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O presente artigo é resultante de uma dissertação do Mestrado Profissional em Artes da Universidade do Estado de Santa Catarina (PROF-ARTES-UDESC) defendida em 2023. O foco temático foi a formação de professores e o ensino de arte na comunidade indígena Kaingang do Paraná. O problema da pesquisa consistiu em analisar “como ocorre a formação continuada dos professores em Arte ofertada pela Secretaria Estadual de Educação do Paraná (SEED-PR) na comunidade Indígena Kaingang, da Terra Indígena Mangueirinha (PR)?”. O objetivo geral foi: Investigar a formação continuada do professor de arte e suas consequências no ensino de arte ofertado na Educação Indígena, da Terra Indígena Mangueirinha, no Paraná, relacionando-a com a produção artística contemporânea indígena nacional. Utilizou-se uma metodologia de cunho qualitativo, a qual incluiu revisão bibliográfica e entrevistas. Como aporte teórico, contou-se com o apoio dos seguintes autores: Saviani (2009, 2021), Lagrou (2013), Helm (2007, 2012), Mota (1994), entre outros, assim como documentos curriculares da área. Foram obtidos os seguintes resultados: a formação continuada para professores de Arte ofertada pela SEED-PR, que também atinge a comunidade analisada, não contempla as especificidades do contexto indígena Kaingang, já que, quando há formação, esta ocorre de modo acelerado, padronizado, no formato de Educação a Distância (EaD) e se encontra alinhada aos interesses do neoliberalismo.

Este estudo circunscreve uma reflexão sobre o conceito proposto pela Base Nacional Comum Curricular – BNCC no que se refere às Artes Integradas a partir das percepções de Licenciandos de Artes Visuais e Música na modalidade de Educação a Distância – EaD e semipresencial de uma Universidade Municipal e Professores de Arte de uma Rede Municipal de Ensino, ambas situadas na Região Metropolitana do Vale do Paraíba e Litoral Norte – SP. O presente artigo originou-se do extrato de uma dissertação que pesquisou o contexto e as inquietações da polivalência das linguagens artísticas no ensino de Arte e da problematização de uma tese que tem como escopo investigar o percurso de sistematização das Artes Integradas como unidade temática a partir das referências de professores da educação básica e expoentes da Arte Educação do Brasil. A metodologia da pesquisa foi de natureza qualitativa com base nos registros oficiais da BNCC e de referências bibliográficas e se complementa com uma pesquisa de campo para coleta sobre a percepção de licenciandos de Artes Visuais e Música e professores de Arte sobre a interpretação das Artes Integradas por meio de questionário. A análise qualitativa das informações ocorreu a partir de gráficos gerados pela plataforma Google Forms e do software Excel, assim como pelas nuvens de palavras produzidas pelo site Jason Davies. A reflexão revelou que os participantes concebem as Artes Integradas com uma abstração, assim como a própria BNCC.

O presente artigo apresenta um estudo teórico, objetivando analisar os principais conceitos que fundamentam a ação pedagógica do docente de Arte, a partir da Psicologia Histórico-Cultural e da Teoria Desenvolvimental. Discutem-se os conceitos de atividade, desenvolvimento psíquico e humanização como promotores do desenvolvimento das funções psicológicas superiores, entre as quais a criação e a fruição. Trata-se de um ensino organizado que atua na zona de desenvolvimento iminente, atualizando-a e ampliando-a gradativamente, visando o pensamento teórico e o desenvolvimento do sujeito como partícipe do gênero humano. Apresentam-se, ainda, as pesquisas desenvolvidas com esse referencial, no período de 2011 a 2021, voltado à disciplina de Arte, destacando as ações pedagógicas propostas para uma educação que promova o desenvolvimento da sensibilidade e percepção estética, objetivando o ser humano genérico, comprometido com um projeto de sociedade menos excludente.

Este texto é parte de uma pesquisa de mestrado que se configura com experimentações artísticas e rodas de conversas com alunos, professoras e professores da rede pública municipal de Porto Velho, Rondônia. Tem como objetivo principal discutir como se articula o ensino de arte nos anos iniciais do Ensino Fundamental. Para essa conversa, são convidados autores das filosofias da diferença pelas obras de Deleuze (1981), Deleuze e Guattari (2010) e Lins (2008, 2012), que atravessam a todo o momento, compondo com as experimentações artísticas que se movimentam, navegam e transbordam em pensamentos reverberantes, se despindo dos métodos e possibilitando outros modos de fazer pesquisa. Assim, o processo de criação se mostrou potente quando realizado coletivamente, sem direcionamentos e movimentos pré-definidos. Apresentaram-nos um cotidiano escolar permeado por acontecimentos, fugas das regras e aprisionamentos que estratificam a potência da arte, fugindo às tentativas de controle e se compondo com os blocos de sensações no processo de criação artística.

A presente pesquisa tem como objetivo verificar as potencialidades do vídeo mapping como recurso de ensino de artes para as pessoas com deficiência. Para tanto, busca-se pensar estratégias que possibilitem novos modelos de aprendizagens baseados na sociedade da informação, consolidada na motivação entre professores e alunos de transformarem as potencialidades desses recursos em aprendizagem. Cabe destacar a necessidade de incluir os alunos com deficiência no processo de ensino/aprendizagem da disciplina de Artes. O processo deve ocorrer de modo cooperativo e autônomo, promovendo a Educação Inclusiva, um direito destes indivíduos, garantido pela Lei de Diretrizes e Bases nº 9.394/96 e fortalecido pela Lei nº 13.146, de 6 de julho de 2015. Para a realização deste trabalho, faz-se uso da revisão bibliográfica do tipo integrativa. Os resultados visam corroborar para superar lacunas da Educação Especial inclusiva no Estado de Roraima. Neste caso, as TIC mostram-se como um instrumento eficaz para o ensino de Artes Visuais.

Esta pesquisa, em andamento, tem como objetivo compreender as dinâmicas relativas ao processo de escolha e uso dos livros didáticos de Arte na escola pública. A primeira etapa do estudo, caracterizado como uma pesquisa qualitativa, é um trabalho coletivo e colaborativo na elaboração de um questionário para obter informações relativas ao processo de escolha dos livros de Arte do Programa Nacional de Livro Didático – PNLD 2020 e uso dos livros didáticos de Arte na escola. Realizada junto a um grupo 32 professores de Arte que atuam na Educação Básica no Estado do Paraná, o resultado aponta para a presença do livro didático em quase todas as escolas dos professores participantes. Em contrapartida, reconhece-se a urgência de se tratar deste tema na formação inicial e continuada, em função da pouca tradição que o livro tem na disciplina, e a pequena valorização desta temática no âmbito da pesquisa acadêmica.

O presente artigo tem como foco temático o impacto das imagens na construção subjetiva e social das pessoas, mais especificamente em relação a formas de existir como mulher e em como o ensino das artes visuais pode funcionar neste sentido - e na quebra de sentidos. O objetivo é analisar como as representações dos corpos podem ser sufocantes e ao mesmo tempo discutir sobre como a produção artística das mulheres pode nos libertar de algumas amarras e nos mostrar novas possibilidades de existir, através da auto apresentação. Trata-se de uma pesquisa bibliográfica com um breve relato de experiência em sala de aula para aludir as questões discutidas. Desta forma, não há conclusões e resultados, apenas caminhos para reflexões na forma de ensinar e consumir a produção artística das mulheres.

Este texto apresenta uma síntese de experiências atinentes a um seminário desenvolvido em 2018 no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UDESC intitulado “Intertextualidade como proposta pedagógica”, no qual, após o estudo de teóricos que tratam de questões intertextuais, mestrandos e doutorandos foram instados a fazer uma pesquisa pontual, adotando princípios intertextuais em experiências educacionais formais ou não-formais. Ficou a critério de cada pós-graduando definir seu público alvo, bem como o conteúdo e a metodologia de ensino. Deste modo, os resultados são expressivamente diferenciados, mas todos consideraram seus objetivos atingidos. E nessas sínteses, percebem-se modos diferentes de a intertextualidade contribuir para o ensino da arte.

A partir de perspectivas embasadas nos princípios da cultura visual este artigo discute aspectos identitários do ‘ser professor’ em um mundo globalizado, em permanentes transformações que impõem demandas no campo da educação, da arte e da profissão docente. Nesse contexto o conceito de ‘professor-artista’ e sua identidade híbrida emergem como uma modalidade de performance cultural entrelaçando ações em arte, educação e, principalmente, pesquisa. O texto reúne resultados parciais de uma pesquisa de doutorado em arte e cultura visual cujo trabalho de campo envolveu a participação de oito sujeitos professores de um centro profissionalizante em arte na cidade de Macapá, estado do Amapá. Um espectro de opções pedagógicas oferecidos pela educação da cultura visual associa cotidiano escolar e significações culturais, configura as relações entre sujeitos docentes e discentes criando uma interface de saberes coletivos e individuações/realizações práticas.

Este estudo objetiva relacionar diferentes perspectivas conceituais, da educação da cultura visual, da filosofia foucaultiana e da pedagogia freireana, para pensar uma estética da docência no ensino das artes a partir das práticas docentes de Frida Kahlo. Através da metodologia investigativa da bricolagem, em seu intento de friccionar diferentes conceitos, articula-se uma trama epistemológica interdisciplinar. Os conceitos de estética da existência e de boniteza e decência da docência possibilitam interpretar os modos como Frida Kahlo instigava a autonomia criativa dos seus alunos e, por sua vez, isto nos possibilita pistas para o ensino das artes na contemporaneidade.

Este artigo apresenta reflexões sobre a metodologia do ensino de arte em que a cidade e o meio passam a ser aspectos importantes da aprendizagem. A partir de uma ação docente em arte (um estudo de caso) desenvolvida com estudantes em escola pública do distrito de Irerê, cidade de Londrina, Estado do Paraná – Brasil, foi desenvolvida uma proposição cujo foco maior era estabelecer vínculos entre os educandos e o espaço urbano e rural em que vivem, de modo que, como na visão de Yi-Fu Tuan, o espaço fosse transformado em lugar. Nas abordagens convencionais do ensino, leituras e releituras de imagens da história da arte são o centro do ensinar e aprender, sendo descartadas histórias e vozes daquele que vê, lê, e vivencia a aprendizagem. Partindo do universo pessoal dos sujeitos envolvidos, a pesquisa aponta para a possibilidade daquilo que temos chamado de metodologia da presença. Tal metodologia está voltada para a ocupação por parte do educando de um maior posicionamento nos processos de formação em arte.

O presente artigo foi construído como miradas em um espelho de muitas faces onde se misturam e se condensam arte, vida e ciência. De que arte falamos quando olhamos a vida dentro e fora da escola? Dispensável, supérflua? As miradas nos revelam aspectos como num caleidoscópio que mira as livrarias, as escolas, os museus, as obras de arte, a formação inicial nos cursos de Pedagogia, a construção de uma poiesis, entre experiências vividas e teóricos parceiros. Frente a este espelho de muitas faces, é possível vislumbrar a importância das artes na contemporaneidade e, em especial, a atuação concreta, singular e necessária de quem nela acredita.

O trabalho que ora apresento objetiva investigar algumas experiências com arte, desenvolvidas na formação continuada de professoras de Artes Visuais da Casa de Cultura de Santa Maria/RS. No entanto, tive como ponto principal discutir as memórias de infância dessas docentes com relação às brincadeiras, cores, cheiros e sabores vivenciados nesta fase, vislumbrando assim, possibilidades de criação artística e reflexão sobre conteúdos e metodologias no ensino de arte na contemporaneidade.

O objetivo deste artigo é explorar algumas considerações acerca da educação, da arte e da relação entre elas, de modo a mostrar a condição interminável desse campo de estudo e investigação. Tomando como horizonte a formação de professores, reitero uma remessa ao entrecruzamento dos processos de subjetivação e o entendimento estético: a estética da existência como tema clássico na história da humanidade e a formação como um complexo e multifacetado processo de produção de subjetividade – formar os outros e formar a si mesmo como uma intrincada arte de existir. O lugar da arte na educação, a relação entre arte e educação, o lugar da arte na vida, o sentido da educação, as implicações entre a vida, a arte e a educação, quem vem antes, quem vem depois, quem depende de quem, quem se serve de quem: não tanto o conteúdo dessa problematização, não tanto as respostas, mas é o próprio movimento de perguntar que interessa ser problematizado. Como corpus de problematização, serão tomados quatro textos da importante arte-educadora brasileira Noêmia Varela, professora da Escolinha de Arte do Recife: “Criatividade na escola e formação do professor”, de 1972; “Movimento Escolinhas de Arte: imagens e idéias”, de 1973; “O desafio da formação de recursos humanos para a educação através da arte”, de 1977; e “A formação do arte educador no Brasil”, de 1984. O material será confrontado com categorias contemporâneas do campo da educação e da arte, buscando-se especular seu potencial infinito de investigação.

Este trabalho investiga o modo como seis alunos do curso de Licenciatura em Artes Visuais da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da Universidade Federal de Goiás (UFG), compreendem e se relacionam com imagens da arte contemporânea como objeto de ensino. Inspirada na minha observação sobre a resistência ao uso destas imagens em salas de aula, esta pesquisa se configura como uma mostra de dados que constrói uma trama de opiniões que ora se entrecruzam, ora divergem, mas, sobretudo, refletem questões pedagógicas e sócio-culturais naturalizadas nas compreensões e concepções destes futuros professores. Uma metodologia qualitativa desenvolvida através de entrevistas individuais e grupos focais orientou esta investigação que considera imagens, falas, silêncios, gestos e reações como partes integrantes de uma análise crítica e construtiva de relatos que dialogam com a cultura visual.

Vivemos em um momento no qual a inclusão social vem sendo amplamente discutida. Abordaremos aqui os dados de uma pesquisa participante acerca da inclusão do cego no museu de arte. O museu, por ser uma instituição pública que contém o patrimônio histórico cultural de uma sociedade pode, juntamente com o professor de arte e o mediador do museu, contribuir para que a inclusão se constitua num processo significativo.