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El cine lésbico español contemporáneo, rama indivisible del Otro Nuevo Cine Español Femenino (ONCEF), está empezando a dar voz a autoras lesbianas y nos presenta historias narradas en primera persona donde la identidad se ubica en el centro de la narración. Esta investigación pretende descubrir el lenguaje del cine lésbico contemporáneo a través del análisis fílmico de La amiga de mi amiga (Zaida Carmona, 2022), un filme que desnuda las dinámicas de un grupo de amigas lesbianas de Barcelona. Enmarcada en una estética de videoclip, la película bebe de la tradición de las webseries de internet y el nuevo cine queer; así como tiene una mise-en-scène y un montaje que rinden homenaje a la nouvelle vague de Rohmer y un guion que cuenta desde la autoficción.

En 1977 Serge Doubrovsky planteó el término «autoficción» para definir su novela Fils distinguiéndose de las tan denostadas novelas autobiográficas y las autobiografías. Aunque cambie de nombre, el arte del yo, la literatura de lo íntimo, autobiográfica o que ficcionaliza la propia vida hunde sus raíces en diarios, cartas y relatos escritos de puertas para adentro. Lo concreto, lo particular, la voz singular de la diferencia han quedado tradicionalmente al margen de aquello que se consideraba arte —en todas sus dimensiones, pictóricas, literarias, cinematográficas—. Este artículo explora las aristas de la autoficción y las escrituras femininas de la intimidad.

Estados Mórbidos. Desgaste Corporal en la Vida Contemporánea (Morbid States. Corporal Wear and Tear in Contemporary Life) is a feminist ethnography on the Central Sensitization Syndrome (CSS) −a disruption of nerve centres which causes chronic diseases such as fibromyalgia and chronic-fatigue. Méndez de la Brena takes distance from the hegemonic medical approach, and embraces an anthropological and a gender perspective to investigate the handling of the diseases and unravels new forms of resistance. The book can be briefly defined as a necro-political analysis of the disease in its material existence and of the production of knowledge and practices of resistance of women in a neoliberal context.

Reseña de Mujeres soñadas. Una mirada actual sobre mitología clásica, de Ana María Leyra.

Reseña de Susan Glaspell. Teatro, vanguardia y humor (1917-1918), de Nieves Alberola Crespo

FRANCISCA PAGEO (Spain, 1983) Visual artist.Writter. Co-editor & art director of Détour cultura.I've given creative workshops around photography/collage at Distrito Artístico, Fnac-Murcia, CAMON, San Solorea Art Residence, Liv'in The Room, Ilustra-Sevilla & Horno de Luz & I've also given lectures & talks about creativity & visual culture at SOS 4.8 Festival (2012) & Festival Inspira (2013)

Reseña de Vivir entre bastidores: bordado, mujer y domesticidad en la España de la Edad Moderna, de Ana María Ágreda Pino.

Nuestro trabajo se propone contribuir a las innovaciones metodológicas que el feminismo viene planteando, centrándose en la reflexión sobre nuestras investigaciones, enmarcadas en los estudios culturales de la memoria histórica. Para cuestionar la concepción generizada de las metodologías, aportamos la idea de «metodología espigadora», a partir del diálogo interdisciplinar entre la propuesta de metodología carroñera de Jack Halberstam y la práctica documental de Agnès Varda. Exploramos cómo el uso de esta metodología puede redefinir el concepto de archivo y considerarlo una práctica feminista a la que denominamos «práctica de archiva». Desarrollamos esta exploración mediante tres voces narrativas, recogiendo la experiencia de investigaciones recientes que contribuyen a reconstruir la memoria de la disidencia sexual durante el franquismo y a indagar en el papel de la materialidad en la reparación de la memoria de las víctimas de la guerra civil española.

Un total de 59 producciones desde el año 2000 refleja el auge de la autoficción contemporánea dirigida por mujeres y constata el vasto volumen de producción y coproducción francesa. Este trabajo revisa la relevancia de la autoficción en el contexto de subordinación de las cineastas en la industria y en su condición de sujetos de la enunciación. En una contribución a la valoración de la subjetividad femenina ficcionada, se estudia la construcción del yo a través de lo real, los personajes, el tiempo y el espacio en las películas de mayor recaudación: National Theatre Live: Fleabag (2019), de Phoebe Waller-Bridge; Lady Bird (2017), de Greta Gerwig; Aftersun (2022), de Charlotte Wells, y Past Lives (2023), de Celine Song.

This article analyses the two feature-length films by Signe Baumane, Rocks in My Pockets (2014) and My Love Affair with Marriage (2022). For this purpose, this article discusses theories of autofiction and its representation in different forms and media and pays particular attention to the potential of animation to represent fictionalized selves. Drawing on genre and gender theories, as well as the study of memory and self, this article shows how Baumane dissects the constructedness of female and feminine selves and criticizes the oppressive nature of the individual and collective discourses around mental health and womanhood.

Este documento presenta un análisis acerca de las nuevas estrategias ideológicas adoptadas por el sistema patriarcal con el fin de mantener su vigencia, particularmente a través de las manifestaciones de violencia machista en el ámbito digital, y se centrará específicamente en la misoginia digital organizada conocida como manosfera. Se examina la prevalencia de estas formas de violencia, así como se categorizan y se analizan utilizando el análisis de marcos, para comprender la gramática política inherente al discurso de la manosfera. Finalmente, se concluye con una reflexión sobre las implicaciones democráticas y legales de este tipo de «terrorismo digital» misógino y sobre cómo afecta los derechos fundamentales de las mujeres en el espacio público virtual.

En este artículo se analiza lo velado como figura retórica o recurso alegórico que en la fotografía al igual que en la narrativa actúa con la intención de intensificar un lenguaje elíptico para ocultar, encubrir o evocar significados. Se revisa cómo la escritura de Katherine Mansfield es portadora de formas veladas de persuasión para hacer participar al espectador, de manera subsumida, de las narrativas de la omisión. En la fotografía, lo velado será un campo ciego en el sentido de que no es visible en la imagen, pero actúa expandiendo significados más allá del encuadre. Lo velado, finalmente, será el recurso estilístico que articule un proyecto artístico, titulado A propósito de Mansfield, que alterna fotografía y texto para elaborar mecánicas de construcción identitaria, de forma que la imagen fotográfica se vincula a un relato que vertebra los textos provenientes del Diario de Mansfield. Se persigue generar una sintaxis visual que actúe con parámetros velados revelando patrones reduccionistas en torno a las mujeres.

Este artículo reúne una serie de escritos sobre autoficciones visuales para argumentar que el trabajo en torno a los estereotipos de género y, consecuentemente, los procesos de experimentación con las identidades en las producciones plásticas pueden formar parte de esta corriente de creación. Las alteridades se observan a sí mismas de un modo que en ocasiones puede bifurcar la percepción identitaria propia y esto se muestra en numerosas trayectorias de artistas relevantes. Cady Noland, Tracy Emin o Sylvie Fleury dan cuenta de que el término puede ampliarse mediante obras escultóricas e instalativas, más cercanas al uso de significantes implícitos en materiales y procesos que a la representación fotográfica.

En este artículo se presentan diferentes documentales realizados por directoras argelinas que tratan el tema de la guerra y de la participación de las mujeres antes, durante y después del conflicto. Entre estas obras hemos elegido La Nouba des femmes du mont Chenoua (Assia Djebar, 1977), La Moitié du ciel d'Allah (Djamila Sahraoui, 1995), Lettre à ma soeur (Habiba Djahnine, 2006) y Loubia Hamra (Narimane Mari, 2013), porque ponen de manifiesto la situación de las mujeres argelinas en el momento en el que fueron realizadas y porque abordan, con una muy diversa composición estética y técnica, la historia de Argelia en dos momentos claves: la Guerra de la Independencia (1954-1962) y la Guerra Civil (1991­2002). Estas directoras son disidentes en cuanto que deciden rodar historias que discrepan del relato nacional creado tras la colonización y ponen el acento en el papel de las mujeres en la conformación de la identidad argelina.

En este artículo se analiza el modo en que la escritora chilena Nona Fernández concibe la autoficción como una estrategia original para indagar en su propio pasado y en la memoria colectiva de Chile durante la dictadura de Augusto Pinochet en su sexta novela, La dimensión desconocida (2016). Asimismo, se estudia cómo la autora, ante la imposibilidad de reconstruir la historia de numerosos desaparecidos por la represión del régimen militar, apuesta de forma decidida por la imaginación para complementar los testimonios que sí posee y concibe una novela híbrida donde tienen cabida formatos dispares y en la que la figura del fantasma resulta decisiva.

La fotografía, como forma icónica privilegiada, ha superado sus propios límites ontológicos no solo para ocupar cuantitativamente nuestras vidas, sino para encontrar nuevas relaciones, roles y valores. Vivimos en una cultura inmensamente visual en la que las imágenes copan nuestros procesos de comunicación y relación, y modelan nuestro pensamiento y nuestra acción. En este texto se despliega el encuentro entre las teorías de la acción estética de Ana García Varas y las prácticas participativas llevadas a cabo por el Colectivo Noctiluca en el proyecto Reencuadre. Se trata de imágenes y poemas sobre los cuidados que permiten estudiar las estrategias de creación comunitaria que activan la agencia entre imágenes y personas, así como observar sus posibilidades para generar nuevos imaginarios y acciones.

Las demandas de las mujeres indígenas al Estado chileno han dejado en evidencia la falta de enfoques interseccionales que permeen la institucionalidad y las políticas públicas. Las múltiples discriminaciones a las que se ven sometidas quedan invisibilizadas por políticas que no reconocen la incidencia de la etnia y la colonialidad, abriendo espacios a nuevas discriminaciones. A partir de 13 entrevistas en profundidad a lideresas indígenas de distintos pueblos indígenas, complementadas con el análisis de las respuestas entregadas por 925 mujeres mapuche que participaron de la Encuesta Mapuche Especial CEP 87 (2022), este artículo analiza las principales demandas que las mujeres indígenas dirigen el Estado. Los resultados muestran la importancia de la identidad, el territorio y la participación.

Entre finales del siglo XIX y el primer cuarto del XX, mujeres del mundo del espectáculo: la danza, la canción, el teatro… desarrollaron una carrera artística y creativa rebelándose, en algunos casos, contra el control masculino. Quedando expuesta y siendo sometida a escrutinio su vida íntima en entrevistas y fotografías, muchas de estas mujeres inventaron una biografía que mezclaba elementos verídicos con algunas invenciones. En un ejercicio de autoficción, se convirtieron en protagonistas de una vida manipulada, creando una experiencia ficticia y desarrollando el modelo de la femme fatale. Rompieron barreras de carácter laboral y se convirtieron en profesionales autónomas en una sociedad moralista y patriarcal.

Tomando como referencia el concepto de metáfora bélica propuesto por Lakoff y Johnson (2003), esta investigación tiene como objetivo analizar cómo la prensa representa el feminismo a través de las metáforas bélicas y qué términos bélicos se emplean con más frecuencia en los textos. Para ello, se ha formado un corpus de 800 columnas escritas entre 2004 y 2023 y se han aplicado dos métodos de estudio: por un lado, se ha empleado la herramienta Sketch Engine para identificar los términos bélicos más frecuentes en los textos; y, por otra parte, se ha analizado cualitativamente los contextos en los que se utilizan dichas palabras bélicas.

Reseña de Amazonas y serranas. Guardianas del territorio materno, de Maria-Àngels Roque Alonso.

En México, de acuerdo con la Ley Nacional de Ejecución Penal, las mujeres privadas de su libertad pueden conservar la custodia de sus hijos en prisión hasta los tres años de edad. Esta ley establece que las autoridades deben proporcionar espacios adecuados para el desarrollo integral de los niños y niñas. Sin embargo, en la actualidad, los centros penitenciarios siguen careciendo de estos espacios dignos. Este trabajo presenta una investigación sobre las condiciones de las mujeres que viven con hijos en prisión en México y concluye con una propuesta arquitectónica, en el Centro de Prevención y Readaptación Social Santiaguito (CPRS), que busca ser un prototipo que contribuya a mejorar las condiciones de estas personas.

Reseña de Ex/Órbita. Un viaje deslumbrante, de Mary Daly.

El presente estudio se centra en la violencia de género en relaciones de pareja a partir de experiencias de jóvenes universitarias chilenas, examinando el maltrato psicológico, físico y sexual. Se basa en 21 entrevistas semiestructuradas, en las que se destaca la multidimensionalidad de estas experiencias, que forman parte de un continuo que normaliza la violencia contra las mujeres. Desde una perspectiva feminista, se analizan los tipos de agresiones experimentadas por las jóvenes y se exploran las razones que inhiben su denuncia. Se concluye que es fundamental abordar la violencia de género en función de los contextos específicos de diferentes grupos de mujeres, lo cual, en el caso de Chile, implica considerar prácticas culturales y marcos legales particulares.

El 8 de marzo de 2021, el Estado cubano aprobó el Decreto Presidencial 198/2021 sobre el Programa Nacional para el Adelanto de las Mujeres, que da forma al primer instrumento legislativo de la República específicamente orientado a combatir las desigualdades de género entre mujeres y hombres. En este artículo analizamos, desde una perspectiva sociojurídica, la situación en que este decreto coloca el tratamiento institucional de la violencia de género en Cuba. Para ello, estudiamos los retos, fortalezas y obstáculos que presenta esta forma de articulación de medidas. Comenzamos contextualizando el decreto presidencial aprobado, para posteriormente examinar su contenido e identificar si incorpora los avances aportados por instrumentos similares de referencia internacional, así como determinar cuáles son sus fortalezas y limitaciones. Por último, valoramos las incidencias de la reforma penal de 2022 en este decreto presidencial y sus aportes al tratamiento jurídico de la violencia de género en el contexto cubano.

Las trayectorias vitales de las artistas de la noche urbana española fueron el objetivo central de los ataques discursivos del antifeminismo durante la época que marcó el cambio del siglo xix al xx. En este artículo, proponemos una lectura de la ciudad moderna como el espacio de transformación que posibilitó la emergencia de una sociedad de masas, un acontecimiento que redefiniría la cultura, así como las relaciones entre los sexos. Las cupletistas y flamencas habitaron con una presencia imponente los lugares de ocio nocturno, apropiándolos; pero, al mismo tiempo, aquellos que, ante los acelerados cambios, trataban de imponer un discurso acerca de la feminidad legítima, dividieron a estas artistas entre buenas y malas mujeres. Con ello, se limitaron las oportunidades, impidiendo que sus vidas y obras cruzasen la liminalidad hacia un objetivo emancipatorio feminista.

Reseña de Ciberfeminismos, tecnotextualidades y transgéneros. Literatura digital en español escrita por mujeres, de Isabel Navas Ocaña y Dolores Romero López (Eds.)

Elvira Lindo destaca en su crítica literaria por poseer una perspectiva feminista, ya que se centra en visibilizar escritoras y temas relegados por el patriarcado. Los análisis que veremos en este trabajo, centrados en autoras como Schrobsdorff, Strout y Gornick, desmontan construcciones patriarcales relacionadas con la maternidad y enriquecen la historia literaria. El objetivo del presente artículo será estudiar cómo lleva a cabo Elvira Lindo, intencionadamente o no, la noble tarea de visibilizar la obra de estas mujeres y encumbrar sus temáticas a la categoría de asuntos universales, precisamente porque a lo largo de la historia se han considerado, de forma peyorativa y discriminatoria, «asuntos de mujeres».

El espíritu punk, que en el siglo pasado marcó por su marginalidad un espacio de alternatividad creativa, ha influido posteriormente en múltiples modelos de resistencia contracultural que se han expresado en bandas musicales no definidas como punk, pero que se mantienen fieles a un estilo más alternativo, reivindicativo y subversivo donde el feminismo tiene un papel importante. El presente texto pretende poner en relación la influencia del espíritu punk con las reivindicaciones feministas de algunas bandas de música actuales y en activo constituidas por mujeres y hombres que concentran en su propuesta musical actitudes, recreaciones estéticas, identidades y una producción de contenidos culturales cercanos a la cultura punk. Para ello se ha elegido estudiar a tres grupos españoles, Los Punsetes, Ginebras y Pantocrator, con el objetivo de ahondar en las alianzas que el feminismo ha trazado con la cultura punk en espacios musicales independientes o fronterizos del mainstream.

En los últimos años se ha producido un aumento de grupos masculinistas críticos y desafectos con la agenda de avances que ha propuesto el movimiento feminista. De este modo, el objetivo principal de esta investigación consiste en analizar las bases culturales reaccionarias que comparten los movimientos masculinistas contemporáneos. Para ello, se llevará a cabo tanto un acercamiento a las implicaciones que ha tenido el desmoronamiento del sistema fordista y la imposición del neoliberalismo como una exposición de las características de cada uno de los grupos masculinistas en la red. Entre otras conclusiones, se insiste en la importancia que tiene la lectura tergiversada del pensamiento de Nietzsche y el acontecimiento histórico de Mayo de 1968 para la recomposición ideológica de estos grupos antifeministas.

Reseña de Fisuras en el firmamento. El desafío de las estrellas de cine al ideal de feminidad del primer franquismo, de Álvaro Álvarez Rodrigo

África Pitarch (València, 1990) es licenciada en Arquitectura Superior, carrera en la que exprimió su vocación artística y creativa. Muy pronto empezó a colaborar con sus ilustraciones en diferentes proyectos independientes, agencias de publicidad y firmas de moda. En 2017 se mudó a Madrid, donde empezó con colaboraciones habituales para la revista digital Vice, además de ver publicados sus trabajos en medios como Vogue, GQ, Telva o Glamour. A nivel internacional, ha recibido encargos de Lenny Letter, el magazine de Lena Dunham, directora, guionista y protagonista de la serie Girls. Durante un año, fue Directora de Arte en Freeda, formando parte del primer equipo del medio en España. Desde 2019 reside en València, donde trabaja de forma autónoma en sus ilustraciones y en la dirección de arte de proyectos. Su obra se empezó a caracterizar por el uso de colores primarios y formas orgánicas, y la reivindicación de la anatomía femenina, que ha jugado siempre un papel fundamental en su trabajo. Así lo plasmó en su primer proyecto en solitario, CMYWoman, 2019. El feminismo se ve reflejado en todas sus ilustraciones en forma de diversidad, contextos sutilmente desafiantes para el ‘status quo’ y una fuerte conexión con la naturaleza. Junto a Andrea Savall crearon en 2022 Filipinas, un estudio-taller donde trabajan en sus respectivos campos y además crean proyectos artísticos conjuntos. Asimismo, junto a su hermana Carla Pitarch, dirige Estudio Furia,un proyecto dedicado a la ilustración y el ‘motion design’ de carácter interdisciplinar.

Las fiestas neotradicionales como las Fallas están siendo objeto de creciente atención por su capacidad de definir roles y, con ello, por su peso en la reproducción o el impulso del cambio social. Así, la representación del cuerpo de la mujer en la fiesta de las Fallas se ha convertido con mayor frecuencia en un campo de batalla. El estudio a partir de la observación y de los grupos de discusión confirma que continúa existiendo una hipersexualización y un machismo en los ninots (esculturas) de la fiesta, pero se observa a la vez una mayor presencia de la crítica y un surgimiento de representaciones más inclusivas o directamente reivindicativas del feminismo. Sin embargo, estos cambios se enfrentan al control casi absoluto y a la lógica heteronormativa de los sectores tradicionalistas asentados desde tiempos franquistas; así como, al mismo tiempo, deben lidiar con una reacción antifeminista acorde con la extrema derecha que intenta redefinir la reivindicación feminista como una conspiración contra la libertad y que se expresa con una crítica cada vez más abierta y en ocasiones agresiva contra los intentos de cambio de la representación de la mujer y su rol en la fiesta.

La historiografía tradicional ha insistido en que las mujeres griegas, especialmente en la época arcaica y clásica, no tenían acceso a un trabajo remunerado más allá de ser prostitutas o nodrizas. También en que su ámbito de movimiento era el gineceo, en el que decían que estaban recluidas. Sin embargo, a través de las fuentes visuales y escritas hemos podido rastrear una gran cantidad de trabajos remunerados que realizaron las mujeres con los que aportaron de manera directa ingresos a la unidad familiar: vendedoras, floristas, artistas, panaderas, verduleras, fabricantes de telas y un largo etcétera de profesiones que ejercieron obteniendo dinero a cambio de su trabajo. El presente trabajo pretende deconstruir los límites impuestos por la historiografía a las mujeres, supuestamente restringidas al espacio del gineceo, para visibilizar el trabajo que desempeñaban en a la antigüedad griega, contribuyendo así a realizar una aproximación más completa y real de la situación de las mujeres en la época, reapropiándonos de un espacio que siempre fue femenino. De esta forma, podremos deconstruir la concepción tradicional (y falsa) sobre las mujeres confinadas al espacio del gineceo.

A menudo se considera a las feministas como mujeres difíciles e irritables que suelen estropear un ambiente relajado con su excesiva susceptibilidad. El objetivo que aquí se persigue es analizar la interesante forma en que Ahmed se hace eco de este rechazo al feminismo, insistiendo en su alcance político y su capacidad para denunciar y enfrentarse al sexismo, al racismo o la homofobia. Se ofrece una reflexión sobre nuestra capacidad para detectar y cuestionar los discursos de odio. Se subraya, así, la importancia de las posiciones críticas e incómodas, tan características de algunos feminismos, por ser perspectivas que pueden suponer un estímulo para la transformación y mejora de la sociedad. Para ello, se realiza una revisión de las obras de Ahmed en las que aparece la figura de la feminista aguafiestas y se recurre a otros textos relevantes para comprender su propuesta.

Este artículo propone una aproximación al arte feminista de los años sesenta y setenta de la península ibérica, utilizando como principal herramienta de análisis la propuesta de Maria Aurèlia Capmany en El Feminismo ibérico (1970). De este modo, se pretende ofrecer una alternativa para evitar el sesgo anglosajón habitual en los discursos sobre la historia del feminismo y la historia del arte feminista en nuestro territorio que nos permita atender a las especificidades de la vida y obra de estas mujeres, doblemente sometidas al yugo del sistema patriarcal y dictatorial.

El presente artículo realiza un recorrido por algunas reflexiones referentes al significado y deconstrucción del espacio desde propuestas feministas realizadas en el ámbito artístico. El feminismo ha abordado, desde sus comienzos, la crítica y subversión de los espacios públicos y privados y de las identidades que en ellos se construyen, así como la búsqueda de representación y reconocimiento. Para ello cuestiona los marcos discursivos de poder que conforman espacios binarios y patriarcales, y resignifica y reconoce categorías como cuerpo, clase, raza, sexualidad o género en su conformación. Este artículo pretende funcionar a modo de marco que permita recorrer los trabajos presentados sobre las propuestas artísticas realizadas por las diversas creadoras que componen este monográfico. Se trata de creadoras que utilizan el arte como lugar de conformación de nuevos significados, tanto en el orden político y social, como con respecto a la identidad y el género; unos significados que, por su parte, impelen a la reapropiación y transformación de nuestros espacios.

Reseña del libro República del Excremento, de Miroslava Rosales.

Ressenya de Character and Gender in Contemporary Catalan Literature, d'Adolf Piquer i Adéla Koťátková.

Reseña de Cuentos escogidos, de Katherine Mansfield.

Reseña de Las mil naves, de Natalie Haynes.

Reseña de Representaciones críticas en el sistema sexo/género. Entre lo transnacional y lo local, de Robert Martínez-Carrasco e Iván Villanueva-Jordán.

Reseña de Rosas en la arena: los relatos de Susan Glaspell, de Noelia Hernando-Real.

Este artículo analiza la serie que la artista norteamericana Nancy Spero dedica a la guerra de Vietnam: «The War Series». Elaborada entre 1966 y 1970, en pleno auge del conflicto bélico, en este conjunto de piezas, Spero subraya la relación entre el mito de la masculinidad hegemónica, la violencia, la dominación y la guerra. En su momento, la mirada de Spero contribuyó a confeccionar un discurso contrahegemónico de la guerra de Vietnam, planteando, así, otra relación con la contienda. La artista no solo condenaba lo que estaba aconteciendo en Vietnam, sino que invitaba a la audiencia a repensar en qué medida sus identidades, masculina y femenina, estaban configurándose en relación con la guerra. Nuestro trabajo contextualizará la obra de Spero, analizará las piezas más relevantes de la serie y, en diálogo con ellas, reflexionará sobre la imbricación de la guerra, la violencia y la sexualidad.

El espacio doméstico ha sido un locus arquetípico de la literatura fantástica. Dentro de las posibilidades críticas que ha encarnado, una de las más reconocidas es la representación de las limitaciones sociales que han aquejado a la figura femenina. Sin embargo, el papel un tanto desgastado de este marco diegético ha contribuido a la diversificación de sus representaciones y a la amplificación de sus vertientes semióticas. Una de dichas vertientes incide en la necesidad de no limitar la concepción de la casa encantada a una mera interioridad, a un espacio clausurado, ajeno al exterior. En esta dirección, este trabajo se propone explorar la dialéctica doméstico-social que se establece entre el afuera y el adentro en el cuento «La señorita Julia» (1959), de la mexicana Amparo Dávila, y la película The Babadook (2014), de la australiana Jennifer Kent.

En este artículo se explora la reconfiguración del espacio, entendido como un lugar donde se imponen valores (hetero)normativos dominantes y se despliegan regímenes visuales, en la obra de tres artistas contemporáneas: Eulàlia Valldosera, Olga Diego y Alicia Framis. El texto sitúa la escena en la Norteamérica de los años sesenta y la emergencia del arte feminista para luego explorar el contexto español y catalán, anotando las reticencias iniciales a su recepción, así como sus huellas invisibles, discontinuidades y ausencias. Se analiza, a continuación, una selección de series fotográficas, instalaciones y performances de estas artistas para mostrar cómo sus intervenciones feministas en el espacio deconstruyen sistemas de poder. Mi análisis se basa en varias teorías feministas, como la noción de la mirada masculina de Laura Mulvey, el análisis sobre la producción del género y la identidad sexual de Paul B. Preciado y las relaciones de género que se establecen en los espacios urbanos de Elisabeth Wilson.

Reseña de la obra Orgullo y prejuicios. En torno al arte de las mujeres, de Amparo Serrano de Haro y África Cabanillas.

En este estudio, se abordan y enlazan los principales aspectos estéticos de tres artistas españolas pertenecientes a distintas generaciones del siglo XX que han desarrollado y configurado un cosmos plástico y conceptual propio en cerámica y cuya aportación a la disciplina resulta de destacado interés. Con la mirada en las obras de Bofill, Calvo y Jiménez, se plantea un discurso acerca del hecho cerámico, al margen de su dimensión de mera representatividad a la cual ha estado supeditado durante siglos, así como de su presencia dentro del arte contemporáneo con la aportación de mujeres artistas y de la materialización de propuestas que indagan sobre las raíces y ruinas de la humanidad. Así, los símbolos y signos se rastrean como huellas, testimonios de sus artistas, pues el gesto deviene una expresión y una presencia.

El artículo aborda prácticas de cohesión artística entre mujeres a partir del estudio del campo artístico valenciano durante la dictadura franquista. Se analizan las diversas formas que tomó el asociacionismo femenino, entendiéndolo en términos distintos a los utilizados por la historiografía hegemónica. Se estudian, por un lado, las exposiciones colectivas de mujeres como espacio de reconocimiento y visibilización por medio de casos concretos que van desde una exposición en las salas de Lo Rat Penat en 1945 hasta la exposición 12 pintoras organizada en 1975 en el Ateneo Mercantil con motivo del Año Internacional de la Mujer. Por otro lado, se estudia la creación de redes de apoyo entre mujeres, ya sea a partir de la creación de colectivos femeninos como el grupo Pintura o la creación compartida entre amigas en estudios privados o en excursiones al campo para pintar paisajes juntas.

El filme biográfico en su forma más convencional ha tenido como objetivo principal venerar las vidas y obras de ilustres hombres blancos en su consagración de figuras heroicas. Al reapropiarse de este género para celebrar el activismo de Rosa Parks, Julie Dash consigue otorgarle a una mujer afroamericana la distinción de heroína monumental, un trato poco frecuente para las mujeres negras en el cine comercial. Sin embargo, Julie Dash juega con la forma y rompe los moldes al reflexionar sobre la construcción mediática de las narrativas heroicas. The Rosa Parks Story celebra la complejidad de Parks como ser humano y activista comprometida, y la sitúa en el interior del colectivo de activistas que participaron en las revueltas por los derechos civiles en Estados Unidos. El resultado es un filme elegante, profundo y reflexivo que pone el foco sobre el papel influyente de Rosa Parks y sus «hermanas en la lucha» (Collier-Thomas y V.P. Franklin, 2001, p. 4) en un movimiento cimentado en poderosas alianzas que fueron más allá del reconocido boicot a los autobuses de Montgomery.

La escultura valenciana de los ochenta y en décadas siguientes --con su revisión, ejercitada desde la propia práctica e investigación docente-- abrió una etapa destacada, en plena transición política, de carácter intergeneracional, en la que cabe subrayar el papel desempeñado por la relevante presencia de la mujer, en tal contexto de creatividad escultórica. En el presente trabajo, se toma como hilo conductor, de ese fenómeno transdisciplinar y de compromiso reivindicativo, la trayectoria de la escultora Mau Monleón Pradas (Valencia, 1965), tanto en su producción artística transmedia, como en su diversificada acción socio-política, asumiendo la perspectiva de género, en calidad de brazo de palanca de su plural desarrollo investigador e influyente actividad estética.