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Reseña del libro: Orobon, Marie-Angèle, Campos Pérez, Lara, Sánchez Collantes, Sergio y Mira Abab, Alicia (coords.), Diccionario simbólico del republicanismo histórico español (siglos XIX-XX). Granada, Editorial Comares, 2024, 393 pp. ISBN: 978-84-1369-723-9.

Los rasgos políticos, culturales y económicos que caracterizan a la sociedad del siglo XXI, han permitido el surgimiento de la llamada sociedad digital la cual se caracteriza por el uso dominante de las tecnologías de la información y comunicación para el desarrollo de actividades tales como investigación, comunicación, compartir conocimiento e información, producir, entre otros. En este marco, el presente trabajo tiene por objetivo diseñar y programar una aplicación de tecnología inmersiva de realidad aumentada que permita la visualización de iconografía en 3D para informar sobre el riesgo de vida a los que están expuestos los ocupantes del edificio caso de estudio. Para ello se trabajará con una metodología cuasi-experimental que combina procedimientos de diseño, programación y verificación a través de prueba y error. Concluyendo que es posible integrar la iconografía sobre riesgo sísmico edilicio para su visualización en la aplicación de realidad aumentada.

RESUMO Este artigo apresenta informações de um estudo iconográfico – pautado no campo da abordagem qualitativa, orientado pela questão “quais as representações do cuidar/cuidado humano presentes em uma pintura da Renascença?” – cujo objetivo foi identificar a(s) representação(ões) do cuidar/cuidado humano expressa(s) por uma pintura renascentista. A arte desenvolvida no Renascimento teve um caráter científico devido aos conhecimentos da Matemática, Física, e outras áreas, inseridos nela. Os resultados do estudo da imagem produzida por material artístico – iconografia – permitiram, através da análise iconográfica, desvelar o cuidar/cuidado humano sob a forma de compaixão como sendo o verdadeiro significado da pintura O Bom Samaritano (1550-1570) de Jacopo Bassano. Outras variantes de cuidar/cuidado foram identificadas, confluindo para a representação do cuidar/cuidado manifestação da vida. Palavras-chave: Arte, saúde, cuidar/cuidado humano, Renascimento, iconografia

Se presenta y analiza una pieza romana excepcional de bronce y plata hallada en los niveles superficiales de la villa tardorromana de Tarancueña (Soria) durante la excavación arqueológica de 1979. Esta excavación constituye hasta ahora la única referencia científica sobre dicha villa, dado que las excavaciones posteriores, mucho más amplias, no se han publicado y su documentación está perdida. Tanto los datos de 1979 como lo poco que se conoce de los posteriores apuntan a una ocupación relativamente corta de la villa, a caballo entre los siglos IV y V. Los edificios parecen haber sido abandonados de forma súbita y haberse luego derrumbado paulatinamente, sin ninguna huella de destrucción intencionada. El asa de bronce consta de una escultura superior de un grifo, unas abrazaderas laterales del vaso (que no fue hallado) con volutas y cabezas de ánade, y un asa de agarre inferior que termina en una cabeza de hombre barbudo, posiblemente Sileno. El bronce fue decorado con incrustaciones lineales de plata en varias de sus partes. Todo ello hace referencia a los rituales sociales de consumo del vino, cuyos protectores eran los grifos y el dios Baco. El asa se encontró en superficie, por encima de uno de los muros de la posible pars urbana de la villa, luego no tenía ninguna relación estratigráfica con ésta. Además, del análisis estilístico se deduce su segura cronología alto-imperial, por lo que la pieza fue probablemente conservada durante varios siglos como una posesión valiosa. Al no haber sido hallada en niveles de ocupación, su presencia en el yacimiento queda sin explicar del todo (¿tal vez parte de un escondrijo de piezas valiosas esparcidas por el arado?) y originalmente podría haber procedido de la importante y cercana ciudad de Tiermes o quizás de un posible asentamiento romano situado en el mismo pueblo de Tarancueña, todavía sin investigar.

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A 19 de janeiro de 1919, tropas revoltosas proclamaram, no Porto, a reinstituição da Monarquia, logo seguidas por outras guarnições do norte de Portugal. O domínio monárquico em quase todo o norte do país, em particular do Porto, não teve equivalente a sul. A confrontação que se seguiu entre os revoltosos monárquicos e os republicanos levou ao fim da Monarquia do Norte a 13 de fevereiro. A investigação que aqui se apresenta visou desvelar, por meio de um estudo quantiqualitativo, a estrutura do discurso iconográfico que a Ilustração Portuguesa, única revista ilustrada coeva de grande circulação, construiu sobre esse episódio. Partiu-se da hipótese de que o discurso da Ilustração Portuguesa se alinhou com o poder governamental republicano, que controlava a capital, sede da revista e a maioria do território do país. Os dados permitiram validar a hipótese. A narrativa iconográfica da revista glorifica a República e os seus “heróis”, transformando a publicação num instrumento de “infopropaganda” ao serviço do poder estabelecido em Lisboa.

Bones and ivories objects from the late imperial age are today considered items of great and artistic value. A production linked to the wealthiest backgrounds, which began around the 1st century b.C. and over at the beginning of the Vth, in a rich repertoire of images and symbols con-nected mostly to the pagan world and which find their production in orien-tal craftshops of the Empire, heirs of the great Hellenistic culture, dear above all to the high imperial and to its propaganda.

The frescos that adorn the residences of the eighteenth century Palermitan aristrocacy are among the most interesting artistic testimonies of that age, not only because they celarly express the evolution of the taste from baroque to rococo and neoclassic style, but also and above all because they allow us to reconstruct peculiar traits and aspirations of the nobility. Princes and barons, always committed in claiming their political role e their status, hired the artists in vogue in the city to convey self celebrating messa-ges in glories, triumphs, mythological and literary scenes.

In the Middle Ages, the dimension of the imaginary often confu-sed the perception of reality with a process of abstraction. In this way, the representation of a cathedral could at the same time be the very idea of the cathedral. The imaginary was part of the field of representation not as sim-ple reproduction but as the transposition of an internal dimension. In art, as in literature, real representations are often used to evoke imaginary con-cepts. The dimension of the imaginary was accompanied by that of the symbolic, which consisted in the reference of the object considered to an implied, historical and ideal system of values.

Las virreinas novohispanas estuvieron presentes en alegorías y jeroglíficos en los programas iconográficos de los arcos triunfales levantados para los virreyes en las ciudades de México y Puebla. Este texto analiza los personajes asignados por los ideólogos de los arcos, especialmente de la segunda mitad del siglo xvii, que utilizaron a menudo a figuras femeninas amantes o esposas de los héroes y dioses con los que se paragonaba al virrey. A estas mujeres y diosas de la mitología grecorromana se les atribuían una serie de virtudes acordes a lo que se esperaba de la virreina: piedad, sacrificio, armonía conyugal, fertilidad, belleza y, además, se encomiaba sus ilustres y elevados linajes.

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La moneda romana presenta una gran variedad de mensajes iconográficos que muestran la gran relación que hubo entre la religión tradicional, la transmisión de mensajes por parte del Estado y la moneda. En este artículo se analizan algunos de estos mensajes y la vinculación existente entre la moneda y el sacrilegio. Para ello se han seleccionado piezas clave dentro de la amonedación romana tardorrepublicana y altoimperial, abarcando un marco cronológico que data, de manera aproximada entre el 133 a.C. y el 192 d.C. y se ha estudiado la vinculación existente entre los tipos expuestos y su contexto sociopolítico.

La presente investigación tiene como objetivo de estudio la iconografía del llanto de Isis y Neftis en conjunción con la literatura funeraria de época ptolemaica y romana donde se nos habla del duelo de las Dos Hermanas. Aunque el dolor de ambas diosas por la muerte de Osiris no quedó restringido a la literatura funeraria del periodo ptolemaico, parece que fue entonces cuando este tema se desarrolló con mayor detalle. Para realizar este estudio se han tenido en cuenta los textos de Las glorificaciones, entre los cuales se hallan los conocidos como Las lamentaciones de Isis y Neftis, al mismo tiempo que las representaciones de Isis y Neftis en diferentes soportes hallados en contexto funerario. La iconografía de las dos diosas nos muestra alusiones a los textos funerarios, la utilización del llanto como un elemento ritual para garantizar la pervivencia de la persona difunta en el Más Allá. Acentúa, además, la identificación del muerto con Osiris a través del arte pictórico y los rituales funerarios.

Analisar, descrever e classificar as realizações do homem consideradas cultural e socialmente arte é refletir sobre as experiências e os efeitos estéticos em diversos contextos ao longo da história e, principalmente, sobre os juízos de valores e imagem culturais. Nesse sentido, este artigo aborda a consciência histórica como um fenômeno coletivo desenvolvido pela cultura ocidental moderna ao encontro de um novo contexto, atual e decolonial. Por meio de uma revisão da literatura sobre a formação das disciplinas Estética e História da Arte, objetiva-se interpretar o significado da arte como imagem formadora dos ideais contemporâneos para um mundo sustentável, valorizando as diferenças como proposta de revisão do conhecimento estabelecido pelo ocidente, considerando novas narrativas com foco nos estudos da cultura visual para a formação de uma história inclusiva da arte. Para isso, os efeitos desse novo contexto são discutidos mediante a experiência estética sobre os desafios da construção de conhecimento ao se reverem os principais valores da cultura ocidental. Assim, conclui-se por meio desta análise que é necessário interpretar as transformações culturais pelas artes em relação às mudanças materiais, éticas e estéticas que envolvem a consciência histórica e novos desenvolvimentos para conhecimento em humanidades nos ambientes ocidentais e não ocidentais.

Dentro de los objetivos del presente artículo tenemos la tarea de exponer una comparación de algunas estampas de Francisco de Goya con imágenes disponibles del arte sacro en la época del artista que ofrecen poses muy similares de los personajes centrales respectivamente. Se va a realizar la descripción iconográfica de las estampas a comparar para encontrar los detalles que nos hablan en algunos casos de posibles relaciones directas, o en otros, de estilos comunes presentes en las representaciones del arte religioso en general y su presencia en la obra de Goya. La metodología se centra en los planteamientos para los estudios en tres etapas de Erwin Panofsky y con ello nos referimos a las etapas pre-iconográfica, iconográfica y la iconológica. Se consideran en este análisis elementos que mantienen posibilidades de asociación en el terreno interpretativo de acuerdo al contexto histórico y social de producción de las obras. La recuperación de elementos propios de una tradición iconográfica religiosa no siempre se realiza desde una sola perspectiva, sino de varias.

Review about Iván Rega Castro and Borja Franco Llopis´new book; Imágenes del islam y fiesta pública en la corte portuguesa. De la Unión Ibérica al terremoto de Lisboa, (Gijón: Ediciones Trea, 2021), 198 págs., (ISBN 978–84-18105–46 3).

This article proposes the thesis that Ignatius of Loyola was a radiant saint, an idea based on the visual strategies employed by the Society of Jesus in its Roman projects of the Seicento. This corporate cult image was originated in the literary and graphic sources of the order from the late 16th century, and was divided into two normative images: scenes in which Ignatius was enlightened by various divine apparitions; and scenes in which Ignatius himself shone. For the Jesuits, their founder was the prototype of the mystical saint enlightened by divinity, and this radiance became one of the most important visual markers of Jesuit iconography.

A partir del análisis de la obra fotográfica y en particular de la serie Mujeres de México de la artista polaca-norteamericana Bernice Kolko, el propósito de este texto es deconstruir una de las narrativas de violencia que han sufrido las mujeres y, en particular las mujeres mexicanas, la violencia de la representación negada en la iconografía nacional posrevolucionaria. Mediante el acercamiento histórico al contexto posrevolucionario, a la vida y obra de la fotógrafa, y a dicha serie, se ausculta un imaginario cargado por las disímiles prácticas y costumbres de un México profundo, conformado por aquellos que han sido expulsados de las imágenes históricas. Este texto pretende poner de relieve el aporte que hizo esta artista al testimoniar y visibilizar parte de la historia social de las mujeres mexicanas de los años cincuenta.

Este artigo tem por objetivo analisar como a iconografia com temática musical, encontrada nos vasos cerâmicos de origem grega, especialmente do Período Clássico, pode ser vista como fonte para a interpretação e compreensão sobre o rol social ocupado pela música na cultura ateniense, sobretudo do século V a.C. Valendo-se da representação de figuras executando instrumentos musicais em contextos cotidianos, esse tipo de documentação nos permite entender os espaços da cidade em que a música era elemento cultural presente, bem como o papel do músico nesses contextos. Dessa forma, valorizamos também o papel dessas imagens dentro daqueles mesmos contextos, como registro da vida cotidiana e de uma mensagem a ser transmitida publicamente. Para tanto, tomamos para análise o testemunho dos vasos de formas tipicamente relacionadas ao contexto nupcial, os lebes gamikos, de uso exclusivo das cerimônias matrimoniais, e os loutrophoros, cujo uso é relacionado a ritos nupciais e funerários.

En este artículo abordamos las imágenes de la esclavitud en Brasil en el período colonial y en los inicios del Imperio, analizando las representaciones realizadas por los artistas que acompañaron al gobierno de Mauricio de Nassau durante la ocupación del nordeste de Brasil por los holandeses, de 1637 a 1644, y el Brasil retratado por el artista de la Misión Francesa Jean-Baptiste Debret, entre 1816 y 1831. Estas imágenes se inscribieron en el imaginario común y han sido constantemente reeditadas, contribuyendo a establecer el etnocentrismo que se ha arraigado en la literatura científica y popular, produciendo huellas indelebles en el diseño de la identidad cultural del país. [pt] Neste artigo discutimos as imagens da escravidão no Brasil no período colonial e no início do Império por meio da análise das representações feitas por artistas que acompanharam o governo de Maurício de Nassau durante a ocupação do Nordeste do Brasil pelos holandeses, de 1637 a 1644, e o Brasil retratado pelo artista da Missão Francesa Jean-Baptiste Debret, entre 1816 e 1831. Tais imagens foram inscritas no imaginário comum e têm sido constantemente reprisadas, contribuindo para firmar o etnocentrismo que se enraizou na literatura científica e popular, produzindo traços indeléveis no desenho da identidade cultural do país.

Este artigo analisa uma iconografia milenarista protestante conhecida popularmente como O plano divino através dos séculos. Afinal, que história é “relatada” nos limites de seu enquadramento? A fim de tratar dessa questão, empreendo uma leitura antropológica de inspiração estruturalista, cujo objetivo é demonstrar que a oikonomia de O plano divino opera como uma “máquina de suprimir o tempo” com predileção para uma urgência do “fim dos tempos”. O argumento central consiste, pois, em demonstrar que o esquema mítico dessa iconografia milenarista pode ser lido como uma específica filosofia da história, isto é, um sistema teleológico especulativo e variável em diferentes contextos.

Della statua in terracotta di Eracle conservata nel Museo d’Arte rimane la testa coperta dalla leonté e parte del busto. La provenienza dell'opera è sconosciuta, ma il suo inquadramento stilistico e formale suggerisce una datazione entro la metà del IV secolo a.C. e un’attribuzione a ambiente etrusco-laziale. L’insieme della fronte ampia, del mento pronunciato nel quale si inscrivono tratti del volto di dimensioni contenute e la leonté simile più a un elmo sembrano distaccare questa particolare apoteosi dalle altre finora note. The head covered by the lionskin, and part of the bust are what remains of the terracotta statue of Heracles preserved in the Art Museum. The provenience of the work is unknown, but its stylistic and formal details suggest an attribution to an Etrusco-Latial environment of the fourth century BCE. The combination of the broad forehead with the pronounced chin, in which are inscribed facial features of smaller dimensions, and the helmet-like lionskin seem to distinguish this particular apotheosis from the others known so far.

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O monarca Juba II (25 a.C - 23 d.C) emitiu várias séries de moedas com a iconografia da Vitória, sugerindo sua participação em algumas campanhas militares. Analisamos e estudamos estes tipos para propor hipóteses sobre o que foram esses conflitos.

Una de las acepciones de galería es la de un recinto para la exposición de obras de arte. Una obra de arte es una creación, en tanto propuesta estética, contenida de un discurso y estilo que hace uso de los materiales que le son propios; por ejemplo, la pintura o la escultura. En esta oportunidad la sección Galería de Mayéutica revista científica de humanidades y artes quiere contener, como parte del homenaje a la figura de Juan Francisco Sans, aquella que de forma sistemática se permitió realizar en el ámbito de la musicología y que resulta vasta por demás. Su utilidad y relevancia la convierte en un referente imposible de eludir y, quizás, "todos los caminos" conduzcan a ella. Este aporte, actualizado, fue cedido amablemente por su cónyuge, Mariantonia Palacios. Ha sido concebida en tres espacios; a saber: Sala1: In memoriam; Sala 2: Biografía y Sala 3: La elegancia de un legado.

Este ensayo tiene como objetivo el análisis narrativo de las representaciones contemporáneas más paradigmáticas de autómatas, robots, androides/ginoides, cíborgs o replicantes existentes en los ámbitos cinematográfico y televisivo. A través de diferentes técnicas –como el Matte Painting, 3D, VFX, CGI o Motion Capture–, los ejemplos escogidos provocan la más inquietante y desgarradora distopía posible: la del humano-no humano; unos engendros cuyos cuerpos se rinden a la voluntad del propio artificio, tendiendo en algunos casos hacia su transformación final en un complejo algoritmo. Para ello, se han seleccionado una serie de títulos a través de los cuales exploraremos diferentes vías: tanto la trasposición corporal de lo diferente en una serie de universo(s) futuro(s) imaginado(s), como la deconstrucción de la realidad-real, fuente de todo mundo alternativo –metaverso–; así como la disociación de identidades, elemento que supone el primer paso hacia la deconstrucción total del ser, cobrando forma bajo los parámetros narrativos, iconográficos y estéticos del cine. Para ello, se ha optado por la aplicación de una metodología analítico-estructuralista e interpretativa, propia de la disciplina de las artes y las humanidades. Su desarrollo conducirá al planteamiento de una sugestiva conclusión procedente del estudio textual de esas presencias: la existencia de una singular profecía en la que el ser humano, que ya no lo es tanto, puede eternizarse para así vencer su obsolescencia natural y biológica otorgada desde su tradicional nacimiento.

El término mainstream está relacionado, en la cultura popular, con aquellos iconos del cine, del arte y de la política que se han extendido en un mundo globalizado gracias a los medios de comunicación y la publicidad y que han trascendido las décadas y resurgido en diferentes momentos de la historia. La presente investigación tiene como objetivo observar la manera en la que los usuarios de redes sociales crean contenido propio empleando los iconos culturales escogidos (Frida Kahlo, Che Guevara, Marilyn Monroe y Pablo Picasso). La metodología posee un enfoque mixto, que acude a variables cuantitativas: número total de publicaciones, alcance, impacto, conexión emocional (engagement) y al análisis de contenido cualitativo, para averiguar los valores que mayoritariamente se atribuyen a cada uno de estos iconos en los medios sociales (social media). Como principales hallazgos, el análisis de contenido revela que las publicaciones se usan casi exclusivamente como homenaje e identificación de marca (branding); que Frida Kahlo es el personaje más utilizado para la venta de arte y moda, y con el que más se identifica la gente joven (20-30 años); y que las imágenes del Che y Marilyn Monroe son las que más “me gusta” (likes) y comentarios obtienen, lo que genera más interacción y conexión emocional, especialmente entre el público de 35-45 años. En relación con el análisis de los valores más representados en las publicaciones (que fortalecen un discurso masivo), se comprueba que el arte es el intangible más utilizado para personificar a Frida y Picasso, mientras que el patriotismo y la libertad están más vinculados con el Che, y el amor, la belleza y la sensualidad con Marilyn.

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The inscription on the portrait preserved in the desert of San José de las Batuecas (La Alberca, Salamanca) identifies Saint Teresa of Avila at the age of 61. It is a late representation that resembles the vera effigies painted in Seville in 1576 by Jan Narduck, an example of how the prototype spread, mixed with new engraved themes in the 17th century. The peculiar combination of historical and biographical attributes on this panel -inscribed names and figures, physiognomic features, landscape - enables to identify the anachronism as part of the artistic mechanisms or artifices employed in the manufacture of historical and devotional images. They were created to make people believe in the reality they depict, and in the legitimation of the worship that they promote.

Las pinturas del santuario de Nuestra Señora de Guaditoca en Guadalcanal constituyen un ejemplo paradigmático de pintura mural andaluza de finales del XVIII. En este artículo se abordan el análisis del estado de conservación de las pinturas y un diagnóstico pormenorizado, así como el avance de los criterios y metodología para su intervención. Un trabajo que plantea la lectura del programa iconográfico, hasta el momento inédito, desde su reconocimiento arquitectónico e histórico como bien cultural hasta su caracterización y tutela patrimonial. Su necesaria puesta en valor y consiguiente protección se fundamentan en una urgente intervención de carácter científico-técnico.

La escena de caza y pesca en el pantano es uno de los motivos iconográficos más extendidos en la decoración parietal de monumentos funerarios. Este artículo analiza su presencia en las tumbas tebanas de la dinastía XVIII con el propósito de identificar sus componentes iconográficos y textuales y comprender su significado de una manera integral. El trabajo de análisis de una base de datos permitirá reconocer los rasgos característicos de la escena con el objetivo último de analizar su ocurrencia en la tumba de Amenmose (TT318) en Sheikh Abd el-Qurna, un cantero de Amón que vivió en tiempos de Tutmosis III-Hatshepsut. Dado el estado fragmentario de conservación de la imagen, esta investigación procura contribuir a su reconstrucción por medio de la comparación epigráfica e iconográfica y esbozar una interpretación sobre su representación en el monumento.

En las últimas décadas se ha incrementado la frecuencia de fenómenos naturales de riesgo y la gravedad de sus impactos. Esto ha desencadenado avances en la gestión de la seguridad sísmica de los edificios, sus sistemas esenciales y el estudio de los riesgos de las amenazas naturales. En este marco, el presente trabajo tiene por objeto elaborar iconografía y aplicarla en un software de tecnología inmersiva de realidad aumentada, para visualizar el riesgo sísmico edilicio. Para ello se trabajará con una metodología cuasi-experimental que combina procedimientos de análisis teóricos y actividades prácticas de prueba y error. Se concluye que es posible integrar la iconografía y realidad aumentada, como así también, es factible visualizar los riesgos y reconocer las amenazas en el caso, especialmente relevante, de edificios educativos.

Editorial introduction to "Imago, ius, religio. Religious Iconographies in Illustrated Legal Manuscripts and Printed Books (9th-20th Centuries)". The aim of this monographic issue is to analyse the use of religious iconographies in legal manuscripts and printed books, to create a basis for discussion and exchange on the diverse artistic, historical, and social aspects of these iconographies. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El castillo-convento de Penyafort (Santa Margarida i els Monjos, Barcelona) es un edificio declarado Bien Cultural de Interés Nacional (BCIN) con una secuencia de ocupación continuada entre los siglos XI y XX. Tras la adquisición del conjunto en 2002 por parte del ayuntamiento de Santa Margarida i els Monjos, se ha llevado un proceso de estudio histórico y arqueológico, y diversos trabajos de restauración y puesta en valor. Durante el transcurso de los mismos, el estudio de los paramentos y la estratigrafía vertical del enclave reveló la existencia de un conjunto de grafitos de los siglos XVII y XVIII que ilustran algunas escenas hagiográficas, navales y costumbristas. En este trabajo presentamos los resultados obtenidos, reflexionamos sobre las propuestas metodológicas para la documentación de este tipo de restos arqueológicos y analizamos su trascendencia como elemento patrimonial de alto valor.

En este trabajo se propone una posible identificación del tema representado en uno de los cuadros que formaron parte de la serie pictórica que Murillo pintó hacia 1645 para el claustro de la portería de la Casa Grande de San Francisco de Sevilla y se analizan las implicaciones de dicha propuesta.

Este artículo aísla metódicamente las figuras que en la pintura dan la espalda al espectador a partir del Trecento. Son motivos minoritarios, pero semánticamente fértiles, que renuevan los esquemas iconográficos y generan un nuevo orden visual y, por ello, son un caso de estudio paradigmático para explicar algunos de los fundamentos y problemáticas de la estrategia semiótica de análisis de la imagen. La semiótica visual estudia las figuras dorsales como signos abiertos y proxémicos que tienen en la vida referentes culturales y sociales, y referencias lingüísticas y conceptuales en la literatura, pero también producen significados desde su propio medio pictórico porque las imágenes denotan y connotan con autonomía de sentido.

El objetivo de este trabajo es contribuir con la caracterización de los estilos cerámicos utilizados durante el Período Tardío en el Noroeste argentino a partir del estudio de un conjunto cerámico obtenido en el sitio Loma l´Ántigo, un poblado residencial ocupado entre fines del siglo XIII y fines del siglo XV, situado en el valle del Cajón (Catamarca, Argentina). Se describen y analizan las características estéticas visuales -morfología, tratamiento de superficie, iconografía- y se presenta una caracterización a bajos aumentos de las pastas. Estos resultados son puestos en relación con lo conocido en regiones vecinas, y a partir de ello se plantea la existencia de patrones estéticos y tecnológicos compartidos que atraviesan diferentes espacios geográficos y también cruzan las categorías estilísticas planteadas tradicionalmente para el área y período cronológico mencionados.

El Trienio constituyó un hito en la historia española: durante tres años, la monarquía pasó de ser absolutista a liberal, y las ideas del Cádiz de 1812 pudieron por fin ponerse en práctica. Pero el haber tomado el poder no suponía haber conquistado las mentalidades: entre los muchos desafíos con los que lidiaron los nuevos dirigentes figuraba el de implantarse en el panorama político de su tiempo. El presente artículo se propone explorar una de las estrategias de legitimación empleadas por los liberales para conseguirlo –la escenificación de la génesis de su ideología–, estudiando el repertorio iconográfico al que recurrieron. A través de estampas de distinta índole, veremos cómo se realzan los orígenes del Trienio. Y veremos cómo la retórica visual desplegada se inscribe en una tradición ampliamente europea.

La niña Sol Albizu cursó entre 1965 y 1974 los estudios de Primaria en el Colegio Nacional Gayarre de Barcelona (España). De 1970 a 1974 Albizu siguió los tres últimos cursos de Primaria y el primero de Comercio, entre los 10 años y los 14 años de edad. Recopiló en cuatro tomos los cuadernos de estos cuatro cursos. Contienen los dictados, redacciones y cuestionarios de Gramática, Geografía e Historia, Ciencias, Matemáticas, Religión, Política y Costura. Este material histórico es una colección privada que permite reflexionar sobre la ideología totalitaria, militarista y sexista en el franquismo tardío. Los cuadernos tienen el interés de recopilar un corpus de textos y de iconografía escolares de la dictadura franquista. Estos escritos y dibujos reflejan los trazos de una ideología totalitaria, militarista, teocrática y sexista. En 2006 dimos a conocer muestras de dichos cuadernos en el web www.sant-cugat.net/laborda/franquismo.htm. El objetivo de nuestro estudio es analizar los ejercicios y dibujos de los cuadernos. En él sostenemos la tesis de que la enseñanza durante la década de 1970 fue similar a la del inicio del régimen, en la década de 1940. Este anacronismo resulta una rareza cuyas causas presentamos en esta investigación.

Estudio iconográfico de la iluminación de los dos primeros folios de la copia manuscrita de la segunda edición de las Introductiones latinae de Antonio de Nebrija. Por medio del análisis de algunos motivos e imágenes de la pintura y de la mentalidad de la nobleza a través de algunos tratados castellanos cuatrocentistas, se ha realizado una nueva interpretación de la imagen dibujada por el miniaturista en los dos primeros folios de este manual de gramática latina, texto que formó parte de la biblioteca del último maestre de la Orden de Alcántara, don Juan de Zúñiga y Pimentel, y que hoy se conserva en la Biblioteca Nacional de España. Este artículo nos acerca a la historia cultural de finales del siglo XV, al valor de la sabiduría como símbolo de prestigio y de poder y a la virtud del noble caballero que alcanza la fama por el saber y por la protección de los sabios y letrados.

Review of Barbara A. Kaminska's book, Images of Miracolous Healing in the Early Modern Netherlands, which is about the subject of illness, healing, medical profession and loss of one of the five senses in 16th-century Flemish and Dutch society, its consequences and its visual representation.

El ms. 154 de El Burgo de Osma, el primero conocido del Fortalitium fidei de Alonso de Espina, contiene una serie de representaciones relacionadas con distintas guerras libradas entre cristianos y musulmanes a lo largo de la Historia, en su mayoría desconocidas hasta ahora. Este artículo propone el análisis iconográfico de esa iluminación, y su encuadre en el estudio de la iconografía bélica desarrollada al final de la Edad Media en la península ibérica. El interés preferente de este trabajo se centra en las escenas de batalla, así como en la complementaria relación entre textos e imágenes que originan las narraciones plásticas del conflicto, y que, en su caso, nos ayudan a su identificación y contextualización historiográfica.

Este texto aborda el tema artístico de la mujer como encarnación de la muerte a través del motivo del cadáver femenino en la película La autopsia de Jane Doe (The Autopsy of Jane Doe, André Øvredal, 2016). La construcción del personaje de la mujer muerta se apoya en el estereotipo de la mujer fatal, entroncando con iconografías misóginas que demonizan la sexualidad femenina mediante el vínculo entre maldad y carnalidad. En el análisis iconográfico se analizan críticamente desde un enfoque feminista productos culturales que encuentran su razón de ser en una condición generizada de la maldad, tomando conciencia de la ideología que los impregna. La belleza es concebida como trampa o artificio, relacionando el cuerpo femenino con la tentación, el peligro, la muerte y la corrupción. Bajo la cobertura de una narración fantástica, se actualizan viejos clichés moralistas que reposan sobre definiciones estéticas de la belleza/fealdad cargadas de implicaciones patriarcales.

El arte de Amarna presenta unas características y particularidades inéditas en la cultura egipcia. La reina Nefertiti desempeña un papel fundamental en la iconografía amarniense. Ninguna otra reina aparece representada con tanta frecuencia y es apreciable cómo su figura evoluciona a lo largo del reinado de Akhenaton, hasta romper ciertos cánones históricamente establecidos para la realeza egipcia. Uno de los atributos de la realeza más significativo y emblemático es la corona, ornamento de dioses y reyes. La revisión de la iconografía, siguiendo una línea temporal y el análisis de las distintas coronas que porta la reina a lo largo del periodo de Amarna, constituyen un indicador de la importancia que va adquiriendo el personaje, así como una línea de investigación para tratar de determinar el poder que ostenta en cada uno de esos momentos.