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La notion d’image performée est ici mise en perspective sur le plan théorique et historique. Sur le plan historique, il s’agit de montrer comment la mise en scène de la photographie correspond à une histoire du tableau vivant depuis le 19eme siècle. Contrairement à l’idée reçue, la photographie posée n’est pas le résultat des contraintes techniques du temps de pose. Il ne s’agit pas d’un archaïsme mais d’une esthétique où le photographe pense l’espace de la représentation comme une sorte de scène de théâtre sur laquelle les modèle viennent jouer. L’esthétique de l’image performée repose donc sur une pensée de l’image où le photographe est réduit à un opérateur et où le spectateur est mis en contact avec la scène à travers une sorte d’écran neutre. Il ne s’agit pas véritablement d’un « genre » mais d’une photographie antimoderne, rejetant le naturalisme et les applications de la photographie à l’information. Plus fondamentalement, l’image performée nous rappelle que la relation entre photographie et théâtre dont Roland Barthes avait eu l’intuition dans La Chambre Claire, repose sur une problématique symétrique : le théâtre à partir des théories de Diderot jusqu’à Jean-Paul Sartre, a été pensé comme une image.

Cet article porte sur le journal « Sans Niveau ni Mètre », une publication apériodique qui a paru en 2007. « Sans Niveau ni Mètre » est réalisé grâce à un programme lié à la fois au département et laboratoire d’Arts Plastiques de l’Université Rennes 2, à l’École des Beaux-Arts de Rennes et au Fonds Régional d’Art Contemporain de Bretagne.

Après avoir été invitée par Engramme, j’ai produit une gravure à partir du transfert d’une image photographique en me servant de la technique de la photogravure. Fondée sur ces différentes images, j’amorce une réflexion sur les différences entre des processus distincts en tenant compte de leurs qualités matérielles et esthétiques.

Cet article analyse deux productions en peinture de type in situ réalisées selon un processus de multiple. Un modèle naît et génère ses propres variantes qui, en retour, étoffent son identité. Il se conçoit alors dans le potentiel d’un registre de ressemblance. En ce sens, il est générique et entraîne la formation d’une série et un effet d’aura. Pratiqué hors des espaces traditionnels d’exposition, ce type de série peut entrainer par la force du multiple un changement de perception d’un lieu donné. L’émergence d’un modèle propre à la multiplication inscrit alors le fantasme du bleu dans le champ du multiple.

Cette contribution porte sur l’estampe dans une perspective plus philosophique, en offrant un panorama des changements du cadre artistique depuis les années 1970. Plus précisément, elle tient compte de ses spécificités et des modifications qui ont été introduites dans ses pratiques, de la photographie dans le domaine de l’impression et de l’introduction des technologies numériques, du défi de repérer des frontières, de la porosité et des perspectives nouvelles.

The article presents a parallel between the processes of making art based on Paul Valéry’s poiesis, and attempts to establish a parallel between the digital models of decomposition and unfolding of the digital image and the weaves of simultaneous elements that occur in the process of making art. It seeks, in the dialectic relation between memory and forgetfulness, gaps and holes to deal with a process of artistic mutation.

Cet article porte sur la production de Simon Starling vue sous l’optique de la copie, de la duplication ou du reflet et son rapport avec le photographique. Afin de mieux cerner son projet, on le confronte avec l’esthétique de Kierkegaard.