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Este estudio permite contrastar la obra de dos autores peruanos de la generación del setenta a través de sus obras iniciales. En ese sentido, se propone un análisis comparativo de Álbum de familia (1971) y Arte de navegar (1974) de José Watanabe y Juan Ojeda, respectivamente, por medio de la écfrasis. Por consiguiente, se sostiene como tesis que los cuadros de Chagall y Van Gogh, respectivamente, son elementos intertextuales que a través de la écfrasis interactúan con el discurso poético de los locutores en los poemarios mencionados anteriormente, estructurando relaciones antitéticas que cuestionan a la modernidad y a la racionalidad instrumental en la que se enmarcan. Analizaremos los poemas “Chagall” y “Acerca de la libertad”, pertenecientes al primer libro, y “Van Gogh en Arles” del segundo. Para ello, aplicaremos el marco teórico de la Retórica Comparada.

Entre los numerosos méritos que se pueden atribuir a Entre fuegos. Dramaturgia peruana del periodo de subversión armada y antisubversión, de Percy Encinas, cabe destacar dos que, de muchas formas, abarcan a los demás. En primer lugar, está el hecho de ensanchar el círculo del corpus de estudio del teatro peruano para incluir representaciones y textos poco considerados anteriormente. En segundo lugar, el tratamiento “riesgosamente prudente” de los tiempos de la subversión armada y antisubversión (SAAS), periodo en que se focaliza el estudio, lo cual es otra forma de incluir dichos discursos en el mencionado corpus.

Desde la aparición de los primeros libros de César Vallejo, Los heraldos negros (1919) y Trilce (1922), los estudios e interpretaciones se han propiciado reconociendo su calidad y versatilidad en su escritura; es decir, desde los ribetes románticos y modernistas que se pueden encontrar en el primer poemario, así como la escritura vanguardista en el caso del segundo texto, mostraron que la singularidad del poeta de Santiago de Chuco fue talándose con el tiempo y con cada poema que fracturaba la sintaxis y el sonido hegemónico de la época.

La narrativa de Eduardo González Viaña (Chepén, 1941), desde la década de 1990, se circunscribe en la poética de la inmigración latinoamericana ilegal a los Estados Unidos. El corrido de Dante (2008) representa este corpus discursivo ficcional. En este sentido, el objetivo de esta investigación es analizar tres tópicos: 1) la simbolización del personaje principal Dante Celestino; 2) el conflicto cultural entre Emma y Dante Celestino; y 3) la importancia del corrido, género musical mexicano, en la novela. Para ello, se empleará categorías socio-literarias de la inmigración, frontera, identidad, cultura, subalternidad, planteadas por Olsson, Barnach-Calbó, Beverley y Roca. Todo esto nos permite concluir que el personaje principal se constituye en el símbolo de los inmigrantes ilegales, sujetos invisibilizados por el poder hegemónico; Emma, en el paradigma de la resistencia del conflicto cultural entre hijos nacidos en tierras foráneas y padres inmigrantes ilegales; el corrido, en las manifestaciones culturales latinoamericanas divergentes, así como homogéneas.

Los recientes acontecimientos de diciembre de 2022 ponen sobre la mesa las muchas contradicciones sobre las que se estructura la endeble identidad nacional peruana. En el marco de los 200 años de independencia, estos dolorosos hechos quedaron registrados en los diarios locales a modo de recordatorio. Pero, como dice la famosa canción del cantautor portorriqueño Héctor Lavoe: “¿Para qué leer un periódico de ayer?”. Si hay algo que caracteriza al peruano —o quizás, más precisamente, al limeño— es la fragilidad de su memoria. Los destellos de una noche son rápidamente superados y olvidados a la mañana siguiente. El pájaro que se transformó en mujer. Yma Súmac, la hija del sol, de Elton Honores, nos recuerda qué tan importante es dar un salto al pasado y leer un periódico de ayer.

Este número de Metáfora trae un dossier dedicado a José Watanabe, uno de los grandes poetas peruanos de los años setenta del siglo pasado. Hijo de madre andina y de padre japonés, Watanabe supo cincelar una obra donde se manfiesta la crítica de la racionalidad instrumental y la asimilación del haiku como una forma de percepción distinta de la occidental. Su poemario más célebre, El huso de la palabra (1989), reflexiona sobre las limitaciones de la palabra poética y revela un cuestionamiento de la ciencia moderna, representada por un sujeto del supuesto saber: el de los médicos, quienes se arrogan el monopolio del conocimiento.

Stefano Arduini es catedrático de Lingüística en la Universidad de Roma Link Campus, donde es Presidente del Departamento de Licenciatura en Artes, Música y Artes Escénicas y Prorector para la Tercera Misión. Ha enseñado Lingüística General y Teoría de la Traducción en la Universidad de Urbino; Lingüística en la Universidad de Estudios Internacionales de Roma y en la Universidad de Módena; y Literatura Comparada en la Universidad de Alicante y en la Universidad Autónoma de Madrid.

La poesía de Nicomedes Santa Cruz es una de las que más se ha difundido en el país. Empero, son escasas las publicaciones sobre su obra vinculada al universo figurativo y estético. Por ello, el objetivo de este trabajo es indagar, desde la Retórica cultural y el análisis del discurso, en las marcas de la oralidad representadas en los poemas: “El café”, “¡Oiga usté, señor dotor!” y “Palmero sube a la palma”. Desde nuestra perspectiva, la representación metafórica que deviene de la oralidad ha posibilitado configurar en los poemas dos tipos de memoria: la cultural y la comunicativa. Una, cumple una función de almacenamiento social; la otra, realiza la función de una memoria de todos los días situada en la cotidianidad. Finalmente, observaremos cómo se configura la imaginación lingüística en función de múltiples huellas de esta vinculadas a la representación de la lengua.

José Watanabe es considerado uno de los poetas más importantes de la generación del 70, a pesar de su insularidad con relación a los movimientos poéticos de su tiempo. En 2005, publica La piedra alada, el cual no obtuvo mucha atención por parte de la crítica literaria. En tal sentido, para contribuir al estudio de La piedra alada, el artículo tiene como propósito examinar el tópico de la piedra en este poemario a través del análisis de los siguientes poemas “La piedra del río” y “Jardín japonés”. Para ello, se plantea como hipótesis que, en La piedra alada, la figura de la piedra, al cumplir una orientación espacial y un rol modélico, permite el planteamiento de una retórica del refrenamiento más allá de la elocutio, es decir, como inventio. Se empleará como marco teórico principal los interlocutores propuestos por Camilo Fernández Cozman, la taxonomía cognitiva de la metáfora planteada por George Lakoff y Mark Jonhson, las contribuciones de Stefano Arduini a la Retórica General Textual, la clasificación de las técnicas argumentativas de Chaïm Perelman y, finalmente, el concepto de refrenamiento.

Los primeros años del siglo xx representaron la instauración de la modernización de la poesía en el Perú. José María Eguren se posicionó como una de las voces más representativas de aquella instauración, por ello en este artículo exploraremos algunos argumentos claves que explican la modernización poética egureniana a partir de la revisión de las correspondencias entre un grupo particular de sus poemas y de sus prosas, con el fin de identificar en las escrituras ficcionales y ensayísticas del autor una concepción sobre la poesía que denominaremos multidimensional y que tiene entre sus rasgos más importantes la configuración de un ideal creativo-intuitivo, la figuración de lo femenino como un agente dialectizador y el establecimiento de los principios estéticos del movimiento y de la cromaticidad.

José Watanabe es uno de los más notables poetas de la literatura peruana e hispanoamericana en general. En su producción se destaca el tono desacralizador, muchas veces ligado al humor, mediante el uso de la ironía y la sátira, y otras veces en las cuales opta por un tono solemne o serio, como veremos en el presente estudio. Así, la desmitificación se traduce en un proceso de distanciamiento como de actualización que permite reinterpretar desde el presente el sentido de un texto. De esta forma, el análisis del poema “El otro Asterión”, del libro Banderas detrás de la niebla (2006), nos muestra una ruptura con el discurso mitológico occidental que se encuentra vinculada al tema de la modernidad, circundante, a su vez, a toda la obra watanabesca.

El presente trabajo explora, a través de la comparación, las estrategias dramatúrgicas que han empleado sus creadores para componer tres espectáculos distintos, dos de Colombia y uno de Perú, que se transmitieron como teatro tecnomediado durante la cuarentena y las medidas de aislamiento social en ambos países. Las tres obras analizadas poseen una conexión directa con referentes históricos de sus países. Con episodios de violencia y muerte. ¿Cómo pueden escenificarse anécdotas cargadas con tanta información histórica en apenas 60 minutos? La respuesta estaría en la activación de los circuitos neuronales de la memoria y la construcción de sentido. En el encendido de los procesos de emoción, cognición y comprensión que señalo como el imperativo dramático y que estas obras consiguen a través de dos estrategias: transporte narrativo e inmersión.

Desde la aparición de la obra de José María Eguren (1874-1942) hasta la actualidad, la crítica ha señalado su inclinación hacia el tema infantil en muchos de sus poemas. Sin embargo, esta misma crítica ha puesto énfasis en analizar otros aspectos de su obra, igual de relevantes (el simbolismo, la imaginería, los personajes, el estilo y las formas, la muerte y la fantasía como tópicos, entre otros), y ha descuidado el tema de la infancia. En el presente artículo se busca analizar la naturaleza de la infancia en la poesía de José María Eguren. Para ello, primero vamos a construir un concepto operativo de “literatura infantil” a partir de ciertos textos de carácter teórico sobre la llamada literatura infantil. A continuación, se evaluará la ubicación de Eguren en el corpus de la literatura infantil peruana a partir de las antologías y de los estudios más representativos sobre el tema en cuestión. Finalmente, sobre la base de lo anterior, se analizarán algunos poemas egurenianos que pongan énfasis en la propuesta de literatura infantil.

La muerte vinculada a elementos de la familia y de la naturaleza es un tema muy recurrente en la obra poética de José Watanabe (1945-2007). La piedra, ciertamente, como un elemento de la naturaleza, ha sido motivo de pocos, pero valiosos estudios sobre las distintas características y sentidos que adquiere en los poemas de Watanabe; no obstante, resulta llamativo el escaso número de investigaciones centradas en este aspecto, sobre todo, con un poemario como La piedra alada (2005), donde es el elemento central. Así, pues, la muerte y los elementos de la familia también están presentes en este poemario, de modo que Watanabe construye una compleja red de correspondencias en torno a la piedra. Por ello, el presente artículo propone examinar, con base en la Retórica General Textual de Stefano Arduini y en las técnicas argumentativas de la Retórica de la Argumentación de Chaïm Perelman, la condición del ser humano frente a la piedra con la finalidad de demostrar que la muerte y el sentido de la piedra como modelo ético u ordenador del mundo son mecanismos para reducir la imagen del ser humano.

Las teorías sobre lo fantástico tienden a descartar su inserción en la poesía lírica. Este artículo examina los motivos de tal imposibilidad a la luz de la pregunta por la lírica y lo fantástico. Una vez estudiados ambos y expuesta la incompatibilidad entre ellos, se propone el término de “lo misterioso” para aquellos poemas líricos que van al misterio y que comparten rasgos con la literatura fantástica. En esta “especie” lírica (que se halla dentro del “género” literario de la poesía lírica), encontramos algunas características definitorias que también planteamos: el “lirismo” y el Heimliches (el sentirse a salvo en lo cotidiano pese a los secretos que aún nos guarda) en ella, contrario al Unheimliches freudiano.

La teoría de la transcreación poética, propuesta por los poetas concretos Haroldo y Augusto de Campos, líderes del grupo Noigandres, plantea comprender la traducción como una forma de creación y conocimiento del poema. Alineados por las ideas del concretismo en el cual el poema es concebido como una combinación de elementos formales gráfico-fonéticos y espaciales que posibilitan una experiencia, los poetas-traductores comprendieron que su labor favorecía una práctica metalingüística al aprehender el interior del poema y convertir la traducción en una búsqueda que no se limita al significado sino al signo y a la materia. En ese sentido, para los de Campos, traducir es estudiar, pero, al mismo tiempo, crear. Partiendo de estas ideas, esta investigación tiene como objetivo problematizar el concepto de transcreación a partir de la traducción de un famoso poema del autor americano Edward Estlin Cummings “a leaf falls” (1958), anteriormente trabajado por Octavio Paz y Augusto de Campos. Proponemos que la transcreación de la pieza de Cummings, el ejercicio de comprensión y análisis, permite la aparición de un poema que recupera la intención formal y visual del signo.

Comentarios Reales (1964) de Antonio Cisneros se caracteriza por una perspectiva desmitificadora de la historia oficial del Perú. El autor hace uso de la ironía y de recursos en el lenguaje para contraponer distintos puntos de vista; por ejemplo, el popular ante el dirigencial. En ese sentido, el presente artículo realiza un análisis retórico de “Tres testimonios de Ayacucho” por medio de enfoques propios a la Retórica General Textual con el motivo de exponer la crítica a la eliminación histórica del mártir anónimo; esto en diálogo con conceptos como «poética del duelo», «memoria histórica» y «deshumanización».

Marcel Velázquez Castro es doctor en Literatura Latinoamericana por la Universidad Andina Simón Bolívar (Ecuador) y magíster en Literatura Peruana y Latinoamericana por la UNMSM; a su vez, cursó un diplomado en Estudios de Género en la PUCP. Sus principales líneas de investigación se orientan por los estudios histórico-literarios, los estudios de género, la literatura peruana del siglo xix y la historia cultural de la prensa.

Estudiar el periodo de las vanguardias, en especial las desarrolladas en América Latina, supone retornar sobre un vasto conjunto de viejas discusiones y numerosos debates que han quedado inconclusos, así como también en lo que refiere a la reconstrucción de una memoria histórica que se ha gestado muchas veces en la periferia del discurso hegemónico desde donde esta parte.

Hace poco más de un año de haberse celebrado el bicentenario del Perú, nuestro país tiene una deuda histórica con los descendientes de los migrantes chinos y japoneses, quienes propiamente son llamados en nuestro territorio bajo la denominación de tusan y nikkei. Parte de su cultura, indudablemente, ha nutrido nuestro gran crisol de tradiciones nacionales, donde se entremezclan distintos grupos étnicos como lo indígena, lo criollo, lo afro, y a toda esta mixtura se le agrega las tradiciones asiáticas.

Antonio Cisneros (1942-2012) es uno de los más reconocidos exponentes de la Generación del 60 que, a partir del carácter irónico, decide realizar una observación crítica a las distintas problemáticas de la realidad peruana, como también una nueva perspectiva que expone una reflexión sobre la tradición histórica y la falta de una identidad nacional en el país. Por esta razón, el presente artículo partirá de un enfoque retórico que expondrá a través de la teoría de los campos figurativos y las técnicas argumentativas de Stefano Arduini (2000) y Chaïm Perelman (1997), respectivamente, el análisis del acto perlocutivo realizado por el autor que, a través de la denuncia y el cuestionamiento de lo establecido, se manifiesta un tono conversacional que tiene por finalidad persuadir al lector.

La literatura latinoamericana y argentina de principios del siglo xxi ha dado muestras de un importante interés en resignificar los procesos dictatoriales que sufrió la región durante las últimas décadas del siglo xx. Nuestro artículo analiza la novela La casa de los conejos, de la escritora argentina Laura Alcoba y busca estudiar la cuestión de la narrativa vinculada a la autoficción, que se propone como estrategia para dar cuenta de sucesos violentos y traumáticos. Este trabajo se centra en la conformación de la identidad de una narradora no siempre infalible que debe, a partir de un trabajo de memoria personal, reconstruir grandes porciones de su particular infancia y de una parte de la historia argentina que cuenta también con muchas otras versiones y relatos. Oposiciones tales como saber / no saber y hablar / callar serán hilos conductores de la novela y a su vez se constituyen como elementos fundamentales del yo de la narración.

Antonio Cisneros es uno de los miembros más destacados de la generación del 60 para la crítica contemporánea. En 1978, publica El libro de Dios y de los húngaros, donde pone fin a su silencio literario de aproximadamente seis años. El artículo tiene como propósito estudiar el tópico de la memoria en dicho poemario a través del análisis de los siguientes poemas “Tu cabeza de arcángel italiano” y “Cementerio calvinista en Praga”. Para ello, se plantea como hipótesis que en El libro de Dios y de los húngaros se configuran varias concepciones de la memoria por medio del cambio interlocutivo y la interrelación campofigurativa. Se empleará como marco teórico principal los aportes de Stefano Arduini a la Retórica General Textual tales como el campo retórico y el campo figurativo, además de los interlocutores propuestos por Camilo Fernández Cozman y, finalmente, los tipos de memoria.

En el siguiente artículo se realiza el análisis de dos poemas de Antonio Cisneros: “Poema sobre Jonás y los desalienados” y “Apéndice del poema sobre Jonás y los desalienados”, pertenecientes al libro Canto ceremonial contra un oso hormiguero (1968). Se procede con un minucioso análisis retórico para postular que los textos se valen de la figura de la ballena para representar un sistema sociopolítico que reprime a los sujetos que lo integran, a quienes se les niega un conocimiento pleno y la libertad para decidir el rumbo de sus vidas. Así, los sujetos no tienen otra opción más que validar el sistema hegemónico que los aliena y los explota, ya que están inevitablemente articulados con él. De esta manera, el mensaje final de los poemas se emparenta con la noción de «violencia simbólica», expuesta por el sociólogo francés Pierre Bourdieu.

Antonio Cisneros escribe Comentarios reales (1964) como parte de una iniciativa poética de la Generación del 60 que consiste en revisar la historia oficial a través de la ironía y la desmitificación (Fernández, 2016). En el presente artículo, se aplica el análisis retórico de carácter interdiscursivo a partir de los planteamientos de Tomás Albaladejo (2008). Compararemos dos poemas del libro Comentarios reales, así como el estudio entre un poema de dicha obra y otro de Biblioteca del mar (2012) de Marco Martos. El análisis permitirá validar la siguiente hipótesis: los dos recursos retóricos centrales en Comentarios reales son la ironía desmitificadora y el lenguaje coloquial.

En Crónica del Niño Jesús de Chilca (1981) se relata la triste historia de la comunidad chilena que, por cuestiones de desastres naturales, toda su mercancía y su vida en sí se han visto en desgracia. Por ello, se propondrá un breve campo retórico de los años ochenta y se presentará parte de la crítica alrededor de dicho poemario de Antonio Cisneros. Para finalizar, se desarrollará el análisis retórico de los poemas “Una muerte del Niño Jesús” y “Otra muerte del Niño Jesús” a partir de los lineamientos de los campos figurativos de Stefano Arduini y la teoría de los argumentos retóricos de Chaïm Perelman. Asimismo, se analizará de forma interdiscursiva cada poema con “Antes que el olvido nos” y “Los canales enterrados”, respectivamente, con el objetivo de advertir cómo operan la nostalgia y la memoria.

Javier Sologuren es uno de los más notables autores latinoamericanos del siglo xx porque renovó la poesía peruana durante los años cincuenta, fue traductor literario muy reconocido y reflexionó rigurosamente sobre los poetas simbolistas y vanguardistas franceses. Publicó su poemario Otoño, endechas en 1959 donde se observa el influjo de la obra de Stéphane Mallarmé. El artículo se sustenta en las propuestas de la Retórica Cultural de Tomás Albaladejo en lo que respecta al empleo de la categoría de motor metafórico. Sobre la base del concepto de imaginario cultural de Antonio García Berrio, se señala cómo funciona el motor metafórico en la poesía de Sologuren a partir de la noción de la instancia de la enunciación y de la recepción. Sologuren se nutre de la poética de Mallarmé y reestructura las propuestas del escritor francés con el fin de crear una nueva metáfora. Para fundamentar su hipótesis, además, se aborda la ensayística del poeta peruano donde habla de las particularidades de Mallarmé y sus lazos con creadores como Paul Valéry o Guillaume Apollinaire.

En el presente trabajo se establece como finalidad investigar el arte poética de José Santos Chocano y determinar tanto la importancia estructural como funcional que posee esta en los poemas “El nuevo dodecasílabo”, “Troquel” y “Ánfora”. Para ello, el artículo se divide en cuatro apartados, los cuales se componen de un balance crítico de los estudios sobre la obra de José Santos Chocano, el desarrollo del marco teórico referente al arte poética, se prosigue con el análisis de los poemas utilizando el modelo hermenéutico de Carlos García-Bedoya y, finalmente, se exponen los resultados y conclusiones del estudio donde se establece un acercamiento al ideario estético del vate peruano.

Considerado el poeta vivo más importante de la poesía peruana, la obra de Carlos Germán Belli se caracteriza por sus reminiscencias clásicas y alusiones contemporáneas, que hacen de ella un encuentro siempre desconcertante. Esto ocurre, por ejemplo, con la figura de su locutor. En esa línea, este artículo pretende identificar las características de la representación del locutor en cuatro poemas bellianos: “Segregación N.° 1”, “El valle de heces”, “Sextina primera” y “Yo pese al paso largo de los años”. Sostenemos que la intención del sujeto lírico de estos poemas es dar cuenta de su trágica unicidad en la sociedad moderna capitalista, que le ha privado de una voz poética, política y lo ha desterrado a habitar los límites de la condición humana.

En este trabajo abordamos “Continuidad de los parques” a partir de algunas propuestas de estudio formuladas por Greimas, desarrolladas en obras como Semántica estructural (1971), En torno al sentido (1973) y Del sentido. Ensayos semióticos (1989) con el propósito de identificar los principales trazados semánticos y socio-culturales implicados en ese breve relato, incluyendo aquellos que, pese a las innegables aportaciones realizadas por los numerosos estudiosos de este escrito de ficción, han sido ignorados.

Metáfora llega a su noveno número y ya se encuentra incluida en Scopus. Esta nueva entrega trae un dossier dedicado a la obra de Antonio Cisneros, uno de los grandes poetas peruanos de los años sesenta y preclaro representante de la poesía conversacional en América Latina.

Una parte significativa de los estudios centrados en la novela de Roberto Bolaño (1953-2003), Los detectives salvajes, enfoca su atención sobre todo en los personajes principales de la novela: Arturo Belano y Ulises Lima, transfiguración literaria del propio autor y del poeta mexicano Mario Santiago Papasquiaro, según la crítica al respecto. Sin embargo, el narrador de dos terceras partes de la novela es Juan García Madero, un joven poeta de 17 años que es quien narra en su diario personal las aventuras vividas al lado de quienes considera sus maestros de vida y que lo inician en el camino de la poesía al hacerlo formar parte de un grupo de poetas con sensibilidades afines. Este artículo se propone revisar la importancia que tiene este personaje para la articulación de la trama y de la ficción novelesca que entraña autobiografía y autoficción.

El presente trabajo propone un acercamiento a la revista Barcelona (2003-continúa) desde una lectura semiótica que involucra la paratextualidad (Genette, 1989; Alvarado, 1994), la intertextualidad (Kristeva, 1981) y la parodia (Jitrik, 1993) de discursos, personajes y hechos de la actualidad. Se analizará la matriz constructiva del semanario, dada en el cruce de diferentes géneros discursivos (Bajtín, 2013) e imágenes de distinta naturaleza, la crítica subversiva, el enmascaramiento y el lenguaje vulgar, transpuestos al plano textual mediante una operación de carnavalización (Bajtín, 1987, 1993). Finalmente, se identificarán las estrategias enunciativas y los procedimientos de connotación (Kerbrat-Orecchioni, 1983; Barthes, 2017) que la revista utiliza para construir una imagen del contexto sociopolítico a partir del concepto de «lo reidero» (Traversa, 2009a), que se pone en funcionamiento si el lector cuenta con las competencias lingüísticas y enciclopédicas adecuadas (Eco, 2013) para desentrañar sus modos de producción de sentido.

En este artículo abordaremos la novela Balún-Canán (1957) escrita por Rosario Castellanos. Por un lado, nuestro análisis se centrará en dos personajes femeninos que consideramos claves dentro de la trama, estos son Matilde y la niña (a quien se le quita identidad al no nombrarla). Creemos que dichos sujetos femeninos, a pesar de pertenecer a una clase social elevada, ya sea por sus decisiones o por las que toman de agentes externos, se ven destinadas a la subalternidad, aspecto que se anuncia desde un inicio. De otro lado, también examinaremos cómo los sujetos subalternos pueden encontrar un espacio dentro de la literatura: por ejemplo, la representatividad que no poseen las mujeres en la trama la obtienen por momentos al instaurarse como narradores de la novela.

En el presente artículo, se analizará el «Yomismo» en cuatro poemas visuales pertenecientes a Química del espíritu (1923) de Alberto Hidalgo. Se propone que en el poemario hay una búsqueda e intento de descubrir la esencia del «ser», por lo que el poema visual sería una gran estrategia pictórica que permite representar la desilusión y frustración ante la imposibilidad de entender el estado del hombre. Por lo tanto, se recurrirá a la noción del «Yomismo», propuesta por Manuel Pantigoso.

En el presente trabajo se realiza una lectura de “inventario” del poemario Tema y variaciones (1950) y “escultura de palabras para una plaza de Roma” del poemario Habitación en Roma (1952), ambos libros pertenecientes a Jorge Eduardo Eielson (1924-2006). Se revisan la estructura (dispositio) y las figuras literarias (elocutio) para plantear que existe un momento en el recorrido de la lectura que sugiere al lector percibir el poema como un objeto dentro de la hoja de papel. De esta manera, los poemas proponen un cambio en la significación que pone de manifiesto la conciencia de la materialidad del espacio en la creación poética. El enfoque principal del que se parte proviene de la Retórica General Textual; en especial, se utiliza el concepto de campo figurativo.

El artículo plantea el análisis de los poemas “Suicidio” y “El destino” que forman parte de Química del espíritu (1923) del vate peruano Alberto Hidalgo. La hipótesis que se planea es la existencia de un vínculo de la complejidad del ser humano moderno de Berman con las ideas visuales de la muerte como espacio de huida a tal estado moderno. Para tal fin, emplearemos la teoría de la Retórica General Textual, la metáfora orientacional de la teoría cognitiva lingüística de Lakoff y Johnson y la tipografía de la poesía visual de Suarez para diferenciar los poemas señalados. De esta forma, ambos poemas cobran una significación donde el contexto social afecta la psicología del sujeto con el objetivo de comprender su visión del mundo.

La poesía visual de José Luis Ayala, en Poesía para videntes (1988), representa la asimilación de dos culturas, occidental e indígena, que junto a la configuración de las formas estróficas transgrede la vanguardia peruana como se conocía en ese tiempo con Oquendo de Amat. De esta manera, con sus influencias en el Grupo Orkopata, Ayala domina la poética indigenista y la difunde a través de un lenguaje estándar para que sea reconocido sin tener la barrera del entendimiento. Por ello, este trabajo se ocupa de la descomposición de las estructuras poéticas del poema por medio del análisis intercultural propuesto por Camilo Fernández para comprender a cabalidad los procedimientos de construcción que maneja el poeta puneño.

La vanguardia peruana fue un periodo que se caracterizó por la experimentación lingüística y el desarrollo de una poesía visual que invita al lector a participar de manera activa en la interpretación del poema. Carlos Oquendo de Amat (1905-1936) es uno de los mayores representantes de la nueva sensibilidad que se expresa a través del lenguaje y marca una tendencia en la poesía peruana del siglo xx. Por ello, el presente artículo propone examinar, a partir de la teoría de la versología moderna de Isabel Paraíso y Francisco López Estrada, la yuxtaposición de imágenes en el poemario 5 metros de poemas (1927) con la finalidad de explorar la relación entre el aspecto visual y semántico desde la perspectiva del sujeto migrante ante la modernización de la ciudad, los avances tecnológicos y los medios de comunicación.

El presente artículo es un análisis semiótico del personaje de Josefa Saucedo, protagonista de la novela Las Saucedo (2015) de la escritora arequipeña Zoila Vega Salvatierra. La metodología utilizada es la semiótica de las pasiones desde la perspectiva de la lógica modal de Fontanille, la misma que permite detectar los «efectos afectivos» resultantes de la oposición entre la modalización social y la modalización individual, representada la primera en las convenciones propias de la sociedad conservadora y tradicionalista arequipeña del siglo xviii y, la segunda, en los principios de la Ilustración que resaltan el valor del individuo, introducidos en el relato por el personaje de Enrique Ibáñez.

Eleodoro Vargas Vicuña es considerado uno de los más grandes narradores de la generación del 50 y de la literatura peruana en un ámbito general. En el presente estudio se analizará el cuentario Taita Cristo (1964) desde la perspectiva de la muerte. En ese sentido, el aspecto anterior será tomado como un conocimiento relacionado con la tradición popular oral, evocado en los diálogos de los personajes y el desarrollo argumental. Igualmente se resaltará la función de la oralidad, asunto destacado en el libro del autor debido a su capacidad de articular distintas temáticas, entre ellas, el particular carácter ritual de la muerte contemplado desde la visión andina. Para nuestros fines, se examinarán los relatos “El tuco y la paloma” y “El desconocido”.

El propósito de este artículo consiste en revisar las características generales de la anécdota y estudiar el uso que Manuel González Prada (1848-1918) hace de ella a partir de las categorías narratológicas de estructura narrativa y de las funciones del narrador. Desde esta perspectiva, proponemos que las anécdotas del escritor peruano no solo le sirvieron para difundir la ideología anarquista en la ciudad de Lima, sino también para proponer una representación realista de la sociedad de su tiempo. Para este fin, analizaremos y comentaremos cinco anécdotas publicadas en los semanarios anarquistas “El libre pensamiento” y “Los parias”.

En el presente artículo se analiza la representación del pabellón nacional en dos episodios concretos de la narrativa peruana con el fin de exponer cómo puede ser empleada como medio que, por un lado, enerve el sentimiento patrio y, por otro, denuncie las injusticias contra las comunidades del Ande. En primer lugar, en el cuento “El hombre de la bandera”, del escritor Enrique López Albújar, la bandera se manifiesta como el símbolo que gesta un discurso nacionalista fundacional. Inspira en los pobladores de los Andes una íntima identificación con el Perú y la defensa del territorio con la propia vida, a pesar de las incuestionables injusticias que han padecido históricamente. En segundo lugar, en la novela Redoble por Rancas, de Manuel Scorza, la bandera resalta las contradicciones y fisuras de la base ideológica que sostiene el proyecto de nación. El estandarte patrio fomenta la solidaridad entre los habitantes de Rancas y el ejército, por el contrario, acentúa las fragmentaciones socioculturales del país y ofrece un discurso de las minorías. Para ello, se emplearán el concepto «comunidad imaginada» acuñado por Benedict Anderson y los aportes teóricos de la crítica decolonial, de Aníbal Quijano, y poscolonial, de Homi Bhabha y Partha Chatterjee.

La poesía visual ha tenido un desarrollo indiscutible en la literatura contemporánea. Poemas como los de Guillaume Apollinaire o de Vicente Huidobro evidencian una aproximación del género lírico a las artes plásticas. Por eso, el dossier del número 8 de Metáfora está dedicado a la poesía visual en el Perú y está compuesto por seis artículos. Alejandra Apaza se aproxima a la obra del poeta puneño José Luis Ayala para señalar cómo existe en ella la confluencia entre lo andino y lo occidental a partir del diálogo intercultural y del aprovechamiento del espacio en blanco de la página.

El presente artículo, a partir del vínculo entre la biografía, los datos del proceso judicial y los poemas “III”, “XVIII” y “XXIII” de Trilce, explora la imagen de César Vallejo en prisión y aspectos de su renovación poética. La idea que guía este estudio es que los poemas mencionados se perfilan como espacios poéticos en los cuales la voz poética, motivado por la presencia imaginaria de la madre, registra la declaración de su libertad estética. Para tal propósito, primero, apoyado en las cartas vallejianas y la información documentación jurídica de los documentos del expediente Vallejo recopiladas por Germán Patrón Candela, se precisan las circunstancias vitales del poeta relacionadas con la experiencia carcelaria; luego, siguiendo el planteamiento de Rafael Lapesa y Gaston Bachelard, se realiza el análisis e interpretación de las imágenes y espacios poéticos en los poemas mencionados; finalmente, se reflexiona sobre el vínculo entre creación poética, ternura y libertad «vivenciado» por César Vallejo.

El presente trabajo busca demostrar que ciertos textos del poemario Química del espíritu (1923) de Alberto Hidalgo se configuran como «poemas visuales», y a partir de esta premisa se realizará un análisis de los mismos. Para esto, se acudirá a las categorías teóricas sobre poesía visual propuestas por autores como Pamela Medina, Nelson Suarez, Fernando Rodríguez y Eduardo Chirinos. De esta manera, se pretende evidenciar que el empleo de la visualidad no responde simplemente a un afán decorativo, sino que se trata de una elección necesaria para aumentar la expresividad de los textos de una manera que el aspecto verbal no podría lograr por sí mismo. En otras palabras, los poemas visuales de Química del espíritu recobran la realidad material de la poesía e intentan representar aquello de lo que se está hablando, cuestionando los límites del lenguaje, del arte y de la vida del hombre moderno.

En los albores del siglo xx, la formación de la nación peruana fue el debate que propició la urgencia de sistematizar la literatura nacional. Los intelectuales, desde diferentes ópticas, enfocaron dicha discusión en derredor de sus intereses políticos o de clase social. Así, los Arielistas con José de la Riva-Agüero y Ventura García Calderón, entre otros, configuraron el acervo cultural con relación a lo español o a la imitación incorrecta de lo francés, respectivamente. De otro lado, la generación del Centenario con Jorge Basadre, Luis Alberto Sánchez y Raúl Porras Barrenechea buscó un sincretismo entre lo foráneo y lo americano reflejado, por ejemplo, en lo castellano y lo andino. Sería el autor de Los cronistas del Perú, quien estudie en uno de sus primeros tratados, La literatura peruana (1918), sobre la tradición de las letras peruanas, así también respecto de lo criollo y lo indígena.

Una de las apuestas editoriales más ambiciosas, surgidas en el marco del Bicentenario de la Independencia del Perú, es el proyecto editorial «Rumbo al Bicentenario. Colección Literaria de Ediciones Críticas» emprendida por la Editorial MYL por medio del cual se busca rescatar una serie de publicaciones desarrolladas en nuestro país, desde el siglo xix hasta la celebración de los 200 años de nuestra Independencia, a través de 14 diferentes colecciones enriquecidas con los estudios y comentarios de destacados especialistas nacionales y extranjeros.

Jaime Vargas Luna es magíster y candidato a Doctor en Literaturas Hispánicas por la Universidad de Wisconsin-Madison (EE.UU.) con una tesis sobre negociaciones de identidad en el discurso indígena peruano de la primera mitad del siglo xviii. Además, es coordinador de la Biblioteca Bicentenario del Proyecto Especial Bicentenario de la Independencia del Perú, del Ministerio de Cultura. Ha sido director de la Dirección del Libro y la Lectura del Ministerio de Cultura y editor y asesor académico de la Casa de la Literatura Peruana. También ha sido ponente y conferencista en diversas universidades del Perú, Estados Unidos, Bolivia, Chile, Brasil y Colombia.

Aunque el carácter inacabado e híbrido de la última novela de José María Arguedas, El zorro de arriba y el zorro de abajo, supone retos que dificultan su recepción, el relato sobre la constitución de Chimbote como una urbe bullente y deshumanizada, corolario de su crecimiento económico abrupto y su inserción traumática en el capitalismo internacional, novela que intercala, hábilmente, los diarios y las cartas del autor como evidencias de esa otra degradación, física y anímica, que culminará con su suicidio, sigue mereciendo revisión por parte de la crítica y ha dado lugar a una importante floración de reflexiones, artículos académicos y ensayos. La evidencia de esto es la publicación de Un universo encrespado. Cincuenta años de El zorro de arriba y el zorro de abajo, editado por Enrique Cortez.