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Partant du constat d'une présence croissante de modalités documentaires dans certains jeux vidéo depuis une bonne quinzaine d'années, cet article s'intéresse à la manière dont ces jeux tentent de sensibiliser leurs joueurs et joueuses à des sujets de société. Pour ce faire, il étudie tout d'abord la relation générale entre la forme documentaire et les jeux vidéo puis donne un bref aperçu de l'état de la recherche. Ensuite, les principales spécificités d'une approche documentaire dans les jeux vidéo sont mises en évidence par rapport à des formats similaires – les webdocumentaires et les jeux historiques fictionnels. Enfin, l'article tente d'analyser quelques-unes des principales stratégies utilisées par certains jeux vidéo pour sensibiliser les joueurs et joueuses à différents thèmes sociaux. L'article prend en compte les recherches sur le documentaire et la forme documentaire en général, les approches issues des sciences du jeu et les études sur le webdocumentaire. Starting from the observation that documentary modalities have been increasingly present in some video games for the past fifteen years, this article looks at the way in which these games attempt to make their players aware of social issues. To do so, it first discusses the general relationship between the documentary form and video games and gives a brief overview of the state of research. Then, the main specificities of a documentary approach in video games are highlighted in relation to similar formats - webdocumentaries and historical fictional games. Finally, the article attempts to analyse some of the main strategies used by some video games to raise awareness of different social themes. The article considers research on documentary and the documentary form in general, approaches from game science and studies on webdocumentary.

Frigo à nu est un webdocumentaire ayant pour objectif de dévoiler de manière ludique l’intérieur du réfrigérateur d’un certain nombre de Français. Projet d’abord axé sur les évolutions du pouvoir d’achat et des habitudes alimentaires, il s’est rapidement transformé en un outil de réflexion sur notre rapport à la nourriture et à l’image sociale qu’elle véhicule. The web-documentary « Frigo à nu » wants to put a playful eye inside french peoples fridge. At first, the journalistics goals were to define the evolution of the eating habits in regard of the their purchasing power. But quickly the authors tranform the documentary as a tool to think about our relation with food and our social status.

Gilles Saussier s’est écarté du photoreportage pour élaborer de nouvelles stratégies documentaires qui trouvent leur place au sein du livre ou des espaces d’exposition. Parmi ses œuvres, Le Tableau de chasse (2010) et Spolia (2018) se présentent comme des Voyages en Roumanie. Le premier privilégie la déconstruction des pratiques du photoreportage, quand le second se présente comme une patiente enquête menée sur les traces de La Colonne sans fin de Constantin Brancusi. Gilles Saussier has moved away from photojournalism to develop new documentary strategies which find their place in books or exhibition spaces. Among his works, Le Tableau de chasse (2010) and Spolia (2018) are presented as travel books to Romania. The first favors the deconstruction of photojournalism practices, when the second presents itself as a patient investigation carried out in the footsteps of La Colonne sans fin by Constantin Brancusi.

Le Sahara occidental est un territoire qui n’a pas pu exercer son droit à l’autodétermination affirmé par l’ONU en 1965. L’Espagne s’en est retirée en 1976 et le Maroc a pris sa place. Cette situation est à l’origine d’un mouvement de mobilisation en Espagne, particulièrement dans le milieu du cinéma, autour de l’acteur Javier Bardem. Celui-ci produit un film documentaire militant qui montre la situation du territoire en 2012 et les actions menées pour faire respecter les résolutions de l’ONU. Ce film utilise le système d’attention du début du XXIe siècle (cinéma, télévision, Internet, réseaux sociaux…) pour diffuser son message politique et peser sur les décisions concernant ce territoire. Comme pourrait le faire une pétition, la diffusion du film, et de son message, est une action qui cherche à mobiliser et à obliger les acteurs politiques à sortir de la realpolitik. Le message du film est amplifié par la notoriété de Javier Bardem et l’effet boule de neige des médias. Western Sahara is a territory that has not been able to exercise its right to self-determination confirmed by the UN in 1965. In 1976 Spain withdrew and Morocco took its place. This situation is at the origin of a political mobilization in Spain, especially notorious in the world of cinema and with performer Javier Bardem at its center. He was the producer of a militant documentary film intended to show the territory's situation in 2012 and what has been done to enforce the UN resolutions. The film took advantage of all available communication systems at the time (Cinema, television, Internet, social networks...) to spread its political message and to influence in the decisions concerning Western Sahara. Just like a petition, the diffusion of the film and its message was an action intended to force the political actors out from realpolitik. Javier Bardem's public notoriety and the snow-ball effect of the medias were instrumental in the film's message amplification. El Sáhara occidental es un territorio que no ha podido ejercer el derecho a la autodeterminación que le reconoció la ONU en 1965. España se retiró en 1976 y desde entonces Marruecos ocupa dicho territorio. A consecuencia de esta situación existe un movimiento de movilización en España, especialmente en el mundo del cine, en torno al actor Javier Bardem. Él es el productor de un documental militante que muestra la situación del territorio en 2012 y las acciones llevadas para obtener la aplicación de las resoluciones de la ONU. Esta película utiliza el sistema de atención del siglo XXI (cine, televisión, Internet, redes sociales…) para difundir su mensaje político e influir en las decisiones relacionadas con este territorio. Tal y como podría hacerlo una campaña de recogida de firmas, la difusión de la película y de su mensaje, es una acción que pretende movilizar y obligar a los actores políticos a salir de la realpolitik. La notoriedad de Javier Bardem y el efecto bola de nieve de los medios de comunicación amplifican el mensaje de la película.

Cet article porte sur le seul roman publié par James Agee, A Death in the Family. Ce texte d’inspiration autobiographique et publié à titre posthume est un projet partiellement inachevé dans lequel Agee prévoyait d’insérer des photographies et de développer une forme d’écriture proche du réel, en n’ayant que très peu recours à la fiction. Agee prend le parti de s’écrire à la troisième personne, par le biais du personnage de Rufus, qui porte son deuxième prénom. Nous qualifions cette démarche d’« écriture documentaire de soi » : il s’agit de démontrer dans quelle mesure Agee tente de s’affranchir des limites entre référentialité et fiction, et d’envisager la fiction autrement que comme un travail d’invention. Notre analyse s’appuie sur des comparaisons entre les deux versions concurrentes du roman : celle de 1957 ainsi que la version remaniée et restaurée en 2007 par Michael Lofaro, comportant des chapitres écartés dans la première édition. Nous soulignerons ainsi les particularités de cette « écriture documentaire de soi », les liens étroits qu’elle entretient avec les arts visuels (notamment la photographie), mais aussi l’importance accordée aux instants du quotidien. Ainsi, A Death in the Family s’avère être, plutôt qu’un autoportrait de l’artiste en jeune homme, un portrait d’Agee à travers le regard de sa famille. This paper analyzes James Agee’s only published novel, A Death in the Family. As an autobiographical novel published posthumously, it is a partially completed project in which Agee planned to insert photographs and to develop a form of writing focused on the factual and the real, with minimal resort to fiction. Eschewing a first-person narrative, he chooses to write using the third person, and to name the main character Rufus (after his own middle name). In studying this “documentary writing of the self,” we shall see how Agee strives to go beyond the limits between referentiality and fiction, and to avoid defining fiction purely as invention or imagination. We shall base our analysis on a comparison of two versions of the novel: the 1957 edition, and the 2007 edition revised and restored by Michael Lofaro, which contains previously unpublished chapters. We will point out the characteristics of this form of writing, from its close links to the visual arts (most notably photography) to the emphasis Agee puts on the depiction of scenes of everyday life. Thus, instead of being considered as a self-portrait of the artist as a young man, A Death in the Family can be read as a portrait of Agee through the eyes of his family.

La Cordillère des songes (La cordillera de los sueños, 2019) constitue le dernier volet de la trilogie documentaire de Patricio Guzmán, débutée en 2010. Dans ce film, couronné de l’Œil d’Or du meilleur documentaire au Festival de Cannes, l’élément terrestre de la cordillère des Andes mène le réalisateur vers une réflexion plus introspective et politique sur son pays natal, le Chili. La cordillera de los sueños (2019) es la última parte de la trilogía documental de Patricio Guzmán, iniciada en 2010. En este film, premiado con el Ojo de oro al mejor documental en el Festival de Cannes, el elemento terrestre de la cordillera de los Andes lleva al director hacia una reflexión introspectiva y política sobre Chile, su país natal.

Le Centre national de la littérature pour la jeunesse (CNLJ), service de la Bibliothèque nationale de France, conserve un fonds important de l’éditeur japonais Fukuinkan shoten, qui fête en 2022 ses 70 ans d’existence. Son acquisition a été initiée par l’association la Joie par les livres (devenue le CNLJ en 2008) et se poursuit aujourd’hui grâce à l’envoi régulier de quelques collections par l’éditeur lui-même à la Bibliothèque nationale de France. Souvent comparé à L’école des loisirs en France, Fukuinkan shoten est un éditeur majeur au Japon qui contribua grandement au développement de la littérature de jeunesse dans l’archipel mais aussi à la reconnaissance de la littérature de jeunesse japonaise dans le monde. Cet article a pour but de présenter l’éditeur, la répartition des collections de ce fonds et quelques pistes de recherche envisagées dans l’étude de ce dernier. The National Center for Children’s Literature (CNLJ) keeps an important collection of the Japanese publisher Fukuinkan shoten, which celebrates in 2022 its 70 years anniversary. This collection was initially acquired from la Joie par les livres and the publisher himself regularly sends some of its collections to the National Library of France. Often compared to L’école des loisirs in France, Fukuinkan shoten is a major publisher in Japan that contributed greatly to the development of children’s literature in the archipelago but also to the recognition of Japanese children’s literature in the world. This article aims to present the publisher and some collections available at the National Library of France and to define some directions for further research.

Dans les films de Petra Costa, nous analysons dans quelle mesure le témoignage de l’histoire de la vie privée d’une famille permet d’établir un contrepoint à l’histoire collective du Brésil contemporain ; nous montrons comment cette convergence de l’individuel et du collectif est représentée cinématographiquement par la réalisatrice. Nous nous interrogeons sur le caractère hybride, entre documentaire et fiction, des films Elena (2012) et Democracia em vertigem, Démocratie en danger, 2019), à partir de l’emblématique tabou du suicide, thème qui traverse le récit dans ces deux œuvres : le suicide de la sœur de la cinéaste et le suicide politique du pays. Analisamos nos filmes de Petra costa como o testemunho da história privada de uma família permite um contraponto com a história coletiva do Brasil contemporâneo; mostramos como essa confluência entre o olhar pessoal da diretora e a perspectiva da coletividade é representada cinematograficamente, para discutimos o caráter híbrido de documento e ficção dos filmes Elena (2012) e Democracia em vertigem (2019), a partir do emblemático tabu do suicídio, que é o tema que atravessa as duas narrativas : o suicídio real da irmã da cineasta e o suicídio político do país.

Cet article interroge, au sein de la foisonnante filmographie de Patricio Guzmán, les équilibres et bouleversements de ses expressions artistiques. Comment le cinéaste met en avant le global des lieux et les luttes chiliennes, au fil du temps ? Et là, comment évolue la part d’intimité livrée par l’artiste, et la manière d’assumer une subjectivité sensible au sein d’un cinéma engagé ? Este artículo interroga, dentro de la múltiple filmografía de Patricio Guzmán, los equilibrios y cambios de sus expresiones artísticas. ¿Cómo pone de realce el cineasta lo global de los lugares y las luchas chilenas, al correr de los tiempos? ¿Cómo evoluciona la parte de intimidad revelada por el artista, y la forma de asumir una subjetividad sensible dentro de un cine comprometido?

International audience

L’image numérique apparaît comme une image hybride entre indicialité et représentation. Cette hybridation lui permet d’explorer les territoires frontaliers de différents registres. Le texte explore ainsi la relation qui peut exister entre l’animation et le documentaire, deux mondes qui semblent opposés, mais qui se croisent dans les réalisations de ces dernières années. Jusqu’à quel point la relation que le documentaire entretient avec le monde subsiste et se rejoue dans les films d’animation ? Cet article tente de répondre à cette question en étudiant des œuvres d’animation documentaire comme Valse avec Bachir d’Ari Folman et Chicago 10 de Brett Morgen, ou en analysant le recours aux techniques d’animation et aux effets spéciaux pour manipuler et transformer l’image documentaire, comme dans Z32 d’Avi Mograbi., Digital images appear as hybrid images between indexicality and representation. This hybridization allows the image to explore the border territories of different registers. The text explores the relationship that may exist between animation and documentary, two worlds that seem to be opposed, but which recently intersect in films. To what extent does the relationship that documentary maintains with the world remain in animated films ? This paper attempts to answer this question by studying documentary animation works such as Ari Folman’s Waltz with Bashir and Brett Morgen’s Chicago 10, or by analyzing the use of animation techniques and special effects to manipulate and transform documentary images, as in Avi Mograbi’s Z32.

Le projet « Parcours sonore » rassemble une série de balades sonores initiée et développée par la station Radio Campus Besançon. La visée première de ces balades sonores est, selon leur auteur, de « valoriser le territoire franc comtois, plus particulièrement bisontin » (Bertini). Cette contribution interroge le genre « balade sonore » sous l’angle de son écriture entendue comme mode d’agencement de ressources sonores. À travers une analyse ancrée en Sciences de l’Information et de la Communication qui s’appuie sur la sémiotique différentielle et la sémiodologie fondée par Jean Peytard, on s’attache à montrer que la mobilité constitue un acteur à part entière du processus de communication : elle s’insère dans les enjeux patrimoniaux et mémoriels et participe d’une autre forme d’appropriation du territoire. Enfin, dans le contexte intermédiatique contemporain et à travers ce genre, c’est toute la question du périmètre et des contextes d’écoute en mobilité de la radio qui se pose. The “Parcours sonore” project is a series of soundscapes initiated and developed by Radio Campus Besançon. The primary aim of these soundscapes is to “enhance the Franc Comtois territory, especially bisontin” (Bertini). This contribution questions the genre of "soundscape" from the point of view of its writing as a sound resources system. Through an analysis in Information and Communication Sciences based on differential semiotics and semiodology founded by Jean Peytard, the aim is to show that mobility is an integral part of the communicational process: it fits into heritage and memory issues and participates in another form of appropriation of the territory. Finally, in the contemporary intermediatical context and through this genre, it is the question of the area and the contexts of listening in mobility of the radio that arises. El proyecto “Parcours sonore” reúne una serie de paseos sonoros iniciados y desarrollados por la emisora Radio Campus Besançon. El objetivo principal de estos paseos sonoros es « valorizar el territorio franco Comtois, más particularmente bisontino » (Bertini). Esta contribución cuestiona el género « paseo sonoro » desde el punto de vista de su escritura entendida como modo de disposición de recursos sonoros. A través de un análisis basado en las ciencias de la información y la comunicación que se apoya en la semiótica diferencial y la semiodología fundada por Jean Peytard, se trata de demostrar que la movilidad constituye un actor de pleno derecho en el proceso de comunicación : se inserta en los desafíos patrimoniales y memoriales y participa de otra forma de apropiación del territorio. Por último, en el contexto intermediático contemporáneo y a través de este género, se plantea toda la cuestión del perímetro y de los contextos de escucha en movilidad de la radio.

Apprendre à lire des textes documentaires vise à permettre l’autonomie des élèves quant à l’appropriation des savoirs présents dans ces textes. Or, la lecture documentaire pose de nombreux problèmes aux élèves de cycle 3. Ainsi, dans notre étude, nous nous sommes demandé quelles étaient les difficultés rencontrées par les élèves lorsqu’ils lisent des documentaires présents dans les manuels scolaires pour apprendre en sciences. Nous proposons donc de mettre en lumière les savoirs invisibles, c’est-à-dire implicites, requis dans quatre manuels de sciences et utilisés par les enseignants en tant que ressources mobilisées pour faire classe, afin d’acquérir des connaissances sur le thème des mélanges et solutions. En réponse à cela, nous engageons une discussion sur une articulation possible entre l’apprentissage de la lecture documentaire (apprendre à lire) et la lecture pour apprendre. Learning to read documentaries aims to develop pupils’ autonomy with regard to the knowledge inherent in these media, so that they can read to learn. However, documentary reading poses many difficulties for cycle 3 pupils. Thus, in our study, we asked ourselves what difficulties pupils encounter when they read documentaries in school textbooks to learn science. We therefore propose to highlight the invisible knowledge required in four science textbooks and used by teachers as a resource for the classroom, in order to acquire knowledge on the subject of mixtures and solutions. In response to this, we initiate a discussion on a possible articulation between learning to read (documentary reading) and reading to learn.

La présente thèse propose de traverser l’ensemble de l’œuvre cinématographique de Johan van der Keuken (1938-2001) en suivant le fil de la collection. Partant d’une reconnaissance de curieuses configurations d’objets et de corps rappelant les chambres de merveilles de la Renaissance et les entresorts du 19ème siècle, elle élabore un cadre théorique original fondé sur des travaux de Stanley Cavell, Gilles Deleuze et Siegfried Kracauer, afin d’analyser ce qui dans ce cinéma réfléchit le devenir filmique d’objets et d’êtres vivants saisis à même la vie ordinaire. Cette analyse s’enracine dans la pratique d’une forme d’ekphrasis qui veut épouser les rythmes, mouvements et inflexions de ce cinéma et de ses personnages, dont l’écriture répète les collections musicales. La thèse expose ainsi les responsabilités du cinéaste aux prises avec diverses formes de difformités, de marginalité et d’exclusion dues au colonialisme et à la logique réifiante du monde capitaliste, et montre comment les images qu’il réalise par les moyens propres au médium cinématographique manifestent un regard qui à la fois assume la violence inhérente à ce médium et parvient à en faire un instrument d’émerveillement. Ce regard collectionneur et merveillant affronte résolument l’exhibition, le voyeurisme, la stigmatisation, le sensationnalisme, l’accumulation, l’abstraction, la dispersion, la réification, pour en dégager une ligne de fuite au lieu d’en reconduire la violence. Tout en les heurtant, il suscite dans notre regard et notre écoute un amour du monde tel qu’il est. Van der Keuken met ainsi en œuvre, jusque dans le dernier film qu’il réalise alors qu’il est mis devant l’inévitabilité de sa propre mort, une éthique du cinéma dans l’oscillation entre merveille monstrueuse et merveille merveilleuse., This dissertation offers a path through the complete œuvre of filmmaker Johan van der Keuken (1938-2001), guided by the notion of collecting. Highlighting the curious configurations of objects and bodies that call to mind Renaissance-era Wunderkammern and nineteenth century freak shows, this dissertation formulates an original theoretical framework based on the works of Stanley Cavell, Gilles Deleuze and Siegfried Kracauer. This framework enables the dissertation to analyze how van der Keuken’s cinema thinks through the filmic becoming of objects and living beings plucked out of ordinary life. This analysis is rooted in an ekphrastic practice that seeks to mold itself to the rhythms, movements, and inflections of this filmic universe and its characters, whose composition repeats musical collections. The dissertation thus demonstrates the filmmaker’s responsibilities as he grapples with diverse forms of deformity, marginalization and exclusion due to colonialism and the objectifying logic of a capitalistic world, and shows how the images he creates through the means unique to the medium of cinema manifest a gaze that both acknowledges the inherent violence of the medium and manages to turn it into an instrument of wonder. This collecting and wondering gaze resolutely confronts the risks of exhibition, voyeurism, stigmatization, sensationalism, accumulation, abstraction, dispersion, and objectification, in order to open a line of flight rather than reproducing violence. Even while shocking our eyes and ears, van der Keuken elicits in our gaze and in our listening a love of the world just as it exists. He thus experiments, up through his final film, directed as he faces his inevitable death, a film ethics that oscillates between monstruous wonder and wonderous wonder., Cotutelle

International audience; Les entretiens qui composent ce texte ont été réalisés entre 2020 et 2021 dans le cadre d’une enquête doctorale menée par Fanny Dujardin sur le documentaire sonore et radiophonique. Neuf praticien·nes sonores ont été interrogé·es sur leur manière d’aborder le moment de l’enregistrement. Le croisement de leurs paroles fait résonner des préoccupations communes tout en préservant la singularité de leurs gestes de fabrication. Comment construit-on une situation d’enregistrement ? Comment travaille-t-on à faire émerger la parole des autres ? Quelle écoute est offerte à celles et ceux qui prêtent leurs voix ?

Commune commune est un documentaire réalisé par Dorine Brun et Sarah Jacquet, sorti sur les écrans en 2022 et produit par La Société des Apaches et Bocalupo Films. D’une durée de 114 minutes, il retrace le parcours d’une expérimentation démocratique de 2014 à 2020. Au cours de cette période, la commune drômoise de Saillans a élu une liste citoyenne portant un projet de démocratie participative. Le film revient sur les espoirs suscités et sur les réalisations collectives d’un moment fort dans la politique locale.Le sociologue Séverin Muller et le politiste Mario Bilella, qui tous deux ont pu enquêter sur le même terrain saillanson donnent leur lecture personnelle du film, avant de redonner la parole aux réalisatrices. Les propos ont été recueillis par François Sarfati. Commune commune is a documentary directed by Dorine Brun and Sarah Jacquet, released in 2022 and produced by La Société des Apaches and Bocalupo Films. With a duration of 114 minutes, it traces the journey of a democratic experiment from 2014 to 2020. During this period, the Drôme commune of Saillans elected a citizens’ list carrying a participatory democracy project. The film looks back at the hopes raised and the collective achievements of a powerful moment in local politics.The sociologist Séverin Muller and the political scientist Mario Bilella, who were both able to investigate the same field in Saillans, give their personal reading of the film, before giving the floor back to the directors. The comments were collected by François Sarfati. Commune commune es un documental dirigido por Dorine Brun y Sarah Jacquet, estrenado en 2022 y producido por La Société des Apaches y Bocalupo Films. Con una duración de 114 minutos, traza el recorrido de un experimento democrático desde 2014 hasta 2020. Durante este periodo, el municipio de Saillans (Drôme) eligió una lista de ciudadanos que llevaba un proyecto de democracia participativa. La película repasa las esperanzas suscitadas y los logros colectivos de un momento álgido de la política local.El sociólogo Séverin Muller y el politólogo Mario Bilella, que pudieron investigar el mismo campo en Saillans, hacen su lectura personal de la película, antes de devolver la palabra a los directores. Los comentarios fueron recogidos por François Sarfati.

Ce travail vise à éclairer, à partir de l’expérience familiale de la réalisatrice María Ruido, le rôle de sa mère, émigrée espagnole en Allemagne, dans les années 1960 et 1970. Le film retrace un double parcours, celui d’une épouse et mère (ouvrière), en miroir de celui de sa fille (artiste et universitaire). De cette matière, la réalisatrice fait, sur le modèle de l’essai filmique, un objet de réflexion sur l’empreinte que cette mère travailleuse lui a laissée. De cette relation atypique, mise à mal par l’absence, est né un questionnement autour de l’héritage, celui des proches et celui que nous transmet l’Histoire, à l’intersection entre ces deux formes de mémoire. El objetivo de este trabajo es arrojar luz, a partir de la experiencia familiar de la directora María Ruido. sobre el papel de su madre, inmigrante española en la Alemania de los años 60 y 70. La película recuerda un doble recorrido, el de una esposa y madre (obrera), frente al de su hija (artista y universitaria). A partir de este material, la directora elabora, sobre el modelo de un ensayo fílmico, un objeto de reflexión sobre la huella que esta madre trabajadora ha dejado en ella. De esta relación atípica, afectada por la ausencia, nace un cuestionamiento en torno a la herencia, la de los familiares y la que nos transmite la Historia, en la intersección entre estas dos formas de memoria. Based on the family experience of the director María Ruido, this work aims to shed light on the role of her mother, a Spanish immigrant in Germany in the 1960s and 1970s. The film traces a double journey, the one of a wife and mother (worker), in mirror of her daughter’s one (artist and academic). From this material, the director makes, on the model of the “essay film”, an object of reflection on the imprint that this working mother has left on her. From this atypical relationship, challenged by the absence, is born a questioning about the inheritance, from close relatives and from History at the intersection between these two forms of memory.

Les approches littéraires de l’archive photographique, en déployant l’imaginaire des images, en ouvrant l’abondant « boîtier de mélancolie » des vues abandonnées, pointent ce que la fiction permet de rajouter au documentaire, toujours-déjà défaillant et soupçonné d’arranger la réalité, par ailleurs insaisissable. Comment l’œuvre de fiction, en s’attachant à des photographies orphelines, à des images vernaculaires, arrive-t-elle à « opérer » l’archive lacunaire ? Il sera ici question d’analyser le fonctionnement d’un récit mettant au jour une archive photographique, envisagée selon deux angles différents. The literary approach to photographic archives, deploying the imagination of the images, opening the overflowing "store of melancholy" of abandoned images, underline what fiction can add to the documentary, always-already defective and suspected of arranging reality, otherwise elusive. How does the work of fiction, by focusing on orphaned photographs and vernacular images, manage to "operate" the incomplete archive? The aim is to analyze the functioning of a narrative that brings to light a photographic archive, viewed from two different points of view.

L’attitude d’Antoine d’Agata est en contraste total avec la posture attendue d’un photographe documentaire préoccupé par l’image-preuve. Ses images-outils font intervenir le personnage A, fiction chargée d’opérer un rapprochement avec les vérités que le photojournalisme ne peut pas – ou plus – supporter. Mais dans le développement de son œuvre polyphonique inspirée des situationnistes, les regards déployés par d’Agata s’aveuglent les uns les autres. D’autres vérités, temporaires, émergent alors, en dehors des signes et des pratiques balisés. Antoine d'Agata’s attitude contrasts sharply with the expected posture of documentary photographers concerned with the image as proof. His work with the image conceived as a tool involves a fictional character, A, whose task is to bring together the truths that photojournalism cannot – or can no longer – bear. Yet In the development of his polyphonic work inspired by the situationists, the different views presented by d'Agata avert each other’s gaze. A set of temporary truths emerges, remote from traditional signs and practices.

This dissertation offers a path through the complete œuvre of filmmaker Johan van der Keuken (1938-2001), guided by the notion of collecting. Highlighting the curious configurations of objects and bodies that call to mind Renaissance-era Wunderkammern and nineteenth century freak shows, this dissertation formulates an original theoretical framework based on the works of Stanley Cavell, Gilles Deleuze and Siegfried Kracauer. This framework enables the dissertation to analyze how van der Keuken’s cinema thinks through the filmic becoming of objects and living beings plucked out of ordinary life. This analysis is rooted in an ekphrastic practice that seeks to mold itself to the rhythms, movements, and inflections of this filmic universe and its characters, whose composition repeats musical collections.The dissertation thus demonstrates the filmmaker’s responsibilities as he grapples with diverse forms of deformity, marginalization and exclusion due to colonialism and the objectifying logic of a capitalistic world, and shows how the images he creates through the means unique to the medium of cinema manifest a gaze that both acknowledges the inherent violence of the medium and manages to turn it into an instrument of wonder. This collecting and wondering gaze resolutely confronts the risks of exhibition, voyeurism, stigmatization, sensationalism, accumulation, abstraction, dispersion, and objectification, in order to open a line of flight rather than reproducing violence. Even while shocking our eyes and ears, van der Keuken elicits in our gaze and in our listening a love of the world just as it exists. He thus experiments, up through his final film, directed as he faces his inevitable death, a film ethics that oscillates between monstruous wonder and wonderous wonder.; La présente thèse propose de traverser l’ensemble de l’œuvre cinématographique de Johan van der Keuken (1938-2001) en suivant le fil de la collection. Partant d’une reconnaissance de curieuses configurations d’objets et de corps rappelant les chambres de merveilles de la Renaissance et les entresorts du 19ème siècle, elle élabore un cadre théorique original fondé sur des travaux de Stanley Cavell, Gilles Deleuze et Siegfried Kracauer, afin d’analyser ce qui dans ce cinéma réfléchit le devenir filmique d’objets et d’êtres vivants saisis à même la vie ordinaire. Cette analyse s’enracine dans la pratique d’une forme d’ekphrasis qui veut épouser les rythmes, mouvements et inflexions de ce cinéma et de ses personnages, dont l’écriture répète les collections musicales. La thèse expose ainsi les responsabilités du cinéaste aux prises avec diverses formes de difformités, de marginalité et d’exclusion dues au colonialisme et à la logique réifiante du monde capitaliste, et montre comment les images qu’il réalise par les moyens propres au médium cinématographique manifestent un regard qui à la fois assume la violence inhérente à ce médium et parvient à en faire un instrument d’émerveillement. Ce regard collectionneur et merveillant affronte résolument l’exhibition, le voyeurisme, la stigmatisation, le sensationnalisme, l’accumulation, l’abstraction, la dispersion, la réification, pour en dégager une ligne de fuite au lieu d’en reconduire la violence. Tout en les heurtant, il suscite dans notre regard et notre écoute un amour du monde tel qu’il est. Van der Keuken met ainsi en œuvre, jusque dans le dernier film qu’il réalise alors qu’il est mis devant l’inévitabilité de sa propre mort, une éthique du cinéma dans l’oscillation entre merveille monstrueuse et merveille merveilleuse.

Face à l’urgence écologique, certaines fictions contemporaines françaises (dont Féerie générale d’Emmanuelle Pireyre), auxquelles se rapporte mon travail d’écriture dans une perspective de recherche-création, allient enquête documentaire et ironie pour interroger, ou dénoncer, certains problèmes environnementaux. Conscientes que les faits ne sont jamais bruts mais construits, ces narrations privilégient une approche critique du réel et des discours, en faisant de l’ironie un outil de soft power. Elles mettent alors à profit sa dimension axiologique pour susciter la réflexion, voire l’action chez les lecteurs, renversant l’idée selon laquelle l’ironie serait un pur jeu formel, voire qu’elle éloigne la littérature d’une implication éthique ou politique. Ce faisant, elles renouvellent la notion d’engagement littéraire, en constituant ce que je propose d’appeler une forme d’engagement « dégagé ». Faced with the ecological emergency, certain contemporary French fictions (including Emmanuelle Pireyre's Féerie générale), to which my own practice-based research and creative writing relate, combine documentary investigation and irony to draw attention to environmental problems. Well aware that facts are never raw but always constructed, these narratives take a critical approach to reality and discourse, making irony a tool of soft power. They take advantage of its axiological dimension to provoke reflection and even action in readers, reversing the idea that irony is a purely formal game, or that it distances literature from ethical or political questions. In doing so, they renew the notion of literary engagement, constituting what I propose to call a form of engagement “dégagé” (disengaged engagement or casual commitment).

Le formalisme documentaire d’hier est aujourd’hui remplacé par l’usage et la maîtrise de l’archive photographique qui devient un véritable moyen de faire parler les images. La photographie est ainsi détrônée au profit de la pluralité des propositions et de la gestion assumée de cette diversité. Cette caractéristique des pratiques contemporaines de la photographie déjoue la chronologie historique. L’actualisation permanente de l’histoire que permet la gestion de l’archive, mobilise la pensée du spectateur et son esprit critique. The documentary formalism of the past is today replaced by the use and control of photographic archives which become a real means of making images speak. The picture is thus dethroned in favour of a plurality of proposals and an assumed management of this diversity. This characteristic feature of contemporary photographic practices makes it possible to thwart historical chronology. The permanent updating of history that the management of photographic archives facilitates, mobilizes the thoughts of the spectator and his critical approach.

Les interfaces webdoc peuvent-elles être le support de l’oralité et du fil d’écoute connus à la radio ? Le projet Bruit Blanc dresse les portraits interactifs sonores de personnalités du transmédia. Réalisés par des étudiants de Master 2, ces portraits ont permis dès 2014 de mettre en évidence trois stratégies de consultation d’un document sonore au travers d’interfaces graphiques minimalistes. Pour interroger le potentiel de ces interfaces, notre cadre théorique croise le cinéma documentaire et le documentaire radiophonique. De ces travaux émergent des dispositifs propices à la mutation de la posture de l’auditeur. Can webdoc interfaces support the orality and the listening thread known on the radio? Bruit Blanc project (White Noise) presents interactive sound portraits of personalities of transmedia. Produced by students of Master 2, these portraits have allowed in 2014 to highlight three consultation strategies for a sound document through minimalist graphical interfaces. To examine the potential of these interfaces, our theoretical framework crosses the documentary film and radio documentary. From these works emerge devices conducive to the mutation of the listener’s posture. ¿Pueden las interfaces webdoc soportar la oralidad y el hilo de escucha conocidos en la radio? El proyecto BruitBlanc presenta retratos sonoros interactivos de personalidades de transmedia. Producidos por estudiantes de Master 2, estos retratos han permitido en 2014 destacar tres estrategias de consulta para un documento sonoro a través de interfaces gráficas minimalistas. Para examinar el potencial de estas interfaces, nuestro marco teórico cruza el documental y documental de radio. De estos trabajos surgen dispositivos conducentes a la mutación de la postura del oyente.

La série documentaire sur l’enfantement La bella tarea (2013) d’Albertina Carri que je propose d’analyser ici constitue une intervention dans le contexte argentin alors que la loi de protection intégrale contre la violence faite aux femmes de 2009 (Nº 26.485/2009) offre un cadre légal de prise en compte des violences obstétricales qui reste peu appliqué. Elle questionne le contrôle du corps des femmes et de leur sexualité, la pathologisation de l’enfantement, la naturalisation de la violence due aux héritages historique, religieux et scientifique qui formatent les pratiques, ainsi que la régulation médicale, technologique et économique des accouchements. Dénonçant l’exclusion dont sont frappés les discours des femmes, la série documentaire s’attache au contraire à leur mise en valeur. La serie documental dedicada al alumbramiento La bella tarea (2013) de Albertina Carri que propongo analizar aquí constituye una intervención en el contexto argentino en el periodo en que la ley de protección integral para erradicar la violencia contra las mujeres de 2009 (Nº 26.485/2009) ofrece un marco legal de entendimiento de la violencia obstétrica que permanece poco aplicado. Cuestiona el control del cuerpo de las mujeres y de su sexualidad, la patologización del parto, la naturalización de la violencia generada por los legados histórico, religioso y científico que formatean las prácticas, así como la regulación médica, tecnológica y económica del parto. Denunciando la exclusión que afecta los discursos de las mujeres, la serie documental se dedica por lo contrario a escenificarlos y valorarlos. I propose to analyze here the Albertina Carri’s documentary series dedicated to childbirth The beautiful labor (2013). It constitutes an intervention in the Argentinian context in the period in which the law Nº 26.485/2009 to eradicate violence against women offers a legal framework to understand obstetrical violence that remains insufficiently applied. This documentary series interrogates the control of women’s bodies and sexuality, the pathologization of childbirth, the naturalization of violence generated by the historical, religious and scientific legacies that shape practices, as well as the medical, technological and economic regulation of labor. Denouncing the exclusion that affects women’s discourses, the documentary series is instead dedicated to staging and valuing them. A minissérie de documentários sobre o parto La bella tarea (2013) de Albertina Carri, que proponho analisar aqui, é uma intervenção no contexto argentino, onde a lei de 2009 (Nº 26.485/2009) sobre a proteção integral contra a violência feita às mulheres fornece um marco legislativo para lidar com a violência obstétrica, que ainda é pouco respeitada. Ela questiona o controle do corpo da mulher e sua sexualidade, a patologização do parto, a naturalização da violência, devido aos legados históricos, religiosos e científicos, que moldam as práticas, assim como a regulamentação médica, tecnológica e econômica do parto. Ao denunciar a exclusão do discurso feminino, a minissérie de documentários se concentra, pelo contrário, em destacá‑la.

Ce travail entend apporter des pistes de réflexion afin de nourrir les travaux sur la construction iconographique des mobilisations collectives. Il s’agira plus particulièrement de retracer la pluralité d’usages des images lors de la grève des éboueurs·euses lyonnais·ses en avril 2019 soutenue par l’Union syndicale Solidaires (USS). Cet outil de représentation du conflit est investi par les grévistes et par les soutiens faisant ainsi des réseaux sociaux un espace de mobilisation en soi. L’image produite devient également un contrepoint médiatique essentiel pour rendre visibles les revendications des grévistes. De même, l’image va se déplacer dans les tribunaux lors de la judiciarisation du conflit par l’employeur pour appuyer les arguments de part et d’autre des parties. Pour finir, les militants s’approprient des images tournées pendant la mobilisation pour faire un documentaire et des supports de formation dans l’objectif de développer le syndicalisme porté par les militants de l’USS. This work intends to provide lines of thought in order to feed the work on the iconographic construction of collective mobilizations. More specifically, it will retrace the plurality of uses of images during the strike of Lyon’s garbage collectors in April 2019 supported by the Union Syndicale Solidaires (USS). This tool for representing the conflict is invested by the strikers and by the supporters, thus making social networks a space for mobilization in itself. The image produced becomes an essential media counterpoint to make the strikers’ demands visible. In the same way, the image will move to the courts when the employer takes the dispute to court and will support the arguments on either side of the parties. Finally, the activists take ownership of the images shot during the mobilization to make a documentary and training materials with the aim of developing the trade unionism carried by the USS activists.

À la faveur d’une approche éminemment essayistique et non-linéaire, le présent texte cherche à dresser un aperçu des différentes instances d’écriture exposée que découvre sur les murs de Santiago le documentaire chilien ; ce, dans deux moments particulièrement expressifs de son histoire récente, entre lesquels se dresse l’intervalle traumatique du putsch militaire de 1973 : le documentaire de l’immédiate avant-dictature (1967-1973), et le documentaire transnational qui, à partir de 1983, accompagne la lente reprise des forces démocratiques qui ont précipité la chute du régime vers la fin de la décennie. Drawing on an eminently essayistic and non-linear approach, this text seeks to provide an overview of the different instances of displayed writing that Chilean documentary has encountered on the walls of Santiago, in two particularly expressive moments of its recent history, between which lies the traumatic interval of the 1973 military putsch: the documentary of the immediate pre-dictatorship (1967-1973), and the transnational documentary that, from 1983 onwards, accompanies the slow revival of the democratic forces that precipitated the fall of the regime towards the end of that decade.

Dans Un monde sans rivage, Hélène Gaudy restitue le voyage en ballon au pôle Nord de trois explorateurs à la fin du XIXe siècle. Mais l’écart temporel lui permet de prendre la mesure des écarts éthiques et épistémologiques qui nous séparent de cette tentative. L’écrivaine pense alors son récit comme un supplément au voyage scientifique, mais qui en bouleverse les enjeux, voire qui en conteste les présupposés de domination et de maîtrise., In Un monde sans rivage, Hélène Gaudy relates the balloon journey to the north pole of three explorers at the end of the 19th century. But the temporal difference allows her to take the measure of ethical and epistemological deviations that separate us from this attempt. The writer then thinks her narrative like a supplement to the scientific trip, but which upsets the issues or even which contests the presuppositions of domination and control.

Cet article explore l'état des portraits de famille réalisés dans le domaine du documentaire, plus particulièrement Familystrip de Lluís Miñarro (2009), un portrait des parents du cinéaste réalisé par l'artiste Francesc Herrero pour perpétuer un souvenir. Sur la base des exemples explorés, l'article cherche à définir les traits essentiels et les caractéristiques des œuvres qui se déplacent entre le présent et le passé, entre la sphère privée des images et leur utilisation publique., This article explores the state of the family portraits directed in the cinematic documentary field, especially Lluís Miñarro's Familystrip, a portrait of the filmmaker's parents made by the artist Francesc Herrero to perpetuate a memory. On the basis of the examples explored, the article seeks to define the essential features and characteristics of the works that move between the present and the past, between the private dimension of the images and their public use.

Si le projet des Archives de la Planète est de documenter visuellement le monde avec une ambition encyclopédique et scientifique, cette collection d’images lancée par Albert Kahn en 1909 n’est pas dépourvue de visée esthétique. Revenant sur les modalités de création des archives et à partir de l’analyse de quelques séries autochromes, cet article met en évidence la singularité des pratiques photographiques, révélant comment ces images dialoguent avec l’histoire de l’art des XIXe et XXe siècles., If the project of the Archives of the Planet is to visually document the world with an encyclopedic and scientific ambition, the collection of photographs and films launched by Albert Kahn in 1909 is not devoid of an aesthetic aim. Looking back at the ways in which the archives were created, and based on the analysis of a few autochrome series, this article highlights the singularity of field practices and reveals how this images dialogues with the history of 19th and 20th century art.