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Questo articolo si propone di analizzare La noia (1960) di Alberto Moravia, Un amore (1963) di Dino Buzzati e La bambolona (1967) di Alba de Céspedes, come tre opere che, ponendo al centro della narrazione l’ossessione erotica di un personaggio borghese, riescono a rendere conto della crisi della mascolinità (Gunsberg) che si sviluppa durante gli anni Sessanta e che trova nella figura dell’inetto (sessuale) la sua più vivida espressione. In primo luogo ci concentreremo sulle le modalità di rappresentazione del desiderio dei tre protagonisti, per poi focalizzarci sulla centralità del tema del possesso e sulle sue forme – borghesi – di espressione (denaro e matrimonio). Infine, studieremo l’evoluzione dei tre personaggi femminili (Cecilia, Laide e Ivana), da cui i protagonisti sono attratti, che da oggetti di desiderio si smarcano dal male gaze e si affermano come soggetti di desiderio.

Recensione di Valentina Sturli, Professori di desiderio. Seduzione e rovina nel romanzo del Novecento. Carocci, 2024.

L'obiettivo del presente lavoro è quello di mettere a confronto "Il Giuoco delle parti" di Luigi Pirandello e "People Like Us" di Frank Permain Vosper, analizzando i personaggi e le tematiche affrontate per far emergere analogie e differenze. Quest’analisi getterà le basi a favore dell'idea che il plagio visto da Pirandello sia un errore, dato dalla difficoltà di quest'ultimo di portare alla coscienza i temi erotici e scabrosi che egli stesso ha inserito nella sua opera teatrale. L'ultima parte del lavoro sarà quindi dedicata a sostenere questa idea attraverso una breve analisi di "Le venin" di Henri Bernstein, un'opera teatrale con temi sorprendentemente simili a quelli inseriti nell'opera di Pirandello, eppure aspramente valutati dal suo autore. Questo lavoro intende, in ultimo, dimostrare che il plagio visto dall’agrigentino in "People Like Us" è un lapsus freudiano dato dall'incapacità dello stesso Pirandello di portare alla coscienza i suoi fantasmi erotici.

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La specificità dell'opera colossale e polimorfa di Pier Paolo Pasolini (1922-1975), poeta, cineasta, critico, romanziere, sceneggiatore, saggista, drammaturgo italiano che si impegnò per tutta la vita "gettando il proprio corpo nella battaglia", sta nel fatto che ogni riflessione sul corpo, ogni rappresentazione del corpo, mette ogni volta in gioco la forma artistica, le scelte linguistiche, disfacendo, ricomponendo, contaminando questo grande corpo in costruzione, permeabile, sensibile, aperto al mondo , che il suo lavoro rappresenta. Nell'insieme della produzione artistica di Pasolini, suddivisa in cinque grandi periodi corrispondenti a svolte storiche, personali e artistiche, il corpo è il luogo della crisi dell'identità dell'individuo, del conflitto tra desiderio e cultura, passione e ideologia, ma anche il luogo dell'incontro carnale, sessuale, "religioso" con gli altri e il mondo (l'esperienza corporea essendo per Pasolini l'unica via di accesso alla conoscenza) e infine il referente assoluto di ogni discorso politico o filosofico – le trasformazioni, le violazioni che può subire sono la metafora o la profezia di ciò che l'intera società può vivere.

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The extraordinary side of Dante's "Divine Comedy" is mainly given by the universal character that all treated topics have and by the authentic depth that signs the way the author is describing his journey as an internal and existential itinerary. On beyond of all its literary quality, the poetic writing has to be seen as a book of high spirituality and as an emblematic summary of the entire human family concretely expressed in its various personalities. The personal crisis that Dante had to get through after Beatrice's death becomes an opportunity to face the fundamental questions of any human existence and to interprete Christian faith in the light of these interiore experiences; like that they can be shared and offered to the entire world through poetic language. Since ever the Pontifical Teaching has indicated Dante's poem as a highly spiritual text to consider with emphasis and to penetrate in all its aspects. Therefore it's necessary to reread the Comedy not only as a master piece of literature but also as a book of spirituality where philosophy and theology turn to be valid instruments and interior guide lines. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Il lavoro intende presentare alcuni elementi teorici e metodologici relativi all’intervento psicologico rivolto agli autori di violenza, frutto di una esperienza decennale in questo specifico ambito. Con questo articolo si propone di valorizzare la domanda d’intervento dell’autore di violenza e si offre un approfondimento teorico sui concetti di ‘desiderio mimetico’ e ‘desiderio dell’identità’.

La teoria della letteratura viene sovente criticata da chi non la comprende e non la conosce. La teoria è una costruzione ibrida, che attinge a diverse discipline (la linguistica, la filosofia, le teorie del desiderio, ecc.). Il suo obiettivo non consiste nell’enunciare leggi o principi generali (come molti credono) bensì nella costruzione di strumenti di analisi, che permetteranno una percezione più ricca dei testi, sia dal punto di vista semantico sia da quello estetico. Perciò la teoria letteraria va intesa come una teoria delle singolarità. Essa si oppone a quelle forme di anti-teoria rappresentate dai cultural studies, e ad ogni forma di contestualismo, che mortificano la ricchezza e la bellezza della letteratura.__ Literary theory is often criticized by those who do not understand what it is. The theory is a hybrid construction, which draws on different disciplines (linguistics, philosophy, theories of desire, etc.). Its goal consists not so much in enunciating general principles (as many believe), but in the construction of analysis tools, which will allow a deeper understanding of the texts, both from a semantic and an aesthetic point of view. Therefore literary theory should be understood as a theory of singularities. It opposes to those forms of anti-theory represented by cultural studies, and to any form of contextualism, which mortify the richness and beauty of literature.

Trascrizione dell'intervento di Paola Mieli all'interno del ciclo di seminari La disobbedienza civile 2020-2021.

Una serie di volumi recenti dedicati alle figure di Carlo Magno e di Desiderio offrono spunti interessanti per ripercorrere un argomento controverso e a lungo dibattuto dalla storiografia quale il supposto matrimonio tra Carlo e una delle figlie dell’ultimo re longobardo. Il presente contributo cerca di ribaltare le conclusioni pressoché unanimi alle quali è giunta la ricerca fino ad ora, sostenendo che a sposare la figlia di Desiderio non sia stato Carlo, ma il fratello Carlomanno. Dopo avere discusso la notizia contenuta nella Vita Karoli, la prima che attribuisca l’unione all’imperatore, l’articolo analizza criticamente la narrazione di Eginardo e vaglia tutte le fonti cronologicamente più prossime agli eventi e che fino ad oggi sono state poco valorizzate o mai esplorate. Emerge così un quadro estremamente contraddittorio. L’ipotesi di un matrimonio della principessa longobarda Gerberga con Carlomanno risulta suffragata da una serie di elementi che restituiscono una lettura meno lineare delle relazioni politiche tra il regno dei Franchi, il papato e il regno dei Longobardi nell’intervallo compreso tra il 768 e il 772 ca.

A partire dal confronto tra la riflessione di Fanon e Han, il contributo analizza il passaggio (incompiuto) dalla società disciplinare alla società della prestazione evidenziando l’urgenza di una riflessione sulla contestualizzazione e ripoliticizzazione del disagio psichico – di forme profonde di (auto)isolamento e, soprattutto, di passivizzazione – e sul ri-orientamento del desiderio che, da dispositivo di dominio e oppressione dei subalterni, può divenire strumento di riscatto e trasformazione.

Con i suoi film Pedro Almodovar, nel corso del tempo, non solo ha esplorato la sensibilità femminile, ma ha mostrato che quest'ultima può definirsi, nell'Occidente dell'ultima modernità, come una "avanguardia" nella capacità di vivere i sentimenti e di muoversi in direzione di una piena espressione delle potenzialità dell'essere umano. Il regista mancego dapprima ha mostrato che la strada per la liberazione del desiderio passa per la sovversione dei ruoli e delle abitudini strutturate nella cultura dominante. Ha poi invitato il pubblico a seguire i suoi personaggi femminili in un nuovo continente del sentire. Contributo di Arturo Lando: Insegnare il cinema ad educare al sentire, Conquista del desiderio e autorealizzazione del femminile, I "soggetti eccentrici" e l'orizzonte di un nuovo sentire, Conclusione. Contributo di Igor Scognamiglio: Evoluzione del principio femminile in tre film di Almodóvar, Conclusione.

The article sets out to analyse Christoph Ransmayr’s latest novel Cox oder Der Lauf der Zeit (2016) in the light of recent criticism. The complex relationship between 18th-century cosmopolitanism and its fictional adaptation features prominently in the novel. Our focus is upon the making of characters’ identities, the literary and visual techniques of narration (especially intertextual allusions and ekphrasis), and the coalescence of time, decay and desire as displayed in the novel.

The essay aims to relate the two novels, The Spoils of Poynton and Effi Briest, respectively by Henry James and Theodor Fontane, emphasizing the common aspect of the two female protagonists: Fleda Vetch and, indeed, Effi Briest, united by the same nature , abstract and indeterminate, of the passion that drives them. Instead of turning to a precise object, their desire is presented, in fact, as pure fluctuating energy, making the two women victims of their own instability but, at the same time, free – tragically free – from any dependence: for this very similar to two «daughters of the air», according to the definition of Fontane.

L’essere architetto oggi, al cospetto dei grandi maestri della storia, pone degli interrogativi sull’esistenza oggettiva di un armonia cosmica misurabile e replicabile. Si tratta in sostanza di un tema di remote origini, in cui l’uomo si interroga sull’esistenza della Bellezza come valore oggettivo: sia esso ispirato alla trascendenza dell’idea platonica o all’immanenza dell’universale aristotelico. Quello che oggi analizziamo sono opere che hanno superato il banco del tempo, prodotti di una cultura diversa dalla nostra ma che hanno sviluppato un linguaggio universale che supera le convenzioni codificate da chi le ha prodotte e da chi oggi le ammira. Presentiamo in questo ambito il caso studio dell’abbazia desideriana di Montecassino, edificio medievale ad oggi perduto, sul cui sito si erge una moderna fabbrica le cui fattezze rispecchiano il progetto del XVII-XVIII secolo. La maestosità della fabbrica originaria ci giunge dalle cronache del tempo e in qualche modo si riverbera ancora nell’attuale impianto dell’abbazia. Obiettivo del presente studio è stato rintracciare il modello progettuale a cui l’abbate Desiderio dovette ispirarsi per realizzare la sua opera. L’indagine sfrutta gli strumenti e le metodologie proprie del disegno, del rilievo e l’analisi dei documenti grafici a noi pervenuti grazie all’azione di catalogazione e conservazione degli archivi storici.

Design or projectuality? The project as inventive transformation - We are often led to think about the terms "design" and "project" as synonyms. But this is not entirely true. The English noun design also contains other meanings, which we can consider as the premises, or conditions, of every design action: drawing, shape, purpose, intention. The Semiotics that is interested in design faces a choice: either limiting itself to the analysis of artefacts, regarded as texts with which we interact in social and daily life; or choosing to investigate also and above all the processes underlying the project action. In the latter case, it is a question of following a path still barely explored, which will have to tend to develop, if possible, a real semiotic logic of projectuality.

The essay aims to investigate the roots of the political hermeneutics of the term orexis in the way Aristotle uses it from the biological and anthropological subjects, up to the sociological and narrative ones with respect to the individual-city relationship. A theory of desire as anthropological perfection based on a conception of a democratic and dynamic City, in the terminological context of the Greek polis. The article develops in this area a comparison with two concepts: the Platonic eros understood as lack, and the dimension of the individual sociality in Aristotle interpreted as fullness.

Introduzione al supplemento annuale “Volti del tradurre” a cura di Helena Aguilà Ruzola e Donatella Siviero. La sezione accoglie una selezione di contributi presentati alla V Giornata internazionale sulla traduzione, tenutasi nei giorni 3 e 4 dicembre 2018 presso l’Università di Catania, in collaborazione con l’Universitat Autònoma de Barcelona e l’Università di Messina.

Che cosa significa leggere un classico? Quest’articolo distingue due modi, o due vie. Per i contestualisti è sufficiente collocare l’opera nella sua epoca storica, e sottolineare eventualmente la novità che quell’opera ha introdotto. Per la teoria dell’interpretazione, un classico vive nel «tempo grande» (Bachtin), cioè oltrepassa i confini della sua epoca. In questo senso, i grandi scrittori sarebbero ‘universali’. Per l’autore di quest’articolo sarebbe più corretto riconoscere la densità semantica dell’opera d’arte, cioè l’insieme delle sue virtualità. Ma per riconoscere e indagare le virtualità di un classico occorre far riferimento alla teoria, o meglio alle teorie. Nel caso di Le Rouge et le Noir, ci si può limitare ad analisi parziali, che, nella loro consapevole limitatezza, sono legittime. Tut-tavia, chiunque pretenda di offrire un punto di vista complessivo su questo romanzo di Stendhal non può (o meglio non dovrebbe) ignorare, per esempio, le teorie del desi-derio. Le Rouge et le Noir rappresenta un momento fondamentale per la nascita del realismo moderno («serio», come lo ha chiamato Auerbach): ma si può ridurre la rappresentazione della realtà, che esso offre, quasi unicamente al contesto storico-sociale? La verità (l’âpre vérité) che Stendhal promette ai suoi lettori nell’esergo del romanzo è la verità di quegli esseri flessibili che noi siamo: è la verità delle diverse possibilità, o versioni, dell’amore. Non si può leggere un classico senza incontrare il desiderio di essere. What does ‘reading the classics’ mean? This paper identifies a twofold approach to this act. Contextualist critics believe that setting the text within its historical context and shedding light on its innovative aspects suffice to understand it. According to the theory of interpretation, classics embody Bachtin’s «great time», exceeding the limits of their epoch. Great writers would be therefore universal figure. For the author of this paper, a correct approach to literary works acknowledges the density of texts, that is to say the combination of virtual components. In order to investigate classics’ ‘virtuality’, one has to refer to theory, or rather theories. Dealing with Le Rouge et le Noir, critics can provide partial analyses that, in being consciously limited, are certainly legit. However, whoever might want to offer a complete view of Pascal’s novel cannot – or rather should not – ignore, for instance, theories of desire. Le Rouge et le Noir stands out as a fundamental step towards the birth of modern realism («serious», as Auerbach named it). Nonetheless, is it possible to reduce the portrayal of reality it offers to, almost exclusively, its socio-historical context? The truth (l’âpre vérité) Stendhal promises to his readers in the novel’s exergue is the truth about us as flexible beings. In other words, it is the truth about the several possibilities, or potentialities, intrinsic to love. One cannot read classics without discovering the desire to be.

Nel 1894 August Strindberg realizzò una serie di fotografie raccolte sotto il nome di Celestografie, le quali, affermava l’autore, sarebbero state ottenute esponendo semplicemente alcune lastre Lumière al cielo notturno, senza ricorrere ad alcun tipo di dispositivo. Ossessionato in quegli anni dall’idea di un’impressione a distanza, Strindberg si convinse di intravedere il cosmo là dove non vi era che polvere depositatasi sulla lastra, o l’effetto di un difetto nel liquido di sviluppo. Le immagini suggestive che le Celestografie rivelano non sono altro che una “rêverie materializzata”, come Douglas Feuk le definisce: esse esibiscono “un fatto e un desiderio” il cui valore è unicamente immaginario. Rispetto a questi “fatti” immaginari, in cui dato speculativo ed istanza desiderante divengono indiscernibili, cosa ne è del limite che separa immagine ed oggetto? Come afferma Maurice Blanchot, l’immaginario non è affatto il corrispettivo “irreale” della realtà da cui trae spunto: esso è piuttosto il circuito coestensivo a delle immagini-soglia, il confine impalpabile che il desiderio delinea arrestandosi “là dove la cosa ridiventa immagine”. Se le Celestografie segnalano un limite nella comprensione del proprio oggetto reale, esse, tuttavia, rivelano come alcune immagini non possano che essere viste “al limite”, secondo un fraintendimento fondamentale. “Vivere un evento in immagine” significa quindi cedere al fascino di un’apparizione reale e immaginaria, imbrigliata nella biforcazione che la implica e la infrange, un’“Immagine insostenibile, e anche, in questo senso, immagine limite e limite dell’immagine”.

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L'intento di questo saggio è quello di fornire alcuni spunti interpretativi per il romanzo Il cardillo addolorato (1993) di Anna Maria Ortese, sulla base del modello psicanalitico lacaniano e di un confronto con il mito di Antigone. Il primo capitolo consiste in una breve introduzione alla complessità esegetica dell'opera e al tema dell'enigma in senso fattuale e semantico. Successivamente si discute la posizione della protagonista Elmina quale oggetto del desiderio dei tre signori di Liegi e portavoce del discorso isterico. Infine, a partire da possibili fonti testuali, si avanza l'ipotesi di una presenza sotterranea del mito di Antigone, per cui Elmina sarebbe una figura del desiderio utopico: la sua devozione per Hieronymus Käppchen assume le sembianze di un'intransigenza etica che evoca in tono minore ma non meno doloroso il dramma di Antigone.

The essay is inspired by the consideration of the essentially ancipient nature of the screen as an image support: on the one hand the screen is something that hides, protects and separates; on the other hand, especially in recent modernity, it becomes the device par excellence of the opening of vision, and therefore the essential frame of the image. Through some famous twentieth-century examples, taken from W. Woolrich (It Had to be Murder), A. Robbe-Grillet (Le voyeur, La Jalousie), Gombrowicz (Pornografia, Cosmo), A. Moravia (L’uomo che guarda), the essay shows the function and evolution of the literary representation of what V. Stoichita called, referring to figurative art and cinema, “Sherlock effect”.

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Lo studio rilegge alcuni testi significativi seguendo le tracce del personaggio storico, Alcibiade, e alla figura mitica, Elena, che hanno incarnato la bellezza assoluta nel pensiero e nella cultura greca antica. Prestando particolare attenzione ai giochi allusivi e metaforici che associano Elena e Alcibiade e incrociano le loro vicende in stranianti scambi delle parti, la rilettura cerca di superare il fraintendimento classicistico e museale della bellezza greca come armonia e perfezione. Alla luce dei testi poetici, drammaturgici e storiografici, la bellezza di Elena e Alcibiade appare un’ambivalente forza carismatica che attrae e spaventa, che destabilizza la vita degli individui e le società nella storia. Il filo conduttore del saggio attraversa i testi di Omero, Eschilo, Euripide, Aristofane, Tucidide, Andocide, Plutarco.

Questo articolo esamina l'intreccio di identità e scrittura nel romanzo nabokoviano The Real Life of Sebastian Knight (1941) da una prospettiva psicoanalitica, seguendo in particolare l'insegnamento di Freud e Lacan sul concetto di desiderio, significante e sublimazione artistica. L'attenzione principale sarà dedicata al rapporto tra i fratellastri, V. (il narratore) e Sebastian. Dopo aver dimostrato che Sebastian Knight ha assunto il ruolo di oggetto del desiderio per chi lo ha conosciuto intimamente (soprattutto V.), muovendo i personaggi secondo ciascun modo d'essere, si passerà al trauma della sua morte e all'elaborazione del lutto da parte del narratore, grazie alla creazione letteraria (la biografia fittizia che leggiamo); il paragrafo conclusivo analizza i cosiddetti 'inganni' del significante, episodi chiave in cui il narratore prende contatto con la verità del desiderio. Dato l'ineludibile interrogativo sulla paternità fittizia della Real Life (se l'autore fosse Sebastian Knight?) e la questione del 'tocco artistico' di V., in questa argomentazione non verranno trascurati gli aspetti metaletterari dell'opera. This paper examines, from a psychoanalytic standpoint, the intersection between identity and writing in the novel The Real Life of Sebastian Knight (1941) by Vladimir Nabokov. In particular, in the wake of Freud and Lacan, the following contribution will take the notions of desire, signifier, and the process of sublimation involved in artistic creation as interpretative devices. The main focus of the analysis will be the relationship between the two half-brothers of the novel, V (the narrator) and Sebastian. First, I will show that Sebastian Knight holds the role of the object of desire for the characters who have established a close relationship with him and, in particular, for V. Secondly, the paper will be devoted to the analysis of the trauma experienced by the characters because of Sebastian's death, with a particular focus on the narrator's mourning through writing (the fictional biography we read in the novel); in the end, I will give evidence of the so-called signifier’s fallacy, crucial episodes in which the narrator can experience an insight into the truth of desire. Because of the not negligible question of the fictional paternity of The Real Life and the equally essential matter of V’s ‘stylistic touch’, metaliterary aspects of the novel will also be part of the following reading of the text.

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The essay aims to disclose British sociologist Ruth Levitas’s proposal regarding the thorny issue of the lack of consensus about the definition of the concept of utopia, a issue which, in the Levitas’s view, results in a widespread terminological confusion and in the omnipresent risk of arbitrary selection of the material. After an accurate analysis of the main theoretical and epistemological approaches on the topic, Levitas suggests an inclusive definition which would allow to cross the boundaries imposed by «restrictive» characterizations, for the purpose of creating a higher degree of agreement with regards to what may be included within the concept of "utopia". Too «limitative» definitions would instead lead to misleading conclusions about the destiny and the function of the utopian genre, among which the widespread belief that utopia is in decline or, even worse, definitively disappeared. Finally, Levitas suggests a «sociology of utopia» through an analysis of the correlations between the two form of knowledge, correlations which, in her view, has been repressed for decades.

The purpose of this paper is to analyze the presence of typically comic narrative elements, especially concerning the characters’ sexual and social life in Houellebecq’s novels. The primary effect of this elements is to make the reader laugh, but also to cause him to distance themselves from the disturbing representations. At a later time, the same elements will trigger identification mechanisms in the reader thorough their pathetic connotations. The method is a close reading of some pages of Houellebecq’s novels Whatever (1998) and Atomised (1998). The key assumption is that the literary text is always ambivalent, multiform and plural, and that these components can brought to light thorough textual analysis.

Bonaventure's interpretation of the Franciscan choice of poverty is embedded within his philosophy of the status viae; that is, of the existential conditions in which man's journey through time towards eternity takes place. The homo pauper is the homo viator and the status viae is the exile on earth: begun with the loss of Eden's gifts of innocence due to original sin and continuing on the path that returns to the heavenly home in which it will fully realize human existence. However, Bonaventure affi rms in his works that the status gloriae requires the anticipation of the status gratiae. Grace, a divine life in which man participates, is the power of God that heals the wounds caused by sin and once more gives us a chance for communion with God. However, God gives Himself to those who seek him-observes Bonaventure and to seek him, it is necessary to desire him: desire arises from the recognition of one's own nothingness in the face of the Absolute. For this reason, humility is the door that opens up to truth and salvation. Humility is closely linked with poverty: both express the radical contingency of the creature and both can become evangelical virtues if, in faith, one opens himself to God's love. It is the imitation of Christ-Incarnate Word of the Father, who made Himself naked and poor out of love, the believer's one exemplar-which is the motivation that drives voluntary poverty to be the privileged evangelical choice. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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