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Este artigo tem como objetivo pensar as especificidades das performatividades de gênero de corpos dissidentes que praticam performances de samba no Rio de Janeiro. Propõe-se uma reflexão sobre reinvenções sociais nas escolas de samba e sobre como a potencialidade de criação intrínseca ao samba, entendida em termos benjaminianos como sua aura, precisa ser retomada na contemporaneidade. A partir dos conceitos propostos por Walter Mignolo, de pensamento liminar e diferença colonial irredutível, de cruzo, intersecções de Simas e Rufino, discutem-se os entrecruzamentos entre os estudos queer e os contextos locais de raça e de classe. Por fim, elabora-se uma proposta para pensar os corpos dissidentes que sambam a partir do que se nomeia como a teoria Cuíca.

Este artigo discute um campo de investigações em torno do enlace entre monstruosidades, corpo e criação em dança. Inicia-se com a delimitação do conceito de monstro, utilizado neste trabalho, e com a exposição de alguns dos incômodos vivenciados coletivamente na experiência corporal~subjetiva no presente. Em seguida, traça-se um percurso da monstruosidade explicitando como o monstro, historicamente estranho, foi se tornando familiar ao longo do século XX. Por fim, discute-se a aproximação do monstro com o infamiliar, o inquietante, como estratégia de criação em dança a partir do relato de três processos composicionais.

Este artigo discute uma história pessoal de performances em que o foco é o corpo e suas diversas relações com o espaço. Destaque para as experiências da Cia. Domínio Público, um grupo de pesquisa experimental contemporânea, estudos em site-specific e a cultura dos murais na Filadélfia. A discussão percorrerá temas que tratam da arte pública, performance site-specific e intervenção em espaços públicos urbanos. Na medida em que o artigo explora novas estratégias de potencialização do trabalho performativo em espaços não tradicionais, o espaço é considerado um parceiro no processo criativo.

Aparentemente a filosofia nada tem a ver com as artes da performance, pois seu ambiente é meramente teórico e eminentemente abstrato, enquanto o termo performance remete às noções de operação, execução, ação. Propõe-se aqui a reocupação das fronteiras entre filosofia e as artes da performance através de uma reflexão sobre os seguintes pontos: 1. Qual é a performance da filosofia?; 2. O que a filosofia pode dizer sobre a performance?; 3. Quais são as formas possíveis de composição entre filosofia e as artes da performance?

Valendo-se de produções imagéticas de crianças em brincadeiras na rua, o texto discute os significados de infância e as questões em torno dos mitos da quietude e imobilidade do corpo para aprender, ideia muito presente na educação. Criando algumas conexões entre as imagens produzidas por crianças e a educação do cuidado e do controle, propõe um olhar voltado ao corpo como potência para se pensar outros modos de vida e de fazer a educação com crianças.

Neste artigo, argumenta-se que Sans-titre, do coreógrafo Raimund Hoghe (2009), remete à ideia de que é por intermédio de um movimento de libertação das forças estáticas de representação cultural que o sujeito pode se aproximar dos outros enquanto humanos – ou seja, construir uma relação baseada na ética. A análise parte de uma interpretação subjetiva que se desenrola em função da sequência narrativa do espetáculo, procurando libertar-se do olhar neutro (e potencialmente redutor) normalmente associado aos regimes tradicionais de regulação académica – ao mesmo tempo em que dá a ver novas possibilidades críticas em torno da recepção estética.

O presente texto apresenta uma análise crítica sobre a dança, a partir da perspectiva do materialismo histórico e dialético, das formulações de Karl Marx e dos estetas marxistas conseguintes a ele, propondo um estudo sobre o conceito, a razão e a finalidade da dança para o gênero humano. Aborda temas como o trabalho, enquanto categoria fundante do ser humano. Em sequência, o movimento corporal humano como trabalho de criação livre, os movimentos corporais intencionais de trabalho e o processo de transição destes para movimentos dançantes. E, por fim, a partir dos estudos acerca das manifestações humanas desenvolvidas no plano estético, como o ser humano chegou à dança como arte.

Este artigo propõe comparar dois gêneros poéticos orais, a cantoria e o slam, sob a ótica da performance, explorando suas semelhanças e diferenças. Com base em estudos da performance e em obras de referência sobre os dois gêneros, pensados como uma poética que se constitui como técnica, propõe-se considerar o empenho do corpo como objeto técnico (Mauss, 2003). Ressalta-se a relevância da improvisação na cantoria e o ineditismo da autoria no slam, ao passo que se procura realçar o caráter cênico dos dois atos poéticos marcados pela velocidade e a contundência no jogo. O texto aponta como resultado a constatação dessa analogia entre os dois gêneros baseada no caráter cênico da sua performance.

Este estudo toma como base a marcação do sujeito e de seu lugar social na performance (Helena: Terrorista de Gênero, 2018), de modo a estabelecer conexões entre sujeito, corpo e gesto no ato performático. Esse enlace se torna possível a partir da análise discursiva da sexta dimensão da atividade performática, aqui proposta enquanto atualização da teoria da performance de Schechner (2004), em conjunção com os postulados de Merleau-Ponty (1991; 1999) sobre a percepção, e a abertura conceitual que propôs Pêcheux (2014) ao inserir a falha e o não-sistematizado da língua na teoria do discurso. Propõe-se uma análise materialista do campo das experimentações sensíveis, destacando os desdobramentos teóricos da noção de percepção enquanto ato analítico consubstanciado ao sentir e ao agir do corpo do/pelo sujeito.

O artigo apresenta uma reflexão sobre o corpo por meio do estudo dos registros de movimento do processo de criação do espetáculo Aldebaran, do Grupo Oficcina Multimédia. Com o objetivo de pensar o corpo, realizou-se observação inventiva, leitura corpórea de desenhos de movimento e revisão da literatura. Discute-se os registros como instâncias mnemônicas performativas que viabilizam ressonâncias corpóreas entre o estudioso do processo e a imagem do movimento. O corpo em ressonância apresenta-se como condição para interações poéticas de constituição da cena de dança e teatro, podendo a ressonância ser considerada como operador corpóreo da fruição artística e práticas de alteridade.

Este artigo analisa o espetáculo TRANS (Més enllà) de Didier Ruiz, que toma como objeto depoimentos de pessoas trans. Qual é o papel da presença do corpo no testemunho? O teatro pode produzir um arquivo no presente? Com base no trabalho de Jacques Derrida e de Sam Bourcier, autor trans, o artigo propõe a expressão corpo-arquivo, ou seja, o corpo cuja presença cênica permite estabelecer um arquivo, questionar as relações de poder com a instituição teatral e interrogar a estrutura palco-plateia na constituição de uma memória coletiva.

Aparentemente a filosofia nada tem a ver com as artes da performance, pois seu ambiente é meramente teórico e eminentemente abstrato, enquanto o termo performance remete às noções de operação, execução, ação. Propõe-se aqui a reocupação das fronteiras entre filosofia e as artes da performance através de uma reflexão sobre os seguintes pontos: 1. Qual é a performance da filosofia?; 2. O que a filosofia pode dizer sobre a performance?; 3. Quais são as formas possíveis de composição entre filosofia e as artes da performance?

A partir da imagem do ato de escavar em um poema de Paul Celan, suscita-se uma potência do amor como ação poética capaz de criar novos afetos e sujeitos políticos. Tal noção de amor, avessa à tradição romântica, faz tensionar o limite do indivíduo e tudo aquilo que o caracteriza como pessoa e, por isso, insere-se numa perspectiva crítica em relação ao humanismo e ao projeto teológico-político do capital neoliberal. Para isso, o pensamento de alguns autores aqui se faz reverberar, como é o caso de Nietzsche, Deleuze, Derrida e Safatle. Esse escavar, como ato amoroso, implica num exercício ético e estético sobre os estratos da língua e do corpo como forma de fazer fugir outras potências que fazem marulhar uma política do inumano.

Uma investigação artística e teórica sobre os combustíveis fósseis, os agenciamentos industriais na natureza e seus reflexos nas estruturas sociais e sistemas de poder. Com o objetivo de examinar a atuação das artes nos embates cosmopolíticos do presente - especialmente diante da nova época geológica, Antropoceno - o artigo observa a performance e a escultura como práticas artísticas que podem materializar atravessamentos de temporalidades e dimensões, refletindo sobre o encontro entre as escalas do humano e do planeta. A teoria Ator-rede de Bruno Latour é ponto de partida para articulações conceituais, desenhadas com a liberdade e a experimentação características da pesquisa artística.

Uma importante contribuição da Etnocenologia e dos Estudos da Performance para o campo de estudo das Artes Cênicas é a ampliação do que pode ser considerado como cena, espetáculo ou performance, rompendo fronteiras, calcadas no colonialismo do saber, que separaram radicalmente arte e cultura popular, polarizando criação e tradição. Essa quebra de paradigma abre a possibilidade de pensar as dramaturgias corporais presente nos rituais afro-brasileiros como um constructo da relação corpo e ancestralidade. É nessa perspectiva que o presente artigo apresenta uma discussão sobre a performance negra dos batuques, mais especificamente a Suça, da cidade de Natividade, estado do Tocantins.

O estudo trata do corpo em relação ao figurino no contexto das práticas cênicas contemporâneas. Interessa olhar para um modo de organização em que o corpo se relaciona de modo implicado aos elementos que o constituem, ou seja, o que venha a se relacionar com ele surge no processo e está intimamente relacionado à pesquisa de movimento. Problematiza-se, então, o figurino em sua ação como coautor e apresenta-se uma prática, nomeada Vestíveis em Fluxo, voltada para a exploração das materialidades a partir da relação entre o corpo, o movimento e o que se veste na produção da cena e na formação do artista.

O artigo coloca em perspectiva uma pesquisa de cerca de dez anos, cruzando um olhar sobre textos dramáticos que contêm representações do corpo, e o estudo de formas cênicas atuais nas quais a presença do corpo é evidente. Considerando que é impossível limitar o teatro ao texto, afirmamos que também é impossível evitá-lo. A primeira parte do artigo coloca em perspectiva uma análise textual de um corpus de textos contemporâneos europeus que apresentam diversas representações corporais. A segunda parte questiona o aspecto carnal das palavras, pois a fala é uma materialidade tangível, portadora de uma originalidade particular. A terceira parte trata das performances emergentes nas cenas europeias nas quais o corpo assume completamente sua densidade e sua força.

Este texto apresenta uma abordagem da presença do artista como relação, propondo um olhar sobre o corpo e sobre o deslocamento da noção de presença como uma atribuição prévia do artista, possibilitando a atenção ao que emerge no encontro entre corpos, no aqui e agora. O público é considerado como interlocutor ativo e o artista como aquele que deixa de protagonizar para com-por (por-se com) o espectador, como uma presença-convite, porosa, por meio de uma escuta apurada às configurações do ambiente. Uma articulação entre referências da arte, da filosofia, da antropologia e das ciências cognitivas permite que as diferenças entre presença impositiva e presença partilhada se evidenciem.

O artigo esclarece aspectos da pesquisa no método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI) em resposta ao texto de Höfling, publicado neste mesmo periódico, no v. 6, n. 2 (2016). São explicitados procedimentos e enfoques do método concernentes às pesquisas de campo, à criação artística e às apresentações dos espetáculos. No decorrer do texto são dados exemplos práticos, de investigações realizadas ao longo de 36 anos de pesquisas, bem como são abordadas teorias da psicologia, que auxiliam em um entendimento mais profundo dos conteúdos que se articulam no corpo e, consequentemente, fornecem subsídios para dar uma condução aos processos emocionais inerentes à criação artística.

Os jogos olímpicos apresentavam-se ao habitante do Rio de Janeiro das décadas de 1890 e 1900 como algo além do esporte. Circo, teatro e cinema eram espaços culturais onde aqueles eventos podiam ser assistidos, como os jornais da época anunciavam. As Olimpíadas do Comitê Olímpico Internacional também eram noticiadas, porém disputavam a atenção dos leitores cariocas com jogos não-oficiais, como os que foram realizados em Montevidéu no ano de 1907. Entendido esse contexto, neste artigo são apresentadas algumas questões relativas ao ideal de corpo no referido período e seu diálogo com a novidade representada pelos jogos olímpicos.

A partir da concepção metafórica a palavra é alimento, propõe-se uma série de quatro exercícios, como uma degustação de palavras, para a investigação sensorial da voz, da linguagem e do pensamento no trabalho do ator. Por meio de uma exploração da proximidade entre o falar e o comer, os exercícios buscam estimular a percepção sensível do modo como a palavra reverbera pelo corpo inteiro. A proposta visa a diminuir o controle mecânico de processos orgânicos e a manipulação direta da voz de acordo com noções estéticas preconcebidas. Ao mesmo tempo, se propõe a aprofundar a experiência físico-intelectual-emocional-sociocultural do texto no teatro.

O artigo faz uma reflexão sobre a relevância da voz entendida como corpo em movimento. Este entendimento é, primeiramente, pensado à luz dos pressupostos de autores das artes cênicas, teatro e dança. Em seguida, foi lançada uma proposta de processo criador em dança que considerou a colaboração dos performers em seu percurso. A obra de dança foi desenvolvida com atores e teve a voz como principal elemento propulsor. Este trabalho buscou discutir um possível encaminhamento voltado para a pedagogia vocal de performers da cena.

Uma investigação artística e teórica sobre os combustíveis fósseis, os agenciamentos industriais na natureza e seus reflexos nas estruturas sociais e sistemas de poder. Com o objetivo de examinar a atuação das artes nos embates cosmopolíticos do presente – especialmente diante da nova época geológica, Antropoceno – o artigo observa a performance e a escultura como práticas artísticas que podem materializar atravessamentos de temporalidades e dimensões, refletindo sobre o encontro entre as escalas do humano e do planeta. A teoria Ator-rede de Bruno Latour é ponto de partida para articulações conceituais, desenhadas com a liberdade e a experimentação características da pesquisa artística.

A partir da imagem do ato de escavar em um poema de Paul Celan, suscita-se uma potência do amor como ação poética capaz de criar novos afetos e sujeitos políticos. Tal noção de amor, avessa à tradição romântica, faz tensionar o limite do indivíduo e tudo aquilo que o caracteriza como pessoa e, por isso, insere-se numa perspectiva crítica em relação ao humanismo e ao projeto teológico-político do capital neoliberal. Para isso, o pensamento de alguns autores aqui se faz reverberar, como é o caso de Nietzsche, Deleuze, Derrida e Safatle. Esse escavar, como ato amoroso, implica num exercício ético e estético sobre os estratos da língua e do corpo como forma de fazer fugir outras potências que fazem marulhar uma política do inumano.

Entende-se a Educação Somática como um campo interdisciplinar que se interessa pela consciência do corpo e seu movimento e que se propõe a uma descoberta pessoal de seus próprios movimentos, de suas próprias sensações. O presente artigo objetiva propor uma reflexão por meio de notas sobre o conceito de Educação Somática, Soma e Corpo, bem como destacar duas abordagens somáticas que são incorporadas nas práticas da temática em voga como caminhos possíveis para pensar o campo em estudo na dança. Parte de uma abordagem fenomenológica pautada nos estudos de Merleau-Ponty (1999), tomando como técnica de pesquisa a descrição merleaupontyana.

O método Pilates, originalmente denominado de contrologia, vem encontrando adesão significativa no Brasil. Neste texto, discutem-se seus princípios e convergências com a Educação Somática em uma abordagem estéticofilosófica das obras originais de Joseph Pilates. Parece tácito que o método pode contribuir de modo efetivo ao artista da cena e são propostas algumas relações nesse sentido. Mas também é discutido, neste artigo, que, sem os princípios norteadores propostos por seu idealizador, essa contribuição deixa de ser uma arte do controle para reduzir-se a uma prática de exercícios físicos não muito distinta das demais.

O artigo coloca em perspectiva uma pesquisa de cerca de dez anos, cruzando um olhar sobre textos dramáticos que contêm representações do corpo, e o estudo de formas cênicas atuais nas quais a presença do corpo é evidente. Considerando que é impossível limitar o teatro ao texto, afirmamos que também é impossível evitá-lo. A primeira parte do artigo coloca em perspectiva uma análise textual de um corpus de textos contemporâneos europeus que apresentam diversas representações corporais. A segunda parte questiona o aspecto carnal das palavras, pois a fala é uma materialidade tangível, portadora de uma originalidade particular. A terceira parte trata das performances emergentes nas cenas europeias nas quais o corpo assume completamente sua densidade e sua força.

Este texto apresenta uma abordagem da presença do artista como relação, propondo um olhar sobre o corpo e sobre o deslocamento da noção de presença como uma atribuição prévia do artista, possibilitando a atenção ao que emerge no encontro entre corpos, no aqui e agora. O público é considerado como interlocutor ativo e o artista como aquele que deixa de protagonizar para com-por (por-se com) o espectador, como uma presença-convite, porosa, por meio de uma escuta apurada às configurações do ambiente. Uma articulação entre referências da arte, da filosofia, da antropologia e das ciências cognitivas permite que as diferenças entre presença impositiva e presença partilhada se evidenciem.

O artigo esclarece aspectos da pesquisa no método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI) em resposta ao texto de Höfling, publicado neste mesmo periódico, no v. 6, n. 2 (2016). São explicitados procedimentos e enfoques do método concernentes às pesquisas de campo, à criação artística e às apresentações dos espetáculos. No decorrer do texto são dados exemplos práticos, de investigações realizadas ao longo de 36 anos de pesquisas, bem como são abordadas teorias da psicologia, que auxiliam em um entendimento mais profundo dos conteúdos que se articulam no corpo e, consequentemente, fornecem subsídios para dar uma condução aos processos emocionais inerentes à criação artística.

A partir da concepção metafórica a palavra é alimento, propõe-se uma série de quatro exercícios, como uma degustação de palavras, para a investigação sensorial da voz, da linguagem e do pensamento no trabalho do ator. Por meio de uma exploração da proximidade entre o falar e o comer, os exercícios buscam estimular a percepção sensível do modo como a palavra reverbera pelo corpo inteiro. A proposta visa a diminuir o controle mecânico de processos orgânicos e a manipulação direta da voz de acordo com noções estéticas preconcebidas. Ao mesmo tempo, se propõe a aprofundar a experiência físico-intelectual-emocional-sociocultural do texto no teatro.

O artigo faz uma reflexão sobre a relevância da voz entendida como corpo em movimento. Este entendimento é, primeiramente, pensado à luz dos pressupostos de autores das artes cênicas, teatro e dança. Em seguida, foi lançada uma proposta de processo criador em dança que considerou a colaboração dos performers em seu percurso. A obra de dança foi desenvolvida com atores e teve a voz como principal elemento propulsor. Este trabalho buscou discutir um possível encaminhamento voltado para a pedagogia vocal de performers da cena.

O método Pilates, originalmente denominado de contrologia, vem encontrando adesão significativa no Brasil. Neste texto, discutem-se seus princípios e convergências com a Educação Somática em uma abordagem estético- filosófica das obras originais de Joseph Pilates. Parece tácito que o método pode contribuir de modo efetivo ao artista da cena e são propostas algumas relações nesse sentido. Mas também é discutido, neste artigo, que, sem os princípios norteadores propostos por seu idealizador, essa contribuição deixa de ser uma arte do controle para reduzir-se a uma prática de exercícios físicos não muito distinta das demais.

Este é um artigoencontro, um artigo-diálogo entre dois professores-pesquisadores e dois artistas dedicados à performance e que também têm a universidade como espaço de experimentação: SaraPanamby e Filipe Espindola. Neste encontro, tentamos traduzir em palavras os fetosensinamentos das experiências limites do casal. A pergunta sobre o que é a performance, e especificamente as experiências criadas pelos performers conduziram-nos a exemplos das dores e amarras que condicionam nossos corpos, violências biopolíticas em algumas das suas dimensões, mas também às forças, às dores de libertação e às delícias que podemos produzir para escapar à jaula afetiva e sensório-motora que nos coloniza. Descolonização dos corpos de toda a violência, mas também intercolonização que fez de todos nós outros ali: aprendizado que só pôde acontecer por uma certa violência, espanto e maravilhamento.

Ao partir de uma perspectiva interdisciplinar acerca dos conceitos de corpo, percepção e tecnologias na cena contemporânea, este texto tentará definir a noção estética geral de bodyscape como uma extensão da percepção do performer. Por meio de um exame de algumas práticas chave da cena contemporânea, como as composições coreográficas de Myriam Gourfink, Isabelle Choinière e o projeto de assinatura do movimento de Martine Époque e Denis Poulin, analisa-se o impacto das tecnologias sobre a redefinição do processo da percepção do performer na composição do movimento e a mudança da noção de presença. Nesse sentido, tem-se uma série das modificações que também influenciam a percepção do espectador. Portanto, discute-se a noção de empatia e tenta-se descobrir como ela se aplica ao contexto de uma imagem digital do corpo.

Este artigo discute as ações comunicativas corporais, enfatizando a problemática da relação comunicativa entre os sujeitos. Referenciando o contexto educacional, discute-se a concepção amortizada do corpo no processo ensino-aprendizagem; a efetiva possibilidade teórica da inclusão de novos saberes docentes; e as contribuições advindas da linguagem corporal para um agir pedagógico. Pelo prisma da comunicação corporal, enfocam-se movimentos e seus significados, fomentando a premissa de que é possível transmitir e decodificar mensagens muitas vezes imperceptíveis à comunicação verbal. Defende-se, portanto, a linguagem corporal consciente, estabelecendo-se como um saber docente útil e eficaz.

Pretende-se refletir sobre a via negativa, articulando-a com os processos de construção da corporeidade e da subjetividade, com base nas conceituações de corpo, sujeito e inconsciente da teoria psicanalítica, propondo entender o trabalho sobre si como um trabalho sobre o negativo pensado como modo de presença do Real.

O interesse de Grotowski por práticas de origens culturais diversas ganhou especial destaque na passagem da fase Parateatral (1969-1978) para aquela denominada Teatro das Fontes (1976-1982). Buscamos neste artigo ref letir sobre como se deu e como se concebeu essa experiência em sua dimensão transcultural a partir de práticas corpóreas presentes em diferentes culturas que se transmitem como conhecimento corporificado.

O presente texto apresenta algumas contribuições da pedagogia de Delsarte para a dança. Revolucionário do movimento e do gesto para as artes cênicas contribuiu significativamente para a emancipação da dança na América e na Europa. Mesmo não tendo criado um sistema especificamente para a dança, este foi difundido por seus discípulos e influenciou uma geração de dançarinos modernos. Este texto objetiva refletir a influência da pedagogia de François Delsarte para dança, bem como contribuir para um pensamento de dança (moderna) renovador. A abordagem metodológica utilizada para a reflexão do tema proposto parte da análise de conteúdo.

Este texto trata da influência de François Delsarte em várias correntes do treinamento corporal, teatral e da preparação vocal nos Estados Unidos, a partir do final do século XIX. Apresenta-se a forma como suas ideias foram desenvolvidas e transformadas no país, desde 1870, tornando-se, em sua última fase, iniciada na década de 1880, uma teoria aplicada a todos os aspectos da vida independentemente de sua corrente europeia. São mencionadas as contribuições de Steele Mackaye, Genevieve Stebbins e Henrietta Hovey, entre outros.

Para um grande número de estudiosos anglo-saxões, os ensinamentos de François Delsarte encontram ecos na Rússia, no trabalho de Stanislavski, Vakhtangov e Mikhaïl Tchekhov. A procura por correspondências entre a emoção e o gesto implica uma concepção orgânica do ato criador. Visto, entretanto, a partir da União Soviética-Rússia, Delsarte é, ao contrário, o pai de uma nova antropologia do ator-máquina. O objetivo deste artigo é atualizar os mal-entendidos que distorceram os dados e mostrar que, na Rússia, a transmissão seguiu caminhos que desviaram a orientação na recepção do sistema de Delsarte.

El presente artículo trata de una serie de conceptos vinculados a la noción de cuerpo y subjetividad en el entrenamiento cinestésico y expresivo del actor. A tal fin, se propone un diálogo entre los estudios sobre las configuraciones de cuerpo en las sociedades occidentales que desarrollan, desde la óptica de la antropología, el sociólogo y antropólogo francés David Le Breton y desde el campo de los estudios sobre danza, estudios performáticos y políticas del movimiento el ensayista André Lepecki.

Breve reflexão sobre as denominações de duas perspectivas transdisciplinares contemporâneas aparentadas, de contexto universitário, que buscam articular teoria e prática, arte e ciência, criação e crítica, contextos específicos e diversidade cultural, os Estudos da Performance e a Etnocenologia, com destaque para o enunciado explícito de seu foco de interesse, respectivamente, a performance e a presença do corpo em cena e uma declaração de opções preferenciais.