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La lecture est fréquemment associée dans la modernité à un exercice de l’esprit vers l’acquisition des informations et de savoir. Cette façon de concevoir l’acte de lire comme une action centrée majoritairement sur le mental, toutefois, cache une tradition de lecture amplement corporelle pratiquée entre la basse Antiquité et la fin de la période médiévale. Cette thèse s’occupe d’examiner alors une rupture historique entre corps et lecture, un processus qui sous-tend l’avènement de la façon moderne de lire, c’est-à-dire d’un modèle qui est enraciné dans la vision et dans les fonctions intellectuelles. Ce travail s’appuie sur les études des théoriciens de l’histoire de la lecture, ainsi que sur une ample réflexion sur la sagesse émanée du corps dans le but de récupérer une lecture associée à la pratique synesthésique. Pour accomplir cette tâche, l’on cherche à l’intégration de perspectives historique, analytique et pratique pour discuter et mettre en action une lecture de teneur corporelle. Ceci implique une pratique qui entre aussi dans la dynamique de la thèse. Ainsi, on part de l’analyse de la Poésie Concrète majoritairement brésilienne pour atteindre à deux objectifs à la fois : tout d’abord, on caractérise ce mouvement poétique qui est une référence dans le contexte de la poésie visuelle, ce qui corroborait à l’importance de la vue dans le contexte de l’histoire de la lecture. D’un autre point de vue, le travail de cette thèse avec la Poésie Concrète rend tangible aussi la démonstration d’une force corporelle dans la lecture en action qu’on y apporte. Ainsi, comptant sur une approche de lecture qui est aussi pratique, la thèse vise à démontrer qu’il y a une implication inexorable du corps dans l’acte de lire., Reading is frequently associated in modernity with a mental practice seeking to acquire knowledge and information. Nevertheless, this way of conceiving reading as an act focused mainly on intellectuality conceals a vast tradition of bodily reading practiced from late Antiquity up to the end of the medieval period. This dissertation thus aims to examine the historical rupture between the body and the reading process underlying the emergence of our modern way of reading, which emphasizes the sense of sight and purely intellectual functions. This research is grounded on theoretical studies of the history of reading, as well as on a broad reflection on knowledge emanating from the body, and thus proposes recovering a reading model associated with synesthetic practice. To accomplish this task, this study seeks to integrate historical, analytical and practical perspectives as a way to discuss and enact a reading method conscious of the body's existence; the role of the body in the act of reading is part and parcel of the dissertation’s dynamic. The analysis of Brazilian Concrete Poetry allows for achieving two objectives at once: first, a characterization of this poetic movement, considered exemplary of visual poetry, corroborates the singular importance of sight in the history of reading in modernity. In addition, however, working with the Concrete Poetry offers a tangible demonstration of the body’s force in the context of interactive reading. In other words, in endorsing an understanding of reading based on practice, the dissertation strives to show how the act of reading implies the irrepressible presence of the body.

De nombreux poètes renouent aujourd’hui avec le récit de voyage, à la faveur d’une mobilité renforcée par les résidences d’écriture et les mutations du métier d’écrivain. Cette étude examine trois versions poétiques du voyage en Extrême-Orient qui jouent l’enquête de terrain contre le récit pittoresque et ce, à partir de dispositifs singuliers : un reportage photo-poétique au Cambodge, une série de miniatures destinées à questionner l’envers des images à Taïwan, une épopée moderne à Shanghai., Many poets now return to travel writing thanks to a global mobility reinforced by writing residencies and changes in the writing profession. This study examines three poetic versions of travel in the Far East that play off the field survey against the picturesque narrative, using singular devices: a photo-poetic reportage in Cambodia, a series of miniatures intended to question the reverse side of images in Taiwan, and a modern epic in Shanghai.

User de la machine en poésie, c’est travailler avec et contre la technologie : les postures des expérimentaux font entendre un regard critique loin des élans futuristes sur la société technologico-médiatique. Si le recours aux technologies nouvelles, du magnétophone à l’ordinateur, comme outils d’écriture a été commenté, leurs usages et mésusages restent, semble-t-il, à interroger plus avant dans leurs implications esthétiques, poétiques et politiques., To use the machine is to work with and against technology: the postures of the experimentalists show a critical eye away from the futuristic outbursts of technology-media society. While the use of new technologies, from tape recorders to computers, as writing tools has been commented on, their uses and misuses apparently remain to be further questioned in their aesthetic, poetic and political implications.

Figures des avant-gardes et inventeurs du « spatialisme » au début des années soixante, Ilse Garnier (1927-2020) et Pierre Garnier (1928-2014) sont surtout connus pour leurs créations dans le domaine de la poésie visuelle et de la poésie sonore. Leurs œuvres investissent une grande variété de supports (papier, bande magnétique, pellicule photographique), de formats (depuis des objets tenant dans la main à d’autres mesurant un mètre de côté) et de dispositifs (feuilles séparées, livres reliés, projection de diapositives, installations éphémères). Cette diversité se comprend par rapport aux principes même de leur poésie, où l’espace joue un rôle central. L’article montre comment dans leurs œuvres visuelles les poètes ont joué avec les supports et déjoué les codes, n’hésitant pas chaque fois que possible à faire sortir le poème de la page, à renouveler les formes du livre, et à faire circuler leurs créations d’un support à un autre. Prominent representatives of the avant-gardes and inventors of “spatialism” in the early sixties, Ilse Garnier (1927-2020) and Pierre Garnier (1928-2014) are best known for their creations in the field of visual poetry and sound poetry. Their works use a large variety of media (paper, tape, photographic film), formats (from objects that can be held in the hand to others measuring a meter across) and objects (separate sheets, bound books, slides, ephemeral installations). This diversity is linked to the very principles of their poetry, where space plays a central role. The article examines how in their visual works the poets played with supports and thwarted codes, not hesitating whenever possible to let the poem expand out of the page, to renew the forms of the book, and to circulate their creations from one medium to another.

The purpose of this contribution is to propose submorphemic readings of a Spanish visual poem: "Andalucía" by Pablo del Barco. Our approach is situated in the Enaction paradigm, which postulates that the emergence of cognition and language is a process. However, submorphemic processes offer de facto new readings of the visual poem which we propose to analyze. This will allow us to approach poetry as it emerges by and for the reader himself as (re)constructed by him. Visual poetry is also intended to be a privileged field of study insofar as the assumptions of the linearity of language and the arbitrariness of the sign are more than ever called into question, and this freedom taken by the poet becomes that of the reader (re)constructor of meaning., L’objet de cette contribution est de proposer des lectures submorphémiques d’un poème visuel espagnol : « Andalucía » de Pablo del Barco. Notre approche se situe dans le paradigme de l’énaction qui postule que l’émergence de la cognition et du langage est un processus. Or, les processus submorphémiques offrent de facto de nouvelles lectures du poème visuel dont nous nous proposons l’analyse. Cela nous permettra d’aborder la poésie telle qu’elle émerge par et pour le lecteur lui-même en tant que (re)construite par lui. La poésie visuelle se veut du reste un champ d’étude privilégié dans la mesure où les postulats de la linéarité du langage et de l’arbitraire du signe sont plus que jamais remis en cause, et cette liberté prise par le poète devient celle du lecteur (re)constructeur du sens.

The purpose of this contribution is to propose submorphemic readings of a Spanish visual poem: "Andalucía" by Pablo del Barco. Our approach is situated in the Enaction paradigm, which postulates that the emergence of cognition and language is a process. However, submorphemic processes offer de facto new readings of the visual poem which we propose to analyze. This will allow us to approach poetry as it emerges by and for the reader himself as (re)constructed by him. Visual poetry is also intended to be a privileged field of study insofar as the assumptions of the linearity of language and the arbitrariness of the sign are more than ever called into question, and this freedom taken by the poet becomes that of the reader (re)constructor of meaning., L’objet de cette contribution est de proposer des lectures submorphémiques d’un poème visuel espagnol : « Andalucía » de Pablo del Barco. Notre approche se situe dans le paradigme de l’énaction qui postule que l’émergence de la cognition et du langage est un processus. Or, les processus submorphémiques offrent de facto de nouvelles lectures du poème visuel dont nous nous proposons l’analyse. Cela nous permettra d’aborder la poésie telle qu’elle émerge par et pour le lecteur lui-même en tant que (re)construite par lui. La poésie visuelle se veut du reste un champ d’étude privilégié dans la mesure où les postulats de la linéarité du langage et de l’arbitraire du signe sont plus que jamais remis en cause, et cette liberté prise par le poète devient celle du lecteur (re)constructeur du sens.

Avec André du Bouchet, « l’énonciation éditoriale » tient de la manifestation auctoriale accompagnée, tant elle soutient, avec les moyens matériels du livre, le projet d’une poésie spatiale, fondée sur la relation phénoménologique au monde. L’article évalue d’abord l’importance des ressources typographiques (bivalence du support et réversibilité du blanc comme de l’imprimé) dans l’œuvre publiée, puis analyse les motifs de mésentente et les facteurs de dialogue entre du Bouchet et ses éditeurs., In the case of André du Bouchet, “editorial enunciation” is the result of the auctorial event accompanied, since it provides so much support, by the material resources of the book. Together, they form the project of a spatial poetry, based on the phenomenological relationship to the world. The article first assesses the importance of typographic resources (bivalence of the medium and reversibility of both the white page and print) in the published work, then analyzes the reasons for disagreement and the factors behind the dialogue between du Bouchet and his publishers.

Michèle Métail started writing poetry in the early 1970s and was well-received by the OuliPo group and the Sound Poetry movement. Her work is shaped by self-imposed writing constraints as the artist paid close attention to the graphic and acoustic materiality of language. The poems are both visual and musical, Michèle Métail experimenting with the various possibilities offered by the poetic medium. It is particularly the case with « a series of works of larger dimensions » entitled Gigantextes. Those texts are literally made of images, as they promote the visual quality of writing and use the very materiality of the medium to convey meaning; those creations are thus presented in an exhibition, and not merely in a publication. They are definitely not limited to the traditional space of text and book and rely on media, semiotic, institutional transfers this paper offers to analyse., Née au début des années 1970, la poésie de Michèle Métail est accueillie aussi bien à l’OuLiPo que dans les milieux de la poésie sonore. Pratiquant l’écriture à contraintes, mais attentive à la matérialité graphique et acoustique du langage, cette poésie à la fois sonore et visuelle aime à expérimenter les potentialités poétiques des supports qu’elle investit. C’est notamment d’une le cas d’une « série d’œuvres de grandes dimensions » : les Gigantextes. Ils sont intrinsèquement « matière d’images » en ce qu’ils promeuvent la visualité de l’écrit, font de leur matérialité médiatique un élément de la signification du poème et choisissent l’exposition comme mode de publication. Ainsi, en déplaçant et en agrandissant l’espace traditionnellement et culturellement dévolu au texte, à savoir le livre, ils opèrent des transferts médiatiques, sémiotiques et institutionnels de l’écrit que l’article se propose d’analyser.

International audience

International audience; Since the middle of the XX th century, paper or object collage is a modality of Visual poetry. In experimental poems, the heterogeneity of fragments, which defines the collage, is added to the heterogeneity of processes and arts in presence (writing, painting, photography, etc.). Alfonso López Gradolí is certainly the only author who practices the collage with such a constancy. He published in 1971 Quizá Brigitte Bardot venga a tomar una copa esta noche, and in 2013, the anthology Libro de collages. First, we will observe that the heterogeneous objects "stuck" on the page testify of a material, of a past, and in some cases of a central figure o character. The collage is often chosen as a form for homage, in A. López Gradolí's work. But the plurality of "places" (Marc Augé, lieu), mentioned on the page, constructs a new space which transforms and transcends the original places. The collage appears to be a "non-space", a utopia or a heterotopia (M. Foucault). Its internal organization evokes the "troubling strangeness" defined by Freud. The collagist process is the vehicle of phantasms, which enable the emergence of a subjectivity. The page of the collage is converted into the space for a quest of the poetical voice. This is the second aspect we explore in this article. Beneath the heterogeneity of fragments, there is a unique voice, born with the interaction of objects (documents, pictures) and discourse. Some compositions of Libro de collages deals precisely with the artistic and poetic experience of the author. Moreover, the introduction of a subjective perception constitute the main question of the book Quizá Brigitte…, in spite of the fact that it is apparently dedicated to the interlocutory (the actress B. Bardot). The repetition determines the structural dynamic of the book and, consequently, the collage seems to cease the essence of the object. It forms the erotic discourse, close to fetishism, which leads to a will of appropriation and the foundation of a proper an unedited discourse, fed with its relation to the other. Moreover we will observe that the voice seems often fragile. On the collage, blank and empty spaces, aporia, constitute the paradoxical space, yet necessary to the voice. In the collage, there is contrary dynamic: chock of the multiple fragments for the construction of a unique voice, strangeness and recognition of the objects, identity and permanency of the subject. Résumé : Depuis le milieu du XXème siècle, le collage de papiers ou d'objets constitue une modalité de la poésie visuelle. A l'hétérogénéité des fragments définitoire, du collage, la poésie expérimentale ajoute celle des procédés et des arts en présence. Alfonso López Gradolí est certainement le seul à avoir pratiqué le collage avec une telle constance. Il publie en 1971 le recueil Quizá Brigitte Bardot venga a tomar una copa esta noche, puis, en 2013, l'anthologie de collages Libro de collages. Premièrement, nous observerons que les objets 2

International audience

In this analytical research paper, the notions of narrator and narration in poetry are discussed in order to identify why the terminology in this particular genre is considered as problematic by most theorists. In its theoretical section, this paper focuses on Philippe Lejeune’s autobiographical and biographical pacts, and shows the limits of the two reading contracts in the poetical genre. Then, on the background of Brian McHale and Stefan Kjerkegaard’s works on segmentivity, this paper explains the narrative process that can be found in the visual form of poetry. Finally, discussing Brian McAllister and Marie-Laure Ryan’s works on narrativity, this study explains that a story is a mental image that the transposition to a media will transform in order to best represent according to its own limits. In its analytical part, and mirroring the theoretical part, this study focuses on identifying the narrator, the narrative process, as well as the degree of narrativity of four poems by David Diop, Charles Pennequin, Ilse Garnier and Pierre Garnier. Thoses poems, chosen on the ground that they are good representative examples of narrative poetry, lyric poetry and visual poetry, help test the theories in practice. The results show that in the narrative poem, although the identity of the narrator is hard to establish, the narrative process is clear and the degree of narrativity is high. In the lyric and visual poems on the other hand, even if the segmentivity theory helps ‘reconstruct’ the narration when linking words are missing, the difficulty to identify narrative events in the lyric poem and a story world in the case of the visual poetry makes the emergence of a story world, and in turn of a narrator, problematic.

This thesis intends to import the term "readymade", historically derived from the visual arts, and particularly the work of Duchamp, in poetry in order to define and study the literary equivalent of this type of artwork. We intend to bring about a full class of poetic objects called "ready-made poetry", not reducible to other closes categories such as plagiarism or collage, that it is too often treated in order to make update the specific problems posed by the existence of such objects in poetry. Like Duchamp's ready-made, these practices disrupt the traditional conception of poetry and poetic writing. The ready-made poem is testing the tools with which we are accustomed to consider the poetic fact, both for its intersemioticity that its mode of operation in the second degree and the calling of dimensions witch are currently not considered as meaningfull like the medium. He thus invites us to consider the poem less as "text" than "device". Therefore, the ready-made poem comes to provoke a "fall of paradigms" (Thierry de Duve), in the sense that the categories underlying the doxic definition of poetry and the poetic are damaged. But less than a tabula rasa, the ready-made poem carries more an exemplification of the "poetic" and its "ticks" by the staging of the main elements of the orthodoxy., Cette thèse se propose de circonscrire et d'étudier les équivalents littéraires du ready-made duchampien dans la poésie moderne et contemporaine. historiquement issu du domaine des arts plastiques, cette pratique connaît des équivalents poétiques depuis le début du vingtième siècle (cendrars 'dernière heure') sans que l'on puisse pour autant toujours parler d'importation ou d'appropriation de la part des poètes concernés. on essaiera ainsi de définir l'appellation de << poésie ready-made >> dans un sens davantage générique que proprement généalogique, à l'aide de critères permettant de la distinguer de pratiques proches comme le plagiat ou le collage. on essaiera de montrer que, tout comme le ready-made duchampien, ces pratiques bouleversent la conception traditionnelle de la poésie et de l'écriture poétique. qu'on l'envisage en termes de production (le geste d'écriture se voit nié et remplacé par un geste de sélection / prélèvement / déplacement d'éléments non littéraires) ou en termes de réception (les effets de sens du ready-made en poésie reposent en grande partie sur des logiques non discursives, et l'objet déplacé n'est pas nécessairement écrit), la définition du << poétique >> se voit mise en question, amenant par là-même à une << chute des paradigmes >> (thierry de duve), ce qui pose alors la question de savoir quels outils peuvent être mis en place pour analyser ces objets et leur fonctionnement.

The paper discusses the image of the starry sky in Japanese visual poetry. The starry sky is a central theme in Western concrete poetry. The constellation is not only a poetic subject (the cosmos), it also leads to a specific layout of the written text that tries to create an energetic relation between the words similar to the one that links the stars in the sky. Japanese concrete poets too have referred to the constellation. Focusing on works by Niikuni Seiichi, Yamanaka Ryo, Pierre Garnier and Yoshizawa Shoji, the paper shows how the poets played with the written character and the surface of the paper, giving new interpretations of the relations between poetry and writing., L'article s'intéresse à l'image du ciel étoilé dans la poésie visuelle japonaise. Le ciel étoilé est un thème privilégié de la poésie concrète occidentale. La constellation, si elle correspond à un sujet poétique (le cosmos), induit aussi en effet au niveau du support du texte écrit une mise en page particulière, qui vise à créer entre les mots un rapport d'énergie analogue à celui qu'entretiennent les étoiles dans le ciel. Les poètes concrets japonais ont repris à leur compte cette référence constellative. A partir de poèmes de Niikuni Seiichi, Yamanaka Ryô, Pierre Garnier et Yoshizawa Shôji, l'analyse tente de montrer comment ils ont joué dans leur œuvre des relations entre l'écriture et le support, apportant une dimension nouvelle aux relations entre poésie et écriture.

The paper discusses a selection of visual poems linked by a common theme: rain. The author draws a general picture of Japanese visual poetry since the 60's, and focuses on poems by Niikuni Seiichi (writing as image), Yoshizawa Shoji (writing and graphic design), Yamanaka Ryojiro (typography and calligraphy) and Fujitomi Yasuo (writing and drawing). The comparison with poems by Guillaume Apollinaire and Pierre Garnier also sheds light on some of the characteristics of the ideogram and the alphabet in poetry., L'article examine un ensemble de poèmes visuels contemporains réunis par une thématique commune : celle de la pluie. Après avoir rappelé la situation de la poésie visuelle japonaise depuis les années soixante, l'auteur analyse successivement des poèmes de Niikuni Seiichi (l'écriture comme spectacle), Yoshizawa Shôji (écriture et graphisme), Yamanaka Ryôjirô (typographie et calligraphie) et Fujitomi Yasuo (écriture et dessin). La comparaison avec des poèmes de Guillaume Apollinaire et de Pierre Garnier permet pour finir de mettre en lumière quelques-unes des spécificités de l'idéogramme et de l'alphabet en poésie.