Search

This study is the first result of the research entitled "Mon Espace Vécu" (My Lived Space) conducted in Italy during the first lockdown of 2020 (March-June), which was imposed by the government to contain the Covid-19 pandemic. During that period, the authors collected hundreds of textual testimonies from volunteers experiencing everyday spaces during the pandemic. The reflection, conducted from the perspective of cultural geography and cultural anthropology, develops from the analysis of some of these testimonies. Specifically, this paper focuses on the forms of semantization of space and the relationship between the body, space, and dynamic identity/otherness.

S’appuyant sur les nombreux travaux antérieurs que l’auteur a pu consacrer au passage de l’analogique au numérique en musique, cet article revient sur la notion de virage numérique. En effet, par comparaison avec l’ère analogique de la production culturelle, les technologies numériques et leur généralisation semblent avoir fait sauter un certain nombre de verrous économiques, pratiques et symboliques. En particulier, elles favoriseraient l’augmentation de la population des artistes, en réduisant les coûts d’entrée sur le marché de l’art et en maximisant les possibilités d’accès à la notoriété grâce aux réseaux sociaux ; elles accroîtraient le bien-être social des publics en augmentant le nombre et l’accessibilité des œuvres produites ; elles effaceraient la hiérarchie des œuvres en favorisant les esthétiques de l’hybridation et de la décontextualisation. Dès lors, comment intégrer ce changement de paradigme dans le cadre d’une théorie de l’art et de l’histoire de l’art ? Comment penser la portée anthropologique des transformations induites par les mutations techniques ? Based on the author’s numerous previous works on the transition from analog to digital music, this paper discusses the notion of the “digital shift”: indeed, in comparison with the analog era of cultural production, digital technologies and their generalization seem to have broken down a number of economic, practical and symbolic barriers. In particular, they seem to encourage an increase in the number of artists by reducing the costs of entering the art market and maximizing the possibilities of access to fame through social networks. They appear to heighten the social well-being of audiences by improving access to a larger number and variety of pieces. They may erase the hierarchy of artistic works by favouring the aesthetics of hybridization and decontextualization. So how can this paradigm shift be integrated into the framework of art theory and art history? How can we think about the anthropological scope of the transformations induced by technical mutations? Basándose en los numerosos trabajos anteriores del autor sobre la transición de la música analógica a la digital, este artículo analiza la noción de “cambio digital”. En comparación con la era analógica de la producción cultural, las tecnologías digitales y su generalización parecen haber hecho saltar una serie de barreras económicas, de usos y simbólicas. En particular, reducen los costes de entrada al mercado del arte, favorecen el aumento del número de artistas e incrementan las posibilidades de acceso a la fama mediante el uso de las redes sociales; en consecuencia, al incrementarse el número y la accesibilidad de las obras producidas, aumenta el bienestar social de las audiencias; también se elimina la jerarquía de las obras, favoreciendo las estéticas de hibridación y de descontextualización. Entonces, ¿cómo se puede integrar este cambio de paradigma en el marco de una teoría del arte y de la historia del arte?. ¿Cuál es el impacto antropológico de las transformaciones inducidas por las mutaciones técnicas?

Ce texte propose de revenir sur des éléments de terrains réalisés dans quatre territoires de la Caraïbe francophone entre 2002 et 2006. L’étude interrogeait les conditions de prise en charge des personnes vivant avec le VIH/sida dans les départements français d’Amérique (Guadeloupe, Guyane, Martinique) et en Haïti. Elle questionnait les modalités d’annonce du diagnostic et de pérennisation de la prise en charge, dans les structures hospitalières. Les équipes soignantes, elles-mêmes pluriculturelles, devaient faire face à des populations d’origines, de cultures, de langues et de niveaux socio-économiques très divers, ce qui nécessitait des protocoles adaptés et parfois individualisés. Elle a interrogé aussi la place de l’ethnologue face à des pratiques inégales. Entre les images d’un environnement naturel extraordinaire, les conditions de vie des patient.e.s souvent difficiles et des engagements forts ou des limites des personnels, ce texte questionne, par bribes, les défis de l’anthropologie face au VIH en situation postcoloniale. This paper presents some fieldwork narratives from three French Caribbean territories (Guadeloupe, French Guyana, Martinique) and Haiti. From 2002 to 2006, the author conducted research about people living with HIV/AIDS and their social life conditions. This study questioned the different types of care, and the conditions of their long-term settlement. The focus was made on diagnosis and counseling, and the way people could become long-term HIV patients in hospital services. Multicultural caregivers and physicians had to care for various people according to their origins, cultures, languages, socio-economical levels and abilities, and were supposed to provide individual attention. The study also questioned the ethical and deontological aspects of this fieldwork. Working in an exceptional natural and sociological context among people living in difficult living conditions whose caregivers developed strong commitment or even weaknesses, was an experience that challenged the principles of anthropology in a post-colonial area.

Les pratiques corporelles, et notamment les sports, constituent des moments particuliers de la vie sociale, ce qui se traduit dans le langage par des termes et des usages dédiés. Dans le cas de la Bretagne, les tournois de lutte (lutte bretonne ou gouren) se caractérisent par la formalisation dans le langage et la littérature orale et écrite d’une séquence narrative et d’un système d’actants, marqués par l’association symbolique avec le monde animal (notamment le maout – bélier), et un parallèle entre l’issue de l’opposition et l’opposition réelle et symbolique entre les catégories « sec » et « mouillé », d’où le titre « gleb », signifiant « mouillé » en breton. Physical activities, especially sports, represent specific moments in social life, and this is reflected in language through specific terms and usages. In the case of Brittany, wrestling tournaments (Breton wrestling, or gouren) are characterised on the one hand by the formalisation in oral and written language and literature of both a narrative sequence and a system of actants, which are marked by a symbolic association with the animal world (notably the ram, or le maout), and on the other by a parallel between the competition outcome and the real/symbolic competition between the categories ‘wet’ and ‘dry’, hence the title ‘Gleb’, meaning ‘wet’ in Breton.

Cet article s’efforce de questionner la possible intégration théorique des concepts de « changement » et d’ « innovation » dans le cadre d’un programme de recherche mené en anthropologie culturaliste et principalement inspiré de la philosophie analytique de Wittgenstein (2004). Par voie de retour, il étudie le caractère heuristique de cette intégration du point de vue du développement du programme de recherche. L’article se structure autour de trois parties. En première partie, les différents niveaux d’intégration des concepts de « changement » et d’ « innovation » au sein du programme sont explicités. En deuxième partie, une illustration empirique de cette intégration est proposée. Enfin, en dernière partie, une discussion est menée autour du travail d’hybridation conceptuelle réalisée et des précautions à envisager pour qu’il soit scientifiquement valide. This article attempts to question the possible theoretical integration of the concepts of "innovation" and "change" within the framework of a research program conducted in cultural anthropology and mainly inspired by the analytical philosophy of Wittgenstein (2004). By return, he studies the heuristic character of this integration from the point of view of the development of the research program. The article is structured around three parts. In the first part, the different levels of integration of the concepts of "change" and "innovation" within the program are explained. In the second part, an empirical illustration of this integration is proposed. Finally, in the last part, a discussion is carried out around the work of conceptual hybridization carried out and the precautions to envisage so that it is scientifically valid.

How to grasp, at the turn of the 1970s and in films made by filmmakers who made no secret of their Marxist, Communist or revolutionary commitment (Pasolini, Arrabal, Fassbinder, Jancsó, Garrel, etc.), the recurrence of patterns and schemes borrowed from Christian iconography and liturgy?The article about « the disappearance of the fireflies », published by Pasolini in 1975, offers the allegorical and theoretical matrix permitting to apprehend the singular historical and political sequence which goes from the end of the 50s to the middle of the 70s. First, it designates the advent of a dangerous neo-capitalist power, destructive and totalizing, in the face of which Marxism and Christianity will be led to modify their tools of struggle and vision. The article, then, describes a real anthropological crisis which attains the destruction of entire cultural worlds, in the face of which it will be a question of giving back to rites and traditions their potential for revolt, which allows them to play as operators capable of mobilizing the energies lacking in the political struggles, such as memory or communion. As an elegy mourning the disappearance of beloved cultures, the article finally presents a real eschatological report on the end of the world, a theological problematic re-exposed, at the same time, by the nuclear threat, the industrial paroxysm of the domination of the technical reign.Thus, the Pasolinian fireflies draw the singular iconological regime from which these resistant films proceed, opposing the faint gleam of an archaic gesture, albeit religious, to the powerful rationalist spotlights of capitalist civilization. The patterns identified in these films therefore proceed from a historical-aesthetic paradigm which makes the surviving past the privileged tool of a political struggle, of which it is possible to trace the archeology, from the notions of Nachleben, Pathosformel and Inversion forged by the german art historian Aby Warburg to the “dialectical image” in Walter Benjamin; and of which it is possible to find traces at the time, in a wide variety of disciplines (the political theology of Johann Baptist Metz, who made Christian memoria passionis an anti-bourgeois category; or the ethnology of gesture elaborated by the anthropologist Ernesto De Martino, who was to open Marxism to its unthought: the essential restorative and socio-cultural dimension of rites and images of religious origin).At the confluence of these two great traditions of hope that are Christianity and Communism, the films analyzed in this study challenge the contemporary paradigm of secularization and inform us about the revival, in modern times, of the great anthropological problems which have never ceased to occupy human thought: the contestation of an established order, the end of a world or a civilization, but also the moral energies which allows them to survive., Comment appréhender, au tournant des années 1970 et dans des films réalisés par des cinéastes ne faisant pas mystère de leur engagement marxiste, communiste ou révolutionnaire (Pasolini, Arrabal, Fassbinder, Jancsó, Garrel, etc.), la récurrence de motifs et de schèmes empruntés à l’iconographie et à la liturgie chrétiennes ?« L’article des lucioles », publié par Pasolini en 1975, offre la matrice allégorique et théorique permettant d’appréhender la séquence historico-politique singulière qui va de la fin des années 50 au milieu des années 70. Il désigne d’abord l’avènement d’un dangereux pouvoir néo-capitaliste, destructeur et totalisant, face auquel marxisme et christianisme vont être amenés à modifier leurs outils de lutte et de vision du monde. Il décrit ensuite une véritable crise anthropologique qui solde la destruction de mondes culturels entiers, face à laquelle il s’agira de rendre aux rites et aux traditions leur potentiel contestataire, qui leur permet de jouer comme les opérateurs capables de mobiliser les énergies manquantes aux luttes politiques, comme la mémoire ou la communion. En tant qu’élégie pleurant la disparition de cultures aimées, il présente enfin un véritable constat eschatologique sur la fin du monde, problématique théologique ré-exposée, à cette même époque, par la menace nucléaire, paroxysme industriel de la domination du règne de la technique.Ainsi, les lucioles pasoliniennes dessinent-elles le régime iconologique singulier dont procèdent ces films résistants, qui oppose la faible lueur d’une gestualité archaïque, fût-elle religieuse, aux puissants projecteurs rationalistes de la civilisation capitaliste. Les problèmes d’images repérés dans ces œuvres filmiques procèdent donc d’un paradigme historico-esthétique qui fait du passé survivant l’outil privilégié d’une prise de position politique, dont il est possible de tracer l’archéologie, depuis les notions de Nachleben, de Pathosformel et d’Inversion forgées par l’historien de l’art Aby Warburg jusqu’à celle d’« image dialectique » chez Walter Benjamin ; et dont il est possible de retrouver les traces à l’époque, dans des disciplines très variées (la théologie politique de Johann Baptist Metz, qui a fait de la memoria passionis chrétienne une catégorie anti- bourgeoise ; ou encore l’ethnologie du geste élaborée par l’anthropologue Ernesto De Martino, qui devait ouvrir le marxisme à son impensé : l’essentielle dimension réparatrice et socio-culturelle des rites et des images d’origine religieuse).Au confluent de ces deux grandes traditions de l’espérance que sont le christianisme et le communisme, les films analysés dans cette étude mettent en crise le paradigme contemporain de la sécularisation et nous renseignent sur la relance, à l’époque moderne, des grands problèmes anthropologiques qui n’ont cessé d’occuper la pensée humaine : la contestation d’un ordre établi, la fin d’un monde ou d’une civilisation, mais aussi l’énergie morale qui permet de les faire survivre.

Le Tour de France, épreuve cycliste la plus prestigieuse au monde, franchit très tôt les frontières de la compétition sportive pour s’affirmer comme un pan des mythologies de son époque, tel que l’a décrit Roland Barthes. Dans la mémoire collective, on ne retient pas tant des gestes exceptionnels, qu’un univers visuel familier qui se fonde sur la répétition d’une gestuelle consacrée. Un certain nombre d’images viennent à l’esprit : le glorieux champion endosse le maillot jaune sur le podium ; le coureur précautionneux glisse sous son maillot un journal tendu par un spectateur au sommet d’un col, pour se protéger du froid ; le public suppliant tend la main pour attraper au vol l’un des échantillons publicitaires de la caravane du Tour. Pour reprendre l’expression du sociologue Pierre Sansot, le Tour de France est « une forme de liturgie nationale », qui s’incarne dans des gestes cérémoniels et techniques mais aussi par les gestes du public. Dans les premières décennies d’après-guerre, les médias audiovisuels viennent fixer sur l’écran les images de cette gestualité. Si le rôle de la télévision, alors à ces débuts, semble évident dans ce processus, il nous faut aussi prendre en compte l’importance des actualités filmées dans la construction du récit du Tour de France : cette source d’information, incontournable jusqu’à la fin des années 1950, est depuis trop souvent oubliée. Il s’agira ici, par un travail mêlant histoire des médias et anthropologie du geste, d’étudier comment l’image animée à la fois témoigne et participe de l’élaboration de séquences gestuelles ritualisées. The Tour de France, the world’s most prestigious cycle race, very early evolved into more than a sports competition: it became a modern myth, as described by Roland Barthes. Collective memory does not simply remember extraordinary gestures from the Tour; its mention evokes a familiar visual culture based on repeated and established body language. Many figures spontaneously come to mind: the victorious champion putting on the yellow jersey on the podium; the cautious racing cyclist slipping a newspaper inside his jersey to protect him from the cold on top of a pass, with help from a spectator; the begging audience raising hands to catch samples from the Tour’s publicitary cars. To use the expression of the sociologist Pierre Sansot, the Tour de France appears as “a form of national liturgy”, stirred by ceremonial and technical gestures but also by the audience’s activity. In the immediate decades after WWII, audiovisual medias contributed to set on screen the representation of this body language. If the role of television, then at its beginnings, seems obvious in this process, we must also consider the importance of newsreel, an essential part of information until the end of the 1950s, sunk into oblivion since, in the Tour de France’s storytelling. Using approaches from media studies and anthropology of gesture, this article focuses on how moving image records and promotes ritualised gestural sequences.

International audience; Les questions relatives aux animaux sont généralement considérées par les juristes comme des questions marginales ou anecdotiques qui méritent à peine plus qu'une note de bas de page dans les traités et les manuels. Pourtant, depuis quelques années, la société civile oblige à reconsidérer cette attitude méprisante. Quand le code civil français vient d'être enrichi d'un article 515-14 reconnaissant que les animaux sont des êtres vivants doués de sensibilité et au moment où l'on apprend qu'un tribunal argentin a expressément reconnu la qualité de sujet de droit non-humain à un chimpanzé le 3 novembre 2016, il semble, en effet, y avoir désormais une certaine urgence à se demander si, contrairement aux idées reçues, les animaux, eux aussi confrontés à la vie et à la mort, à la douleur et au bonheur, à la servitude et à la liberté, ne renvoient pas aux questions juridiques et anthropologiques fondamentales. Ainsi, le droit animalier pourrait-il apparaître comme une discipline innovante d'une portée théorique ignorée ou sous-estimée. C'est cette portée méconnue que l'article, écrit à quatre mains par un privatiste et un historien du droit, se propose de commencer à dévoiler.

Ce mémoire de maîtrise vise à contribuer aux études rituelles et à l’anthropologie du sécularisme. Sur la base d’une recherche ethnographique menée au Québec, nous étudions la pratique des officiants de rites de passage séculiers qui opèrent en dehors de la religion organisée. Il s’agit de comprendre comment ceux-ci renouvèlent les rites de passage en dehors d’un appui ou d’une régulation institutionnels. Nous traitons des cérémonies de naissance et de mariage et cherchons spécifiquement à étudier comment ces célébrants, tels qu’ils se décrivent, recourent à l’innovation et à la créativité rituelle pour offrir des rites porteurs de sens dans un contexte social marqué par une hétérogénéité de sensibilités religieuses. En effet, les célébrants séculiers s’adressent à des individus distanciés de la religion instituée et doivent donc satisfaire leurs valeurs, croyances et visions du monde ainsi que celles des membres de leur entourage encore proches de la tradition catholique. Les résultats de cette recherche qualitative se basent sur un échantillon de dix célébrants séculiers établis au Québec et présentant une diversité d’approches et de contextes de pratique. La collecte de données est basée sur des entretiens semi-dirigés ainsi que des observations effectuées auprès d’eux. Cette étude montre que les célébrants les plus créatifs sont motivés par la dimension sociale et spirituelle de la célébration plutôt que par des motifs économiques. Même s’ils opèrent en atomes libres, ils s’inscrivent dans un nouveau paradigme rituel plus large observé par Catherine Bell (2009). Celui-ci est axé sur les éléments suivant : une conception du rite qui dépasse la frontière du religieux et devient un moyen universel d’épanouissement du soi et du collectif ; un rite de passage qui est conçu comme un processus transformationnel et réflexif pour les principaux participants; une fonction sociale du rite qui se manifeste dans la consolidation du relationnel et un registre d’authenticité alors que les croyances religieuses deviennent secondaires ; une autorité du célébrant qui diminue en faveur de celle des participants ; une dimension expérientielle et participative du rite qui est fortement investie., This master thesis aims at making a contribution to ritual studies and the anthropology of secularism. The ethnographic research I present is based in Quebec and centers on new specialists of secular rites of passage, who are ritual makers that practice outside of organized religion. My central objective is to understand how these self-described celebrants creatively contribute to the practice of rites of passage, without relying purely on institutional support or regulation. The focus of this thesis is on birth and wedding ceremonies. I present how these celebrants use ritual innovation and creativity to offer meaningful rites in a social context marked by diversity with respect to different religious sensitivities. Indeed, secular celebrants direct their services toward people who are distanced from institutionalized religion and therefore must satisfy their values, beliefs and worldviews, in addition to elder members of the community that may still adhere to catholic traditions. The results of this qualitative research are based on a sample of ten secular celebrants operating in Quebec and displaying a variety of approaches to ritual making. The primary mode of data gathering is through semi-directed interviews and observational interactions with ritual practitioners. This study demonstrates that the social and spiritual dimensions of the wedding and birth celebrations drive the ritual celebrants, rather than purely economical motivations. Even though ritual makers may develop their practice independently from one another, the most innovative celebrants share traits and participate in a larger emerging ritual paradigm observed by Catherine Bell (2009). This paradigm is characterized by a vision where rites of passage are considered a universal means for the empowerment of the self and the community; rites of passage become a transformational as well as reflexive process for the core ritual participants; the social function of ritual is emphasized toward an ideal of authenticity whereas religious beliefs take a secondary importance; the ritual leader loses authority in favour of the participants; the experiential and participatory component of ritual are strongly invested.

National audience

L’histoire et les fondements épistémologiques des activités physiques, sportives et artistiques (APSA) peuvent permettre d’inférer les corporéités spécialisées dont ells portent les germes. Le traitement didactique de ces APSA opéré par les enseignants d’éducation physique peut contrarier la transformation chez les élèves d’une corporéité quotidienne ou indifférenciée vers ces corporéités spécialisées propres aux APSA. Pour étayer et illustrer cette thèse, nous décrivons deux situations d’apprentissage (respectivement en basketball et en handball) construites et mises en scène par des étudiants en éducation physique lors de stages supervisés. (DIPF/Orig.), Die Geschichte und die erkenntnistheoretischen Grundlagen der körperlichen, sportlichen und künstlerischen Aktivitäten (KSKA) erlauben es, auf die spezialisierten Körperlichkeiten, deren Keim sie in sich tragen, Rückschlüsse zu ziehen. Die didaktische Behandlung dieser KSKA durch die Sportlehrer kann bei den Schülern die Veränderung von einer alltäglichen oder undifferenzierten Körperlichkeit zu spezialisierten Körperlichkeiten, die den KSKA eigen sind, behindern. Um dieses Postulat zu untermauern und zu illustrieren, beschreiben wir zwei von Sportstudenten konzipierte und im Unterrichtspraktikum durchgeführte Lernsituationen (beziehungsweise Basketball und Handball). (DIPF/Orig.)

International audience; L'article présente les résultats d'une recherche s'intéressant à l'identification des pratiques éducatives parentales quotidiennes des 16 dyades parent-enfant appartenant à quatre groupes minoritaires (deux groupes d'immigrés et deux groupes d'autochtones) vivant en Guyane française. Le recueil des données a été fait par des observations in situ. Une typologie des conduites parentales a été proposée en se basant sur une grille des catégories comportementales inspirée de nos précédents travaux. Les analyses ont mis en évidence des conduites parentales contrastées entre les groupes socioculturels observés, bien que des similitudes aient été relevées. La variabilité interactive inter-groupes conforte l'hypothèse du lien entre l'éducation familiale et l'adaptabilité scolaire de l'enfant. La prise en compte de ces résultats dans la formation des maîtres de Guyane permettrait aux professeurs stagiaires une approche positive, basée sur les contextes situationnels objectifs du quotidien de l'enfant, sans les rapporter à une norme implicite.

This thesis falls within the field of Applied Sociology and Socio-Museology, guiding a museum project that aims the autonomy of Potiguara Indians. This people is originally is a “family relationship community” and want to save their “racial origin”, but there is an advanced process of a distinctive ethnic identity formation, resulting from land demarcation fights from the 80s, strengthening their identity.The earth, a representation of “spatial dimension of family relationiship”, is where is established the sense of community built by the collective work of parenting and neighborhood and through it traditional practices that keep the memory of the heritage of the ancestors are developed. If the bonds of “racial origin” come from the mestizo ancestor, also called “old brench”, the ethnic representation considered as “a cultural and a historical value” to the outsiders is the Indian culture. This ambivalence is resolved through the Toré ritual through which two symbolic expressions are shown, an inclusive solution that will open an epistemological emancipatory route to the project., La thèse se situe dans le domaine de la sociologie appliquée, la socio-muséologie, pour guider un projet muséologique visant à l’autonomie des Indiens Potiguara. C’est un peuple qui est à l’origine une « communauté de parentage » et qui veut conserver son « appartenance raciale ». Mais il a développé un processus de formation d’une identité ethnique distincte, résultant des luttes pour la démarcation de ses terres à partir des années 80, ce qui a contribué au renforcement identitaire. La terre, en tant que représentation de la « dimension spatiale de la relation de parenté », est l’endroit où s’établit la communalisation créé par le travail de la parentalité et de voisinage. A travers la terre se développent des pratiques traditionnelles qui préservent l’héritage des ancêtres. Si les liens « d’appartenance raciale » proviennent de l’ancêtre métisse, la représentation ethnique considérée comme « valeur de culture et de l’histoire » est pour la société extérieure la culture indigène. Cette ambivalence est résolue par le rituel Toré où se manifestent les deux expressions symboliques, présentant une solution inclusive de valeurs muséales propre à ouvrir une voie d’émancipation épistémologique au projet.

I’m not particularly interested in « smoothed-over » versions of native culture. I like the stuff in the raw, as felt and dictated by the natives […] the genuine, difficult, confusing, primary sources. These must be presented, whatever else is done […]. There are too many glib monographs most of which time will show to be highly subjective performances. We need to develop in cultural anthropology that anxious respect for documentary evidence that is so familiar to the historian, and the class...

My thesis is titled “The Myth of Medea. From Euripide to Pier Paolo Pasolini and Christa Wolf”. The work is a comparative analysis with the purpose of establishing links between the writings - better called rewritings - and political as much as cultural events in the countries of the two modern authors. My thesis focuses on the comparison between the movie by Pasolini (1969) and the novel by Christa Wolf (1996): I consider the two texts very meaningful because of their close connection with both biography of the authors and the historical moment in which the works have been developed.In fact, the work in my thesis does not only concern a literary analysis from an aesthetic and stilistic point of view, but I tried, moreover, to deepen those historical and political events that generated the re-elaboration of Euripide's myth of Medea.I wanted to structure my research in two parallel parts, in order to allow a better comparison between the two works. After a section dedicated to the biographies of the authors (Chapter 1), I focused my study on the actual rewriting of the myth. A particular care was given to the socio-political context in Germany and Italy in the times of release of the novel and the movie, and I afterwards payed a particular attention on the analysis of literary sources: above all in the anthropological field as concerning Pasolini, and feminist one for Christa Wolf, to demonstrate the complex stratification which is the foundation of a re-elaboration of myth (Ch. 2). Secondly, a substantial section of my thesis is dedicated to a detailed analysis of the movie by Pasolini and the novel by Christa Wolf, with an attention on the innovative aspects brought by the two authors, as well as to a poetic linked to political and cultural changes (Ch. 3). I dedicated a special part to the reception of the two works, showing how deep social and political troubles of then were a distort point of view on the works (Ch. 4). The last chapter, finally, analyze the works after the releas of Medea, proving how those re-elaborations of myth influenced the works in the following years (Ch. 5). The part concerning “Medea” by Pier Paolo Pasolin was written in French, while the part on Christa Wolf's “Medea. Stimmen” is in Italian., Ma thèse s'intitule “Le mythe de Médée. De Euripide à Pier Paolo Pasolini et Christa Wolf”. Il s'agit d'une analyse comparatiste, dans le but de démontrer les liens existants entre l'écriture – ou bien la réécriture – et les événements culturels et politiques du pays des deux auteurs. Dans le cas spécifique, la comparaison est axée sur le film de Pasolini (1969) et le roman de Christa Wolf (1996), deux textes que j'ai considéré comme particulièrement significatifs en raison de la biographie des deux auteurs et du moment historique dans lequel ces ouvrages furent élaborée. En effet, ma thèse ne se veut pas comme un travail exclusivement littéraire, avec une analyse des éléments esthétiques et stylistiques des textes, mais j'ai cherché d'élaborer un discours qui touche aussi les aspects historiques et les processus liés à la réélaboration du mythe de Médée. J'ai structuré ma thèse dans deux chapitres parallèles, pour mieux permettre la comparaison entre les deux ouvrages. Après une partie dédiée aux points de rupture biographique (par. 1), je me suis concentrée sur l'analyse de la réécriture du mythe. J'ai prêté une attention particulière aux conditions sociopolitiques de l'Allemagne et de l'Italie à la sortie du film et du roman, pour passer enfin à l'analyse des sources littéraires, notamment celles du domaine anthropologique - Pasolini - et féministes – Wolf – en démontrant la stratification complexe qui est à la base d'une réélaboration du mythe. ( par. 2) En deuxième lieu, une longue partie de la thèse est dédiée à l'analyse détaillée du film de Pasolini et du roman de Christa Wolf, en concentrant l'attention sur les aspects originels apportés par les deux auteurs ainsi qu'à l'élaboration d'une poétique liée aux changements culturels et politiques de leurs temps (par. 3). Enfin, j'ai consacrée une partie à la réception, en montrant jusqu'à quels point les troubles de la société finissent pour altérer une lecture objective de l'œuvre (par. 4). Le dernier chapitre porte enfin sur les œuvres qui suivirent la publication de Médée, en montrant comment la réélaboration de ce mythe a influencé le travail dans les années suivants. (par. 5) La partie sur la "Medea" de Pier Paolo Pasolini a été rédigée en français, celle sur "Medea.Stimmen" en italien.

En Grèce, comme dans d’autres pays où la corruption est dite endémique, différents facteurs culturels et historiques peuvent expliquer la relative indulgence dont bénéficient en pratique certains échanges « corruptionnels ». Les personnes interrogées lors d’une enquête ethnographique en 2006 ont souvent atténué leur part de responsabilité morale dans la petite corruption en présentant leur participation comme contrainte par les circonstances ou comme justifiée par certaines valeurs morales prioritaires, et en la contrastant par rapport à des transgressions bien plus graves, relevant de la grande corruption et de valeurs bien plus discutables. Pour distinguer leurs propres transgressions, pardonnables, de celles des autres, impardonnables, les informateurs usent de critères qui dessinent indirectement les contours d’une image populaire de la grande corruption, et qui postulent parfois une grande différence de nature entre les motivations respectives des acteurs de la grande et de la petite corruption. Cependant, le rejet mutuel des responsabilités entre certains acteurs et le caractère relatif de certains critères peuvent faire douter d’une différence qualitative de motivations. Ces discours nous disent beaucoup sur les représentations collectives de la corruption, mais une ethnographie des transgressions de haut niveau reste nécessaire pour rendre compte de leurs véritables moteurs. In Greece, just like in other countries where corruption is described as endemic, various cultural factors may explain the relative forgiveness that some types of ‘corruptional’ exchanges benefit from. The people interrogated in the course of an ethnographical fieldwork in 2006 have often downplayed their share of moral responsibility in petty corruption by presenting their participation in it as forced by the circumstances or as justified by some primary moral values, and by contrasting it with much more serious transgressions, appertaining to aggravated corruption and driven by much more questionable values. To distinguish their own forgivable transgressions from the others’ unforgivable ones, the informants use criteria that indirectly shape a popular image of aggravated corruption, and sometimes postulate a strong difference of nature between the respective motivations of the players of petty and aggravated corruption. However, the mutual rejection of responsibilities between some players and the relativity of some criteria cast a doubt on a truly qualitative difference of motivations. While these discourses tell us a lot about collective representations of corruption, an ethnography of high-level transgressions would still be needed to assess their actual drives.

Le présent essai distingue trois phases dans les recherches sur l’architecture romaine de ces dernières décennies. Si l’architecture était surtout abordée, dans l’après-guerre, comme un art dont il s’agissait d’analyser la nature, on assiste dans les années 1970 à un changement fondamental dans l’interprétation des monuments. L’architecture est désormais perçue comme le produit d’un contexte sociopolitique spécifique. Aujourd’hui, le regard se tourne davantage vers l’individu au sein de la société romaine et la manière dont il réagit à son environnement.La nécessaire inscription de l’architecture dans son contexte topographique, ainsi que le recours à des sources supplémentaires pour une reconstitution la plus exacte possible des espaces de représentation et d’action dans l’Antiquité, constituent à l’heure actuelle une tâche capitale pour la communauté scientifique. Les perspectives ouvertes sont évoquées dans la conclusion. The present essay distinguishes three phases in research on Roman architecture as it has developed since the 1950s. While architecture was approached, in the post-World War II years, as an art whose nature needed to be determined, the 1960s witnessed a fundamental change in the interpretation of monuments. Architecture was perceived more and more frequently as the product of a specific sociopolitical context. The most recent research has turned more towards examining the place of the individual in Roman society and the way in which he reacted to his environment.Replacing architecture in its topographic context and calling upon additional sources to reconstruct the spaces of representation and action in Antiquity as accurately as possible are currently the most important enterprises. The perspectives they offer are evoked in the conclusion. Im vorliegenden Beitrag werden drei Phasen innerhalb der Forschung zur römischen Architektur der letzten Jahrzehnte unterschieden. Wurde in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg Architektur vor allem als Kunstgegenstand verstanden und ihr Wesen versucht zu ergründen, setzte in den 1970er Jahren ein grundsätzlicher Wandel in der Wahrnehmung der Bauten ein. Architektur wurde verstärkt als Produkt spezifischer gesellschaftspolitischer Rahmenbedingungen verstanden. Heute richtet sich der Blick verstärkt auf den einzelnen Menschen innerhalb der römischen Gesellschaft und seine Erfahrungen mit seiner Umwelt.Die hierfür notwendige Einbettung der Architektur in ihre topographische Situation sowie die Einbeziehung zusätzlicher Quellen für eine möglichst genaue Rekonstruktion antiker Bild- und Handlungsräume stellt gegenwärtig eine wichtige Aufgabe der Wissenschaft dar. Mögliche Perspektiven werden in einem anschließenden Fazit aufgezeigt. Questo saggio distingue tre fasi nelle ricerche degli ultimi decenni sull’architettura romana. Se nel dopoguerra l’architettura era affrontata soprattutto come un’arte di cui occorreva analizzare la natura, negli anni Settanta si è verificato un cambiamento fondamentale nell’interpretazione dei monumenti: l’architettura è stata sempre più percepita come il prodotto di uno specifico contesto socio-politico. Al giorno d’oggi, l’attenzione si sposta maggiormente sull’individuo in seno alla società romana e sul suo modo di reagire al proprio ambiente.La necessaria valutazione dell’architettura nel suo contesto topografico, come pure il ricorso a fonti complementari per una ricostruzione il più possibile esatta degli spazi di rappresentazione e di azione nell’Antichità, costituiscono al momento presente un compito essenziale per la ricerca scientifica. Le prospettive aperte sono evocate a conclusione dell’articolo. El presente ensayo distingue tres fases en las investigaciones sobre la arquitectura romana de las últimas décadas. Si en la posguerra se abordaba a la arquitectura ante todo como a un arte cuya naturaleza se trataba de analizar, asistimos en los años setenta a un cambio fundamental en la interpretación de los monumentos. Desde entonces la arquitectura ha llegado a percibirse cada vez más como el producto de un contexto sociopolítico específico. Hoy en día, la mirada se dirige más hacia el individuo en el seno de la sociedad romana y su forma de reaccionar con respecto a su entorno.En la actualidad es fundamental para la comunidad científica la necesaria inscripción de la arquitectura en su contexto topográfico, así como el recurso a fuentes adicionales para reconstituir de la manera más exacta posible espacios de representación y acción en la Antigüedad. A modo de conclusión, se evocan las perspectivas que quedan abiertas.

Les études de ces dernières décennies ont montré que les papes des xie au xiiie siècles ont élaboré une autoreprésentation très riche en recourant à une créativité métaphorique, symbolique et rituelle qui a placé au centre de l’attention le corps du pape lui-même. Les études sur le mécénat artistique ont mis en évidence la place centrale de la Rome pontificale dans le panorama artistique européen, grâce à la présence d’artistes tels que Pietro Cavallini, Jacopo Torriti et Arnolfo di Cambio. Innocent III et Boniface VIII, en particulier, ont institué une stratégie d’autoreprésentation novatrice que des recherches récentes ont approfondie à plusieurs niveaux. Ce programme avait pour objectif de soutenir le rapprochement symbolique entre la figure du pape et celle du Christ, et l’aspiration de ce premier à être le « vrai empereur ». Sous Boniface VIII, la symbolique du pouvoir du pape connaît une extension maximale. La tiare devient le symbole de la sommité de l’Arche de Noé, et les statues bonifaciennes fondent l’autoreprésentation physique du pape. Scholarship from the past decades has demonstrated that popes from the eleventh to the fourteenth centuries developed extremely elaborate modes of self-representation. Their metaphorical, symbolic and ritual creativity revolved around the central entity of the pope’s body. Studies on artistic patronage have revealed the central role of papal Rome in the greater artistic landscape of Europe, due to the contributions of artists such as Pietro Cavallini, Jacopo Torriti, and Arnolfo di Cambio. The strategies of self-representation employed by Innocent III and Boniface VIII were particularly innovative and multilayered, as recent research has amply shown. Their objective was to affirm the symbolic parallel between the figure of the pope and that of Christ, and the former’s claim to being the “true emperor.” The symbolic vocabulary of papal power reached it most extensive form under Boniface VIII. The pope’s tiara was equated with the summit of Noah’s ark, and the statues of Boniface VIII provided a foundation for the physical self-representation of the pope. Die Forschung der letzten Jahrzehnte hat die Vielfältigkeit der päpstlichen Selbstdarstellungen vom 11. bis zum 13. Jahrhundert aufgezeigt. Reich an metaphorischer, symbolischer und ritueller Kreativität haben diese Selbstdarstellungen vor allem den Körper selbst des Papstes in den Mittelpunkt gestellt. Die dem Mäzenatentum gewidmeten Studien haben den zentralen Platz herausgestellt, den das pontifikale Rom innerhalb des europäischen Kunstpanoramas, insbesondere durch Künstler wie Pietro Cavallini, Jacopo Torriti und Arnolfo di Cambio, eingenommen hat. Besonders Innozenz III. und Bonifatius VIII. haben neue Strategien der Selbstdarstellung entwickelt, die in der aktuellen Forschung auf unterschiedlichen Ebenen untersucht wurde. Dieses bildnerische Programm hatte zum Ziel, die Papstfigur und seine Ambition, der „wahre Herrscher“ zu sein, in die symbolische Nähe der Christusfigur zu stellen. Unter Bonifatius VIII. erlebt die Symbolik der päpstlichen Macht ihren Höhepunkt. Die Tiara wurde das Symbol der Spitze der Arche Noah, während die Statuen von Bonifatius die physische Selbstdarstellung des Papstes begründeten. Gli studi di questi ultimi decenni hanno mostrato che i papi dall’xi al xiii secolo misero a punto un’autorappresentazione ben calcolata. Essi fecero ricorso ad una creatività metaforica, simbolica e rituale che ha collocato al centro dell’attenzione il corpo del papa medesimo. Gli studi sul mecenatismo artistico hanno messo in evidenza il ruolo centrale della Roma pontificia nel panorama artistico europeo, grazie ad artisti quali Pietro Cavallini, Jacopo Torriti e Arnolfo di Cambio. Innocenzo III e Bonifacio VIII costruirono in particolare una strategia di autorappresentazione innovativa, che ricerche recenti hanno approfondito a vari livelli. Questo programma aveva come obiettivo di affermare il confronto simbolico tra la figura del papa e quella di Cristo, e la sua aspirazione ad essere il “vero imperatore”. Sotto Bonifacio VIII, la simbologia del potere del papa conosce il massimo sviluppo. La tiara diviene simbolo della sommità dell’arca di Noé e le statue di Bonifacio fondano l’autorappresentazione fisica del papa. Los estudios de las últimas décadas han demostrado que entre los siglos xi y xiii se elaboró una riquísima autorepresentación del papado. Se acudió a una creatividad metafórica, simbólica y ritual que colocó en el centro de atención el mismo cuerpo del papa. Los estudios sobre el mecenazgo artístico pusieron en evidencia la plaza central de la Roma pontifical en el panorama artístico europeo, gracias a artistas como Pietro Cavallini, Jacopo Torriti y Arnolfo di Cambio. Inocencio III y Bonifacio VIII en concreto construyeron una novadora estrategia de autorepresentación que recientes investigaciones exploraron a distintos niveles. El programa tenía por objetivo reforzar el simbólico acercamiento entre la figura del papa y la de Cristo, así como su aspiración por ser el « emperador verdadero ». Con Bonifacio VIII, la simbólica del poder del papa conoce una máxima extensión. La tiara se convierte en el símbolo de la cumbre del arca de Noé, y las estatuas bonifacianas fundamentan la autorepresentación física del papa.

This study examines the historical transformation of Wakasugi village in Sasaguri, Fukuoka Prefecture, from the standpoint of cultural anthropology. In addition, the process of continuity and transformation of this particular folk society is discussed from viewpoints both inside and outside of the village. Wakasugi village has preserved its customs and habits through a tradition in which such knowledge is transmitted orally from one generation to the next. Folk societies that follow these customs have a long history of acquiring knowledge through typology and repetition. However, even though this society has recently become challenged by the infusion of modern thought, the market economy, and the power of media, it still maintains the social function of continuity. The reason for such continuity is its spiritual connection with Mt. Wakasugi, sacred mountain and New Shikoku reijō, eighty-eight pilgrimage sites located in Sasaguri. In this regard, the purpose of this study is to investigate four overall aspects: 1) the strong continuous power and thought of the village, which is supported by the socio-religious system in the region; 2) the origins of mountain worship and the reconstruction of holy days surrounding the shrine and temple festivals, based on historical documents, discourses, and practices; 3) the transformation of annual festivals and new trends after the Meiji period, especially in regard to the separation of Buddhism and Shintō; and 4) the tradition and modernization of folk society based on interactions and negotiations from inside and outside of the village. Finally, although Wakasugi village has managed to sustain its everyday-life autonomy, it must be noticed that it has gradually lost its social cohesion and cultural uniqueness. Therefore, this study also clarifies the sustainable process and illuminates the character of cultural transmission through interpretative descriptions of local context and social history of imagination., Suzuki Masataka, Bouchy Anne. Continuités et transformations de la société locale : le fait coutumier dans le village de Wakasugi. In: Cahiers d'Extrême-Asie, vol. 22, 2013. Le vivre ensemble à Sasaguri, une communauté de Kyūshū. Dans l'entrelacs des dynamiques du dedans et du dehors. pp. 27-114.