Search

Copyright of IBEROAMERICANA. América Latina - España - Portugal is the property of Vervuert Verlag and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Desde que en la década de los años noventa del pasado siglo se creara el neologismo de «turismo oscuro» a la práctica de los turistas por visitar espacios patrimoniales relacionados con el dolor, la pena, la muerte o el trauma, este no ha dejado de crecer. La oferta y la demanda aumentan cada año en este subsector; lo que ha multiplicado las investigaciones de los especialistas, así como los debates sobre las fronteras éticas de su práctica. La realidad, es que algunos de los destinos no corresponden con únicamente con hechos de nuestro pasado lejano y/o reciente, sino con conflictos bélicos actuales, donde la tragedia y el trauma son parte de la vida diaria de los habitantes de un territorio. En este artículo se presenta el estado del sector turístico que denominamos de memoria traumática; sus impactos sociales, culturales y económicos; las carencias de las narrativas en su puesta en valor que están llevando en algunos casos a generar una oferta distópica; y nuestra aportación como posible solución desde el trabajo de la empatía histórica.

Copyright of Revista de Ensino em Artes, Moda e Design is the property of Universidade do Estado de Santa Catarina and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Artnodes is the property of Universitat Oberta de Catalunya and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Investigaciones Turisticas is the property of Investigaciones Turisticas and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

A distopia tem sido um meio significativo de investigar o presente e imaginar o futuro desde o final do século XIX, mudando de forma a fim de se adaptar a novos contextos culturais. Sendo uma crítica à razão instrumental, ela é parte integrante da própria modernidade. Este artigo discute duas obras distópicas, A Canticle for Leibowitz, de Walter M. Miller Jr., publicado em 1960, e a trilogia MaddAddam, de Margaret Atwood, publicada entre 2003 e 2013, dando ênfase às suas concepções de conhecimento, à conexão deste com a religião, e ao papel que ele desempenha na civilização. O objetivo da minha análise é comparar como esses dois textos distópicos abordam questões semelhantes num intervalo de cerca de cinquenta anos.

To explain traumatic events and situations in opposition to the official and prevailing versions, conspiracy theories establish casual links dating back to the past where the plot responsible of the present evil was presumably forged. This relationship with the past has been studied, unlike its other temporal horizon, the future. This article addresses that nexus through the analysis of a corpus of conspiracy discourses about the Covid-19 pandemic. In their references to the hideous social-political implications of the health crisis, three dystopic visions were identified: the world government; the fertility dystopia; and the technodystopia. As the results show, the enunciators are well-versed in using dystopian conventions for criticising power. Moreover, their social and political heterogeneity suggests certain democratisation of futurist imagination. Finally, this kind of conspirationism is prone to reduce the future to a unique grim scenario, an extreme case of defuturization, according to Niklas Luhmann’s terminology. Para explicar hechos o situaciones traumáticas en oposición a las versiones oficiales, las teorías conspirativas establecen conexiones causales que se adentran en el ayer en donde se gestó el complot responsable de los males. Esta relación con el pasado ha sido estudiada, cosa que no ocurre con el futuro. El presente artículo aborda el vínculo del conspiracionismo con el porvenir a través del análisis de diversos discursos sobre la pandemia de Covid-19. En sus descripciones de los regímenes odiosos que se impondrían con la excusa de la crisis sanitaria, detectamos tres visiones distópicas: el gobierno mundial; la distopía natalista; y la tecnodistopía. Su examen permite observar que sus enunciadores critican los poderes establecidos mediante un uso diestro de las convenciones distópicas; segundo, su heterogeneidad acredita cierta democratización de la imaginación futurista; y tercero, el conspiracionismo pandémico se muestra proclive a reducir el mañana a un único escenario calamitoso: un caso extremo de desfuturización según la terminología de Niklas Luhmann.

En este trabajo, nos planteamos preguntas específicas sobre el tratamiento de la infancia en la literatura distópica ecológica contemporánea escrita por mujeres. Nos cuestionamos si, en dicha literatura, los niños son portadores de utopía o si representan la evidencia palpable del desarrollo de la distopía, incluso en sus propios cuerpos. Nos interesa explorar si la literatura puede contribuir a la creación de mitologías ecológicas que ayuden a las nuevas generaciones a visualizar futuros sostenibles. Por último, nos preguntamos qué importancia tienen los vínculos en la creación de estos relatos de lo posible que buscan resistir contra los del apocalipsis. Para responder a estos interrogantes, examinaremos las novelas que componen la trilogía del agua de Claudia Aboaf (Pichonas, El Rey del Agua y El ojo y la flor), Jaulagrande, de Guadalupe Faraj, y Mugre Rosa, de Fernanda Trías.

Este artículo realiza una revisión de la práctica artística y de ciertas narrativas visuales desarrolladas durante el ­período de inicio de la pandemia de Covid-19 (marzo a mayo 2020) concentrándose en proyectos realizados en Chile y España. Mediante una selección de obras producidas durante el confinamiento y la cuarentena, este estudio propone una lectura comparativa entre países con el objetivo de encontrar afinidades y diferencias en las producciones artísticas, analizando cómo desde cada contexto y bajo una mirada particular socioeconómica y política, surgen representaciones tan documentales como metafóricas. Nos focalizaremos en dos perspectivas: por un lado, obras que apelan a un imaginario distópico que sugiere cómo las sociedades, debido a la parálisis global, experimentaron una realidad anómala y amenazante que parecía ficticia; por otro, obras que desarrollan un imaginario ecosocial que esboza una sensibilidad sobre la crisis medioambiental y el actual desequilibrio entre naturaleza/humano. Desde ambas perspectivas se examina cómo las/los artistas, en el encierro, articularon dispositivos reflexivos que retrataron la inquietud ante un porvenir desconocido y la activación de la noción de fragilidad, logrando visibilizar procesos desastrosos tan sociales como ecológicos que ya venían desarrollándose y que parecieron agudizarse con la llegada de la pandemia.

En los Cuentos de la naturaleza de José María Merino, seleccionados y editados por Natalia Álvarez Méndez, destaca el entorno natural no como mero trasfondo sino como protagonista de unos relatos escritos por el escritor leonés a lo largo de su exitosa trayectoria literaria. En la forma fantástica y sobrenatural en que es un maestro, José María Merino enuncia a través de sus cuentos o microcuentos, con tono de fábulas o apólogos, las implicaciones éticas de la consideración de la naturaleza como un ecosistema, es decir, una entidad absoluta y vital. Este artículo indaga en la perspectiva naturocentrista, y a la postre ecocéntrico, propuesta por el escritor. En ella, el ser humano está integrado en la naturaleza, pero la naturaleza se ha convertido, además, con el Antropoceno y el cambio climático, en el núcleo de la historia de la humanidad. Los Cuentos de la naturaleza juegan simbólicamente con los tiempos, las edades a escala humana de la infancia a la madurez, así como la historia futura condicionada por la ficción científica y la anticipación de lo que podría pasar. Asimismo, el tratamiento del espacio a diversos niveles, del cosmos al virus, conduce al relativismo que pone en tela de juicio el antropocentrismo. De hecho, esta poética de la naturaleza gira en torno a una temática más extensa, la de la conciencia: conciencia ecológica con textos que hacen reflexionar al lector, conciencia ética con respecto al medio ambiente y conciencia de la propia naturaleza humanizada. Al fin y al cabo, se parte del supuesto de que esos cuentos, impostando de cierto modo la voz imaginaria de la naturaleza, procuran y logran deconstruir la visión antropocéntrica tradicional del universo.

The position on utopia is the position on reality. Utopia is the theme of many works of art, one can even claim that the arts are the ultimate description of utopia, and the arts strive to achieve utopia. The arts contain utopian elements, and actually, the arts are the completely accomplished version of utopia.

La narrativa distópica ha sido muy explotada en el campo de la literatura, a diferencia de la atención recibida en el ámbito de las artes visuales. En relación a ello, el propósito de este artículo es poner de relieve, desde una perspectiva crítica de la realidad sociocultural cubana, los elementos característicos de la distopía en la obra pictórica de Vicente Hernández. Después de un recorrido teórico-contextual por los nexos entre el constructo distópico y la realidad cubana, el artículo analiza cuatro pinturas representativas de la estética distópica del artista cubano, para concluir sobre la mirada post-apocalíptica del pintor como relato distópico acerca de Cuba. De este modo, la consideración del universo visual de Vicente Hernández pretende contribuir a la promoción del interés por la distopía en las artes visuales y al desarrollo del pensamiento crítico, en momentos donde el espectáculo banal y la corrección política constituyen una parte muy pronunciada de la cultura cubana.

El Estado constitucional es el resultado de una visión del futuro utópica que se desarrolló en los planos filosófico, técnico y literario durante la Ilustración. El siglo XX acabó con el mito del progreso en esos ámbitos, pero los avances técnicos no se detuvieron. Esto ha generado una tensión entre lo utópico y lo distópico determinada por el control o descontrol del poder político y de la tecnología. Las crisis del siglo XXI han hecho florecer visiones apocalípticas que dejan sin fundamento el proyecto del Estado moderno. Sin una visión optimista del futuro el papel del Estado cambia, de ser el catalizador de un proyecto que se implanta en la realidad conducida y modelada por la humanidad pasa a una especie de refugio ante una realidad que supera a las posibilidades de acción de una sociedad en concreto. El papel de la tecnología y el poder es fundamental a la hora de plantear nuevas utopías que sostengan un proyecto político, este es el desafío político de la IA o de proyectos como el transhumanismo.

La digitalización de las comunicaciones sociales y personales desarrollada en las últimas décadas nos han situado ante un terreno desconocido que progresa con una rapidez inédita hasta el momento. La serie de televisión Black Mirror permite reflexionar sobre las repercusiones que esta transformación tecnológica tiene para la sociedad y las relaciones personales. Mediante el análisis textual y de contenido de las 5 temporadas emitidas hasta el momento, podemos establecer los patrones más comunes que han sido representados en la serie, reflejando la transformación de una sociedad agrupada en torno a la pantalla televisiva a una sociedad que utiliza pantallas individuales como herramienta de control y acceso a relaciones personales y sociales.

Escrito por Valiéri Briúsov (1873-1924) e publicado em 1907, “A República do Cruzeiro do Sul” é um conto que descreve a devastação de uma cidade futurista (à primeira vista, uma utopia industrial) erguida sobre o Polo Sul, em virtude da epidemia de uma doença psíquica. Mesmo antes do desencadeamento da tragédia, a Cidade Estelar dificilmente poderia ser considerada uma sociedade ideal: as vidas de seus habitantes eram controladas nos mínimos detalhes por um despótico Conselho formado pelos diretores fabris locais. Trata-se, portanto, de uma narrativa distópica, antecessora de obras mais conhecidas do gênero, como Nós (1924), de Evguêni Zamiátin, e 1984 (1949), de George Orwell, e pioneira da longa e rica tradição da literatura de expressão russa de ficção científica. Briúsov, um dos expoentes do simbolismo russo, surpreende ao fazer uso de um estilo enxuto, mais adequado ao formato jornalístico em que é veiculado o conto. A descrição sintética e até mesmo brusca das atrocidades que se passaram na capital da República apenas intensifica a aversão sentido pelo leitor. Buscamos manter essa precisão na tradução[1]. Além desta versão, o conto também foi traduzido para as línguas inglesa, francesa, alemã, italiana e, mais recentemente, espanhola, tradução esta publicada na edição nº 5 da revista argentina Eslavia em 2020 e realizada por Eugenio López Arriazu. [1] Agradecemos as sugestões e comentários da professora Ekaterina Vólkova Américo.

En este artículo se argumentará cómo, alrededor de la década de 1970, ante el contexto político de los últimos años de represión del franquismo, el gran éxodo rural que se produjo hacia ciudades como Barcelona y el surgimiento de un movimiento ecologista desorganizado en España, el campo literario catalán respondió con una proliferación de distopías y ficciones contra la dictadura y el control social. En particular, se analizará la novela L'enquesta del canal 4 (1972) de Avel·lí Artís-Gener (Tísner), que presenta la lucha revolucionaria de unos trabajadores dentro de una torre de comunicaciones televisiva que jerarquiza a sus empleados por niveles y los obliga a vivir en condiciones precarias y aislados del mundo exterior. Se mostrará cómo se crea una distopía ficticia para denunciar el trabajo industrial, dramatizar problemas de conciencia de clase y criticar la alienación de los trabajadores en las ciudades y las industrias, una alienación del trabajador y la naturaleza que Karl Marx denominó brecha metabólica (o ecológica). El propósito de este artículo es realizar una lectura ecocrítica de las alegorías socioespaciales de la narración y situar esta ficción dentro del contexto de lucha de clases y ecologista del tardofranquismo (1959–1975). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Con el paso del tiempo, las distopías han acabado por constituirse como una de las formas predilectas a la hora de abordar la crítica a la realidad. En el siglo xxi atendemos a un nuevo auge del género, en el que la relación entre crisis y distopía se ha vuelto aún más evidente. Las amenazas que se ciernen sobre nuestros tiempos (entre las que destacan los conflictos bélicos, la crisis económica, la emergencia ecológica y el auge de los populismos de derechas), se plasman en estas distopías a través de imágenes como las de las ruinas o los totalitarismos. Así, y bajo la máxima de la repetición de la historia, las distopías recurren al pasado del mundo occidental como forma de aleccionarnos sobre nuestro presente, a fin de evitar cometer los errores de antaño. No obstante, en esta repetición reificada de la historia, las imágenes distópicas tienden a soslayar los vínculos que la conectan no solo con las crisis actuales sino, también, con la debacle distópica futura. En este sentido, entendemos que el retorno de la historia colabora al olvido de la misma, reforzando, de esta manera, la «impotencia reflexiva» que, según Mark Fisher (2018), caracteriza a nuestros tiempos. A fin de confirmar tales hipótesis, el presente artículo se propone indagar en algunos de los principales tropos de las distopías cinematográficas más exitosas de nuestros tiempos, intentando con ello dilucidar los discursos que se esconden detrás de tal reificación.

El presente escrito tiene como objetivo aproximarse a la inversión sufrida por la arquitectura de vanguardia a ojos del cine y al papel que juegan dichas construcciones en los decorados, como localizaciones o como entorno digital en cintas de ficción especulativa. Desde Metropolis (Lang, 1927) hasta The Man in the High Castle (Spotnitz, 2015-2019), pasando por Fahrenheit 451 (Truffaut, 1966) o Alphaville (Godard, 1965), entre otras, el planteamiento de narrativas de anticipación bebe, arquitectónicamente, de unas realidades que se reflejan en estas cintas para que, a modo de espejo en el que se invierte la realidad, se muestre el peor de los mundos posibles a través de edificios proyectados, originalmente, como auténticas utopías. A través de una revisión bibliográfica y fílmica, veremos cómo se da paso de la utopía a la distopía y cómo podemos aproximarnos a esas construcciones desde otras perspectivas que permitan no solo analizar esa inversión de proyectos a través del tiempo, sino fomentar una puesta en valor de la arquitectura también como patrimonio fílmico.

Resumo O presente artigo destaca o profundo vínculo entre abelhas e humanos constituído pela intermediação do mel, o qual é produzido pelas abelhas e consumido pelos humanos. De clássicos a trabalhos recentes da antropologia e da sociologia, são mencionados estudos voltados às abelhas e à apicultura. As abelhas são seres fundamentais para a manutenção da vida, ou seja, “companheiras indispensáveis”, sem as quais não podemos viver. São justamente tais seres fundamentais à vida que, no Antropoceno, vêm sofrendo declínios populacionais. A crise das abelhas surge nesse contexto e, junto a ela, emerge um imaginário distópico conforme o qual a vida humana, no limite, se inviabilizaria sem suas companheiras indispensáveis. É desse modo que a antropologia é desafiada por tais temas emergentes, sendo que o presente artigo procura contribuir para os problemas trazidos pelo Antropoceno que ameaça “companheiros indispensáveis” à vida humana.

O presente artigo discute as conexões entre as HQs Cangaço Overdrive (2018), de Zé Wellington e Walter Geovani e Ronin (1983-1984), de Frank Miller. As duas obras foram pioneiras em seu trânsito por diferentes tradições artísticas — enquanto Ronin antecipou o movimento cyberpunk, Cangaço Overdrive articulou elementos que configurariam o sertãopunk ainda antes do movimento tomar forma. Ambas também tomam como ponto de partida a ressurreição de uma figura de um passado heroico em um futuro distópico, mas se diferenciam na forma como desenvolvem a relação dessas figuras com o mundo ao qual elas retornam em seu deslocamento temporal — isto é, tratam de maneira radicalmente diversa a relação do passado com o futuro. Defende-se, a partir deste cotejo, que as semelhanças superficiais entre as obras são menos significativas em sua análise conjunta do que suas diferentes apreensões do capitalismo tardio, expressivas dos movimentos literários a que se associam e de seus respectivos quadros ideológicos.

The Earlie King & The Kid in Yellow (2018), de Danny Denton, narra o mito da destruição da Irlanda através do fogo e o colapso digital após o país enfrentar anos de chuvas ininterruptas causadas pela catástrofe ambiental deixada principalmente pela indústria farmacêutica. O propósito deste artigo é investigar como essa obra coaduna e desafia ao mesmo tempo a tradição ecocrítica e distópica produzida na língua inglesa dos centros hegemônicos e a tradição literária de seu próprio país. Para tanto eu utilizo quatro divisões didáticas: 1) breve resumo de como o Antropoceno tem sido representado na literatura de língua inglesa; 2) a contribuição da distopia para representação das alterações climáticas na literatura; 3) panorama histórico da literatura da Irlanda e 4) contextualização da obra de Denton em análise. Nesta última parte, arremato com a observação de que o romance não propõe alternativa para solucionar os problemas do Antropoceno, mas alerta para o colapso que estamos na iminência de vivenciar

Em romances como The Telling, de Ursula K. Le Guin, Midnight Robber, de Nalo Hopkinson, e The Year of the Flood, de Margaret Atwood, o conhecimento narrativo, ou seja, aquele sistematizado a partir de histórias populares, cria espaços democráticos que permitem que uma noção não-excludente de humanidade se desenvolva. O conhecimento narrativo se apresenta como contraponto à visão restritiva totalizadora do pensamento científico capitalista e permite que as protagonistas destas obras afirmem a si mesmas, suas culturas e suas comunidades de maneira que uma nova forma de viver seja possível. Longe de serem tratados contra a ciência, essas narrativas distópicas resgatam a importância do diálogo entre as diversas formas de conhecimento para que a humanidade englobe, de fato, todos os humanos e não apenas grupos específicos. A partir das considerações de Jean-François Lyotard, Ailton Krenak e Sandra Harding, este trabalho discute como esses romances questionam a natureza do conhecimento e propõem formas mais plurais de se encarar o mundo. Nessas distopias de violência e miséria, o conhecimento narrativo é aquele que abre espaço para o horizonte utópico e para a esperança de um futuro menos desigual.

O objetivo do artigo é pensar a relação intermidiática (adaptação) entre o livro e o filme O doador de memórias. Tal reflexão se embasa em estudiosos de literatura e cinema, e em teóricos da memória (individual, social, coletiva). Nas narrativas literária e cinematográfica, acompanha-se o drama de Jonas da véspera da Cerimônia de Doze ao seu treinamento como Recebedor de Memória. Essa rara função social, diferentemente das demais, prevê dores diversas e intensas, assim como a experimentação de sentimentos variados, devido à vivência com lembranças e memórias interditadas ao restante da comunidade do vilarejo-cidade, onde a organização espacial atrela-se ao controle biopolítico da pequena população, ao bem-estar coletivo e as ações sociais são direcionadas pelo Comitê de Anciãos. Por meio da comparação entre as obras, observa-se elementos de uma sociedade melhorada, utópica, entremeados a elementos distópicos, com ampla interdição de saberes e conhecimentos que abalam verdades estabelecidas. Ocorre a desestabilização da subjetividade do protagonista, o escolhido para novo Guardião, no aprendizado junto ao Recebedor de Memória oficial, o Ancião Doador, e uma ruptura da identidade dele com a ordem social vigente, havendo a fratura do ideal utópico e a vivência de um pesadelo distópico.

Atlas de nuvens (Cloud Atlas, 2004), de David Mitchell, é um romance que tem como traço fundamental a intertextualidade, a qual é explorada por meio de citações, alusões, e referências ao longo de toda a narrativa. Dentre os diversos intertextos presentes na obra, o diálogo com as tradições literárias da utopia e da distopia representa uma importante dimensão desse romance, tendo em vista que essa memória da literatura utópica/distópica está presente em momentos cruciais do texto. Uma vez que a forma como o romance encontra-se estruturado implica um jogo de espelhos entre cada uma das seis histórias que o compõem, e que os mecanismos da metaficção (HUTCHEON, 1980) e da autotextualidade (DALLENBACH, 1979) convidam a uma leitura concêntrica do texto, isto é, atenta às relações que a narrativa estabelece consigo mesma, é possível observar a presença de elementos utópicos e distópicos mesmo nas histórias deste romance que não estão imediatamente ligadas a essas tradições literárias. Sendo assim, com base em teorizações sobre intertextualidade (COMPAGNON, 1996; GENETTE, 2010; JENNY, 1979; KRISTEVA, 2005; SAMOYAULT, 2008), distopia (BACCOLINI; MOYLAN, 2003; BEAUCHAMP, 1983; CLAEYS, 2017), utopia e utopismo (LEVITAS, 2001; SARGENT, 2014), o presente artigo tem como objetivo identificar e analisar as relações intertextuais que o romance de David Mitchell estabelece com a utopia e a distopia, e, partir disso, tecer uma reflexão sobre as imagens por meio das quais o utopismo, enquanto força transformadora, é explorado ao longo do texto.

Neste artigo, estudaremos o romance Station Eleven (de Emily St. John Mandel e publicado em 2014) a partir de três veios interpretativos: No primeiro, veremos uma hipostasia da ideia de cultura, nos termos com que Adorno descreve o fenômeno em sua leitura de Admirável Mundo Novo (ADORNO, 1998), de Aldous Huxley. A resultante separação entre “espírito” e “necessidades materiais” desse movimento cria obstáculos para a figuração e uma consequente percepção mais precisa de problemas reais; no segundo, podemos chegar à noção de tempo que rege o período de anomalia introduzido pela distopia. Partindo da constatação de Walter Benjamin, na sua tese XV sobre o conceito de história (BENJAMIN, 1987), de que a explosão do continuum da história é um ato revolucionário inaugural o qual determina a criação de uma nova temporalidade, podemos analisar a periodização instaurada pela distopia em Station Eleven como uma versão alegórica da ruptura temporal descrita por Benjamin na referida tese; Seguindo o terceiro, concentramo-nos na figura do Museu da Civilização e na noção de distopia como curadoria de ausências. Um impulso de preservação e recuperação do mundo pré-colapso perpassa todo o enredo. Os diferentes caminhos que surgem no romance dão na mesma encruzilhada: a presença espectral do mundo colapsado como obstáculo para a criação de um novo. Veremos, ao longo do artigo, várias faces desse impasse na narrativa. Como diagnóstico da crise da imaginação histórica de que sofre o nosso tempo, o livro é certeiro. Seus impasses figuram dilemas que estão na base das narrativas de imaginação utópica/distópica.

Em um momento em que as narrativas distópicas parecem extrapolar suas fronteiras ficcionais, as utopias se fazem cada vez mais necessárias. Mas o que utopias e distopias têm a nos dizer sobre os corpos que (re)produzem, especialmente a partir do viés da relação entre o corpo e a tecnologia, tão intrínseca à atual existência humana? Seriam estas narrativas premonitórias da manipulação genética, da interferência farmacológica e dos procedimentos estéticos, ou apenas um meio de expor as transformações pelas quais a humanidade vem passando ao longo dos últimos anos? Até onde o ser humano continua a ser humano e até onde a sua natureza pode ser alterada a partir das suas mutações? As fronteiras entre o humano e o pós-humano, entrecruzadas pela figura do ciborgue, são constantemente exploradas nas narrativas de ficção, principalmente nas obras de ficção científica. Partindo desta e de outras figurações do pós-humano, a exemplo das inteligências artificiais, dos androides e de humanos conectados ao ciberespaço, este ensaio tem como objetivo levantar questões a partir dos corpos possíveis nas/das utopias e distopias, dialogando com uma série de referências intermidiáticas, dando destaque aos corpos pós-humanos das narrativas de ficção científica e às questões ontológicas vinculadas a eles.

Copyright of Journal of English Studies is the property of Universidad de la Rioja, Servicio de Publicaciones and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Odisea is the property of Revista Odisea and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Revista Canaria de Estudios Ingleses is the property of Universidad de La Laguna and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Arte & Ensaio is the property of Arte & Ensaio and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

O texto aborda o tema da comunicação popular e alternativa em meio às controvérsias das manifestações de mídias “independentes” utópicas e antiutópicas. O objetivo é discutir o revigoramento da Comunicação Popular na era da internet e a transcendência das mídias alternativas na atualidade diante da intensificação do midiativismo e, em certo sentido, da emergência de alguns desdobramentos - nem sempre tão alternativos ou independentes quanto podem parecer à primeira vista. O estudo é baseado em pesquisa bibliográfica. Conclui-se que a Comunicação Popular, Comunitária e Alternativa cumpre um papel importante no caminhar da construção de um mundo justo e livre. Em especial as mídias alternativas vêm atestando uma diversidade de expressões, mas suas características intrínsecas em suas origens são carregadas de alternatividade de caráter libertário.

A crítica literária afirma que os recursos fantásticos utilizados no romance Não verás país nenhum, de Ignácio de Loyola Brandão, têm como intuito aludir ao cenário sociopolítico brasileiro do início dos anos 1980, contexto de produção da obra. Entretanto, a atualidade quase literal de algumas dessas figurações assusta o leitor contemporâneo pela possibilidade de relaciona-las a acontecimentos do contexto de uma recepção contemporânea. Diante disso, este trabalho objetiva confrontar uma seleção de passagens do romance com episódios do contexto sociopolítico brasileiro corrente confirmando a sua atualidade. O estudo dialogará com preceitos de autores como Candido (1989) e García (2011), bem como em averiguações anteriores sobre a obra, por Souza (2019) e Ginway (2005).

Apresentação do Dossiê Temático MINUTO 2 - Movências Interdisciplinares da Utopia.

Este artículo propone un estudio de El cuento de la criada (Margaret Atwood, 1985) dentro de la modernidad tardía mediante el examen de tres características: la teocracia, el patriarcado y el diálogo interno. Para cumplir el objetivo del artículo se contrastará la novela con las dos características que Zygmunt Bauman le achaca a esta modernidad tardía en la que si bien se ha producido un cambio con respecto a la primera modernidad no hay ruptura sino una continuación. La primera característica consiste en la pérdida del telos de la comunidad política. La otra característica que Bauman le adhiere a la modernidad tardía es un cambio en la perspectiva política en el que se renuncia a que sea la sociedad en su conjunto la que intente un cambio social y se privilegia la autoafirmación del individuo. Este trabajo se justifica porque una buena parte de los trabajos anteriores, que también estudian esta novela, son previos a la aparición del autodenominado Estado islámico y al empuje de movimientos populistas en Occidente; y, además, también son anteriores al movimiento Me Too. Esta obra permite adecuar las categorías de análisis a un momento histórico diferente al que signó varias de las novelas del canon distópico.

El cine contemporáneo de ciencia ficción se nos muestra hoy como un género que parecería poner en tela de juicio el relato de la irrevocabilidad del capitalismo, del capitalismo que se narra a sí mismo como fin de la historia y como episodio necesario de una historia natural y teleologizada del hombre en comunidad. Así, la ciencia ficción, como tal vez en ningún otro género, hace práctica la pregunta acerca de los mundos posibles al tomar como materia prima, y a veces de forma inconsciente, el pulso de las fugas ideológicas del capitalismo contemporáneo. Las preguntas que nos interesa resolver a lo largo de este trabajo son, pues, ¿en qué se reconocen estas crisis políticas «reales» en las expresiones de la ciencia ficción contemporánea? ¿De qué manera se encuentran modelizadas y de qué formas, de haberlas, se resuelven narrativamente?

Los juegos del hambre es una de las sagas cinematográficas más conocidas y rentables de los últimos años. Se trata de un producto abiertamente intertextual que mezcla hábilmente la tradición de la ciencia ficción distópica con los tópicos de las novelas románticas para adolescentes. Su éxito ha generado atención por parte de la academia, que lleva tiempo examinando sus constantes narrativas, su universo visual y también su propuesta política. En este último terreno se ha destacado mucho el papel de Katniss Everdeen como heroína y, como consecuencia de ello, se ha analizado también el valor de la rebelión llevada a cabo contra el orden político totalitario expuesto en este universo distópico. El objetivo del presente artículo es examinar el sentido y significado de dicho gesto de rebeldía y analizar las conexiones que mantiene con el populismo político. Destacaremos la profunda ambigüedad de la propuesta política inserta en Los juegos del hambre, el papel jugado por una heroína mesiánica como Katniss y nos preguntaremos por el verdadero sentido de su mediática revolución.

El ensayo intenta pensar la serie de fotografías que conforman la obra Los coros menores (2010-2011) del artista chileno-alemán Demian Schopf. En términos metodológicos, la investigación toma como claves de lectura las nociones de carnaval, distopía y revolución. Primero se analiza la obra en relación con los elementos que configuran el Carnaval de la Edad Media: permisividad, exceso, travestismo e inversión; para luego pensar su trama con el Carnaval latinoamericano de Oruro (de donde provienen algunos de los personajes de las fotografías) y determinar la especificidad de la “fiesta” que tendría lugar en Los coros menores. Como segundo paso, se aborda la obra respecto a la noción convencional de distopía, con el objeto de reconocer los elementos que en ella permiten entenderla como una proyección distópica. Por último, ambos caminos convergen en un tercero que es el de la inteligencia de la obra como el símbolo de una Revolución devastadora que estaría ocurriendo en el mundo actual. Este desarrollo permite, finalmente, que el ensayo tome una posición distinta frente a las lecturas precedentes que se han hecho de la obra.

L’articolo si concentra, da una prospettiva che si avvale dello strumentario terminologico e teorico dell’ecologia dei media, su alcuni testi di finzione – Generation A di Douglas Coupland e The Raw Shark Texts di Steven Hall – in cui viene trattato il tema della possibile estinzione o sopravvivenza del letterario in una chiave di lettura che potremmo definire ecodistopica. In un periodo caratterizzato da cambiamenti climatici e disastri ambientali, anche questi testi esprimono preoccupazioni profonde riguardo all’ambiente narrativo – radicalmente modificato dal digitale – attingendo a piene mani al campo metaforico della sostenibilità, dello sfruttamento ed esaurimento delle risorse e dell’evoluzione e rigenerazione delle forme, con un focus particolare sull’elemento acquatico.

The following article analyzes the novels Debimos ser Felices, by Rafaela Lahore and Mugre rosa, by Fernanda Trías, both published in 2020. While Lahore works her way through remembrance in an intimate, fragmentary, autobiographical way, Trías’ narrative is complex, apocalyptic, and dystopic. It ranges from a progressive uncertainty about the present to memory’s capacity to hang on to family affections. However, they converge in their narratives’ subtle, dreamlike atmospheres that focus on the voice of children fluctuating between abnormality and monstrosity. Their reflections emphasize the reconstruction of their respective genealogies through reminiscence. --- El siguiente artículo analiza las novelas Debimos ser felices, de Rafaela Lahore, y Mugre rosa, de Fernanda Trías, ambas publicadas en 2020. Si bien comparten ciertas atmósferas sutiles, casi oníricas, Lahore trabaja el recuerdo de manera íntima, fragmentaria y autobiográfica, mientras que la narración de Trías se proyecta como una compleja novela apocalíptica, distópica, que oscila entre la progresiva incertidumbre del presente y la capacidad del recuerdo para aferrarse a los afectos familiares. Ambas ponen en el centro de sus reflexiones a niños y niñas que transitan entre la anomalía y la monstruosidad, con un fuerte acento en la reconstrucción memoriosa de sus respectivas genealogías.

El cine es el gran constructor de imaginarios sobre el futuro. En el imaginario colectivo determinados films de ciencia ficción han pasado a consolidarse como partes activas de la memoria, su importancia reside en los valores culturales que portan y los discursos que son capaces de articular. La conformación del discurso del futuro se ha debatido entre una visión de la tecnología que se presentaba como sinónimo de progreso y de una modernidad robotizada; y una segunda visión que proyecta el futuro como un espacio adverso y escasamente prometedor, sometido al criterio de las inteligencias artificiales creadas.

O presente artigo, pensado teoricamente pelo viés da distopia, objetiva analisar as narrativas Animal Farm, de George Orwell (1945) e Fazenda Modelo – Novela Pecuária (1974), de Chico Buarque, produções que articulam representações sociais complexas, geradas em contextos históricos de distintas motivações culturais e políticas. A escolha do corpus deu-se porque os enredos apresentam a configuração do autoritarismo e também de governos totalitários e ditatoriais, fatores esses que possibilitam um debate sobre o conceito de distopia e sobre a função da literatura, que não se fixa apenas na ideia de fruição estética, mas se torna um elemento capaz de questionar as várias esferas sociais, culturais, políticas e humanas que promovem os movimentos de imanência e transcendência entre a ficção e a história.

El siguiente artículo se propone realizar una lectura de una de las novelas más representativas de Rosa Arciniega en su estancia en España desde 1928 a 1936, Mosko-Strom. El torbellino de las grandes metrópolis (1933). Por medio del análisis de la obra se reflexionará en torno a la posición crítica que desarrolla la autora respecto al proceso de maquinización que experimenta occidente en las primeras décadas del siglo XX, en el cual el futurismo, como ideología, desempeña un rol muy importante. Para realizar dicha crítica, Arciniega elabora una distopía en la que presenta los efectos negativos de dicha maquinización. Lo interesante del texto es que no solo se hace referencia a este negativo estado de cosas, sino que se plantea una solución para resolverlo. En este sentido, Mosko-Strom se constituye en una novela de tesis.

This paper examines Paolo Volponi’s novel Il Pianeta Irritabile (1977) by a double perspective: on the one hand the anti-anthropocentric and forerunning eco-critical approach, like other writers of the same period as Cassola or Morselli, used by the author to denounce the exploitation of the planet, until the extreme, post-atomic consequences, by humans, in general, and capitalism, in particular, resolving in a harsh disapproval of human progress. On the other hand, being the entire plot based on a long voyage done by non-humans (or semi-human) protagonists, the hodeoporic interpretation key becomes a central point in the development of the novel and a new perspective to study and analyze the transformations of the characters.

Este estudio aborda el uso de estrategias y técnicas generadoras de miedo de la teoría de la propaganda en el audiovisual, enfocándose en el análisis de la serie distópica de El cuento de la criada. El miedo es utilizado en propaganda como una herramienta de control social y dominación política. Esta investigación plantea si este instrumento propagandístico se utiliza en los sistemas políticos representados en el audiovisual, pues estos son reflejos de los miedos actuales en un futuro catastrófico. Para esto, utiliza un análisis de contenido que se aplica a las tres primeras temporadas de la serie mencionada a través de las escenas en las que aparecen Fred Waterford, Serena Joy y Tía Lydia, como representantes de Gilead en la narrativa.

O objetivo deste artigo é discutir, a partir do cinema hollywoodiano, as visões distópicas sobre o futuro, tomando como base o imaginário sobre o fim do mundo a partir da perspectiva de crise ambiental oriunda na segunda metade do século XX. A crise ambiental demonstra que os efeitos da ação humana, sob a égide do sistema capitalista, não apenas promoverão o esgotamento dos recursos naturais, como a transformação radical do clima, especialmente o aquecimento global, tornando o planeta inabitável para todas as espécies. Diversos filmes do gênero ficção científica trouxeram direta ou indiretamente em seus enredos a discussão da degradação ambiental e suas consequências para a humanidade. Nossa discussão se dará a partir de três filmes: 2012 (2009), Elysium (2013) e Interstellar (2014), obras cinematográficas representativas do argumento defendido, ou seja, a relação entre ficção científica, cinema e meio ambiente.

A Alceu 43 conjuga reflexões em torno de um assunto recorrente nas narrativas cinematográficas e literárias, e nos debates acadêmicos: distopia. Intensificado nos tempos convulsos da pandemia, o tema desdobra-se em múltiplas incursões teóricas, decorrentes de constantes indagações, inquietações. Se toda utopia nasce da busca imaginária de alternativas à ordem vigente e, portanto, se caracteriza mais pela negatividade do que pela afirmação de uma sociedade perfeita, utopia e distopia seriam duas faces da mesma moeda? A distopia configura-se como uma utopia pelo avesso? Constitui um gênero narrativo? Como se constrói a relação entre distopia e presentismo no universo ficcional?

Debruçando-se sobre o universo criado por Sébastien Mounier na série Ad Vitam (2018), dirigida por Thomas Cailley e Manuel Schapira, tem-se a oportunidade de debater sobre a perpetuidade da vida e as motivações subjetivas individuais à luz de referenciais socioantropológicos e comunicacionais contemporâneos. Ao considerar a vivência em ambiente distópico, seus desafios e insurgências para a sociedade e o coletivo, o presente artigo tem como objetivo analisar questões acerca dos efeitos da saúde, do tempo e da construção de projetos de vida a partir do enredamento narrativo da série.

Partindo de imagens dos sonhos de futuro do contemporâneo, recuamos historicamente para tentar mapear o enfraquecimento do pensamento utópico e a ascensão da imaginação distópica na atualidade. A partir do gesto genealógico, procuramos elucidar de que modo essa virada estaria relacionada com uma experiência temporal, que deu frutos a outras imagens de futuro na modernidade. Nesse sentido, utopia e distopia não simplesmente se contrapõem, são modos de imaginar o futuro estreitamente relacionados com dinâmicas de poder e modos de experienciar o tempo. O presentismo nos coloca isolados – física e politicamente – em um presente sufocado por previsões de futuro que se expandem num agora que parece se repetir. O presente torna-se o espaço de ação, embora a passagem do tempo não mais esteja associada ao alcance do lugar melhor ou à utopia moderna que irrompe no futuro para ser afeiçoada e concretizada no projeto coletivo imaginado para o amanhã.

O mundo hiperconectado e globalizado não está imune ao trânsito do autoritarismo, se utilizando dos próprios mecanismos da liberdade para corroer as estruturas democráticas, se apropriando das demandas por igualdade para justificar políticas de ódio e segregação. Resistir é cada vez mais necessário, mas começando por resistir exatamente ao que Theodor Adorno definiu como a roda-viva que teima em mirar o peito dos homens, que busca exatamente a contradição para manter a espiral de violência como única lógica possível para a ideia de civilização que foi construída.