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We intend to analyze how the act of remembering is a central element in the post-war works of Kosmas Politis (1888-1974), as well as it already underlied Eroica’s narration, his most famous novel published in 1938. We thus study the way that Politis introduces in Yiri, In Hatzifrango and Terminus the plots of popular novels such as the social novel or the sentimental novel. These can arouse an impression of familiarity in the reader reinforced by the influence of readings or translations of Politis himself. Moreover, the narrations through intertextual quotes or allusions to theatrical plays and operas, already known to the reader, also become dramatic. The reader, having a spectator’s role, is forced to contemplate the precariousness of existence, time and territory. The societies which have disappeared are at last described by narrator-witnesses who face the fragility of their memories. However, the musical art they use allows these pictures of the past to survive. Therefore, bearing the trace of novels and plays of bygone eras, the post-war stories of Politis are composed according to a new melody. The author’s own music moves away from the major key of Eroica, adopting oriental influences from amanes and mixing with other European musical forms, to become less homogeneous and more dissonant. More than the visual arts, it is musical art that shapes Politis’ postwar novels as it expresses the fleetingness of time without excluding its possible resurrection., L’enjeu de cette thèse est d’analyser comment l’acte de se remémorer se trouve au cœur des œuvres d’après-guerre de Kosmas Politis (1888-1974), tout comme il sous-tendait la narration d’Eroica, son roman le plus célèbre datant de 1938. En effet, nous étudions la manière dont Politis convoque dans Yiri, À Hatzifrango et Terminus les trames de sous-genres romanesques populaires tels le roman social ou encore le roman sentimental, suscitant chez le lecteur une impression de familiarité renforcée par l’influence dans ces récits des romans lus et souvent traduits par Politis. Les narrations, par des citations ou des allusions intertextuelles à des pièces de théâtre ou à des opéras, références inscrites dans la mémoire du lecteur, deviennent également dramatiques. Le lecteur, prenant le rôle de spectateur, est contraint de constater la précarité de l’existence, du temps et du territoire. Les sociétés disparues du début du XXe siècle ou de l’immédiat avant-guerre sont enfin décrites par des narrateurs-témoins qui se heurtent à la fragilité de leurs souvenirs. Pourtant, l’art musical auquel ils ont recours permet leur perpétuation. Portant ainsi la trace des arts romanesques et dramatiques des époques révolues, les récits d’après-guerre de Politis sont composés selon une mélodie nouvelle qui lui est propre : cette petite musique s’éloigne de la tonalité majeure d’Eroica. Laissant entendre les influences orientales de l’amanès mêlées à des compositions européennes, elle devient moins homogène et plus dissonante. Plus que les arts visuels, c’est donc l’art musical qui est au centre des narrations car il permet de dire la fugacité du temps sans exclure sa possible résurrection.

Cet article rappelle quelques étapes de la culture musicale de Gide, la préférence accordée à l’ouïe plutôt qu’à la vue, au rythme plutôt qu’à la couleur, à l’harmonie plutôt qu’à la dissonance. Catégorie esthétique, la notion d’harmonie finit par devenir une catégorie existentielle. Gide ne pourra plus, à partir d’un certain moment, s’en passer. Le monde sera harmonieux ou ne sera pas. L’article tente ainsi de montrer en quoi cette autolimitation valait avant tout pour l’univers musical de l’écrivain., This article aims at tracing a path through the Gide’s musical culture, highlighting his preference given to hearing over sight, to rhythm over colors, to harmony over dissonance. This chapter dwells upon the concept of harmony which grew from a mere aesthetic category up to an existential one, to such an extent that Gide could not do without it any longer. The world should be a harmony or should not be it at all. This chapter shows how such a self-imposed limitation was primarily referred to Gide’s musical universe.

International audience; By envisaging the idea of vocality as manifestations of voice in literary texts, this paper examines how voice is represented and analyses the role it plays in Joshua Cohen’s novel (Cadenza for the Schneidermann Violin Concerto, Fugue State Press, New York, 2007). The article argues that J. Cohen’s novel resorts to the image of a disembodied voice as a means of conveying a failed quest of identity and a dismembered and disintegrated subjectivity. Moreover, the article intends to assess the implications of vocality for intermedial and musico-literary studies. The novel’s foregrounding of contentions between voice, text and music becomes an image of both textual adultery and playful treachery, which are essential aspects in musicalized fiction.; En proposant de concevoir la notion de vocalité comme manifestation de la voix dans le texte littéraire, cet article examine la représentation de la voix ainsi que sa fonction dans le roman de l’écrivain américain, Joshua Cohen, Cadenza for the Schneidermann Violin Concerto (2007). Nous démontrons que ce roman recourt à l’image d’une voix désincarnée comme moyen de véhiculer une quête d’identité en échec et une subjectivité démembrée, désintégrée, aliénée. Parallèlement, l’article vise à évaluer les implications de la notion de vocalité dans les études intermédiales et musico-littéraires. La rivalité entre voix, texte et musique devient une image de l’adultère du texte et de la tromperie ludique, qui constituent un aspect majeur de la fiction musicalisée.

International audience; Camilo Bogoya explore, à partir de deux ouvrages de Pascal Quignard, Boutès et La Haine de la musique, la négativité de l’art sonore. Avec Boutès, il s’attache à analyser le côté défaillant de la musique, qui n’est pas présentée comme un art sublime et libre de dangers. La fascination sonore exprime au contraire une tension vers un appel instinctif et meurtrier. Avec La Haine de la musique, il examine les rapports que la musique entretient avec la domination, la terreur et la mort et s’interroge notamment sur le rôle joué par la musique dans l’espace concentrationnaire, pour interroger le lien entre l’art et la barbarie.

En s’appuyant sur les théories musico-littéraires récentes, cette thèse examine l’inscription de la musique en rapport avec le temps dans les œuvres de trois romanciers anglophones du XXe siècle : Conrad Aiken, Anthony Burgess et Gabriel Josipovici. Elle procède du constat que le rôle que joue la musique dans ces textes est intrinsèquement lié à l’idée du temps. La spécificité de la musique en tant qu’art du temps est exploitée en fiction comme source d’images, de symboles ou de structures. De l’association de la musique et du temps découlent de nombreuses dynamiques temporelles. Nous analysons certaines d’entre elles, qu’il s’agisse de la pensée du temps, des aspects phénoménologiques de la musique ou des formes et des techniques musicales transposées dans les textes. Nous démontrons qu’il existe des parallélismes entre les nouvelles temporalités en musique contemporaine et les nouvelles formes du récit en littérature. En confrontant le temps littéraire au temps musical, les textes étudiés repensent le temps par la musique et offrent une expérience temporelle qui s’écarte des conceptions traditionnelles du temps., This dissertation aims at examining the role of music as related to time in the works of three 20th-century novelists – Conrad Aiken, Anthony Burgess, and Gabriel Josipovici. Drawing on recent musico-literary studies, it propounds the notion that representing music in literary texts constitutes a means of dealing with time. As an art of time, music becomes a metaphorical, symbolical and structural template for the text, resulting in multifarious temporal aspects. We examine some of them, focusing on specific time concepts, phenomenological questions concerning music, or musical forms and techniques upon which these fictional texts are predicated. We believe that many parallels can be drawn between new temporalities in contemporary music and new forms of narrative in 20th-century literature. The texts we have decided to study not only take time as their subject matter, but they also present the reader with time experience within the context of the opposition between musical time and literary time.