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Ornette Coleman, Psychoanalysis, Discourse develops tools from psychoanalysis for the analysis of Ornette Coleman's discourse.In this psychoanalytic, philosophical and musical meditation on what it means to follow, A. L. James presents an approach to the analysis of discourse that is a kind of listening for listening – an attempt to discern in and between the lines of Coleman's speech the implication of new ways to listen, new ways to experience Coleman's music as movement and space – as Movements in Harmolodic Space. Each chapter of this book is oriented with respect to fragments from Coleman's discourse, dealing with a piece, or collection of pieces, from Coleman's work, with particular attention to the implication of relations and relationality. Insofar as Coleman's discourse about his work also contains allusions to fields beyond music, it develops tools that draw elements and structures from these fields together, finding in their relation echoes and parallels.Ornette Coleman, Psychoanalysis, Discourse will be of great interest to psychoanalysts, musicians, and musicologists. It will be relevant for academics and scholars of psychoanalytic and Lacanian studies, music, and cultural studies.

“A must-read for musicians young and old as well as general readers.” — Joseph W. Polisi, President Emeritus, The Juilliard SchoolChoosing a career is one of the most important decisions we make in our lifetime. Career choice is more than just working to earn a living but also an important window into how we feel about ourselves. In this groundbreaking and provocative book, musician and psychologist Julie Jaffee Nagel explores how musicians'work beyond the COVID-19 pandemic casts a light upon the necessity of rethinking, rebuilding, and possibly redesigning our concept of careers and music education in the arts. The book takes an interdisciplinary approach to a wide range of pressing topics such as career disillusionment, mental health in relation to lack of professional and personal security, the unavailability of jobs that reflect the depth of the musician's formal training and talent, and the healing role and value of musicians in a post-pandemic world. The pandemic was an unwelcome and sudden shock in the lives and careers of countless musicians, with many experiencing crises. Importantly, Nagel emphasizes that this trauma also has the potential to energize and expand horizons for rewarding, creative work. Musicians'gifts include resilience and discipline, and their art has important social value. Music has the power to be an aural antidote to some of society's ills—during trying times, it is vitally important to express and share the musician's artistic imagination and creativity in teaching studios, on stage, and through off stage interactions with others.

Here I'm Alive explores the musical foundation of being human from a psychoanalytic perspective.Writing in collaboration, three psychoanalytic clinicians develop a fresh vision of the essential role of music in psychical life. Through an interdisciplinary exploration, Here I'm Alive shows how music is fundamental to becoming human, establishing our embodied sense of membership and participation in a shared world through the fabric of culture. With one authorial voice, these pages resonate with the musical forms of living that make possible any individual style of conduct or shape of desire and without which we are forever lost in the noise.

What happens in our unconscious minds when we listen to, produce or perform popular music? The Unconscious – a much misunderstood concept from philosophy and psychology – works through human subjects as we produce music and can be traced through the music we engage with. Through a new collaboration between music theorist and philosopher, Smith and Overy present the long history of the unconscious and its related concepts, working systematically through philosophers such as Schopenhauer and Nietzsche, psychoanalysts such as Freud and Lacan, to theorists such as Deleuze and Kristeva. The theories offered are vital to follow the psychological complexity of popular music, demonstrated through close readings of individual songs, albums, artists, genres, and popular music practices. Among countless artists, Listening to the Unconscious draws from Prince to Sufjan Stevens, from Robyn to Xiu Xiu, from Joanna Newsom to Arcade Fire, from PJ Harvey to LCD Sound System, each of whom offer exciting inroads into the fascinating worlds of our unconscious musical minds. And in return, theories of the unconscious can perhaps takes us deeper into the heart of popular music.

This book explores how we can understand the place of music from a self psychological perspective, by investigating three journeys: the one we take when listening to music, the literal journey of the author from Nazi Germany to the United States, and the subjective round-trip between the past and the present. Drawing on the work of Heinz Kohut, the author examines how music can provide us with a way to reconnect with a sense of self, and how this can manifest in psychological and physical ways. There is particular reference to the work of Richard Wagner, Cole Porter, and Richard Strauss, and an examination of how their music enabled them, in times of stress and crisis, to restore and maintain a more positive sense of self. Finally, the book looks back at the author's own experiences of music and the place of music in the Jewish world. With clinical excerpts, personal narrative, and sophisticated psychoanalytic insights, this book will appeal to all psychoanalysts wanting to understand the place of music in shaping the psyche, as well as music scholars wishing to gain a deeper appreciation of the psychology of music.

In this book, Ludovica Grassi explores the importance of music in psychoanalysis, arguing that music is a basic working tool for psyche, as words are composed of sound, rhythm and intonation more than lexical meaning. Starting from ethnomusicological, evolutionary, neurodevelopmental, psychological and psychoanalytical perspectives, the book explores music's symbolic status, structure and way of operating compared to unconscious psychic functioning. Extraordinary similarities are revealed, especially in mechanisms such as repetition, imitation, variation (transformation), intimacy and the work of mourning, of the negative and of nostalgia. Moreover, silence and absence are essential components of music as well as of psychic and symbolic functioning. Time and temporality are specifically investigated in the book as key elements both in music and in symbolization and subjectivation processes. The role of the word's phonic kernel and of the voice as fundamental links to emotions, the body, the sexual and the infantile has promising implications for psychoanalytic work. All these elements find an articulation in the natural as well as complex activity of listening, which conveys a tri-dimensional and polyphonic dimension of the world, so important both in music and in psychoanalysis.Illuminating the link between music and analysis in new and contemporary ways, The Sound of the Unconscious explores the resulting advances in theory and clinical practice and will be of great interest to practicing and training psychoanalysts and psychotherapists.

There has been a long-standing and mutually-informing association between psychoanalysis, literature and the arts. Surprisingly, given the oral/aural basis of the ‘talking cure', music has largely been overlooked by psychoanalysis. Notably, neuroscientific research investigating music reception and production has been steadily increasing in range and scope over the years. However, in order to avoid confounding factors, empirical studies have focused primarily on non-vocal music. Remarkably, operatic vocal music has not featured prominently in either field. Yet the multi-dimensional, multi-layered nature of opera, which fuses together a number of different arts, would appear to provide fertile soil for both disciplines. This book aims to fill that gap, providing a stepping stone for further research. It leverages the individual strengths of psychoanalysis and neuroscience both separately and jointly as the inter-discipline of neuropsychoanalysis. By combining various theories of mind with knowledge about music processing in the brain, this book comprehensively examines the operatic reception experience, providing an account in subjective as well as objective terms. It explores the bittersweet enjoyment of operatic vocal music, which can literally move an operaphile to tears. The explanation for this may be found in a number of subjective dynamics that are unique to the reception of opera, rather than in any distinct objective neural processes, which are common to the reception of all music. These subjective dynamics, which are recruited during neural processing, are triggered by the equally unique features of the operatic voice, in combination with a number of auxiliary elements that are specific to opera. This book will be of interest to academics in a broad range of science and arts disciplines related to music perception and performance, such as music psychology and operatic performance. It may also appeal to passionate operaphiles who wish to understand what drives their addiction!

There is a growing interest in what psychoanalytic theory brings to studying and researching music. Bringing together established scholars within the field, as well as emerging voices, this collection outlines and advances psychoanalytic approaches to our understanding of a range of musics—from the romantic and the modernist to the contemporary popular. Drawing on the work of Freud, Lacan, Jung, Žižek, Barthes, and others, it demonstrates the efficacy of psychoanalytic theories in fields such as music analysis, music and culture, and musical improvisation. It engages debates about both the methods through which music is understood and the situations in which it is experienced, including those of performance and listening. This collection is an invaluable resource for students, lecturers, researchers, and anyone else interested in the intersections between music, psychoanalysis, and musicology.

Die Psychoanalyse und der Jazz entstanden beide zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Neben der zeitlichen Parallelentwicklung beider Strömungen lassen sich weitere Entsprechungen feststellen: In der Therapie wird die freie Assoziation fruchtbar gemacht, im Jazz entfalten sich die musikalischen Möglichkeiten gerade durch die Improvisation – beide profitieren von kreativer Freiheit innerhalb klarer Strukturen. Sowohl in der Psychoanalyse als auch in der Musik ist ein kontrollierter Kontrollverlust nicht nur möglich, sondern sogar erwünscht, um Spielräume auszuloten, die Beziehung zwischen Bewusstem und Unbewusstem zu vertiefen und neue Ideen zu entwickeln. Die Texte des vorliegenden Buches vermitteln ein besseres Verständnis psychischer Prozesse anhand musikalischer Phänomene, während umgekehrt auch musikalische Vorgänge mithilfe psychoanalytischer Begrifflichkeiten verstehbar werden. Porträts facettenreicher Musikerpersönlichkeiten sowie Interviews mit zeitgenössischen Jazz-Musikern ergänzen die theoretischen Betrachtungen. Im deutschsprachigen Raum stellt der vorliegende Sammelband einen ersten Versuch dar, Jazz und Psychoanalyse eingehender miteinander zu verbinden. Mit Beiträgen von Ulli Bartel, Christopher Dell, Daniel Feige, Laia Genc, Konrad Heiland, Andreas Jacke, Hannes König, Klaus Lumma, Sebastian Leikert, Antje Niebuhr, Theo Piegler, Jörg Scharff und Willem Strank

Through a theoretical and practical exploration of Jungian and post-Jungian concepts surrounding image, this book moves beyond the visual scope of imagery to consider the presence and expression of music and sound, as well as how the psyche encounters expanded images – archetypal, personal or cultural – on both conscious and unconscious levels. By closely examining music in film, Nagari considers music's complementary, enhancing, meaningful, and sometimes disruptive, contribution to expressive images. Chapters present a Jungian approach to music in film, highlighting how ‘music-image'functions both independently and in conjunction with the visual image, and suggesting further directions in areas of research including music therapy and autism. Divided into three cumulative parts, Part I explores the Jungian psychological account of the music-image; Part II combines theory with practice in analysing how the auditory image works with the visual to create the ‘film as a whole'experience; and Part III implements a specific understanding of three individual film cases of different genres, eras and styles as psychologically scrutinised ‘case histories'. Music as Image will be of interest to academics and students in the fields of applied psychoanalysis and Jungian psychology, music, film and cultural studies. With implications for music therapy and other art-based therapies, it will also be relevant for practising psychotherapists.

Rührung, Erschütterung und Ergriffenheit sind zentrale Momente des ästhetischen Erlebens. Sie zeigen, dass eine tiefe und verändernde Beziehung zwischen dem musikalischen Kunstwerk und den Rezipierenden entstanden ist. Im Fokus des vorliegenden Buchs steht der subjektive Verarbeitungsprozess von Musik. Durch Beiträge aus Psychoanalyse, Germanistik, Affekt- und Verhaltensforschung sowie durch ein literarisches Essay entfaltet sich eine Vielfalt von Blickrichtungen auf den Verarbeitungsvorgang im wahrnehmenden Individuum. So nähert sich der Band interdisziplinär einem zentralen Phänomen der Musikrezeption, das bisher noch nicht systematisch untersucht wurde. Mit Beiträgen von Eckart Altenmüller, Heidi Gidion, Rainer Krause, Armin D. Haas, Sebastian Leikert, Dietmut Niedecken, Karin Nohr, Jürgen Trapp und Tobias Vollstedt

Erst in den letzten Jahrzehnten begann die psychoanalytische Auseinandersetzung mit Film und Musik. Insbesondere Soundtracks von Filmen wurde bisher wenig Beachtung geschenkt. Dabei ist die Gestaltung der Tonspur wesentlich für die emotionale und ästhetische Wirkung eines Films. Im vorliegenden Band untersuchen renommierte Musikwissenschaftler und Psychoanalytiker Filmmusik von ihrer Komposition über deren Wirkung – auch der von Stille oder Geräuschen – bis hin zu ihrer Rezeption im Rahmen des audiovisuellen Gesamtkunstwerks. Zur Veranschaulichung werden zahlreiche Filmbeispiele, wie Disneys Fantasia (1940), The Shining (1980) oder The Artist (2011), herangezogen. Mit Beiträgen von Stephan Brüggenthies, Helga de la Motte-Haber, Christina Fuchs, Konrad Heiland, Johannes Hirsch, Mathias Hirsch, Matthias Hornschuh, Andreas Jacke, Irene Kletschke, Hannes König, Sebastian Leikert, Theo Piegler, Enjott Schneider und Willem Strank

Si chaque individu possède une préhistoire individuelle et collective dont il ignore les contenus, Freud ne nie pas la liberté de l'individu, et l'objectif de la psychanalyse est de la lui rendre. Ici, l'auteur applique à l'art, la musique et la peinture les notions freudiennes afin de comprendre jusqu'où le déterminisme de l'inconscient peut influencer les oeuvres d'art. Il met en comparaison l'acte créateur de Schönberg et de Picasso que leur extrême intelligence sensible rapproche.

Musique et langage n'entreraient pas par la même oreille et ne parviendraient pas au même hémisphère, selon certains neurophysiologistes. Dissocier les deux écoutes, suscite des systèmes de représentations psychiques, celui des mots et des choses, classique, et celui de l'affect, musical. L'affect serait-il structuré comme la musique? Une structure fondamentalement différente de celle du langage, telle que l'ont bien caractérisée linguistes et lacaniens. Comment l'inconscient joue-t-il entre les mots et la musique des mots?

Mit dem Konzept der kinetischen Semantik erweitert Leikert die psychoanalytische Begrifflichkeit in die Musik hinein. In Auseinandersetzung mit Lacan, Ogden und Stern beschreibt er eine dritte Sprache des Psychischen neben der lexikalischen Semantik der Sprache und der unbewussten Fantasie. Musik ist Literatur in einer anderen Sprache - in der kinetischen Semantik. Im Gegensatz zur lexikalischen Semantik der Sprache wird in der Musik Bedeutung (Semantik) durch kunstvoll verflochtene Bewegungsfolgen (kinein, gr. = bewegen) erzeugt. Diese Bewegungsfolgen werden nicht, wie die Sprache, gedanklich dekodiert, sondern vom Hörer dadurch rezipiert, dass sie im Körpertonus nachgeahmt werden und auf diese Weise unmittelbar emotional wirken. Dieser archaische Modus der Aufnahme von Bedeutung ist bereits vorgeburtlich nachweisbar; er wird in der Musik kultiviert und spielt auch in der klinischen Arbeit eine bedeutsame Rolle. »Leikert nennt seine Theorie der Musik ›sehr einfach‹. Der Grundgedanke ist es, die Ausführung weitreichend und die Verbindung zwischen Psychoanalyse und Musik endlich überzeugend. Hier wird Neuland betreten.« Michael B. Buchholz

Während die bewusste Persönlichkeit des ersten großen deutschen Komponisten Heinrich Schütz weitgehend im Dunkeln verblieben ist, zeigt sich in seiner Musik auf einer unbewussten Ebene eine sehr anrührende, ja schwärmerische Emotionalität in ausdrucksvoller Klarheit. Ausgehend von einer Analyse der unbewussten Sinnstrukturen in der Musik der Renaissance und des Barock (Madrigal, doppelchörige Motette, Monodie) unternimmt Bernd Oberhoff in diesem Buch einen psychoanalytischen Abstieg auf die sinnlich-emotionale Tiefenebene der Schützschen Musik und arbeitet bislang kaum beachtete Facetten heraus, die geeignet sind, die Musik von Heinrich Schütz auf eine überraschend neue Art zu hören.

Le thème de ce livre est celui de la continuité et la discontinuité du temps musical comme pôles extrêmes des tendances esthétiques du XXe siècle. Nous sortons à peine de l'une des crises les plus profondes de notre langage musical : avec l'effondrement de la tonalité, la fragmentation du temps et de la durée ont souvent donné l'impression que l'oeuvre, pur système combinatoire formel, ne fait plus sens. Pour comprendre ces transformations de la création musicale contemporaine, l'auteur convoque tour à tour l'histoire, la psychologie, la psychanalyse ou la philosophie.

Music in Youth Culture examines the fantasies of post-Oedipal youth cultures as displayed on the landscape of popular music from a post-Lacanian perspective. Jan Jagodzinski, an expert on Lacan, psychoanalysis, and education's relationship to media, maintains that a new set of signifiers is required to grasp the sliding signification of contemporary'youth'. He discusses topics such as the figurality of noise, the perversions of the music scene by boyz/bois/boys and the hysterization of it by gurlz/girls/grrrls. Music in Youth Culture also examines the postmodern'fan (addict)', techno music, and pop music icons. Jagodzinski raises the Lacanian question of'an ethics of the Real'and asks educators to re-examine'youth'culture.

Why and how do music and abstract art pack such universal appeal? Why do they often have'therapeutic'efficacy?Between Couch and Piano links well-established psychoanalytic ideas with historical and neurological theory to help us begin to understand some of the reasons behind music's ubiquity and power. Drawing on new psychoanalytic understanding as well as advances in neuroscience, this book sheds light on the role of the arts as stimulus, and as a key to creative awareness. Subjects covered include:• music in relation to the trauma of loss• music in connection with wholeness and the sense of identity• the ability of music to jump-start normal feelings, motion and identity where these have been seemingly destroyed by neurological disease• the theory of therapeutic efficacy of music and art. Between Couch and Piano is a comprehensive overview that will be of interest to all those intrigued by the interrelation of psychoanalysis and the creative arts.www.psychoanalysisarena.com

Orpheus ist ein Sänger, dessen begnadete Stimme zauberische Kräfte besitzt. Doch dieser begnadete Sänger Orpheus ist gleichzeitig ein exzessiv Trauernder, der im Mythos tragisch scheitert: Er erleidet den Verlust seiner geliebten Eurydike, folgt ihr in die Unterwelt, um sie zurückzugewinnen, was ihm jedoch nicht gelingt. Wohl um dieses Scheitern des göttlichen Sängers abzumildern bzw. ungeschehen zu machen wird bei Gluck der tragische Ausgang in ein glückliches Ende umgestaltet: Orpheus erhält seine Eurydike zurück. Warum diese Mythoskorrektur? Soll hier eine pathologische Trauer durch eine manische Gefühlseupohorie überdeckt werden? Bei der Analyse der Tiefenebene dieser Oper werden wir zweierlei Erfahrungen machen: Wir werden erstaunt sein über die tiefe psychologische Wahrheit, die dieses Musikdrama dem Mythos entlockt. Aber wir werden mitunter auch verwundert sein, über die Deutung, die der Orpheus-Mythos durch Glucks Musik erfährt.

The fascinating and diverse descriptions contained in this text begin the process of developing indigenous understandings of music therapy in group work and alert the reader to issues for future exploration. A fascinating text, describing a range of clients - I highly recommend it.'- Nordic Journal of Music TherapyGroup music therapy has been widely practised for many years, especially within institutional settings, and features substantially in training, yet there has been no publication devoted to the discussion of this area of therapy. Music Therapy and Group Work fills this gap by bringing together the experiences of group music therapy practitioners who work with diverse client groups in various settings. Whilst acknowledging that the practice of group music therapy incorporates many theoretical and practical issues in common with those of mainstream group work, the editors emphasize that this field needs to develop some further theoretical discourse of its own, primarily because its main contrast from regular group work is that it draws on a non-verbal medium alongside the ordinary verbal exchange.The book combines clinical examples with theory to provide a comprehensive introduction to group music therapy. Practitioners not only of music therapy, but also those working in related disciplines, will find this to be an informative and stimulating read.

Psychoanalyse und Musik, ein lange vernachlässigter Forschungsbereich, beginnt offensichtlich aus seinem Dornröschenschlaf zu erwachen. In der Nachfolge Freuds, der sich bezüglich der Musik als »nahezu genussunfähig« bezeichnete, waren Forschungsarbeiten in den ersten Jahrzehnten eher spärlich und hatten den Charakter von Gelegenheitsarbeiten. Seit den 90er Jahren nun ist ein deutliches Anwachsen von wissenschaftlichen Beiträgen zur Psychoanalyse der Musik zu verzeichnen. Die nahezu ausschließliche Orientierung der Psychoanalyse am gesprochenen Wort hat sich gewandelt und spätestens seit Kohuts Arbeiten zum Narzissmus und den Erkenntnissen der neueren Säuglingsforschung ist ein nachhaltiges Interesse an ganz frühen vorsprachlichen Kommunikationsprozessen entstanden. Dabei entdeckte man, dass die frühe Interaktion zwischen Mutter und Säugling ausgesprochen musikalisch ist, und vom Tonfall und Rhythmus des Sprechens bis zur Orchestrierung der Gebärden reicht, so dass man auch von der »Duett-Struktur« der Mutter-Kind-Interaktion spricht. Das neu erwachte Interesse der Psychoanalyse für den Zusammenhang von Musik und Psyche macht es sinnvoll und erforderlich, eine Bestandsaufnahme vorzunehmen und die wichtigsten Arbeiten im deutsch- und im englischsprachigen Raum, die weit verstreut und teilweise unbekannt sind, erstmalig in einem Sammelband zusammenzufassen. Der Lesende erhält einen guten Überblick sowohl über die historische Entwicklung dieses Themas als auch über den gegenwärtigen Erkenntnisstand, und er wird entdecken, dass unter den Autoren durchaus recht bekannte und verdienstvolle Namen vertreten sind, wie Richard Sterba, Heinrich Racker, Martin Nass, Heinz Kohut u. a. Einige dieser Aufsätze erscheinen im vorliegenden Band zum ersten Mal in deutscher Sprache.