición del matrimonio de Adán y Eva; la segunda es un arbor consanguinitatis que arranca de Jesé. En el presente estudio nos adentrarnos en su significado rastreando en la patrística y en la tradición iconográfica la ligazón que une ambos elementos –Jesé y árbol de consanguinidad– y, a su vez, estos con la bendición de la unión de los primeros padres. Todo ello nos permite reconocer la insistencia de su artífice en el carácter sacramental del matrimonio, el vínculo de las imágenes con la liturgia nupcial contemporánea, así como explicar el sentido de dichas imágenes religiosas en este manuscrito jurídico.

La imago de la Justicia ha llamado la atención desde antiguo y, en tiempos recientes, las aproximaciones al tema se han multiplicado. La cuestión que se plantea aquí no versa sobre la imagen de la Virtud en sí misma. Esta será valorada y tenida en cuenta para señalar su unidad sin olvidar los aspectos volubles de su presunta configuración monolítica, capaces de generar cambios notorios en su apariencia icónica. Este estudio se concentra en la revisión de sus ausencias en el arte catalán medieval. Con el fin de describir y analizar estos espacios hueros, que nos hacen pensar en una negación de la Justicia –osea de su personificación femenina–, examino su presencia reiterada, o esporádica, en distintos lugares de Europa, al tiempo que me aproximo a las que fueron sus alternativas en contextos religiosos y civiles catalanes. Este cesar en sus funciones no debió ser condicionado tan solo por un desconocimiento y, en todo caso, pudo ser fruto de un pensamiento gráfico disyuntivo que prioriza otros temas y motivos cuando se trata de representar las ideas de juicio o de justicia.

Questo articolo presenta i risultati di un’indagine condotta sul ms. Clm 14011 della Bayerische Staatsbibliothek di Monaco. Il manoscritto, databile alla fine del XIII secolo e riconducibile al contesto genovese, contiene le Decretales di Gregorio IX, la Collectio III di Innocenzo IV e le Constitutiones di Gregorio X. Lo studio dell’apparato illustrativo rivela l’intervento di almeno due miniatori di diversa formazione: il primo, responsabile delle tabelle miniate, è legato ai modi della scuola padovana; il secondo, che realizzò le iniziali decorate, mostra l’adesione al linguaggio della scuola gotica genovese, in particolare del Maestro del ms. Lat. 42. L’analisi delle scelte iconografiche permette infine di evidenziare come elementi stilistici e disegnativi propri dell’immaginario religioso vengano impiegati per introdurre i vari libri delle Decretales.

El conjunto de manuscritos de las Siete Partidas producidas en la Edad Media testimonia el impacto, importancia y relevancia de esta obra jurídica en Castilla y otros reinos peninsulares. Esa importancia propició el encargo de códices iluminados por parte de personajes destacados, con imágenes que ilustrasen las distintas leyes o conceptos jurídicos y que, al mismo tiempo, sirviesen como modo de ornato y dignificación de estos manuscritos. En el presente estudio el autor analiza la presencia de la iconografía religiosa en los códices de las Siete Partidas clasificando las temáticas iconográficas religiosas más notorias, así como posibles paralelos en otras obras jurídicas iluminadas bajomedievales.

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La Justicia, como una de las Virtudes Cardinales, ha sido objeto de reflexión por parte de los pensadores desde la Antigüedad, cuando se sentaron las bases de este concepto. Esta virtud consta de importantes antecedentes visuales y teóricos que contribuyeron a configurar su visualidad durante el medievo. Los atributos de la Justicia son las concreciones visuales de sus características, los cuales ofrecen combinaciones dando lugar a tipos iconográficos determinados por las consideraciones teóricas que definen a la Justicia.

eoi/doi Deposit-Electronic Object Identifier http://eoi.citefactor.org/10.11248/ehum.v14i1.3303 The Third Orders of Carmo in Minas Gerais: Devotion and Iconography (18th/19th centuries) Resumo: Este artigo busca apresentar alguns aspectos do repertório iconográfico carmelita e destacar a importância dessa devoção na capitania de Minas Gerais expressa nos templos edificados pelas Ordens Terceiras do Carmo, em especial na Vila Real de Sabará, durante o século XVIII a meados do século XIX. Palavras-chave: Arte Mineira Colonial; Iconografia; Devoção; Ordem Terceira do Carmo; Sabará. Summary: This article seeks to present some aspects regarding the Carmelite iconographic repertoire and highlight the importance of this devotion in the captaincy of Minas Gerais expressed in the temples built by the Third Orders of Carmo, especially in Vila Real de Sabará, during the 18th to the mid-19th century. Key words: Minas Colonial Art; Iconography; Devotion; Third Order of Carmo; Sabara. Recebido em: 06/06/2021 – Aceito em 27/07/2021

Este artículo reconstruye el desaparecido programa iconográfico de la iglesia de la Compañía de Jesús de Tunja (Colombia), elaborado en los siglos XVII y XVIII. Los altares, cuadros, retablos y portada de la iglesia de la Compañía, que servía a su colegio-noviciado, están dedicados al Triunfo del Nombre de Jesús. El programa, relacionado con los Ejercicios Espirituales, se usó con fines pedagógicos y evangelizadores. Tras la expulsión de los jesuitas, la mayoría de los altares, cuadros y esculturas se dispersaron o desaparecieron. A través de las fuentes jesuitas y hospitalarias, es posible plantear la organización interior de la iglesia.

Hay muchos retratos de Spinoza, pero ninguno de ellos está bien documentado, al menos suficientemente documentado como para satisfacer las exigencias del método iconográfico. Por falta de argumentos objetivos que permitan identificar a Spinoza entre tantos cuadros y grabados, tal vez podamos considerar que el “verdadero” retrato de Spinoza es el frontispicio de las Opera posthuma de 1677.

In questo lavoro verrà preso in considerazione un particolare schema iconografico riconoscibile su un piccolo numero di materiali etruschi databili al VII secolo a.C. A rendere particolarmente rilevante questo schema è la diffusione geografica che esso presenta con due differenti poli, uno padano e uno meridionale, strettamente vulcente. Ciò appare rilevante soprattutto considerando quanto è stato osservato in passato a proposito dei contatti tra Vulci e l’Etruria padana dal punto di vista epigrafico. A particular iconographic scheme can be identified on a small number of Etruscan objects datable to the 7th century BCE. What makes this scheme particularly relevant is its diffusion between two geographical poles: the Po Valley and South Etruria, particularly at Vulci. These objects are important indicators of a pattern of contacts similar to that previously observed between Vulci, North Etruria, and the Po Valley from an epigraphic point of view.

eoi/doi Deposit-Electronic Object Identifier http://eoi.citefactor.org/10.11248/ehum.v13i2.3087 Quadratura in Piemonte nel secondo Settecento La cappella del castello di Rocca Grimalda Resumo: Esta contribuição apresenta um exemplo inédito de quadratura relativo à segunda metade do século XVIII: a capela do castelo de Rocca Grimalda no Piemonte. É uma sala de planta central caracterizada pela expansão do espaço através de arquiteturas pintadas em que se misturam elementos do barroco tardio, do rococó e clássicos. Os tons pastel unificam as paredes tratadas individualmente como cenografias teatrais, sem um único ponto de vista. O único elemento inconsistente com o resto da decoração é o edifício gótico pintado na parede esquerda da capela. Parece ser atribuível a uma intervenção subsequente. A pesquisa em arquivo também revela o nome do artista responsável pela decoração, Angelo Maria Perucchetti. Sua figura é difícil de reconstruir devido à informação fragmentária e à ausência de obras sobreviventes se excluirmos os afrescos apresentados. Eles são, de fato, a única evidência de uma atividade que se deu sobretudo no setor dos conjuntos e dos aparelhos efêmeros. A esfera cultural em que o pintor se moveu foi principalmente a Sabóia e a obra de Rocca Grimalda, realizada por um nobre genovês, Battista IV Grimaldi, parece poder explicar inserindo esta intervenção decorativa no macrocosmo dos jogos de poder e das investiduras feudais. que, já no século XVIII, ligam o senhor da aldeia onde se encontra a capela à família piemontesa. Palavra-chaves: Cenografia, Barroco, Rococó; Astratto: Questo contributo presenta un esempio inedito di quadratura relativo alla seconda metà del Settecento: la cappella del castello di Rocca Grimalda in Piemonte. Si tratta di un ambiente a pianta centrale caratterizzato dalla dilatazione dello spazio per mezzo di architetture dipinte in cui si mescolano elementi tardo barocchi, rococò e classici. I toni pastello unificano le pareti trattate individualmente come scenografie teatrali, senza un univoco punto di vista. Il solo elemento non coerente con il resto della decorazione è l’edificio gotico dipinto sulla parete sinistra della cappella. Esso sembra da ascriversi ad un intervento successivo. Le ricerche archivistiche permettono di svelare anche il nome dell’artista responsabile dell’ornato, Angelo Maria Perucchetti. La sua figura è difficile da ricostruire per via di frammentarie notizie e dell’assenza di opere superstiti se si escludono gli affreschi presentati. Essi sono, infatti, l’unica testimonianza di un’attività svoltasi soprattutto nel settore delle scenografie e degli apparati effimeri. L’ambito culturale in cui il pittore si mosse fu prevalentemente quello sabaudo e il lavoro a Rocca Grimalda, compiuto per un nobile genovese, Battista IV Grimaldi, sembra potersi spiegare inserendo tale intervento decorativo nel macrocosmo di giochi di potere e di investiture feudali che, proprio nel Settecento, legano il signore del borgo in cui si trova la cappella alla casata piemontese. Parole chiave: Scenografia, barocco, rococò. Recebido em: 09/07/2020 – Aceito em 01/08/2020

Presentamos en este trabajo una serie de piezas cerámicas documentadas durante las actuaciones arqueológicas desarrolladas en un amplio sector de los arrabales occidentales de Madīnat Qurtuba (Córdoba), sobresalientes por lo poco frecuentes de los motivos que las decoran. Se trata de un grupo de recipientes con decoraciones figuradas, antropomorfas y zoomorfas, que nos permiten evaluar las características, cualidades y calidades formales y técnicas de la totalidad del ajuar cerámico documentado.

Copyright of Authenticity Studies: International Journal of Archaeology & Art is the property of Padova University Press and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

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Exploring the incredible success and diffusion of the Nursing Madonna motif from an historical, anthropological and artistic point of view, this paper aims to investigate the political dynamics associated with the motif itself and the devotion related to it. The Nursing Madonna motif is a useful point of access to see which symbolic horizons, especially those linked to corporeity, are activated in the difficult relationship between the power élites and popular culture in establishing political legitimacy. This investigation aims at exploring this relationship in different socio-cultural contexts of the Mediterranean by enriching the analysis through a comparison between the post-Tridentine censorship on the motif and the revival of the theme in the Mughal empire between the 16th and 17th centuries. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El tapiz de Bayeux es una obra maestra del siglo XI y uno de los documentos medievales mas importantes de la Historia. Mediante imágenes bordadas y textos en latín, narra la conquista de Inglaterra por Guillermo El Conquistador en 1066. La escena principal está enmarcada por dos franjas, una superior y otra inferior, en la que aparecen representados animales, plantas, fábulas y escenas diversas. Aunque, en principio, parecían ser un elemento puramente ornamental, su estudio revela que contiene gran cantidad de elementos simbólicos que completan y añaden diversos matices a la comprensión de la historia. Son un escenario para el ingenio del artista, que las utiliza para mostrar la originalidad del diseño y de la técnica empleada, de forma que cada una de las imágenes representadas es única y diferente. Las criaturas representadas aluden a la situación de los protagonistas de la historia principal, mostrando una reflexión sobre sus virtudes y sus defectos, así como una crítica sutil. Entre los animales que pueblan estas franjas son los pájaros los que aportan mayor expresividad y complejidad de significados.

Entre o último terço do século V e as primeiras décadas do século III a.C., desenvolveu-se no sudeste da Itália uma importante indústria cerâmica. Os chamados “vasos italiotas”, de tradição grega, foram produzidos inicialmente nas cidades gregas da costa do Mar Jônico (Metaponto, Tarento) e, a partir de meados do séc. IV, também nos núcleos urbanos indígenas mais desenvolvidos (e.g. Canosa, Ruvo). As cenas de namoro heterossexual, raramente representadas na iconografia ática, evoluem na pintura dos vasos ápulos para cenas de intensas carícias entre os amantes, expressas por meio de uma linguagem visual erótica muito rica, em que noivo e noiva estão muito próximos fisicamente, incluindo abraços e beijos. Essa nova erótica resulta de um ambiente repleto de trocas culturais, que caracteriza o mundo colonial grego.

En el presente artículo se presenta una revisión de las distintas imágenes con las que se relaciona al actor áureo Cosme Pérez y a su máscara más conocida, Juan Rana. Iniciamos el trabajo con un análisis iconográfico e histórico de su representación más conocida, la de la RAE, y de un cuadro por Gaspar de Crayer en el que se representa la misma figura. Asimismo, efectuamos una disección teatral de una puesta en escena contemporánea en la que aparece por la compañía Ron Lalá. Finalmente, mencionamos una segunda serie, la que aparece en Fortunas de Andrómeda y Perseo de Calderón y realizamos un análisis caligráfico de esta atribución. La conclusión es que no podemos tener certezas de que ninguna de esta estas semblanzas sea, en realidad, la de la máscara Juan Rana y mucho menos la del actor Cosme Pérez.

La visualidad de la Templanza surge en el medievo con el predominio de las tendencias italianas. Durante los siglos XV y XVI, surgió un nuevo tipo iconográfico para la Templanza dentro del ámbito francés de la “nueva visualidad”, aportando nuevos atributos. Dicha innovación no es más que la manifestación icónica de las características que los pensadores atribuyen a esta virtud. El presente estudio versa sobre la aparición, análisis, continuidad y variación del tipo iconográfico de la Templanza en la “nueva visualidad”. De este modo, la innovación visual es explicada a partir de su relación con las fuentes escritas y la continuidad y variación de las imágenes.

Esplorando dal punto di vista storico, antropologico e artistico l'incredibile successo e diffusione del motivo della Madonna Lactans, il presente scritto si propone di indagare le dinamiche politiche associate al motivo stesso e alla devozione ad esso correlata. Il motivo è un utile punto di accesso per indagare quali orizzonti simbolici, soprattutto legati alla corporeità, vengano attivati nel difficile rapporto tra élite di potere e cultura popolare nello stabilire la legittimità politica. Questa indagine si prefigge di esplorare questo rapporto in diversi contesti socio-culturali del Mediterraneo arricchendo l'analisi tramite una comparazione tra la censura post-tridentina sul motivo e la ripresa del tema nell’impero mughal tra il secolo XVI ed il XVII.

Nella tradizione miniata della Commedia, le illustrazioni riguardano quasi costantemente la narrazione del viaggio di Dante nei tre regni dell’Aldilà. Tra le deroghe più interessanti, però, esistono casi in cui gli autori dei programmi iconografici provano ad andare oltre e a mettere in immagine alcune delle numerose figure retoriche del testo dantesco. Lo Yates Thompson 36, grazie al suo ricchissimo apparato figurativo, è uno degli esemplari che lo fa in maniera piuttosto frequente, dando sostanza fisica a singole parole o a concetti più complessi che ispirano composizioni che senza utilizzare i versi o gli antichi commenti come “libretto” non sembrerebbero avere nessuna connessione con la Commedia.

El presente artículo toma como objeto de estudio la muerte a partir de las iluminaciones contenidas en los libros de horas tardomedievales. Para ello, resultan especialmente valiosos los pasajes dedicados al oficio y vigilia de los difuntos. Se debe tener en cuenta que el público receptor de estos productos era por norma laico, rico y poderoso, pero no siempre letrado. Bajo esta perspectiva, surge la pregunta de cómo podía prepararse un seglar para el momento de la muerte. Los libros de horas ofrecen un marco interpretativo en dos niveles: por un lado, pueden ser leídos en voz alta si el receptor es analfabeto y, por el otro, conceden una importancia elevada al arte figurativo, que ayuda a transmitir unas determinadas enseñanzas mientras acompañan al texto. Para este estudio, se ha elaborado un corpus de 220 manuscritos miniados procedentes de diferentes bibliotecas históricas para proceder a una clasificación temática de las iluminaciones que aparecen en la sección del Oficio de los Difuntos.

eoi/doi Deposit-Electronic Object Identifier http://eoi.citefactor.org/10.11248/ehum.v13i1.3090 The iconography of Souls and Purgatory: a re-reading bibliographic and some examples. Resumo: O artigo retrata a tradição historiográfica sobre o desenvolvimento da crença no Purgatório enquanto lugar escatológico, comentando principalmente os trabalhos de Jacques Le Goff, Michel Vovelle e Flávio Armando da Costa Gonçalves. Assim busca-se problematizar a existência de um hiato entre o estabelecimento da crença no Purgatório e o surgimento de sua representação figurativa. Faz -se uma análise iconográfica de três obras de arte,em que são representados três momentos históricos distintos, permitindo assim que sejam vistas as transformações na crença no Purgatório, ao mesmo tempo em que nos permite perceber a continuidade do conceito escatológico. Palavra Chaves: Purgatório; barroco; iconografia Abstract: The article portrays the historiographical tradition about the development of belief in Purgatory as an eschatological place, commenting mainly on the works of Jacques Le Goff, Michel Vovelle and Flávio Armando da Costa Gonçalves. Thus, we seek to problematize the existence of a gap between the establishment of belief in Purgatory and the emergence of its figurative representation. An iconographic analysis of three works of art is made, in which three distinct historical moments are represented, thus allowing the changes in the belief in Purgatory to be seen, while allowing us to perceive the continuity of the eschatological concept. Keywords: Purgatory; baroque; iconography Recebido em: 10/07/2020 – Aceito em 26/07/2020

Com este artigo pretendemos revelar um conjunto de imagens escultóricas portuguesas dedicadas a Santiago e concebidas durante a Época Moderna. Com a certeza de que as práticas artísticas de determinado momento histórico estão visceralmente relacionadas com os contextos, presentes e anteriores, começamos esta viagem anos antes, desenvolvendo o que se conhece sobre a evolução da veneração e das peregrinações portuguesas desde a Idade Média ao ocaso da Idade Moderna. A produção escultórica dedicada a Santiago, ou a outras invocações, descobre-se na paisagem humana e devocional, mas também social, cultural, política e económica. Esboçado este cenário ambital, examinam-se, sempre comparativamente, algumas imagens de Santiago (Peregrino e Apóstolo, e Cavaleiro e Mata Mouros), realizadas entre os séculos XV e XVIII, com o intuito de observar as influências materiais, as evoluções formais, as preferências e as matrizes iconográficas de um Santo da maior expressividade europeia e, particularmente, ibérica. Este trabalho permitiu concluir que, durante o período em questão, a clientela preferia as representações de Santiago peregrino, apesar de verificar-se uma elevada ambiguidade iconográfica que, por sua vez, traduz o valor simbólico e piedoso destas figurações.

La imagen de S. Guglielmo da Vercelli († 1142), fundador de muchas comunidades en el sur de Italia, entre las cuales las más famosas son la abadía de Montevergine y la Abadía de San Salvatore al Goleto, donde el santo encontró su muerte, no tenía durante la Edad Media una gran fortuna. En el manuscrito 1, que contiene su vida y milagros, el santo se retrata solo dos veces, en la apertura del texto en escritura Beneventan y en la apertura del mismo texto, con adiciones, en escritura gótica. Otras representaciones, una losa y un bajorrelieve, están estrechamente vinculadas a las dos grandes fundaciones. Aunque son pocos, también fuera de los dos fundamentos principales de Montevergine y Goleto, hay al menos dos casos en los que se representa al santo, un signo de la difundida difusión que tuvo el culto en todo el sur de Italia.

Obiettivo di questo articolo è l’analisi dei motivi visivi proposti dalle illustrazioni di Gustave Doré, notissimo illustratore francese dell’Ottocento, attraverso un duplice confronto: da un lato con la precedente iconografia dalla quale si distaccò, dall’altro con le successive interpretazioni, in particolare in ambito cinematografico, che hanno decretato la definitiva imposizione delle sue visioni nell’immaginario collettivo. In particolare, l’analisi si concentra sull’illustrazione della Divina Commedia di Dante, della quale Doré propose un’interpretazione inedita, che si configura come una potente narrazione visiva con una forte componente scenografica. I cambiamenti rispetto alla tradizionale iconografia dantesca riguardano molti aspetti: dalle sembianze dei personaggi alla definizione degli ambienti, ma soprattutto una diversa prospettiva con cui le illustrazioni sono costruite per creare un percorso visivo che dà vita a una dinamica messa in scena del racconto intesa in senso moderno.

Desde que começa a expor na Royal Academy of Arts, em 1874, até à sua morte, em 1917, J. W. Waterhouse manteve um relacionamento constante com os textos clássicos, nomeadamente com as Metamorfoses de Ovídio, com base nas quais produziu sete telas admiráveis e vários estudos. Uma dessas obras – Echo and Narcissus (1903; Walker Art Gallery, Liverpool; óleo sobre tela, 109 cm x 189 cm) – é a imagem mais reproduzida da galeria de Liverpool. De facto, ela foi pioneira na aquisição dos direitos de autor, quando a comprou ao artista na Liverpool Autumn Exhibition em 1903. Além deste trabalho, o pintor também usou a flor como motivo recorrente na sua pin- tura, designando Narcissus uma tela de 1912, cuja composição retrata um prado inglês florido. Propomo-nos analisar Echo and Narcissus, relacionando-o com o texto de Ovídio e, de seguida, estudar algumas das pinturas do artista que evocam a flor e a figura do mito.