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El presente artículo expone el resultado de investigación y puesta en valor del fondo fotográfico Rolando Videla Olguín (RVO), a través de una experiencia basada en el diseño y la participación sociocomunitaria, que permitió valorar un periodo determinado de la historia de un pueblo, específicamente, Putaendo (Chile). RVO fue un fotógrafo aficionado que se desempeñó en el ex Sanatorio Broncopulmonar de Putaendo y realizó un registro fotográfico único en su especie, de las dinámicas de la vida hospitalaria y cotidiana asociada al campo y las tradiciones folclóricas chilenas. Se trabajó con una metodología interdisciplinaria que pone en el centro al diseño en las acciones de salvaguarda, en lo concerniente al catastro, sistematización documental y participación ciudadana para la identificación, discusión, definición de atributos y valor de las fotografías representadas en el fondo. Los resultados permiten visualizar la importancia del diseño como mediador en la interacción con la comunidad para la definición de los atributos de la fotografía y la generación de nuevos contenidos en torno a ella. El análisis fotográfico del fondo permitió reflexionar sobre el sistema hospitalario desde otro punto de vista, entendiéndolo como un sistema normativo, pero también social. Las conclusiones resaltan la importancia del diseño participativo para dar una nueva resignificación y valor de los fondos.

Este artículo se refiere a la obra de la artista argentina Lucrecia Moyano, con el objetivo de indagar en las relaciones entre arte, diseño y artesanía que se manifiestan en sus creaciones. A su vez, se busca reflexionar sobre algunas de las primeras experiencias estéticas en la industria y el comercio en la Argentina de las décadas de 1940 y 1950, años de profundas transformaciones socioeconómicas. Mientras que para este período existen estudios que abordan la llegada del diseño moderno a partir de la figura de Tomás Maldonado y la vanguardia de arte concreto, es menos lo que se conoce sobre estas manifestaciones pioneras. Partiendo de la idea de imaginación sociológica, se propone una revisión de las obras y experiencias de Moyano a partir del cruce entre biografía, contexto e historia. Con este objetivo, se focalizará el análisis en tres facetas significativas de su trayectoria. La primera, su labor como directora artística en la fábrica de vidrio Rigolleau, que da cuenta de un particular desempeño en la industria de producción masiva. La segunda, las alfombras que diseñó para la firma Dándolo y Primi en el marco de la experiencia Escuela Fábrica, que fueron comercializadas y expuestas en Argentina y el exterior. La tercera, su obra artística en las vidrieras de la tienda Harrods de Buenos Aires, intervención que no ha sido estudiada hasta la fecha. A través de este recorrido, que incorpora el trabajo con fuentes inéditas, se busca observar distintas percepciones en torno al papel de los artistas en la producción masiva, las fricciones entre lo artístico y lo artesanal y los procesos de distinción social operados a partir del consumo de bienes simbólicos. De este modo, este estudio aspira a enriquecer los relatos convencionales sobre el período, así como también recuperar el legado de Moyano en los campos del diseño y el arte argentinos.

Los resultados de investigación-creación relacionados en este artículo se derivan de la investigación de la tesis doctoral Modelo de la acción creadora en diseño fotográfico. Este trabajo, basado en la aplicación de elementos cognitivos y de producción visual, observa y analiza la figura del diseñador fotográfico a partir de un modelo de creación que surge del cruce de paradigmas y correlaciones entre semiótica fotográfica, ciencia, arte, diseño, tecnología y comunicación visual. En el sentido de que el modelo se presenta como una metodología que busca mostrar con transparencia los procesos creativos que ocurren en la mente del diseñador fotográfico, se establece un espacio donde es posible articular el signo fotográfico como un vehículo de creación. En este contexto, la figura del diseñador fotográfico se observa y analiza a partir de un modelo de creación que surge en la aplicación de instrumentos metodológicos basados en el análisis cualitativo, la observación participante e instrumentos de análisis y evaluación. Así, en el marco de estos instrumentos, se analizan y evalúan los intercambios semióticos y creativos del signo fotográfico diseñado, los cuales fueron dirigidos a través de un trabajo de campo a un grupo de estudiantes universitarios de Diseño Gráfico con amplios conocimientos en fotografía y comunicación visual. Los resultados del trabajo de campo permitieron concluir que los elementos del modelo de creación en diseño fotográfico deben estar fundamentados en el análisis semiótico del pensamiento creativo y la cognición visual

En la búsqueda de intenciones orientadas a fines, hacia las combinaciones de corte metodológico, el Diseño se reinventa cada día como una disciplina que, mediada por los diseñadores, da respuesta a los problemas y oportunidades emergentes de los estudios contextuales. Esta heterogeneidad, presente en sus diversas prácticas y acciones, es la que caracteriza o se refleja en los contenidos de los artículos publicados en este volumen 20, número 28, correspondiente a la edición de juliodiciembre 2023 de nuestra Revista Kepes.

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El rol de los Derechos Humanos (DH) ha comenzado a explorarse en la disciplina del diseño sin profundizar en la perspectiva de las y los diseñadores profesionales. Ante este vacío, el objetivo de la investigación fue indagar la experiencia de un grupo de personas diseñadoras a partir de sus conocimientos, habilidades prácticas, formación e interés en diseñar con perspectiva de DH. Para cumplir el objetivo se estableció llevar a cabo una investigación exploratoria y se diseñó un cuestionario con 15 reactivos para indagar los puntos antes mencionados. El instrumento se aplicó vía formularios de Google a 55 diseñadoras y diseñadores. Los datos obtenidos fueron tratados mediante dos tipos de análisis, el primero estadístico descriptivo y el segundo cualitativo a partir del análisis de contenido con el apoyo del software MAXQDA. Los resultados muestran que las personas participantes: a) consideraron novedosa la idea de diseñar bajo un enfoque de DH, b) reportaron estar dispuestas a explorarlo por la relevancia que tienen los DH y cómo estos pueden insertarse en la práctica de diseño y c) reconocieron no tener los conocimientos ni haber recibido formación suficiente sobre el tema. Se concluye que es importante generar propuestas para implementar los DH en la práctica de diseño, lo que también impactará en la formación de las personas diseñadoras.

Este artículo presenta la investigación de las principales estrategias que se han venido ensayando desde las prácticas artísticas contemporáneas para la conformación de discursos que propicien procesos de acción colectiva en la esfera pública. El objetivo principal es analizar dichas estrategias en relación con la creación de dispositivos para la resignificación del territorio y la conformación de saberes específicos que surgen en y desde las prácticas. Para ello, se establece una metodología híbrida que propone métodos y herramientas propias de la investigación en artes y de la metodología cualitativa. La investigación permite establecer unas categorías de análisis que exponen una cartografía de las principales líneas de acción de las prácticas artísticas de intervención en el espacio público, tales como acciones lúdicas, relacionales, creación de relatos subalternos y ecosóficos. Se analizan, así mismo, sus ejes discursivos, potencialidades y conflictos que visibilizan. Los resultados presentan constantes que definen estas prácticas artísticas de intervención en el espacio urbano en torno a cuatro ejes: la reapropiación del espacio, las metodologías colaborativas, el énfasis en los valores identitarios y la reivindicación del conocimiento encarnado y situado. Esto posibilita acciones colectivas, en las que los acuerdos y la resolución de conflictos se basan en el vínculo con el otro, que promueven otras formas de relación comunitaria para un conocimiento socialmente distribuido.

En este artículo presentamos algunos de los resultados de una investigación creación que integra diversas disciplinas de las áreas creativas, humanidades y ciencias sociales, que llevamos a cabo en la zona rururbana del municipio de Riosucio (Caldas) en Colombia y que, a nuestro entender, se asienta en otras maneras de pensar-hacer desde un saber diseñístico contextualizado. En esencia, desde esta investigación creación buscamos dar cuenta de los saberes de la domesticidad cotidiana y territorializada que reposa en las narraciones y las prácticas de tres grupos de mujeres con los que trabajamos de manera colaborativa con el objetivo de renarrar, con ellas, aquello que saben y ponen en práctica todos los días para cuidar y producir sus casas y sus territorios. Así, en este documento avanzamos hacia la consecución de este propósito desde tres coordenadas relacionadas: (i) una epistemológica, que apunta a la materialización de otras maneras de hacer del diseño, (ii) una conceptual, para aproximarnos a esos saberes que queremos reconocer y que hemos denominado el sistema Casa-Habitante-Artefacto (C-H-A) y (iii) una metodológica, que centra la atención en las formas en que ese sistema C-H-A condujo al trabajo colaborativo con las mujeres participantes de la investigación, consiguiendo recabar aquellos saberes domésticos que hacen la casa y, en parte, el territorio. Con lo anterior, concluimos que las narraciones de las mujeres con las que trabajamos son una voz resonante que se suma al sostenimiento cultural y ambiental de la vida cotidiana de estos territorios. Y que los diseños otros se resuelven más en las propuestas afincadas en la conversación con grupos de personas situadas y territorializadas, que en el plano de la discusión experta y metadiscursiva del diseño. Porque cuando las experiencias del diseño (otras) son tangibles, pueden ser identificadas, evaluadas y criticadas.

La extensión de la vida útil o del tiempo de uso de las prendas de vestir es una forma de enfrentar el incremento del impacto ambiental en la industria de la moda, derivado de la aceleración en la demanda y el descarte de los productos. El objetivo de este estudio fue identificar las variables involucradas en el desuso prematuro de las prendas de vestir casuales con el fin de ser intervenidas por el diseño a lo largo de sus etapas. Esto, a través de un enfoque cualitativo en el que se aplicaron entrevistas a representantes de empresas y consumidoras de la ciudad de Bucaramanga y su área metropolitana, además de observaciones en los entornos de venta digitales de marcas nacionales. Lo anterior, con el fin de identificar las acciones y declaraciones de las marcas en torno a la durabilidad y su relación con los criterios de compra de las consumidoras, así como las motivaciones para la retención y el descarte de prendas de vestir. Los hallazgos muestran que el foco de los esfuerzos de las marcas se encuentra en la robustez de los materiales y la oferta de prendas atemporales basadas en el minimalismo, el uso de técnicas de producción manuales y artesanales, así como la construcción de una identidad estética de marca reconocible. Por su parte, la comodidad representó el principal criterio de compra, y de decisión de retener o descartar una prenda para las consumidoras, mientras que la calidad o robustez no presentó mayor influencia en estos escenarios. Estos resultados permiten visualizar oportunidades para la innovación mediante la aplicación del diseño, a partir de la empatía con el usuario.

El texto propone que procesos de investigación desde la perspectiva de ‘diseños otros’ contribuyen a resituar los talleres artesanales y sus prácticas como espacios con capacidad de enactuar el mundo y con la posibilidad de transicionar a procesos productivos y comerciales más humanos y sostenibles. Para exponer esta idea, el artículo realiza un análisis del concepto de taller artesanal desde diferentes miradas y delimita una para el proyecto desde el concepto de transiciones. Posteriormente, se contextualiza la situación histórica y presente de los talleres artesanales en Nariño (Colombia), región con una amplia y reconocida tradición artesanal. La información se soporta en informes estatales, autores reconocidos y datos recopilados por medio de trabajo etnográfico y herramientas de diseño en trabajo participativo (2021-2023). Como resultado se propone una agenda de trabajo para las transiciones en la que se aborda el taller como eje central de estudio—un espacio en el que además de procesos productivos y comerciales se dan prácticas creativas y cooperativas que tienen origen en el saber hacer—. Este conocimiento, conformado por procesos de carácter intelectual, social, ambiental y cooperativo esenciales para la pervivencia de los oficios, incluye además prácticas que pueden cambiar la relación entre talleres, instituciones y el diseño, al potenciar elementos positivos del taller en beneficio de prácticas cotidianas y comunitarias.

El artículo tiene como objetivo analizar una experiencia de creación-investigación en educación desde el campo del diseño; enfocada en la pregunta: ¿cómo generar experiencias pedagógicas que nos aproximen a realidades complejas? Se tomó como caso de estudio al curso Contexto y Región: Introducción al Pensamiento Sistémico, asignatura impartida en la Universidad de Ibagué (Colombia), bajo una línea de trabajo de diseño, desde donde se estructuró una metodología de enseñanza-aprendizaje en cuatro momentos, comprensión, desarrollo de etapa intuitiva, acercamiento a contextos y realidades complejas desde la simulación, diseño de acciones colectivas. Los resultados de este análisis llevaron al aterrizaje en categorías tales como el “prototiparse”, concepto emergente cercano al diseño que articuló la ideación con el sentipensar —acción contraria a la separación drástica entre sentimientos y pensamiento racional— desde una constante tensión creativa de estudiantes y docentes. Esto conllevó sin duda a movilizar a dichos actores fuera de sus zonas de confort, identificando y poniendo en cuestión prejuicios y convicciones subjetivas, pero, además, convirtiéndolo en un ejercicio transversal de completa relevancia en la formación profesional de estudiantes de distintas disciplinas, al fomentar el diálogo de saberes para favorecer sentidos cada vez más amplios de lo humano. Finalmente, las comprensiones de lo que se ha venido denominando “realidades complejas” en teorías sistémicas y de la complejidad, fueron abordadas a partir de procesos de observación y reflexión educativa, entendiendo al diseño no solamente en su función pragmática-objetual, sino también como praxis social.

En este volumen número 27, de la Revista Kepes, del período enero-junio 2023, se presentan contribuciones que respondieron al llamado “Diseños otros y transiciones hacia el pluriverso”, que exhortaba a la comunidad latinoamericana dedicada a las prácticas proyectuales y creativas, a impulsar diseños otros, orientados a regenerar las relaciones que se tejen entre las personas y también las que las comunidades tejen con sus entornos. Los diseños otros que logramos recolectar aquí, parten de una noción de la sostenibilidad que trasciende al antropocentrismo y enfocan sus esfuerzos a trabajar colaborativamente con comunidades locales, con el fin de abordar problemáticas complejas y abrir espacios para vislumbrar juntos futuros más alentadores. El fin último es lograr un modo pluriversal de habitar este planeta, que valore primordialmente la diversidad natural y cultural y que cultive el respeto tanto por el mundo propio como por los otros que podrían no serlo.

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Teniendo como punto de partida las falencias en el desarrollo de competencias básicas en los estudiantes en Colombia, se plantea una estrategia transmedia para el desarrollo de competencias en resolución colaborativa de problemas (RCP) soportada en los procesos de aprendizaje y gestión proyectual del pensamiento de diseño. A partir de la revisión de experiencias transmedia educativas en Europa y Colombia, la presente investigación propone como objetivo el diseño de un modelo transmedial que propicie el desarrollo de competencias en RCP, caracterizando experiencias transmediales, identificando las competencias que se desarrollan en la segunda infancia y en la adolescencia, como base del aprendizaje a lo largo de la vida y reconociendo el proceso seguido por un estudiante para solucionar un problema en equipo. A nivel metodológico se analizan transversalmente tres marcos de referencia relacionados con la transmedialidad, desde el diseño, los procesos de enseñanza-aprendizaje y las narrativas, generando un análisis categorial secuencial que se mantiene como hilo conductor del proyecto. Como resultado se construye el Modelo para la Creación de Entornos Interactivos Transmedia para la Educación Synappsis, con aplicación en la Plataforma Transmedia Educativa en Salud Innmersa como validación, destacando el pensamiento de diseño como agente de transformación de los procesos formativos de la segunda infancia y la adolescencia. Como conclusión se encuentra la pertinencia de la aplicación de procesos de aprendizaje del diseño como detonantes del desarrollo de competencias en RCP.

El presente artículo muestra una serie de paisajes sonoros realizados bajo la dirección de György Kepes en el Center for Advanced Visual Studies (CAVS) del Massachusetts Institute of Technology (MIT), a principios de los años setenta. Todos ellos se orientaban hacia la regeneración de espacios urbanos y paisajísticos, que estaban viéndose gravemente afectados por la degradación ambiental producida por un crecimiento urbano descontrolado, a partir de intervenciones sutiles que surgían desde la experimentación con el sonido y que promovían el trabajo colaborativo entre artistas de diversas disciplinas. Su estudio puede resultar de interés, en nuestros días, por la calidad de las obras presentadas y, también, para ayudarnos a repensar nuevas formas de mejorar el entorno urbano que nos rodea y a proyectar espacios más dinámicos y sensibles al medioambiente y a las necesidades de unos ciudadanos cada vez más comprometidos con el desarrollo sostenible de las ciudades. Así, podrían servir de referencia en proyectos orientados a la conservación del paisaje natural, que aún es posible encontrar en algunas áreas periurbanas de las ciudades, buscando preservar sus valores ambientales a partir de la creación de paisajes sonoros, o bien para regenerar áreas urbanas degradadas por el impacto ambiental, mejorando problemas de contaminación ambiental y acústica.

El artículo da cuenta de una investigación cuya finalidad fue visibilizar la Colección Chile Momia entre estudiosos e interesados en el área, y recoger aspectos a proyectar desde la perspectiva del Diseño. Se explora el modo de hacer, analizando la conformación textil de la pieza, estableciendo relaciones para reconocer su sentido e identidad, y así visibilizarla a través de la difusión de resultados. El proceso metodológico considera dos etapas: la primera orientada al análisis de los objetos que componen la colección, y la segunda establece relaciones para esbozar significados culturales en las piezas analizadas, con base en bibliografía especializada en textilería andina y entrevistas a expertos. Se presenta como caso de estudio un objeto textil funcional denominado porta arpones, cuya data corresponde aproximadamente a 1000-1470 d.C., durante el Periodo Intermedio Tardío. Su identificación cultural es prehispánica, específicamente la Cultura Arica. Desde una mirada analítica y con el fin de comprender su manufactura textil se procede al estudio y réplica de las técnicas de tejeduría que posee. En esa instancia, el objeto se transforma en evidencia de solución formal. El estudio permite concluir que en las manifestaciones de productos se reconocen tres hitos: existencia de una necesidad, proyectación para satisfacerla y elaboración, plasmando una respuesta; paralelo con el hacer del diseñador. A partir de la lectura realizada de las piezas arqueológicas, se concluye que su estudio aporta al diseño, sin embargo, debe excluir la apropiación, es decir, el traslado de un lenguaje iconográfico y/o morfológico. Ello es hacer caso omiso de su origen y significado, desconociendo su sentido semántico. Preservar y difundir tecnologías ancestrales aporta a nutrir al diseño, así como también a la artesanía aportando pertenencia, territorialidad y registro para las nuevas generaciones de profesionales que abordan el ámbito textil.

Los artefactos son en la medida en que están incorporados en la vida del día a día, en las dinámicas de lo cotidiano que nos domestican y en las prácticas que nos reconocen como humanos miembros de una colectividad o cultura. Ahora, ¿qué sucede con los artefactos si las prácticas humanas mutan y la cotidianidad, ya sea a causa de este cambio o del olvido, se desdeñan? Esto requiere preguntarse, también, por los significados que se construyen tras la interacción entre sujetos y artefactos, por los rasgos que caracterizan a estos últimos en función de las identidades de un territorio y por las lógicas donde es posible ver lo que es vigente u obsolescente en las maneras de hacer1 en el camino a territorializar lo vital. Este artículo es resultado de una investigación que se ocupa de las formas de incorporación, práctica y olvido de los artefactos de la vida cotidiana, en particular, la máquina de moler maíz en el contexto territorial de Riosucio, Colombia, a través de una apuesta teórico-hermenéutica que se vale de la hibridación entre los propósitos del diseño emergente y el diseño etnográfico, con el fin de poner en cuestión la dimensión diseñística de la tradición y obsolescencia de un artefacto, en clave territorial.

La Revista Kepes número 26, del período julio-diciembre de 2022, se comparte con la comunidad académica de las disciplinas del diseño, las artes, las comunicaciones. Este volumen corresponde a un llamado a publicar que se realizó entre los meses de agosto-septiembre de 2021, con una temática que ha caracterizado a la revista desde sus inicios: acoger reportes de investigaciones o sus avances, con un criterio transdisciplinar, bajo la premisa de que los problemas de las prácticas proyectuales y las creativas dialogan con otros campos del conocimiento.

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The Latin alphabet as a stimulus for visual literacy. Design, teacher training and urban typographic drifts

El presente artículo reporta una investigación que tiene como objetivo analizar el modo en que devino la enseñanza del diseño en la Universidad Nacional de Seúl (SNU) entre las décadas de 1940 y 1970. Para ello se optó por seguir una metodología cualitativa de análisis de contenido, ya que debido a los escasos estudios precedentes y a falta de un organismo que cuente con un registro de materiales de archivo organizado, el estudio tuvo que iniciar con las tareas de recopilación, ordenamiento, interconexión e interpretación de diferentes documentaciones. La elección de la alfabetización del diseño de la SNU como objeto de estudio se centró en la importancia que tiene la universidad como institución nacional, pues esta fue pionera en incorporar la enseñanza del diseño, e influyó posteriormente con su proyección pedagógica en la corriente de pensamiento y acción de las diferentes universidades, empresas y proyectos gubernamentales. Respecto a los resultados de la investigación, se pudieron observar dos cuestiones. Primero, la formación en la educación del Diseño en la SNU estuvo íntimamente relacionada a un contexto histórico que negaba la existencia de un concepto cultural estético por fuera del Diseño Occidental. En los inicios del departamento de Artes Aplicadas, este hecho reflejó la tensión entre las corrientes de educación japonesa y norteamericana. Segundo, se privilegió la incorporación de docentes capacitados en EE. UU. en un afán por superar la impronta del colonialismo japonés. Esta aplicación indiscriminada de contenidos occidentales desencadenó una confusión general en los inicios de la carrera que, sin superar la pedagogía previa, se reflejó en la comprensión del diseño —por la SNU y más tarde por parte del Gobierno— como un mero arte decorativocomercial. Este hecho se reflejó en que el diseño se diera a conocer en Corea como una actividad decorativa rentable, destinada a la producción de objetos coreanos diseñados bajo una forma universal exportable.

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Este trabajo toma como objeto principal el debate ontológico sobre el diseño de mundos virtuales. Tomando como metodología de reflexión la analítica existencial del primer Martin Heidegger, se plantea una reformulación de las relaciones entre receptor y diseñador de videojuegos, intentando superar la habitual escisión metafísica entre sujeto y objeto. Bajo nuestra lectura, el diseñador de mundos virtuales es responsable de configurar interacciones complejas —estrictamente, “plexos de entes”— de las que emerge el sentido del mundo videolúdico, tal y como quedan tematizadas dentro de la “analítica existencial” esbozada especialmente en Ser y tiempo. No obstante, nuestro trabajo también propone una lectura crítica de la aplicación de ciertos conceptos del mismo sistema: la dificultad de “diseñar muertes”, la naturaleza de la angustia como un error de diseño (bug), pero ante todo la dificultad de considerar al receptor del diseño como algo más que un “videojugador” sino, antes bien, como un receptor de sentidos dados por el diseñador. Se concluye, por lo tanto, que el diseño en videojuegos depende privilegiadamente de relaciones de pragmaticidad (zeughaftigkeit) unidas en una compleja disposición funcional (bewandtnis) creadora de sentido.

Este trabajo presenta una reflexión académica sobre las dificultades que enfrenta el diseño en Chile como profesión de mercado, para constituir su comunidad disciplinar. Hace suya la necesidad de fomentar la discusión filosófica y epistemológica dentro del ámbito académico y profesional, de modo de producir sustento teórico a la actividad del diseño y otorgar legitimidad a su práctica en su capacidad de acoplamiento funcional, social y cultural. Por contraparte, se plantea la existencia de un campo fértil de posibilidades, ya que nunca hubo tanto conocimiento disponible para combinar lo local, la diversidad y lo global, e imaginar las relaciones con nuevas soluciones para expresar renovadas ambiciones disciplinarias. El trabajo se realizó a partir de un diseño de estudio no experimental, basado en observación de fenómenos en su ambiente natural. Para ello, a partir de revisión documental de las revistas de diseño existentes en Chile, los catálogos de las bienales de diseño chileno, trabajos de tesis finales de grado, conversaciones, entrevistas e investigación de campo, se plantea una investigación mixta de tipo exploratoria con alcance descriptivo de algunas características del fenómeno.

Las investigaciones sobre diseño e innovación radical continúan contribuyendo al surgimiento de metodologías aplicables principalmente en contextos europeos, dado su origen. Por ello, nuestro objetivo fue estudiar la relación diseño e innovación radical, desde una visión sistémica, centrada en el proceso de innovación en pymes industriales de la ciudad de Guayaquil. Se optó por una investigación exploratoria y descriptiva, bajo una mirada pragmática que combina herramientas cualitativas y cuantitativas, lo que permitió tener una visión más integral y completa del fenómeno. La etodología contempló dos fases una documental y otra empírica que consistió en una entrevista a profundidad a 66 pymes industriales. Entre las principales conclusiones destacamos que, el diseño se integra al proceso de innovación radical, cuando los diseñadores tienen habilidades estratégicas, cuando la gerencia posee una cultura hacia el uso del diseño y esté identificado con el potencial del diseño y cuando existen políticas públicas que ponen en valor al diseño en la región. Es decir, no basta con tener diseñadores especializados, se requiere abordar no solo el desempeño individual de las partes, sino también sus interacciones, donde confluyen tres componentes: i. El Sistema nacional de innovación (SNI), puesto que este ejercerá muchas condicionantes al desarrollo de la innovación en un territorio en particular; ii. El sistema de gestión de innovación propio de la empresa (SGI), de vital importancia para la fluidez de la innovación y iii. El accionar del diseño como actor focal en esta red de interacciones.

El número que hoy se presenta a las comunidades allegadas a la Revista Kepes, Grupo de Estudio en Diseño Visual, contiene 12 artículos, los cuales han esperado un tiempo considerable y conforman una primera entrega de este fascículo correspondiente al primer semestre de 2021. Este fascículo cierra un ciclo de la revista y es también el medio en el que se anuncia que, con ánimos de mejorar las rutas editoriales, se reitera que en adelante cambiamos la modalidad de recepción de artículos para optimizar procesos. Debido a que queremos mantener el compromiso con los autores y los lectores, se asume la responsabilidad que implica limitar la admisión de manuscritos a un calendario y a unas temáticas. Mediante la modalidad del llamado para artículos se espera reducir ostensiblemente el tiempo entre la postulación y la publicación, lo que es también el anuncio de algunos cambios que se espera afiancen la revista en múltiples escenarios mediante el fortalecimiento de las redes de amigos y colaboradores.

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Los laboratorios virtuales son medios muy efectivos en el desarrollo de competencias profesionales. En su desarrollo se suele mimetizar la realidad en busca de una mejor experiencia de inmersión con el diseño de ambientes e interfaces hiperrealistas, lo que redunda en una gran complejidad y altos costos asociados a su implementación. El presente estudio propone un grupo de requerimientos a considerar en el diseño y producción de laboratorios virtuales, con foco en la experiencia de inmersión en contextos no inmersivos. Estos requerimientos consideran el diseño desde una perspectiva holística a favor de una experiencia de inmersión que considere dimensiones como la autenticidad didáctica, externa e interna en correspondencia con su relevancia, apego a la realidad y coherencia. Para ello se llevan a cabo dos ciclos de investigación. En el primero se sistematizan tres proyectos de investigación en el desarrollo de laboratorios virtuales y se definen los requerimientos. Estos se someten a criterio de expertos en la segunda fase a través del método Delphi, lo que permite mejorar y validar la propuesta. Se llega, finalmente, a la definición de 22 requerimientos de diseño que propician la experiencia de inmersión en el desarrollo de laboratorios virtuales, los que pueden resultar de gran utilidad para desarrolladores y docentes vinculados tanto a su producción como a su aplicación educativa.

Han pasado 16 años desde el nacimiento de la revista KEPES, por lo que ha sido necesario detenerse en el camino para hacer un recuento histórico de lo que la revista ha desarrollado. El objetivo del presente estudio se basa en la documentación y análisis cuantitavo del contenido y la historia de la revista KEPES. Se ha creado una base de datos con 269 documentos, compuesto por los 20 volúmenes de la revista (2004-2019), a los cuales se les ha realizado diversos estudios cienciométricos. Utilizando indicadores bibliométricos y de relación (Lawani, Subramanyam y el coeficiente de colaboración), los resultados indican que la revista KEPES se ha comportado como una revista masculina, nacional, principalmente de autorías individuales, primando históricamente el ensayo como tipo de escrito para la divulgación del conocimiento en idioma español; con redes de colaboración locales y acotadas. Si bien sus índices de colaboración han aumentado progresivamente, al igual que la estandarización del formato artículo científico, la idea de vincular Colombia con el mundo aún sigue siendo una tarea pendiente. Este análisis permite presentar la historia y tendencia de la revista de autores y relaciones.

En este artículo se sintetiza un estudio sobre la investigación creación en tesis doctorales de artes y diseño. El objetivo principal de la indagación era examinar el estado de la investigación basada en prácticas creativas en doctorados de artes y diseño. Su alcance fue comprender la participación de la actividad creadora en seis tesis realizadas en dos contextos particulares de formación de investigadores. El método empleado consistió en un estudio de caso comparativo entre el programa de Doctorado en Diseño y Creación de la Universidad de Caldas en Colombia y el Doctorado en Artes Visuales de la Universidad de São Paulo en Brasil. Para esto se dilucidaron dos proposiciones teóricas sobre el aporte teórico al conocimiento y la iabilidad metodológica de las tesis doctorales adelantadas con prácticas creativas. Los principales resultados muestran las tendencias de cada caso, presentadas como códigos clasificados de acuerdo a dos categorías coherentes con las proposiciones del estudio. Frente a la categoría conocimiento, la comparación de los casos presenta concordancias entre los códigos procesos, práctica y creación. Los códigos de la categoría metodología demuestran coincidencias entre métodos diversos, práctica creativa, narración, cualitativa y registro audiovisual. Se concluye que la investigación creación puede generar conocimiento útil a diversas disciplinas, por lo que debe ser expuesta en un lenguaje académico común y explícito, favoreciendo la trasmisión, el debate, la negación o la afirmación de las teorías resultantes. También se confirman las teorías respecto a la diversidad metodológica y el aprovechamiento de la creación para la recolección y procesamiento de datos. Se destaca la conveniencia de evidenciar el plan de investigación, develando plenamente las prácticas creativas y su articulación con la construcción teórica.

Este artículo tiene como finalidad indagar, analizar y relacionar, bajo un estudio crítico, la aplicabilidad de la noción objeto, desde teóricos del diseño que pensaron la sustentabilidad social. Cuando Christopher Alexander usa el concepto objeto desde la arquitectura, como un sistema natural o artificial provisto de muchas funciones; Abraham Moles desde la ciencia y la sociología del diseño, como una intención o fin; y Gui Bonsiepe desde el diseño industrial y gráfico, como una interfaz pensada para el usuario, ellos abren sus significaciones a diversas interpretaciones que bien valdrían un análisis particular. En este sentido, una investigación sobre el uso de la noción objeto bajo la concepción de estos autores, permitirá explorar y analizar sus ejes liminares, distintivos y complementarios. Así, se propone un corpus teórico para revisar las formulaciones que ya se han elaborado de la noción de objeto y reflexionar, desde nuevos cuestionamientos, lo que aún se encuentra velado y lo que falta por decir.

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