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Questo saggio tratta del sottile limite tra non finito e non realizzato. Guardando al sistema contemporaneo, l'artista delinea un profilo in cui viene abbandonato un approccio tradizionale per dedicarsi ad altre attività, necessarie per sfuggire al binomio arte/non arte e alle dinamiche del mercato imperanti.

O presente artigo visa analisar um conjunto de imagens, de fotografias a reproduções fotográficas em periódicos uruguaios e brasileiros, como Anales: Revista Mensual Ilustrada, Mundo Uruguayo, O Cruzeiro e O Jornal. Estas imagens são indícios da trajetória artística da uruguaia Raquel Aliseris Bernadá [de Labaure-Casaravilla] (1923-1986), desde uma foto laureada em que aparece com a obra “Patos Pekineses” do Salón Nacional de 1938, de uma exposição portenha, da presença em museus europeus onde realizou cópias de obras consagradas, da presença em festas até o casamento em Montevidéu. As imagens permitem revelar a trajetória dessa artista com sinais de distinção social e identificar a moda e a cultura da aparência. O ponto de inflexão é o casamento, quando a noiva é representada nos periódicos montevideanos dentro da tradição com toques de modernidade, com vestido de cetim, véu, grinalda e bouquet originais. A pesquisa mostrou uma artista comprometida com sua arte e vestida com sobriedade e elegância nos lugares de sociabilidade artística, por outro lado, é vista pela imprensa platina e brasileira como uma socialite, com roupas que denotam distinção social e de acordo com as tendências da moda.

En este artículo se analiza la construcción de la figura del artista moderno siguiendo tres de sus aspectos claves: el mito del genio, los comportamientos y conductas artísticas y la imagen pública y su relación con el reconocimiento profesional. En todos estos puntos se ha integrado la perspectiva de género con el objetivo de generar un marco teórico general para el análisis de esta figura. Las conclusiones muestran cómo esta, vinculada cada vez más al espacio público, se forma de acuerdo a la identidad masculina, aun cuando esta idea del artista no cumpla con las pautas de la masculinidad establecida.

Reflecting about the documentary heritage of artists requires the consideration of archival, legal, historical-artistic and museological factors. If the analogue productions of artifacts and the correlated documentation have been studied, transferring the creative perspective into a digital environment asks to face a reality in turmoil: the ways of expressing and representing contemporary art, in balance between digital and crypto art, require new visions in the production and management of works. In this redefinition of roles and relationships, which almost exclusively concern the documentary structure and the technological and digital components, document systems assume a primary role. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Considering the reinterpretations of the contemporary museum practices, the artist as a curator is currently a figure at the center of the critical debate that has arisen around the history of the exhibitions, in particular considering its potential to bring the precarious nature of exhibitions to its limits (ed. Filipovic, 2017 ) and its possibilities to move with extreme freedom between roles and types. This article aims at investigating one of its specific declination, focused on the collections and archives of the museum, starting from a case study, the project -2 +3 (2010) that Stefano Arienti and Massimo Bartolini realised at the Museion, Bolzano. For the whole duration of the project a selection of the collection has been brought by the artists, without changing the order and arrangement and keeping all the daily activities, from the warehouses inside the exhibition spaces. Intervening on what usually remains hidden from the public eye, Arienti and Bartolini through movements, installations, displays and new artworks created for the occasion had in fact staged a new relationship with the pieces of the collection, while questioning the functions and mechanisms that are part of the museum, without modifying them. Particularly significant in his desire to move the boundaries until the exhibition set up and artistic installation coincide, through a single, coherent conceptual operation, this project will be investigated starting from historicized models - from Andy Warhol Raid the Icebox I (1969) to Fred Wilson Mining the museum (1992-93) - considering the contemporary Italian context and the models that stress out the concept of exhibition itself, as well as the ones of collection and archive.

El proceso de elaboración de las inscripciones medievales es uno de los aspectos menos trabajado hasta el momento en Epigrafía Medieval. En buena medida se debe a la falta de indicios conservados sobre cómo pudo ser este proceso. Trabajos pioneros de los profesores García Lobo y Martín López dejan entrever que este proceso no debió distar mucho al utilizado en los talleres de época clásica y que sí se encuentra documentado. Hasta el momento nos hemos movido en el plano de lo teórico a la espera de indicios que pudieran indicar cómo fue verdaderamente este proceso. Sin embargo, sí hemos conservado noticias sobre la existencia de pequeñas anotaciones –minutas- donde se recogían la información que después se trasladaría al soporte epigráfico. En ocasiones se incluía el texto extenso y en otras únicamente unas breves anotaciones con los datos más significativos que más tarde se completaría con formularios al uso. Se considera la primera fase de la conscriptio epigráfica. Sin embargo, en estudios actuales también hemos constatado la existencia de estos borradores en piedra cuyo significado e importancia queremos poner de relieve en las líneas que se suceden.

eoi/doi Deposit-Electronic Object Identifier http://eoi.citefactor.org/10.11248/ehum.v11i2.2656 Vik Muniz: the Shadow of a Denunciation. Resumo: Este trabalho tem como objetivo discutir questões relativas ao direito, à cidadania, à desigualdade social e à educação presentes na obra de Vik Muniz. Assim, através de um contraponto que será estabelecido entre textos não-verbais e verbais busca-se refletir sobre a importância do significado critico das representações artísticas e contemporâneas de Muniz com o sentido pedagógico do ensinar Palavras-chave: Vik Muniz; Pedagogia e arte; Educação em textos não verbais. Abstract: This paper aims to discuss issues related to law, citizenship, social inequality and education present in the work of Vik Muniz. Thus, through a counterpoint that will be established between non-verbal and verbal texts, it is sought to reflect on the importance of the critical meaning of the artistic and contemporary representations of Muniz with the pedagogical meaning of teaching Keywords: Vik Muniz; Pedagogy and art; Education in nonverbal texts. Recebido em: 30/10/2018 – Aceito em 15/11/2018

The Tomb of Julius II. Glory DeniedThis article analyzes the history of Michelangelo Buonarroti’s Tomb of Julius II from the unusual point of view of the artist, rather than from the perspective of the difficulties entailed in its creation, making use of the topic’s abundant documentary tradition. Commissioned by Pope della Rovere in 1505 with the aim of creating a mausoleum in the style of antiquity, work was interrupted at the behest of della Rovere himself shortly after it began. Upon the death of the pope, work was recommenced by his heirs in 1513 and continued until 1545. After this, the popes of the sixteenth century either did their best to slow down the work or went as far as to hinder its execution, with the notable exception of Adrian VI. Both the two Medici popes − Leo X and Clement VII − and Paul III Farnese, wishing to link their names with that of Michelangelo, commissioned him to undertake great tasks: the Medici Tombs, the Last Judgement and the Cappella Paolina. These popes viewed the realization of their own commissions as more important than work on the monument to Julius II; in fact, they prevented Michelangelo from fulfilling his contractual commitments with the della Rovere by issuing special papal briefs, albeit in agreement with Michelangelo. The fate of the monument of Julius II unequivocally testifies to Michelangelo’s standing and exceptional achievement: the artist was already revered as a great master by his contemporaries and attracted patrons who swarmed around him, wishing their own glory to be celebrated only by his art. This was not only true for the Medici and Farnese popes but also for the della Rovere, who would not abandon their mission of having the monument executed by Michelangelo, to the point where they would rather wait decades for him than see it completed by any other artist. This story of the monument, which is itself the protagonist, reflects the Renaissance as a whole − in the broadest sense of the political, social and cultural development of the entire era − with all the contrast of its lights and shadows.

El police procedural se caracteriza por colocar en el centro de la trama el accionar de la policía, que pacientemente investiga uno o varios crímenes hasta atrapar a los culpables. Estos films son, por tanto, un panegírico del trabajo policial, del sacrificio del funcionario público por el bien social. Pero a la vez tienen por tema principal la búsqueda de la verdad. En el cine argentino, el director Don Napy es considerado el realizador de las mejores películas de este género. Nos proponemos mostrar que la investigación de la realidad es concebida allí como desmantelamiento de los engaños del crimen, de la puesta en escena de las ficciones delictivas. La indagación es así una empresa colectiva que persigue la verdad y curar el cuerpo social. La policía actúa como médico de la sociedad, que debe eliminar o corregir las anomalías de la individualidad excesiva y perversa, así como combatir a los otros organismos complejos que atentan contra la salud social –organizaciones criminales–. Así, estas películas policiales coadyuvan a la construcción simbólica del Estado peronista.

Pascal Gielen discusses the current moment when everything must be creative. The neoliberal society have developed the fetish of the individual undertaking. Often, we don’t realize the political and artistic implications of the agreement with this logic.

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O tema principal deste trabalho é a compreensão kierkegaardiana da imaginação e a estrutura da dialética da imaginação nos estádios estético e religioso.The main theme of this paper is Kierkegaard´s understanding of the imagination and the structure of dialectic of imagination in aesthetic and religious dimensions.

En el presente estudio se aportan algunas reflexiones sobre la importancia de la formación artística en la sociedad actual. Para ello trazamos un análisis de su valoración en épocas anteriores, abordando paralelamente la consideración social de los artistas plásticos y los factores que han influido en la revalorización de su figura a través de la literatura biográfica. En esta época de confusión sobre qué es el arte y cuál debe ser su función, es importante volver la vista atrás hacia nuestro pasado cultural y realizar una breve historia del arte. De este modo, podremos comprender mejor su situación actual.

Durante la edad contemporánea el patrimonio etnográfico ha cobrado un protagonismo inusitado influyendo en numerosos ámbitos entre los que destaca la historia del arte. El papel del patrimonio etnográfico en el arte va más allá del rechazo del concepto artes menores pues engloba numerosas obras excepcionales, nunca inferiores ni serviles. El principal objetivo de este artículo es reflexionar sobre la influencia del patrimonio etnográfico en el sujeto artístico partiendo de dos aspectos: los artistas inspirados en el arte primitivo y la presencia de la etnografía en las obras contemporáneas. En un primer momento el acercamiento al patrimonio etnográfico fue un tanto superficial por centrarse en su carácter exótico y primitivo. Paulatinamente se ha producido un mayor y mejor conocimiento del patrimonio etnográfico gracias, entre otros hechos, al desarrollo de disciplinas como la antropología y la etnografía.

Amb aquest article es documenta la presència a la ciutat de Girona de l'escultor manresà Francesc Generes entre els anys 1674 i 1680, i la seva participació en el retaule de sant Benet de Sant Pere de Galligans, així com en el de la capella dels Desemparats de l'església de Sant Feliu de Girona. Aquest treball pretén ser una contribució a la recuperació d'un artista fins ara marginat per la historiografia.