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Objetivo: el propósito de este artículo es determinar si la reforma de las cofradías que comienza a realizarse en 1769 en la Metrópoli se establece en la Venezuela de finales del siglo XVIII y cuáles fueron las consecuencias reales de la implantación. Metodología: para ello se trabajó con fuentes primarias de la época, conservadas actualmente en 12 fondos de 7 archivos diferentes y se comparó lo ahí expuesto con lo aplicado en otras zonas hispanas. Originalidad: este texto representa el primer estudio que aborda el proceso de reforma de las cofradías en la Venezuela dieciochesca; lo trabaja desde un punto de vista histórico y de las manifestaciones culturales, con especial énfasis en la música, y abre una nueva vía de estudio sobre el proceso de control regio de los territorios americanos por parte de la corona española. Conclusiones: el resultado de la investigación muestra que, si bien en Venezuela el proceso fue iniciado, la reforma fue todavía de menor calado que la peninsular. Existió, efectivamente, una apuesta por una religiosidad ilustrada, alejada de la superstición, el sincretismo y las formas barrocas pero los cambios políticos y económicos fueron casi nulos. Planteo aquí dos causas de ello: el apego a la ley que ya tenían las cofradías venezolanas y la prudencia política, que disuade a las autoridades de implantar los cambios que podían ser mal recibidos por la población. Objective: The purpose of this article is to determine whether the reform of the brotherhoods, started in 1769 in the Metropoli, was established in late XVIII century Venezuela, and what the real consequences of its implementation were. Methodology: In order to do so, primary sources were consulted, which are being preserved at the moment in twelve collections of seven different archives; its contents were compared with cases of other hispanic areas. Originality: This text represents the first study to analyze the reformation process of eighteenth century Venezuelan brotherhoods. It does so from a historical perspective, considering cultural manifestations with emphasis on music, and opens up a new field of study about the process of royal control of American territories by the Spanish Crown. Conclusions: The result of the research shows that, despite having been started in Venezuela, the reform’s weight was even less remarkable than its peninsular counterpart. There was indeed interest in an enlightened religiousness, distant to superstition, syncretism and baroque aesthetic, but political and economic changes were almost nonexistent. I suggest here two possible reasons for this: Venezuelan brotherhoods’ respect for the law, and political caution, which prevented the authorities from introducing changes that could be negatively received by the population Objetivo: este artigo determina se a reforma das confrarias que começa a realizar-se em 1769 na Metrópole foi estabelecida na Venezuela de finais do século XVIII e quais foram as reais consequências de sua implementação. Metodologia: para isso, trabalhou-se com fontes primárias da época, atualmente preservadas em 12 coleções de 7 arquivos diferentes, e comparou-se o aí exposto como o aplicado em outras áreashispânicas. Originalidade: este texto representa o primeiro estudo que aborda o processo de reforma das confrarias na Venezuela setecentista. Isso, desde um ponto de vista histórico e das manifestações culturais, com especial ênfase na música e abre um novo caminho de estudo sobre o processo de controle real dos territórios americanos pela coroa espanhola. Conclusões: o resultado da investigação mostra que, embora na Venezuela o processo tenha sido iniciado, a reforma ainda foi menos importante que a peninsular. Houve, efetivamente, uma aposta por uma religiosidade ilustrada, afastada da superstição, o sincretismo e das formas barrocas, mas as mudanças políticas e econômicas foram quase nulas. Proponho aqui duas causas disso: a adesão à lei que as confrarias venezuelanas já tinham e a prudência política, que dissuade às autoridades de implementar mudanças que puderam ser mal recebidas pela povoação Financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación español (PID2020- 115496RB-100). Financiado por la Xunta de Galicia dentro de las ayudas para la consolidación y estructuración de unidades de investigación competitivas (gpc) (ED431B 2021/09) SI

How did the first ever exposure to Roman imported material culture at inland sites affect local material culture practices? What does this reveal about the speed and nature of cross-cultural influence between Roman and Iron Age communities? And about the specific dynamics of integration within the Roman Empire of inland sites? Our ability to address these key questions about the exposure of Iron Age communities to the Roman world is hampered by a research bias in classical archaeology towards the study of ceramics contexts from coastal sites. In this paper we present the first replicable quantified contextualised ceramics data analysis to address these questions, through a study of more than 150,000 sherds from inland sites in the northwestern Iberian Peninsula. We conclude that century-long gradual changes in local common wares and amphorae from Iron Age traditions to Roman-inspired forms reflect changing food production and consumption behaviours. This transition is also reflected in an increasing presence of imported Roman goods. Our results suggest very gradual but increasing integration with the Roman world and ceramic data patterns correlate with known events from textual sources: Caesar’s campaign, the Augustan Cantabrian wars, and the Flavian reforms SI

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 La correspondencia llegó a ser el soporte perfecto para algunos artistas de la segunda mitad del siglo pasado interesados en difundir las nuevas ideas experimentales y conceptuales. La decepción sobre el arte de masas, las élites artísticas y el mercado del arte, sumado a la creciente accesibilidad de las tecnologías como las fotocopiadoras y el boom de los medios de comunicación como herramientas culturales, llevaron a concebir y definir el mail art. A lo largo de este trabajo se revisarán los principales sucesos y artistas que fueron definiendo la red de arte correo y los proyectos que formaron parte de esta de manera internacional entre finales de la década de los cincuenta y principios de los ochenta, poniendo especial atención en los sesenta y setenta. El contenido se centrará en las propuestas tanto postales, como editoriales y las respectivas convocatorias que sirvieron para explorar la creación de una de las primeras redes artísticas a nivel global, la red eterna. Correspondence became the perfect support for some artists of the second half of the last century who were interested in spreading the new experimental and conceptual ideas. The disappointment with the art of masses, the artistic elites and the art market, combined with the growing accessibility of technologies such as fotocopying and the boom of media as cultural tools led to the conception and definition of mail art. Throughout this project the main events and artists who defined the network of mail art and the propositions that were part of this from the late 1950s to the early 1980s will be revised, with special attention to the 1960s and ‘70s. The content will focus on the postal and editorial propositions, as well as the respective events that allowed the creation of one of the first global artistic networks, the eternal network.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 En el siguiente Trabajo de Fin de Grado se aborda el concepto de accesibilidad universal y su aplicación en algunos casos concretos en el patrimonio, pasando también por la normativa legal y el marco institucional vigente ahora mismo en nuestro país, las soluciones que se están aportando a esta situación acorde a la normativa, y si se cumple o no la misma. Con este trabajo se pretende concienciar acerca de la situación que viven las personas con diversidad funcional en nuestro país, en lo que a acceso a la cultura y patrimonio se refiere, y qué podemos hacer para solucionarlo. No seguinte Traballo de Fin de Grao abórdase o concepto de accesibilidade universal e a súa aplicación nalgúns casos concretos no patrimonio, pasando tamén pola normativa legal e o marco institucional vixente agora mesmo no noso país, as solucións que se están a aportar a esta situación acorde á normativa, e se se cumpre ou non a mesma. Con este traballo preténdese concienciar acerca da situación que viven as persoas con diversidade funcional no noso país, no que a acceso á cultura e patrimonio se refire, e que podemos facer para solucionalo. The following Final Degree Project deals with the concept of universal accessibility, and its application in some specific cases in heritage, as well as going through the legal regulations and the institutional framework currently in force in our country, the solutions that are being provided to this situation in accordance with the regulations and whether or not they are being complied with. The aim of this work is to raise awareness about the situation of people with functional diversity in our country in terms of access to culture and heritage and what we can do to solve it.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 El presente Trabajo de Fin de Grado tiene como objetivo analizar la acción cultural protagonizada por cuatro mujeres artistas en la Galicia del primer Franquismo: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima y Carmen Corredoira. Para ello, se ha vaciado la escasa bibliografía existente, rastreo de información mediante hemeroteca, investigación de archivo y trabajo de campo. El objetivo es conocer las actividades que ejercían las mujeres, cómo se llevaban a cabo y cuál fue su resultado. Como marco cronológico se acota el primer franquismo, ya que se trata de un momento histórico con un panorama artístico todavía pendiente de análisis en profundidad. Gracias a esta investigación se amplía el espectro de estudios de género en el arte, desmitificando creencias arraigadas al franquismo con base en ideas simplistas. Como resultado, se demuestra, mediante datos inéditos, la relevancia de estas mujeres, así como su acción cultural intensa y constante. Neste Traballo Fin de Grao preténdese analizar a acción cultural desenvolvida por catro mulleres artistas na Galicia do primeiro franquismo: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima e Carmen Corredoira. Para iso, baleirouse a escasa bibliografía existente, seguimento da información a través dunha hemeroteca, investigación de arquivos e traballo de campo. O obxectivo é coñecer as actividades que realizan as mulleres, como se realizan e cal foi o seu resultado. Como marco cronolóxico acótase o primeiro franquismo, xa que se trata dun momento histórico cun panorama artístico aínda pendente de análise en profundidade. Grazas a esta investigación amplíase o espectro dos estudos de xénero na arte, desmitificando crenzas enraizadas no franquismo a partir de ideas simplistas. Como resultado, demóstrase, mediante datos inéditos, a relevancia destas mulleres, así como a súa acción cultural intensa e constante. The purpose of this Final Degree Project is to analyze the cultural action carried out by four women artists in the Galicia of the first Francoism: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima and Carmen Corredoira. For this, the scarce existing bibliography has been emptied, tracking of information through a newspaper library, archive research and field work. The objective is to know the activities carried out by women, how they were carried out and what was their result. All of this delimited in the chronological framework of the first Franco regime, since it is a historical moment with artistic panorama still pending in-depth analysis. Thanks to this research.Thanks to this research the spectrum of gender studies in art is broadened, demystifying beliefs rooted in Francoism based on simplistic ideas. As a result, it is demonstrated, through unpublished data, the relevance of these women, as well as their intense and constant cultural action.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 O conto da criada é unha serie de televisión de carácter distópico. Baseada na novela do mesmo nome de Margaret Atwood, comezou a su emisión o 26 de abril de 2017 e na actualidade foi renovada por unha quinta tempada. A serie é a historia de Defred, antigamente, June Osborne, unha ex editora de Nova Jersey que tras a instauración do Réxime de Gilead vai ser privada dos seus dereitos e obrigada á escravitude sexual como criada do matrimonio Waterford, coa fin de enxendrar un fillo. Ao longo do traballo farase unha análise da serie atendendo a aspectos técnicos e temáticos, facendo especial énfase na violencia contra a muller. El cuento de la criada es una serie de televisión de carácter distópico. Basada en la novela del mismo nombre de Margaret Atwood, comenzó su emisión el 26 de abril de 2017 y en la actualidad fue renovada por una quinta temporada. La serie es la historia de Defred, antiguamente, June Osborne, una ex editora de Nueva Jersey que tras la instauración del Régimen de Gilead va a ser privada de sus derechos y obligada a la esclavitud sexual como criada del matrimonio Waterford, con el fin de engendrar un hijo. A lo largo del trabajo se hará un análisis de la serie atendiendo a aspectos técnicos y temáticos, haciendo especial hincapié en la violencia contra la mujer. The Handmaid's Tale is a dystopian television series. Based on the novel of the same name by Margaret Atwood, it began airing on April 26, 2017 and was currently renewed for a fifth season. The series is the story of Defred, formerly, June Osborne, a former New Jersey publisher who after the establishment of the Gilead Regime is going to be deprived of her rights and forced into sexual slavery as a maid for the Waterford couple, in order to father a child. Throughout the work, an analysis of the series will be made in terms of technical and thematic aspects, with special emphasis on violence against women.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 En este trabajo se pretende hacer una aproximación a la iconografía de la lujuria en las pilas bautismales de la provincia de Palencia. Para ello, se presenta un breve primer recorrido sobre la historia del bautismo y las pilas bautismales, y una recapitulación sobre la forma en la que se representa este pecado en el imaginario románico; para después centrarse en los ejemplos concretos de la provincia de Palencia. Por último, se trazarán unas vías para su posible interpretación y se analizará la función de esas elocuentes imágenes en un lugar tan concreto como las pilas bautismales en el interior de las iglesias. The aim of this paper is to make an approach to the iconography of lust in the baptismal fonts of the province of Palencia. For this, a brief first tour on the history of baptism and baptismal fonts is presented, and a recapitulation on the way in which this sin is represented in the Romanesque imaginary; to then focus on the specific examples of the province of Palencia. Finally, some ways for its possible interpretation will be traced and the function of these eloquent images in such a specific place as the baptismal fonts inside the churches will be analyzed. Neste traballo preténdese facer unha aproximación á iconografía da luxuria nas pilas baptismais da provincia de Palencia. Para isto, preséntase un breve percorrido sobre a historia do baptismo e as pilas baptismais, e unha recapitulación sobre a forma na que se represente este pecado no imaxinario románico; para despois centrarse nos exemplos concretos da provincia de Palencia. Por último, vanse trazar unhas vías para a súa posible interpretación e vaise analizar a funcións desas elocuentes imaxes nun lugar tan concreto como as pilas baptismais no interior das igrexas.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 En el presente trabajo se analizan los sepulcros de cinco miembros de la familia Andrade. La elección de estos sepulcros permitirá trazar una evolución de las armaduras y armas utilizadas por los caballeros gallegos de los siglos XIV al XVI. Además, este análisis ayudará a explorar el panorama político y social de Galicia y nos introducirá en el ideal caballeresco del final de la Edad Media. En el contexto de ejecución de estos sepulcros destaca la importancia de las últimas voluntades, y desde la corriente historiográfica del estudio de las mentalidades, permite comprender cómo se entendía la muerte, buscando estos personajes la fama póstuma para no caer en el olvido y dejar un registro de sus actos a través de la escultura funeraria. Este estudio también aborda las influencias artísticas presentes entre Galicia y Portugal, la itinerancia de los talleres por el territorio luso-galaico, y la permanencia y desarrollo de determinadas tipologías sepulcrales. No presente traballo analízanse os sepulcros de cinco membros da familia Andrade. A elección destes sepulcros permitirá trazar unha evolución das armaduras e armas utilizadas polos cabaleiros galegos dos séculos XIV ao XVI. Ademais, esta análise axudará a explorar o panorama político e social de Galicia e introduciranos no ideal cabaleiresco do final da Idade Media. No contexto de execución destes sepulcros destaca a importancia das últimas vontades, e dende a corrente historiográfica do estudo das mentalidades, permite comprender cómo se entendía a morte, buscando estes personaxes a fama póstuma para non caer no esquecemento e deixar un rexistro dos seus actos a través da escultura funeraria. Este estudo tamén aborda as influencias artísticas presentes entre Galicia e Portugal, a itinerancia dos talleres polo territorio luso-galaico, e a permanencia e desenvolvemento de determinadas tipoloxías sepulcrais. The present work analyzes the sepulchres of five members of the Andrade family. The choice of these tombs will allow to trace an evolution of the armour and weapons used by Galician knights from the 14th to 16th centuries. In addition, this analysis will help explore the political and social panorama of Galicia and introduce us to the chivalric ideal of the end of the Middle Ages. The context of the execution of these tombs highlights the importance of last wills, and from the historiographic trend of the study of mentalities, it allows to understand how death was viewed, with these characters seeking posthumous fame so as not to fall into oblivion and leave a record of their acts through funerary sculpture. This study also approaches the artistic influences present between Galicia and Portugal, the roaming of workshops throughout the Portuguese-Galician territory, and the permanence and development of certain sepulchral typologies.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 O presente traballo consta de dúas partes diferenciadas. En primeiro lugar procúrase facer unha aproximación á realidade arquitectónica na alta Idade Media en territorio portugués. Abórdanse debates historiográficos, estilísticos e terminolóxicos como a cuestión mozárabe ou o termo «reconquista». Alén disto, tamén se tratan obras concretas do patrimonio conservado, como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa ou São Pedro de Balsemão. A segunda parte trata as restauracións «en estilo» que o Estado Novo executou sobre o devandito patrimonio altomedieval, e como afectaron tanto ó seu estado actual como ó estudo do mesmo. O presente trabalho consiste em duas partes diferenciadas. Em primeiro lugar procura-se fazer uma aproximação à realidade arquitectónica no território português da alta Idade Média. Abordam-se debates historiográficos, estilísticos e terminológicos, como a questão moçárabe ou o termo «reconquista». Além disto, tratam-se também obras concretas do património conservado, como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa ou São Pedro de Balsemão. A segunda parte trata as restaurações «estilísticas» que o Estado Novo realizou sobre o citado patrimonio altomedieval, e como tenhen afetado tanto no seu estado atual como no estudo do mesmo. El presente trabajo consta de dos partes diferenciadas. En primer lugar se busca una aproximación a la realidad arquitectónica en el territorio portugués de la alta Edad Media. Se abordan debates historiográficos, estilísticos y terminológicos, como la cuestión mozárabe o el término «reconquista». Además de esto se tratan obras concretas de patrimonio conservado, como como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa o São Pedro de Balsemão. La segunda parte trata de las restauraciones «en estilo» que el Estado Novo realizó sobre el mencionado patrimonio altomedieval, y como han afectado tanto su estado actual como el estudio del mismo. This work consists of two distinct parts. Firstly, it approaches the architectural reality of the early Middle Ages in Portuguese territory. It deals with historiographical, stylistic and terminological debates, such as the Mozarabic matter or the term ‘reconquest’. In addition, specific works of preserved heritage, such as São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa or São Pedro de Balsemão, are dealt with. The second part deals with the restorations ‘in style’ that the Estado Novo carried out on the aforementioned early medieval heritage, and how they have affected both its current state and the study of it.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 Durante los siglos XIII ,XIV y XV fueron muchos los manuscritos hebreos que vieron la luz en Sefarad. De entre ellos, son los manuscritos bíblicos iluminados los que suscitan mayor interés para este trabajo y en concreto, la conocida como Biblia Kennicott. A través del estudio iconográfico y comparativo de los implementos litúrgicos que forman parte del conjunto, del lugar que históricamente han ocupado en el Templo y de su importancia en las fiestas y ritos que tan rigurosos se han mantenido hasta casi nuestros días, trataremos de crear una imagen más concisa y clara de lo que estos implementos suponen para el mundo sefardí en particular y judío en general, así como comprender el por qué de tan heterogéneos rasgos iconográficos entre los diversos manuscritos a través de las fuentes. Durante os séculos XIII, XIV e XV foron moitos os manuscritos hebreos que viron a luz en Sefarad. De entre eles, son os manuscritos bíblicos iluminados os que suscitan maior interese para este traballo, en concreto, a coñecida como Biblia Kennicott. A través do estudo iconográfico e comparativo dos implementos litúrxicos representados nela e que forman parte do conxunto, do lugar que históricamente tiñan ocupado no Templo e da súa importancia nas festas e ritos que tan rigurosos se mantiveron ata case os nosos días, tentaremos crear unha imaxe máis concisa e clara do que estos implementos supoñen para o mundo sefardí no particular e xudeu no xeral, así como comprender o por qué de tan heteroxéneos rasgos iconográficos entre os diversos manuscritos a través das fontes. During the thirteenth, fourteenth and fifteenth centuries there were many Hebrew manuscripts that saw the light in Sepharad. Among them, it is the illuminated biblical manuscripts that arouse the greatest interest for this work, and in particular, the so-called Kennicott Bible. Through the iconographic and comparative study of the liturgical implements that are part of the whole, the place that they have historically occupied in the Temple and its importance in the festivals and rites that have been so rigorous until almost our days, we will try to create a more concise and clear image of what these implements mean for the Sephardic world in particular and Jewish in general, as well as understand the why of such heterogeneous iconographic features among the various manuscripts through the sources.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 Después de todo un periodo de asimilación de la arquitectura islámica iniciado en el siglo XIII, la arquitectura palatina castellana llega a su punto álgido en el siglo XIV, especialmente a través de la interesante figura de Pedro I (denominado tanto "el Cruel" como "el Justo") que ordenará la construcción del conocido como "Palacio Mudéjar" en los Reales Alcázares de Sevilla. El reinado de este monarca, a pesar de estar marcado por la inestabilidad y la guerra, marca un antes y un después a nivel artístico. Su relación con el mundo islámico y con Muhammad V, soberano nazarí contemporáneo, derivará en la creación del Palacio de los Leones en la Alhambra, influenciado en gran medida por el palacio sevillano. Este trabajo estudia, por tanto, el programa propagandístico creado por Pedro I en su arquitectura palatina, el contexto que lo impulsa, sus precedentes y su posterior influencia. Despois de todo un período de asimilación da arquitectura islámica que se iniciou no século XIII, a arquitectura palatina castelá alcanzou o seu apoxeo no século XIV, sobre todo no reinado de Pedro I (chamado tanto "o Cruel" como "o Xusto") que ordeará a construción do coñecido como "Palacio Mudéxar" nos Reais Alcázares de Sevilla. O reinado deste monarca, a pesar de estar marcado pola inestabilidade e a guerra, marca un antes e un despois a nivel artístico. A súa relación co mundo islámico e con Muhammad V, o soberano nazarí contemporáneo, repercutirá na creación do Palacio dos Leóns na Alhambra, moi influenciado polo palacio sevillano. Este traballo estuda, pois, o programa propagandístico ideado por Pedro I e reflexado na arquitectura palatina, o contexto que o impulsa, os seus precedentes e a súa influencia posterior. After an entire period of assimilation of Islamic architecture that began in the 13th century, Castilian palatine architecture reached its peak in the 14th century, especially through the interesting figure of Pedro I (called both "the Cruel" and "the Just") that will order the construction of what is known as the "Mudejar Palace" in the Reales Alcázares of Seville. The reign of this monarch, despite being marked by instability and war, marks a before and after on an artistic level. His relationship with the Islamic world and with Muhammad V, the contemporary Nasrid sovereign, would lead to the creation of the Palace of the Lions in the Alhambra, greatly influenced by the Sevillian palace. This work studies, therefore, the propaganda program created by Pedro I in his palatine architecture, the context that drives it, its precedents and its subsequent influence.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 En el Antiguo Testamento se narran historias sobre hombres y mujeres fuertes que fueron capaces de derrotar a grandes enemigos siempre por medio de la gracia divina; este es el caso de Judit. Conocemos a esta heroína gracias al Libro de Judit, el cual es un texto apócrifo de origen hebrero escrito probablemente a finales del siglo II a.C. El libro narra las grandes hazañas de Judit, la cual por medio de su fe y su valor, logra acabar con el asedio que sufre su pueblo, Betulia, por las amenazas del general Holofernes. La historia de Judit y Holofernes va a ser una de las más representadas a lo largo de la Historia del Arte. La escena más relevante y la que más van a repetir los grandes artistas será la de Judit cortándole la cabeza al general de la que poseemos numerosos ejemplos a lo largo del medievo. Pero también conocemos grandes obras de Donatello, Caravaggio o incluso artistas contemporáneos como Klimt, que muestran a Judit dentro de una visión que difiere de la medieval. No obstante, cabe destacar que estas representaciones van a tener un punto de partida: la Edad Media, donde la historia de Judit se desarrolla fundamentalmente en representaciones miniadas frente a las obras posteriores que la recogen en manifestaciones de gran formato. No Antigo Testamento nárranse historias sobre homes e mulleres fortes que foron capaces de derrotar a grandes inimigos sempre por medio da graza divina; este é o caso de Judit. Coñecemos a esta heroína grazas ao Libro de Judit, o cal é un texto apócrifo de orixe hebreo escrito probablemente a finais do século II a.C. O libro narra as grandes fazañas de Judit, a cal por medio da súa fe e o seu valor, logra acabar co asedio que sofre o seu pobo, Betulia, polas amenazas do xeneral Holofernes. A historia de Judit e Holofernes vai ser unha das máis representadas ao longo da Historia da arte. A escena máis relevante e a que máis van repetir os grandes artistas será a de Judit cortándolle a cabeza ao xeneral da que posuímos numerosos exemplos ao longo do medievo. Pero tamén coñecemos as grandes obras de Donatello, Caravaggio ou mesmo artistas contemporáneos como Klimt, que mostran a Judit dentro dunha visión que difire da medieval. Con todo, cabe destacar que estas representacións van a ter un punto de partida: a Idade Media, onde a historia de Judit desenvólvese fundamentalmente en representacións miniadas fronte ás obras posteriores que a recollen en manifestacións de gran formato. In the Old Testament there are stories about strong men and women who were able to defeat great enemies always by means of divine grace; this is the case of Judith. We know this heroine from the Book of Judith, which is an apocryphal Hebrew text probably written at the end of the 2nd century BC. The book narrates the great deeds of Judith, who, through her faith and courage, manages to put an end to the siege of her town, Bethulia, by the threats of General Holofernes. The story of Judith and Holofernes is one of the most frequently depicted in the history of art. The most important scene, and the one most often repeated by the great artists, is that of Judith cutting off the general's head, of which we have numerous examples throughout the Middle Ages. But we also know great works by Donatello, Caravaggio or even contemporary artists such as Klimt, who show Judith in a vision that differs from the medieval one. However, it should be noted that these representations will have a starting point: the Middle Ages, where the story of Judith is developed mainly in miniature representations, as opposed to the later works that depict her in large-format representations.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 Menchu Lamas (Vigo, 1954) es una destacada figura dentro del panorama artístico gallego, protagonista de una prolífica trayectoria, perpetuada a lo largo de cuarenta años. Así, este trabajo pretende abordar un sintético recorrido que parte desde sus inicios, a finales de la década de los setenta, vinculados con la producción gráfica como miembro del Colectivo da Imaxe, hasta su incursión en la pintura, de la mano de Atlántica, y la paulatina consolidación de su identidad artística, proyectada hasta la actualidad. Todo ello permitirá formular la existencia de una retroalimentación constante entre gráfica y pintura en su obra, así como abordar las contraposiciones existentes entre las manifestaciones artísticas contraculturales y las de la transvanguardia, fuertemente promocionada en los años ochenta. Menchu Lamas (Vigo, 1954) é unha destacada figura dentro do panorama artístico galego, protagonista dunha prolífica traxectoria, perpetuada ao longo de corenta anos. Así, este traballo pretende abordar un sintético percorrido que parte dos seus inicios, a finais da década dos setenta, vinculados coa produción gráfica como membro do Colectivo da Imaxe, ata a súa incursión na pitunta, da man de Atlántica, e a paulatina consolidación da súa identidade artística, proxectada ata a actualidade. Todo isto permitirá formular a existencia dunha retroalimentación constante entre gráfica e pintura na súa obra, así como abordar las contraposiciones existentes entre las manifestaciones artísticas contraculturales y las de la transvanguardia, fuertemente promocionada en los años ochenta. Menchu Lamas (Vigo, 1954) is an outstanding figure on the Galician art scene, the protagonist of a prolific career, perpetuated over forty years. So, this work aims to take a synthetic review that starts from her beginnings, at the end of the seventies, linked to graphic production as a member of the Colectivo da Imaxe, to her incursion into painting, with Atlántica, and the gradual consolidation of her artistic identity, projected to the present day. All this will make it possible to formulate the existence of a constant feedback between graphics and painting in his work, as well as to address the existing counterpositions between countercultural artistic manifestations and those of the trans-avant-garde, strongly promoted in the eighties.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 El cambio que vive la sociedad japonesa en el último siglo será un fenómeno muy particular que no encuentra parangón en otro territorio. La radical transformación que sufre el país hallará su reflejo en las artes, y por lo tanto, en el cine. En el presente trabajo se pretende explorar el contrastado cambio que se da en el tratamiento de las imágenes configuradoras de la cultura nipona mediante la producción cinematográfica. Así, haremos un recorrido a través de la historia de la cinematografía de Japón, atendiendo al primer momento que vive el medio fílmico, cuyos valores coinciden con los profesados desde el gobierno y que tienen un alto componente de tradicionalismo, para luego adentrarnos en las nuevas alternativas que surgen a finales de siglo y que traducen la imagen de los nuevos tiempos. El objeto principal de estudio serán las filmografías de los cineastas de la neo-eiga, quienes llevarán el nuevo estilo hasta las últimas consecuencias. O cambio que vive a sociedade xaponesa no último século será un fenómeno moi particular que non atopa parangón noutro territorio. A radical transformación que sofre o país terá o seu reflexo nas artes, e polo tanto, no cinema. No presente traballo preténdese explorar o contrastado cambio que se da no tratamento das imaxes configuradoras da cultura nipona mediante a producción cinematográfica. Así, faremos un percorrido a través da historia da cinematografía de Xapón, atendendo ao primeiro momento que vive o medio fílmico, cuxos valores coinciden cos profesados dende o goberno e que teñen un alto compoñente de tradicionalismo, para logo adentrarnos nas novas alternativas que xorden a finais de século e que traducen a imaxe dos novos tempos. O obxecto principal de estudo serán as filmografías dos cineastas da neo-eiga, que levan o novo estilo ata as últimas consecuencias. The change that Japanese society experienced in the last century will be a very particular phenomenon that is unparalleled in any other territory. The radical transformation that the country underwent will find its reflection in the arts, and therefore, in the cinema. In the present work, we intend to explore the contrasting change that occurs in the treatment of the images that shape Japanese culture through cinematographic production. Thus, we will take a tour through the history of Japanese cinematography, paying attention to the first moment that the film medium lives, whose values coincide with those professed from the government and that have a high component of traditionalism, and then we will delve into the new alternatives that arise at the end of the century and that translate the image of the new times. The main subject of study will be the filmographies of the neo-eiga filmmakers, who will take the new style to the extreme.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 El Barroco Compostelano irradiaba su influjo por toda Galicia. Urbes, pueblos e, ineludiblemente, los pazos, transformaron sus jardines y engalanaron sus fachadas y patios con sus escenográficas aportaciones. El Pazo de Faramello, nacido barroco en el XVIII, poseyó la primera y única industria papelera de Galicia durante veinte años. Su Real Fábrica, instalada en las terrazas del cañón del río Angueira a su paso por Rois, fue fundada por un genovés, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, su compatriota, padre del escultor José Gambino, será su maestro papelero. A la muerte de Piombino, el pazo es heredado por la familia del marido de su hija, los Rivero de Aguilar, que lo conservarán en propiedad hasta nuestros días. En este trabajo se indaga sobre las sucesivas transformaciones acontecidas en la propiedad durante sus más de tres siglos de vida. La investigación realizada se basa, principalmente, en fuentes bibliográficas, hemerográficas y en el trabajo de campo. O Barroco Compostelán irradiaba o seu influxo por toda Galicia. Urbes, pobos e, ineludiblemente, os pazos, transformaron os seus xardíns e engalanaron as súas fachadas e patios con as súas escenográficas achegas. O Pazo de Faramello, nado barroco no XVIII, poseeu a primeira e única industria papeleira de Galica durante vinte anos. A súa Real Fábrica, instalada nas terrazas do cañón do río Angueira ao seu paso por Rois, foi fundada por un xenovés, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, o seu compatriota, pai do escultor José Gambino, será o seu mestre papeleiro. A morte de Piombino o pazo é herdado pola familia do marido da súa filla, os Rivero de Aguilar, que o conservarán en propiedade ata os nosos días. Neste traballo indágase sobre as sucesivas transformacións acontecidas na propiedade durante os seus máis de tres séculos de vida. A investigación realizada se basa principalmente, en fontes bibliográficas, hemerográficas e no traballo de campo. The Baroque of Compostela was spreading its influence all over Galicia. Towns, villages and, inevitably, manor houses, modified its gardens and embellished its façades and yards with the Baroque aesthetic. The Pazo de Faramello, born during the Baroque, in the 18th century, owned the one and only paper mill in Galicia for twenty years. Its Royal Factory, sitted on the river Angueira canyon terraces in Rois, was founded by a Genovese man, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, his compatriot, father of the sculptor José Gambino, will be its master manufacturer. When Piombino dies, the manor house is inherited by his doughter´s husband family, the Rivero de Aguilar, to whom will belong to the present. The successive transformations happened inside the property will be studied in this work. The research is mainly based in bibliographical, hemerographic sources and in a fieldwork.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 El presente trabajo pretende llevar a cabo un breve estudio de aquellos elementos que conformaron la indumentaria y el adorno personal en la civilización minoica o cretense y el mundo micénico, empleando para ello los diferentes restos arqueológicos que nos han llegado hasta hoy en día, como joyas o figurillas, y especialmente los frescos que decoran las arquitecturas minoicas y micénicas. Este estudio permitirá establecer una clasificación y una evolución de la indumentaria tanto masculina como femenina en la Edad del Bronce Egea, conocer el funcionamiento de la industria textil de la época, así como realizar un acercamiento a la vestimenta desde un plano simbólico. O presente traballo pretende levar a cabo un breve estudo daqueles elementos que conformaron a indumentaria e o adorno persoal na civilización minoica ou cretense e no mundo micénico, empregando para iso os diferentes restos arqueolóxicos que chegaron ata os nosos días, como xoias ou figurinas, e especialmente os frescos que decoran as arquitecturas minoicas e micénicas. Este estudo permitirá establecer unha clasificación e unha evolución da indumentaria tanto masculina como feminina na Idade do Bronce Exea, conecer o funcionamento da industria téxtil da época, así como realizar un achegamento á vestimenta desde un plano simbólico. The following study aims to carry out a brief study of the elements that made up clothing and personal adornment in the Minoan or Cretan civilisation and the Mycenaean world, using the different archaeological remains that have come down to us today, such as jewellery or figurines, and especially the frescoes that decorate Minoan and Mycenaean architecture. This study will make it possible to establish a classification and evolution of both male and female clothing in the Aegean Bronze Age, to learn about the functioning of the textile industry of the period, and to approach clothing from a symbolic point of view.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 Desde el final de la dictadura franquista en España, el feminismo y el colectivo LGBTIQ han ganado progresivamente una gran visibilidad que es también evidente en la práctica artística y curatorial. El presente trabajo pretende hacer un análisis de las principales exposiciones artísticas realizadas en Galicia desde los años noventa hasta la actualidad, en las que el feminismo o el colectivo LGBTIQ ha tenido un papel principal, analizando tanto el discurso alrededor del que se conforman como su proyecto expositivo, permitiendo así trazar una línea progresiva en la visibilidad y conquistas sociales de ambos tanto en la sociedad en general como dentro del comisariado de exposiciones. Desde o final da ditadura franquista en España, o feminismo e o colectivo LGBTIQ gañaron progresivamente unha gran visibilidade que é tamén evidente na práctica artística e curatorial. O presente traballo pretende facer unha análise das principais exposición artísticas realizadas en Galicia desde os años noventa ata a actualidade, nas que o feminismo e o colectivo LGBTIQ tiveron un papel principal, analizando tanto o discurso arredor do que se conforman como o seu proxecto expositivo, permitindo así trazar unha liña progresiva na visibilidade e nas conquistas sociais de ambos tanto na sociedade en xeral como dentro do comisariado de exposicións. Since the end of the Franco dictatorship in Spain, feminism and the LGBTIQ community have progressively gained great visibility, which is also evident in artistic and curatorial practice. This paper aims to analyze the main art exhibitions held in Galicia from the 1990s to the present, in which feminism or the LGBTIQ collective have played a leading role, analyzing both the discourse around which they are formed and their project. exhibition, thus allowing to draw a progressive line in the visibility and social conquests of both, in society in general and within the exhibition curatorship.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 No presente traballo, analizarase o percorrido do discurso artístico-cultural entre os Estados Unidos e a Unión Soviética, dende o estalido da Revolución de Outubro aos primeiros anos da Guerra Fría. Así, preténdese facer unha aproximación á articulación dos diferentes movementos artísticos de cada potencia en relación á defensa ideolóxica dos principios propios. Para isto, presentaranse un análise do contexto histórico e do relato político, a fin de comprender as tendencias estéticas que foron impulsadas por cada país e a estruturación artística das mesmas. En el presente trabajo, se analizará el recorrido del discurso artístico-cultural entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, desde el estallido de la Revolución de Octubre hasta los primeros años de la Guerra Fría. Así, se pretenderá realizar una aproximación a la articulación de los diferentes movimientos artísticos de cada potencia en relación a la defensa ideológica de los prinicipios propios. Para ello, se presentará un análisis del contexto histórico y del relato político, a fin de comprender las tendencias estéticas que fueron impulsadas por cada país y la estructuración artística de las mismas. This degree thesis focuses on the development of the cultural-artistic discourse between the United States and the Soviet Union, from the outbreak of October Revolution until the first years of the Cold War. The main objective is to establish the connections between the different artistic movements developed by each power and the ideological defense of their own principles. In order to do so, an analysis of both the historical context and the political discourse will be presented so as to understand the aesthetical trends that were fostered by each country and their artistic structure.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 O que se pretende abordar neste traballo é un achegamento a cinco obras de Bruce Nauman (Fort Wayne, 1941) nas que o espectador xoga un papel esencial e específico. Partirase dun contexto histórico-artístico para comprender as condicións que rodean ao artista, seguido dunha introdución aos primeiros anos da súa carreira. Tras isto, a análise das cinco obras, que son: Get Out of My Mind, Get Out of This Room (1968), Live-Taped Video Corridor (1970), Going Around the Corner Piece (1970), Body Pressure (1974) e Raw Materials (2004). Todas estas pezas tiveron un papel esencial no proceso de activación do espectador que ten lugar na arte contemporánea a partir dos anos 60. The aim of this paper is to approach five works by Bruce Nauman (Fort Wayne, 1941) in which the viewer plays an essential and specific role. It will start with an overview of the art-historical context to understand the conditions surrounding the artist, followed by an introduction to the early years of his career. After this, the analysis of the following selection of his work, which are: Get Out of My Mind, Get Out of This Room (1968), Live-Taped Video Corridor (1970), Going Around the Corner Piece (1970), Body Pressure (1974) and Raw Materials (2004). All these pieces played an essential role in the process of activation of the spectator that takes place in contemporary art from the 1960s onwards.

In this paper, I examine the ideas regarding image reception that can be extracted from the De altera uita, a theological treatise written by the Iberian bishop Lucas de Tui in ca. 1230. In this book, he devotes one chapter to rejecting the changes that were taking place at the time in the image of the Crucifixion, especially concerning the variation in the number of nails and the shape of the cross. I will show that this text provides illuminating references regarding image reception, mainly through Lucas’s concerns about the visual misleading of the faithful and their devotional responses to artworks. By examining this work, which I will set against the theological and devotional background of its time, I will argue that this treatise reflects the importance of sight within the religious experienc of late-medieval Europe This scientific publication is part of a project that has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation program (Grant agreement No. 950248). The project, entitled “The Sensuous Appeal of the Holy. Sensory Agency of Sacred Art and Somatised Spiritual Experiences in Medieval Europe (12th–15th century)-SenSArt” (PI Prof. Zuleika Murat) is being carried out at the Department of Cultural Heritage of the University of Padua in 2021–2026. SI

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 En la segunda mitad del siglo XVIII, tras la conclusión de la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela por el maestro Fernando de Casas, el Cabildo catedralicio toma la decisión de continuar con las renovaciones – que fueran afines al barroco vernáculo del Obradoiro – en las fachadas románicas del transepto de la catedral. La elegida para comenzar con las restauraciones fue la fachada norte o de la Azabachería, ya que era la de mayor importancia y necesitaba mostrar un decoro acorde a sus funciones como puerta de entrada de los peregrinos, puerta de acceso de los prelados y, sobre todo, por ser la entrada por la que cada año ingresaban en la catedral las Ofrendas Reales. El arquitecto gallego Lucas Ferro Caaveiro fue el señalado por el Cabildo para acometer las renovaciones y – tras una serie de problemas iniciales – las obras dan comienzo en el año 1759. En los primeros tres años las obras se suceden sin ningún inconveniente, levantándose por entero el primer cuerpo y parte del segundo, pero en 1761 fallece el canónigo fabriquero de la catedral de Santiago – José Sáenz del Pino – siendo sustituido por Joaquín Ignacio Pardo, que no será tan afín al estilo vernáculo de Caaveiro y comulgará más con el barroco clasicista italiano que propone la madrileña Academia de San Fernando. Esta disconformidad provoca que Caaveiro tenga que diseñar una nueva propuesta para el remate de la fachada, pero esta tampoco parece convencer al Cabildo que, tras una serie de consideraciones, toma la decisión de alejar a Ferro Caaveiro – y a todo su equipo – de las obras de la Azabachería. El arquitecto madrileño Ventura Rodríguez, maestro mayor de la villa de Madrid, será el encargado de diseñar las “correcciones” de la fachada de la Azabachería, con un plan que estaba muy determinado por su precedente, pero que aún así cambia por completo la concepción arquitectónica barroca de Caaveiro y, sobre todo, la concepción iconográfica y propagandística de la fachada, que da un giro total. Dado que Ventura hace las correcciones desde Madrid, el nuevo maestro de obras que llevará a cabo su plan será su discípulo, el arquitecto gallego Domingo Lois Monteagudo, que llegará a Compostela con todos los honores del Cabildo, pero cuya estancia acabará por ser muy problemática. Pese a todo, las obras finalizan en el año 1769, dando por resultado una fachada única, una hibridación hija de su tiempo que ejemplifica la muerte del barroco local dejando paso en la ciudad a un nuevo estilo, un barroco con tintes clásicos e italianizantes.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 En este Trabajo de Fin de Grado se profundizará en la exposición Atlántica de 1980 en Baiona, formada por una serie de artistas que renovaron la plástica gallega. El punto central del estudio será la preparación de esta primera muestra, además de otras que hicieron y sus influencias posteriores en el arte. El objetivo del trabajo será entender por qué estos artistas se reunieron, cómo lo hicieron y cuál fue su intención a la hora de introducir esta nueva plástica en el panorama nacional, además de comprender las dinámicas colaborativas que surgieron desde los años 70 y que cambiarán el panorama en los 80 Neste Traballo de Fin de Grao profundarase na exposición Atlántica de 1980 en Baiona formada por unha serie de artistas que renovaron a plástica galega. O punto central do estudio será a preparación desta primeira mostra, ademáis de outras que fixeron e as súas influencias posteriores na arte. O obxectivo do traballo será entender por que estes artistas reuníronse, como o fixeron e cal foi a súa intención á hora de introducir esta nova plástica no panorama nacional, ademáis de comprender as dinámicas colaborativas que xurdiron dende os anos 70 y que cambiarán o panorama nos 80. The objective of this project is to study Atlántica, an exhibition that took place in 1980 in Baiona by a group of artists who modernized Galician art. The main point of the study will be the composition of the first exhibition, the following ones they did and their subsequent influences on Galician art. The objective of the project will be to understand why these artists got together, how they did it and what was their intention when introducing this new type of art, so popular in the rest of Europe, onto the national scene, and also to comprehend the new dynamic partnerships that emerged since the 70s and that changed the overview in the 80s.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 El presente trabajo estudia la relación entre la luz y el espacio en el ámbito artístico: hasta qué punto son interdependientes y en qué términos discurre su diálogo. Esta correspondencia se aborda a través de la arquitectura y la instalación lumínica, las dos disciplinas a las que probablemente compete de forma más directa. El apartado dedicado a cada una de ellas se articula en torno a dos ejes: por un lado, una reflexión sobre cómo la arquitectura/instalación viene definida por su tratamiento lumínico-espacial, comparando ambos casos; por otro, la identificación y la clasificación de las variables que determinan el diálogo luz-espacio, así como de las distintas posibilidades que se derivan de ellas, en uno y otro ámbito. El resultado es la constatación de que la luz y el espacio están inextricablemente unidos no solo a nivel físico y cultural, sino también artístico, aunque de forma diferente en la arquitectura (espacio activado por la luz) y en la instalación (luz activada en el espacio, con un rol protagónico de la percepción). Respecto a la primera, se determinan los condicionantes de la iluminación y sus aportaciones al espacio; en cuanto a la segunda, se definen tres tipos de instalación en función de la relación luz-espacio-espectador. O presente traballo estuda a relación entre a luz e o espazo no ámbito artístico: ata que punto son interdependentes e en que termos discorre o seu diálogo. Esta correspondencia abórdase a través da arquitectura e da instalación lumínica, as dúas disciplinas ás que probablemente compete de xeito máis directo. O apartado dedicado a cada unha delas articúlase en torno a dous eixos: por un lado, unha reflexión sobre como a arquitectura/instalación vén definida polo seu tratamento lumínico-espacial, comparando ambos casos; por outro, a identificación e a clasificación das variables que determinan o diálogo luz-espazo, así como das distintas posibilidades que se derivan delas, nun e noutro ámbito. O resultado é a constatación de que a luz e o espazo están inextricablemente unidos non só a nivel físico e cultural, senón tamén artístico, aínda que de xeito diferente na arquitectura (espazo activado pola luz) e na instalación (luz activada no espazo, cun rol principal da percepción). Respecto á primeira, determínanse os condicionantes da iluminación e as súas aportacións ó espazo; en canto á segunda, defínense tres tipos de instalación en función da relación luz-espazo-espectador. The present work studies the relation between light and space in the artistic sphere: up to what point they are interdependents and in which terms their dialogue takes place. This correspondence is approached by means of architecture and light installation, the two disciplines which it probably concerns in the most direct way. The section dedicated to each one of them is articulated around two axes: on the one hand, a reflection on how architecture/installation is defined by its light-spatial treatment, comparing both cases; on the other hand, the identification and the classification of the variables that determine the dialogue between light and space, as well as the cataloguing of the different possibilities that derive from them, in one and the other field. The result is the checking that light and space are inextricably united not only on a physical and cultural level, but also on an artistic one, although in different ways in architecture (space activated by light) and in installation (light activated in space, with a leading role of perception). Regarding the first one, the determinants of lightning and its contribution to space are established; as to the second one, three types of installation are defined in function of the light-space-spectator relation.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 “All women in the magic of her locks” escribía Goethe a principios del siglo XIX, sin saber que este fragmento de Fausto terminaría enmarcando una de las obras más representativas de Rossetti. A través de un juego de palabras, la voz inglesa “locks” que hace referencia en 1867 a los bucles de Lilith, al cabello suelto y rojizo de la perdición, se ha querido aquí sustituir por “lock”, con su significado de cerradura, en referencia al lugar aislado en el que la idea de mujer ha permanecido hasta nuestros días, en perpetua dualidad. Este trabajo pretende comprender la tensión subyacente dentro de las obras de D. G. Rossetti cuyas protagonistas son representaciones divinas o aureoladas por la Biblia, a partir de las preguntas de “¿qué se representa?” y “¿cómo se representa?” Para ello, se propone un recorrido en el que, partiendo de las características inherentes en la Diosa Madre mesopotámica, se definan las figuras femeninas, vinculadas a la mitología griega y a la Biblia, que han dado lugar a la representación histórica de la dualidad, omnipresente en la época victoriana en la que la Hermandad desarrolla su producción. Al mismo tiempo, para poder llegar a comprender el modo de representación prerrafaelita, se hace necesario indagar en las influencias que el grupo recibe desde la mística visionaria y onírica, para el desarrollo de su característico simbolismo y la conformación de su propia religión del arte. Así, podremos ver la “virgen violada” en el Ecce Ancilla Domini, de Rossetti, obra que ha originado este trabajo. “All women in the magic of her locks” escribía Goethe a principios do século XIX, sen saber que este fragmento de Fausto remataría enmarcando unha das obras máis representativas de Rossetti. A través dun xogo de palabras, a voz inglesa “locks” que fai referencia en 1867 ós bucles de Lilith, ó cabelo solto e loiro da perdición, quíxose aquí substituír por “lock”, co seu significado de fechadura, en referencia ó lugar illado no que a idea de muller permanece ata os nosos días, en perpetua dualidade. Este traballo pretende comprender a tensión subxacente dentro das obras de D. G. Rossetti cuxas protagonistas son representacións divinas ou aureoladas pola Biblia, a partir das preguntas de “que se representa?” e “como se representa?” Para iso, proponse un percorrido no que, partindo das características inherentes na Deusa Nai mesopotámica, se definan as figuras femininas, vinculadas á mitoloxía grega e á Biblia, que deron representación á dualidade característica da época vitoriana na que a Irmandade desenvolve a súa produción. Ó mesmo tempo, para poder chegar a comprender o modo de representación prerrafaelita, faise preciso indagar nas influencias que o grupo recibe dende a mística visionaria e onírica, para o desenvolvemento do seu característico simbolismo e a conformación da súa propia relixión da arte. Así, poderemos ver a “virxe violada” no Ecce Ancilla Domini de Rossetti, obra que orixinou este traballo. “All women in the magic of her lock” wrote Goethe in the first years of the 19th Century, without knowing that this piece of Fausto will ended up framing one of the most representative Rossetti’s artwork. Through a pun, the word “locks” which in 1867 refers to Lilith’s curly, loose and red hair of doom, is replaced here by “lock”, with its meaning of clench, in reference to the isolated place where the idea of women remains until these days, in perpetual duality. This work aims to comprehend the underlying tension whiting the D. G. Rossetti’s artworks in which the main character are divine or haloed representations by the Bible, from the questions of “what is represented?” and “how is it represented?” For that, here is a route proposed, in which, based on the inherent characteristics of the Mesopotamian Goddess, the female figures are defined, linked to Greek Mythology and the Bible, which have represented the characteristic duality of the Victorian age, the historic period in which the Brotherhood develops its production. At the same time, in order to understand the Pre-Raphaelite mode of representation, it is necessary to inquire into the influences that the group receives from visionary and dreamlike mystic, for the development of their characteristic symbolism and the conformation of their own religion of art. Thereby, we could see the “violated Virgin” in Rossetti’s Ecce Ancilla Domini, artwork that originated this paper.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 A seguinte monografía ocuparase da valoración e estudo do templo parroquial de Santa María de Nogueira de Miño entendido como continente e contido. Dende a súa valoración arquitectónica para afondar nas súas pinturas murais. O obxectivo deste estudo é, ante todo, relatar e informar sobre as pinturas ao fresco do monumento chantadino e conseguir así un estado da cuestión actualizado. Para acadar estes obxectivos empregaranse varias metodoloxías: dende o análise bibliográfico e iconográfico á investigación historiográfica. Ao longo do estudo exporanse diferentes argumentos e hipóteses sobre a iconografía, significado, e cronoloxía dos ciclos pictóricos, tanto de autores diversos como propios. A finalidade é poder proporcionar un coñecemento da obra actualizado e o máis completo posible. La siguiente monografía se ocupará de la valoración y estudio del templo parroquial de Santa María de Nogueira de Miño entendido como conteniente y contenido. Desde su valoración arquitectónica para ahondar en sus pinturas murales. El objetivo de este estudio es, ante todo, relatar e informar sobre las pinturas al fresco del monumento chantadino y conseguir así un estado de la cuestión actualizado. Para alcanzar estos objetivos se emplearán varias metodologías: desde el análisis bibliográfico e iconográfico y la investigación historiográfica. A lo largo del estudio se exponen diferentes argumentos e hipótesis sobre la iconografía, significado y cronología de los ciclos pictóricos, tanto de autores diversos cómo propios. La finalidad es poder proporcionar un conocimiento de la obra actualizado y lo más completo posible. This monograph will deal with the assessment and study of the parish temple of Santa María de Nogueira de Miño understood as contentant and content. From its architectural assessment to delve into his mural paintings.The objective of this study is, above all, to relate and informabout the fresco paintings of the monumentand thus get an updated state of the matter. To achieve these objectives several methodologies will be used: bibliographic and iconographic analysis and historiographical research.Throughout the study, we will deal with different arguments and hypotheses about the iconography, meaning and chronology of pictorial cycles, based on the different authors and our theories.The purpose is to be able to provide an updated and as complete knowledge of the work as possible

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Siendo inevitable el reflejo transformativo en toda obra de arte material (producto del transcurso temporal), éste ha sido tenido en cuenta no solo por restauradores e historiadores, sino también por los propios artistas, que en mayor o en menor medida, se han posicionado o problematizado al respecto del tema. El presente trabajo pretende así realizar un recorrido histórico en cuanto a la concepción del decurso del tiempo y sus consecuencias en el ámbito y obra artística. Sendo inevitable o reflexo transformativo en toda obra de arte material (produto do transcurso temporal), este ten sido en conta non solo por restauradores e historiadores, senón tamén polos propios artistas, que en maior ou menor medida, posicionáronse ou problematizaron ao respecto do tema. O presente traballo pretende así realizar un recorrido histórico en canto á concepción do decurso do tempo e as súas consecuencias no ámbito e obra artística. Since changes due to the passing of time in all sort of objectual art work are unavoidable, not only restorers and historians but also artists (in their own and unique ways) have had to take into consideration this issue. The purpose of this project is to make an historical approach towards the conception of the course of time and its consequences in the art compass and the artistic product.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 O presente traballo trata sobre a destrución patrimonial da cidade de Palmira por parte do Estado Islámico no ano 2015. A través da análise e o estudo desta destrución preténdese, por unha banda, analizar cales foron os bens patrimoniais destruídos e as razóns ideolóxicas e relixiosas para facelo e, pola outra banda, reflexionar sobre o que supón a propia destrución do patrimonio cultural centrada sobre todo nos conflitos bélicos, non só a nivel material e económico senón tamén como representación da memoria e a identidade dun pobo ou comunidade. El presente trabajo trata sobre la destrucción patrimonial de la ciudad de Palmira por parte del Estado Islámico en el año 2015. A través del análisis y el estudio de esta destrucción se pretende, por un lado, analizar cuales fueron los bienes patrimoniales destruídos y las razones ideológicas y religiosas para hacerlo y, por el otro lado, reflexionar sobre lo que supone la propia destrucción del patrimonio cultural centrada sobre todo en los conflictos bélicos, no solo a nivel material y económico sinó también como representación de la memoria y la identidad de un pueblo o comunidad. This work deals with the heritage destruction of the city of Palmyra by the Islamic State in 2015. Through the analysis and study of this destruction, it is intended, on the one hand, to analyse which were the destroyed heritage assets and the ideological and religious reasons to do so. On the other hand, it is also intended to reflect on what the destruction of cultural heritage itself supposes, focused above all on war conflicts, not only at a material and economic level but also as a representation of the memory and identity of the people or community.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Os Beatos son os manuscritos que transmiten o Comentario á Apocalipse de san Xoán de Beato de Liébana. Durante o século X é elevado o número de beatos copiados, destacando o Beato de Girona como un dos exemplares máis valiosos desde o punto de vista artístico. Presenta abundantes miniaturas marxinais, definíndose a marxinalia como aquelas iluminacións que se atopan no exterior do cadro do texto, que polo xeral non teñen unha relación directa co discurso central nin unha intencionalidade informativa. Los Beatos son los manuscritos que transmiten el Comentario al Apocalipsis de san Juan de Beato de Liébana. Durante el siglo X es elevado el número de beatos copiados, destacando el Beato de Girona como uno de los ejemplares más valiosos desde el punto de vista artístico. Presenta abundantes miniaturas marginales, definiéndose la marginalia como aquellas iluminaciones que se encuentran en el exterior del cuadro del texto, que por lo general, no tiene una relación con el discurso central ni unha intencionalidad informativa The Beatus are the manuscripts that transmit the Commentary on the Apocalypse of St. John by Beatus of Liébana. During the 10th century a high number of Beatus are copied, out-standing the Beatus of Girona as one of the most valuable examples from the artistic point of view. It presents abundant marginal miniatures, being marginalia defined as those illuminations found on the outside of the text, which are usually not directly related to the central discourse and no informative intentionality.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 As películas de Tim Burton teñen unha estética que se configura como a marca de identidade do director. Crea un estilo único e fácil de identificar como seu. Pero a estética burtoniana non aparece como algo inédito, senón que se constrúe mediante pequenas pezas, que xuntas terminan sendo un estilo novo e orixinal. Estas pezas atópanse na infancia do director, no gótico, no Expresionismo alemán e nos filmes de terror. Pero logo tamén aparecen unhas figuras esenciais que terminan por conformar a estética burtoniana. Estas figuras son Edgar Allan Poe, escritor que crea ambientes tenebrosos e de misterio; Vicent Price, un actor de películas de terror que foi o ídolo de Tim Burton; Danny Elfman, compositor das mellores bandas sonoras do director; Margaret Keane, pintora de rostros infantís con grandes ollos; e Johnny Depp, o actor fetiche de Tim Burton. Las películas de Tim Burton tienen una estética que se configura como la marca de identidad del director. Crea un estilo único y fácil de identificar como suyo. Pero la estética burtoniana no aparece como algo inédito, sino que se construye mediante pequeñas piezas, que juntas terminan siendo un estilo nuevo y original. Estas piezas se encuentran en la infancia del director, en el gótico, en el Expresionismo alemán y en las películas de terror. Pero luego también aparecen unas figuras esenciales que terminan por conformar la estética burtoniana. Estas figuras son Edgar Allan Poe, escritor que crea ambientes tenebrosos y de misterio; Vicent Price, un actor de películas de terror que fue el ídolo de Tim Burton; Danny Elfman, compositor de las mejores bandas sonoras del director; Margaret Keane, pintora de rostros infantiles con grandes ojos; y Johnny Depp, el actor fetiche de Tim Burton. Tim Burton’s films have an aesthetic that is configured as the director’s identity mark. He create a unique and easy to identify style as yours. But the Burton’s aesthetic doesn’t appear as unpublished, but is built by small pieces, which together end up being a new and original style. These pieces are found in the director’s childhood, in Gothic, in German Expressionism and in horror films. But then there are also some essential figures that end up shaping the Burton’s aesthetic. These figures are Edgar Allan Poe, writer who creates dark and mystery environments; Vicent Price, a horror film actor who was Tim Burton’s idol; Danny Elfman, composer of the director’s best soundtracks; Margaret Keane, painter of childish faces with big eyes; and Johnny Depp, Tim Burton’s fetish actor.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 En este trabajo estudiaremos desde el punto de vista iconográfico el tema de la introducción de Heracles en el Olimpo en la cerámica griega arcaica. Nos centraremos fundamentalmente en la revisión de las representaciones del tema en los vasos de figuras negras, una revisión que se complementa con los datos aportados por las fuentes textuales clásicas. En este sentido, haremos una reflexión sobre los motivos iconográficos representados y buscaremos la relación de estos con el mito griego. Neste traballo estudiaremos dende o punto de vista iconográfico o tema da introducción de Heracles no Olimpo na cerámica grega arcaica. Centrarémonos fundamentalmente na revisión das representacións do tema nos vasos de figuras negras, unha revisión que se complementa cos datos aportados polas fontes textuais clásicas. Neste sentido, faremos unha reflexión sobre os motivos iconográficos representados e buscaremos a relación de estes co mito grego. In this project we will study from the iconographic point of view the theme of the introduction of Heracles to Olympus in archaic Greek pottery. We will focus primarily on the review of the representations of the theme in black-figure vases, a review that is complemented by the data provided by classical textual sources. In this sense, we will make a reflection on the iconographic motifs represented and we will look for the relationship of these with the Greek myth.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 A estatuaria exipcia caracterizase pola súa ferrea conservación de todos aqueles elementos característicos ao longo da sua dilatada historia. Sen embargo, esta imaxe xeral oculta aqueles puntos de inflexión nos que o canon vese alterado. Esta premisa levaranos dende os inicios de esta civilización do mundo antigo ata a fin do Imperio Novo, momento no que a figura de Akhenatón transforma profundamente a sua concepción. Non se trata dun traballo baseado en simples cambios evolutivos, tamen se plantean rotundos contrastes que forman parte dunha tensa dialéctica coa escultura de cada un dos periodos estudados. La estatuaria egipcia se caracteriza por su férrea conservación de todos aquellos elementos característicos a lo largo de su dilatada historia. Sin embargo, esta imagen general oculta aquellos puntos de inflexión en los que el canon se ha visto alterado. Esta premisa nos llevará desde los inicios de esta civilización del mundo antiguo hasta el final del Imperio Nuevo, momento en el que la figura de Akenatón transforma profundamente su concepción. No se trata de un trabajo que se base en simples cambios evolutivos, también se plantean rotundos contrastes que forman parte de una tensa dialéctica con la escultura de cada uno de los períodos estudiados. gyptian statuary is characterized by its strict preservation of all those characteristic elements throughout its long history. However, this overall picture hides those turning points where the canon has been altered. This premise will take us from the beginnings of this ancient world civilization to the end of the New Kingdom, at which time the figure of Akhenaten profoundly transforms its conception. This investigation is not based on simple evolutionary changes, there are also strong contrasts that are part of a tense dialectic with each period's sculpture.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 La figura de san Rosendo fue una de las más destacadas de la Galicia altomedieval, aunque su influencia se mantuvo durante toda la Edad Media. Así queda reflejado en el denominado Tesoro de san Rosendo, un conjunto de objetos de distintas cronologías puestos en relación con el santo a partir de la tradición. En el presente trabajo se busca analizar estas piezas clasificándolas a partir de dos tipologías fundamentales: la búsqueda de la exaltación eucarística y la condición episcopal, atendiendo a otros aspectos de relevancia como son los materiales. Además, se ponen en relación tanto con la figura de Rosendo Gutiérrez como con el momento de su canonización en el siglo XII, sin olvidar la sacralidad propia de las reliquias durante el periodo medieval. A figura de san Rosendo foi unha das máis destacadas da Galicia altomedieval, aínda que a súa influencia se mantivo durante toda a Idade Media. Así queda reflexado no denominado Tesouro de san Rosendo, un conxunto de obxectos de distintas cronoloxías postos en relación co santo a partir da tradición. No presente traballo búscase analizar estas pezas clasificándoas a partir de dúas tipoloxías fundamentais: a busca da exaltación eucarística e a condición episcopal, atendendo a outros aspectos de relevancia como son os materiais. Ademais, póñense en relación tanto coa figura de Rosendo Gutiérrez coma co momento da súa canonización no século XII, sen esquecer a sacralidade propia das reliquias durante o período medieval San Rosendo was one of the most important personalities in Galicia during the High Middle Ages, even though his influence was maintained throughout the medieval period. This aspect can be seen in the so-called Treasure of san Rosendo, a group of objects from different chronologies related to the saint because of tradition. The aim of this investigation is to analyse these pieces classified into two main categories: the search for Eucharistic exaltation and the episcopal condition, paying attention to other relevant aspects such as materials. Furthermore, they are put in relation to Rosendo Gutiérrez’s persona as well as to the moment of his canonization in the 12th century, without forgetting the holiness of relics during the medieval period.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 El arte en Japón, en origen, derivó del legado artístico chino. Con el tiempo, encontraron su propia identidad, desarrollando una producción japonesa per se, el yamato-e. Con la llegada de los portugueses a Kyūshū en el siglo XVI se produjo un proceso de evangelización y aculturación que impregnó todo el arte tradicional. Los artistas japoneses dejaron en desuso sus técnicas centenarias a favor de las novedades llegadas de Occidente. Esta situación generó una crispación entre un grupo de artistas que avalaban las virtudes de lo autóctono y promovían su recuperación. Esto dará lugar al nihonga o pintura propiamente japonesa. En el siglo XIX, cuando el País del sol naciente se abre al exterior y penetra en Europa, los occidentales se quedan fascinados con su cultura. Los mismos que habían destruido una tradición, imponiendo la suya, ahora se sienten atraídos por lo exótico, adoptando sus técnicas y formas en su pintura vanguardista. A arte en Xapón, na súa orixe, derivou do legado artístico chino. Co tempo, atoparon a súa propia identidade, desenvolvendo unha produción xaponesa per se, o yamato-e. Coa chegada dos portugueses a Kyūshū no século XVI, produciuse un proceso de evanxelización e aculturación que impregnou toda a arte tradicional. Os artistas xaponeses deixaron en desuso as súas técnicas centenarias a prol das novidades chegadas de Occidente. Esta situación xerou crispación entre un grupo de artistas que avalaban as virtudes do autóctono e promovían a súa recuperación. Isto dará lugar ao nihonga ou pintura propiamente xaponesa. No século XIX, cando o País do sol nacente se abre ao exterior e penetra en Europa, os occidentais quedan fascinados coa súa cultura. Os mesmos que tiñan destruído unha tradición, impoñendo a súa, agora séntense atraídos polo exótico, adoptando as súas técnicas e formas na súa pintura de vangarda. The art in Japan, at the beginning, derived from the Chinese artistic legacy. As time goes by, they found their own identity, developing a Japanese production per se, the yamato-e. With the arrival of the Portuguese missionaries to Kyūshū in the 16th century, a process of evangelization and acculturation took place that permeated all traditional art. Japanese artists put their centuries-old techniques into disuse in favour of the innovations from the West. This situation generated the agitation between a group of artists who endorsed the virtues of the autochthonous and promoted its recovery. This will give rise to the nihonga. In the 19th century, when Japan opened to the outside and penetrated Europe, Westerners were fascinated by its culture. The same people who had destroyed a tradition, imposing their own, are now attracted to the exotic, adopting its techniques and forms in their avant-garde painting.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 O presente traballo pretende analizar o momento pre-pictórico/ caos-xerme a partir do cal xorde o concepto deleuzeano de diagrama. Partindo dun introductorio marco teórico, que nos permitirá —minimamente— adentrarnos no manexo de certas nocións básicas do campo da estética concibidas polo filósofo francés, trataremos de diseccionar a obra de varios artistas contemporáneos para así acadar o que, ao noso xuízo, podería designar unha nova aplicación do concepto de diagrama. El presente trabajo pretende analizar el momento pre-pictórico/ caos-germen a partir del cual surge el concepto deleuzeano de diagrama. Partiendo de un introductorio marco teórico, que nos permitirá —mínimamente— adentrarnos en el manejo de ciertas nociones básicas del campo de la estética concebidas por el filósofo francés, trataremos de diseccionar la obra de varios artistas contemporáneos para así alcanzar lo que, a nuestro juicio, podría designar una nueva aplicación del concepto de diagrama. The present work tries to analyze the pre-pictorial/ chaos-germ moment from which the deleuzean concept of diagram arises. Starting from an introductory theoretical framework, which will allow us —minimally— to enter into the handling of certain basic notions of the field of aesthetics conceived by the French philosopher, we will try to dissect the work of several contemporary artists in order to achieve what, in our opinion, could designate a new application of the concept of diagram.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 La tesis del fin del arte es una de las más controvertidas que se han manejado en el ámbito de la Estética. Hegel sentó las bases del asunto cuando impartió sus Lecciones sobre estética a lo largo de la década de 1820. Desde entonces, numerosos autores han abordado la cuestión para realizar sus particulares indagaciones en torno al supuesto acabamiento del arte. Este trabajo pretende, en primer lugar, presentar la línea de argumentación hegeliana y sus implicaciones a partir de la misma y de las diversas interpretaciones que otros autores han hecho de ella. En relación con ello, resaltaremos también la labor de Arthur C. Danto, con su obra Después del fin del arte, para enfocar el planteamiento que nos concierne desde una perspectiva más actual. En segundo lugar, intentaremos ilustrar dicha tesis en relación a la evolución del arte de la pintura hacia el Informalismo. Por fin, en las conclusiones, intentaremos posicionarnos en relación al asunto. ¿Realmente puede hablarse de la muerte del arte? A tese do fin da arte é unha das máis controvertidas que se manexaron no ámbito da Estética. Hegel sentou as bases do asunto cando impartiu as súas Leccións sobre estética ao longo da década de 1820. Desde entón, numerosos autores abordaron a cuestión para realizar as súas particulares indagacións en torno ao suposto acabamento da arte. Este traballo pretende, en primeiro lugar, presentar a liña de argumentación hegeliana e as súas implicacións a partir da mesma e das diversas interpretacións que outros autores fixeron dela. Por iso resaltaremos tamén o labor de Arthur C. Danto, coa súa obra Despois do fin da arte, para enfocar a formulación que nos interesa desde unha perspectiva máis actual. En segundo lugar, tentaremos ilustrar dita tese en relación á evolución da arte da pintura cara a o Informalismo. Por fin, nas conclusións, tentaremos posicionarnos en relación ao asunto. Realmente pode falarse da morte da arte? The thesis of the end of art is one of the most controversial theses that have been dealt with in the field of Aesthetics. Hegel laid the foundations of the issue when he gave his Lessons on Aesthetics in the 1820s. Since then, numerous authors have approached the question in order to carry out their own particular enquiries into the supposed completion of art. This paper aims, firstly, to present the Hegelian line of argument and its implications based on it and the various interpretations that other authors have made of it. We will therefore also highlight the work of Arthur C. Danto, with his work After the End of Art, in order to approach the idea that concerns us from a more contemporary perspective. Secondly, we will try to illustrate this thesis in relation to the evolution of the art of painting towards Informalism. Finally, in the conclusions, we will try to position ourselves in relation to the question: can we really speak of the death of art?

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Dolor, rebeldía, amor enfermizo, ambigüedad… son algunos de los tópicos que se conformaron alrededor de la figura de Frida Kahlo y sirvieron para forjar su mito. Pero, sabemos en realidad ¿quien fue Frida Kahlo? Para dar respuesta a esta y otras preguntas elaboro este trabajo, en el que partiendo de su diario, realizo en primer lugar una aproximación a su figura para posteriormente centrarme en su obra e imaginario, señalando aquellos ejemplos más característicos. Por último, dado su catalogación como “pintora surrealista” analizo su papel dentro del movimiento comparándola con otras pintoras para finalmente abordar su visión más actual “la Fridomanía”. Dor, rebeldía, amor enfermizo, ambiguedade… son alguns dos tópicos que se conformaron o redor da figura de Frida Kahlo e serviron para forxar a sua lenda. Pero, sabemos en realidade quen foi Frida Kahlo? Para dar resposta a esta e outras cuestions elaboro este traballo, no que partindo do seu diario, fago en primeiro lugar unha aproximación a sua figura para logo centrarme na sua obra e imaxinario, sinalando aqueles exemplos mais salientables. Para rematar, dada a sua catalogación coma “pintora surrealista” analizo o seu papel dentro do movemento comparándoa con outras pintoras para finalmente tratar a sua visión mais actual a “Fridomanía”. Pain, rebellion, sickness, ambiguity... are some of the topics that have been formed around the figure of Frida Kahlo and have been used to forge her myth. But do we know who Frida Kahlo relly was? To answer this and other questions, I have written this proyect, in which, using her diary as a starting point, I first make an approach to her figure and then focus on her work and imaginary, pointing out the most characteristic examples. Finally, given her classification as a "surrealist painter" I analyze her role within the movement by comparing her with other painters to finally address her more current vision "Fridomania".

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 El presente trabajo estudia la iglesia de san Miguel de Breamo, desde una revisión histórica del Priorato, del origen y evolución de su templo, así como de los diferentes procesos reformadores a los que se vio sometida la fábrica. La consulta de las escasas fuentes documentales conservadas en diversos archivos y la revisión bibliográfica han permitido una aproximación a la historia del antiguo cenobio. A ello se une la descripción formal, el aparato gráfico (fotografías y dibujos) y el análisis del templo, en conexión con otros ejemplos del Románico gallego. A través de estas tareas, se pretende revalorizar un patrimonio que se encuentra en estado de abandono cultural. O presente traballo estudia a igrexa de san Miguel de Breamo, dende unha revisión histórica do Priorato, da súa orixe e evolución do seu templo, así como dos diferentes procesos reformadores ós que se veu sometida a fábrica. A consulta das escasas fontes documentais conservadas en diversos archivos e a revisión bibliográfica permitiron unha aproximación á historia do antigo cenobio. A isto úneselle a descripción formal, o aparato gráfico (fotografías e debuxos) e a análise do templo, en conexión con outros exemplos do Románico galego. A través destas tareas, preténdese revalorizar un patrimonio que se encontra en estado de abandono cultural. work studies the church of San Miguel de Breamo, from an historical review of the Priory, the origin and evolution of its temple, as well as the different reform processes to which the factory was subjected. The consultation of the scarce documentary sources conserved in diverse archives and the bibliographic revision have allowed an approach to the history of the old monastery. To this is added the formal description, the graphic apparatus (photographs and drawings) and the analysis of the temple, in connection with other examples of Galician Romanesque. Through these tasks, it is intended to revalue a heritage that is in a state of cultural abandonment.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 El vídeo nace a mediados del siglo XX influenciado por un contexto de lucha social y de rechazo de los estrictos valores de la sociedad tradicional. La multiplicación de soportes en el arte contemporáneo y la irrupción de un arte de acción en la década de los 60, favorecieron la utilización de nuevas tecnologías de una forma experimental, especialmente el vídeo. Lo que en un primer momento se utiliza como elemento de registro, pasados los años, se convierte en el único medio de expresión para muchos artistas, la expresión videoarte deja de tener sentido, ha nacido la videocreación. A partir de los años 70 la videoinstalación entra en los museos, pero es en los años 80 cuando se produce su mayor auge. A partir de la década de los 90, el vídeo se convierte en una práctica artística intermedial, presente en museos y en ferias de arte internacionales. Bill Viola, se convirtió en la década de los 80 en uno de sus principales exponentes. Investigador de la imagen, intenta ir más allá de la mirada, capturando con su cámara las imágenes que el ojo humano no puede percibir. O vídeo naceu a mediados do século XX influído por un contexto de loita social e rexeitamento aos estritos valores da sociedade tradicional. A multiplicación de soportes na arte contemporánea e o xurdimento da arte de acción nos anos 60 favoreceron o uso das novas tecnoloxías dun xeito experimental, especialmente o vídeo. O que nun principio se usa como elemento de rexistro, co paso dos anos, convértese no único medio de expresión de moitos artistas, a expresión videoarte xa non ten sentido, nace a videocreación. A partir dos anos 70, a instalación de vídeo entrou nos museos, pero foi nos anos 80 cando alcanzou o seu auxe. A partir dos anos 90, o vídeo converteuse nunha práctica artística intermedial, presente en museos e feiras de arte internacionais. Bill Viola, converteuse nos anos 80 nun dos seus principais expoñentes. Investigador da imaxe, tenta ir máis alá da mirada, capturando coa súa cámara imaxes que o ollo humano non pode percibir Video was born in the mid-twentieth century influenced by the context of social struggle and rejection of the strict values of traditional society. The increase of supports in contemporary art and the emergence of act art in the 1960s favored the use of new technologies in a new way, specially video. What at first is used as a recording element, over the years, it has become the only way of expression for many artists. Thus, videoart as a definition no longer makes sense, videocreation has been born. From the 70´s onwards, video installation entered museums, but it was in the 80´s when it reached its peak. But only since the 90s, video became an intermediate artistic practice, present in museums and international art fairs. Bill Viola, became one of its main exponents in the 1980s. An image researcher who tries to go beyond the gaze, capturing with his camera images that the human eye cannot perceive.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 As representacións do deus Apolo en Versalles, vinculado á figura do rei Louis XIV, configuran un magnífico programa iconográfico fundamentado nas Metamorfoses de Ovidio. Dentro deste programa destacarán especialmente a fontanería e a xardinería, cuxas principais materializacións, obxecto de estudo do presente traballo, son o Estanque de Latona, o Estanque de Apolo e a desaparecida Gruta de Tetis, tres fitos da fontanería versallesa que conforman un eixo nos xardíns o cal nos fala da asociación do rei Sol co deus Apolo. Las representaciones del dios Apolo en Versalles, vinculado a la figura del rey Luis XIV, configuran un magnífico programa iconográfico fundamentado en las Metamorfosis de Ovidio. Dentro de este programa destacarán especialmente la fontanería y la jardinería, cuyas principales materializaciones, objeto de estudio de este trabajo, son el Estanque de Latona, el Estanque de Apolo y la desaparecida Gruta de Tetis, tres hitos de la fontanería versallesca que conforman un eje en los jardines el cual nos habla de la asociación del rey Louis XIV con el dios Apolo. The representations of the god Apollo at Versailles, linked to the figure of King Louis XIV, form a magnificent iconographic program founded on the Metamorphoses of Ovid. Within this program will stand out especially the plumbing and gardening, whose main materializations, object of study of this work, are the Latona Fountain, the Apollo Fountain and the defunct Grotto of Tethys, three landmarks of Versailles’ plumbing that form an axis in the gardens which tells us about the association of king Louis XIV with the god Apollo.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Dende as súas orixes na antiga Grecia, a retórica vai ser unha disciplina presente ao longo de toda a historia. Será no Barroco cando se aplique á música, pasando a denominarse doutriña dos afectos, e comece empregarse por compositores da talla de J. S. Bach. A consecución do presente traballo, realizado a través da consulta bibliográfica e da análise retórico-musical, pon de manifesto a estreita relación entre música e retórica, así como a súa aplicación práctica no coro da cantata nº 29 (BWV) de J. S. Bach. Este traballo confirma moitas das cuestións propostas por diversos autores sobre música e retórica no Barroco, ademais de aportar unha análise práctica das formulacións de moitos deles, entre os que destaca Rubén López Cano Desde sus orígenes en la antigua Grecia, la retórica será una disciplina presente a lo largo de la historia. Será en el Barroco cuando se aplique a la música, pasando a conocerse como la doctrina de los afectos, y comenzó a ser utilizada por compositores de la talla de J. S. Bach. La realización del presente trabajo, realizada a través de la consulta bibliográfica y el análisis retórico-musical, destaca la estrecha relación entre música y retórica, así como su aplicación práctica en el coro de la cantata n. ° 29 de J. S. Bach (BWV). Este trabajo confirma muchas de las cuestiones propuestas por diversos autores sobre la música y la retórica en el Barroco, además de aportar un análisis práctico de los planteamientos de muchos de ellos, entre los que destaca Rubén López Cano. Since its origins in ancient Greece, rhetoric has been a discipline present throughout history. It will be in the Baroque when it is applied to music, becoming known as the doctrine of affections, and began to be used by composers of the stature of J. S. Bach. The achievement of the present work, carried out through bibliographic consultation and rhetorical-musical analysis, highlights the close relationship between music and rhetoric, as well as its practical application in the chorus of J. S. Bach’s cantata No. 29 (BWV). This work confirms many of the issues proposed by various authors on music and rhetoric in the Baroque, as well as providing a practical analysis of the approaches of many of them, including Rubén López Cano.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Numerosas son las diferencias culturales que separan a Occidente de Oriente, y más concretamente a Japón. El objetivo de este trabajo es el mostrar como el Yurei, una figura tan compleja y alejada de nosotros a nivel cultural, puede ser rastreada en nuestra cinematografía -especialmente la de terror- sin nosotros ser siquiera conscientes de ello. Para llevar a cabo el proyecto se ha realizado una revisión teórica de artículos y bibliografía concreta, junto con el análisis fílmico de ejemplos meticulosamente escogidos, estos ya con un carácter más subjetivo. La meta global es mostrar con mayor claridad un género tan equívocamente denostado como lo es el terror, y arrojar un poco más de luz sobre la figura del Yurei, buscando probar como esta última se extrapola a nuestra cinematografía sin darnos cuenta, pudiendo ser un punto de unión -aunque lejanoentre nuestra cultura y la nipona. Numerosas son as diferenzas culturais que separan a Occidente de Oriente, e máis concretamente a Xapón. O obxectivo deste traballo é o mostrar como o Yurei, unha figura tan complexa e afastada de nós a nivel cultural, pode ser rastrexada na nosa cinematografía -especialmente a de terror- sen nós ser sequera conscientes diso. Para levar a cabo o proxecto realizouse unha revisión teórica de artigos e bibliografía concreta, xunto coa análise fílmica de exemplos meticulosamente escollidos, estes xa cun carácter más subxectivo. A meta global é mostrar con maior claridade un xénero tan equívocamente denostado como o é o terror, e arroxar un pouco máis de luz sobre a figura do Yurei, buscando probar como esta última se extrapola á nosa cinematografía sen darnos conta, podendo ser un punto de unión -aínda que afastadoentre a nosa cultura e a nipona. Numerous are the cultural differences that separate the West from the East, and more specifically, Japan. This essay aims to show how the Yurei, a figure so complex and culturally distant from us, can be traced in our cinematography -especially horror- without us even being aware of it. To carry out the project, a theoretical review of articles and specific bibliography has been done, together with the film analysis of meticulously chosen examples, these already from a more subjective point of view. The overall goal is to show more clearly a genre so wrongly reviles as horror and shed a little more light on the figure of the Yurei, seeking to prove how the latter is extrapolated to our cinematography without realizing it, and how it could be a point of union -albeit distant- between our culture and the Japanese one.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Este Traballo de Fin de Grao ten como obxectivo principal poñer de manifesto o poder da imaxe fotográfica no seo da sociedade contemporánea. A fotografía como un reflexo social e cultural, máis aló da propia subxectividade da imaxe, amosa unha perspectiva determinada dentro das múltiples realidades que conforman o mundo. É unha certificación da experiencia, un rexistro universal e unha fonte para a análise e a conceptualización crítica dos movementos do ser humano dende o século XIX ata os nosos días. Partindo dunha exposición do estado da cuestión actual preséntanse, entre outras, a fotografía documental e o valor obxectivo da imaxe como documento, a fotorreportaxe e a reportaxe social ou a fotografía humanista, exemplificadas a través das figuras de Henri Cartier-Bresson, Francesc Català-Roca, Daido Moriyama e Josef Koudelka, e exponse a situación da posfotografía que vivimos actualmente. The main objective of this Final Degree project is to highlight the power of the photographic image within contemporary society. Photography as a social and cultural reflection, beyond the very subjectivity of the image, shows a certain perspective within the multiple realities that make up the world. It is a certification of experience, a universal record and a source for the analysis and critical conceptualization of human movements from the nineteenth century to the present day. Issues such as documentary photography and the objective value of the image as a document, photojournalism and social reporting, humanist photography exemplified through the figures of Henri-Cartier Bresson, Francesc Català-Roca, Daido Moriyama and Josef Koudelka as well as the state of the current issue are raised. through the post-photographic evolution we are experiencing at the moment. El principal objetivo de este Trabajo Fin de Grado es poner de relieve el poder de la imagen fotográfica en la sociedad contemporánea. La fotografía como reflexión social y cultural, más allá de la propia subjetividad de la imagen, muestra una cierta perspectiva dentro de las múltiples realidades que configuran el mundo. Es una certificación de la experiencia, un registro universal y una fuente para el análisis y la conceptualización crítica de los movimientos humanos desde el siglo XIX hasta la actualidad. A partir de una exposición del estado de la cuestión actual, presentamos, entre otros, la fotografía documental y el valor objetivo de la imagen como documento, fotoperiodismo y reportaje social o fotografía humanista, ejemplificado a través de las figuras de Henri Cartier-Bresson, Francesc Català-Roca, Daido Moriyama y Josef Koudelka, y expone la situación de la postfotografía en la que vivimos hoy.

La Biblioteca Digital Ovidiana, que se ocupa de las ediciones ilustradas de la obra de Ovidio, impresas entre los siglos xv y xix, conservadas en las bibliotecas españolas, tiene tras de sí un proyecto de investigación cuya principal innovación consiste en la mirada específica a la ilustración. El papel de la imagen dentro del fenómeno del libro ilustrado, las relaciones que aquella desarrolla con el texto y el valor del aparato figurativo frente a la obra literaria, constituyen los principales ámbitos de análisis y estudio de las ediciones y ejemplares que el proyecto contempla. Esta contribución pretende, pues, mostrar el acercamiento a las ediciones ilustradas de Ovidio desde el trabajo que el proyecto desarrolla en relación con el análisis, el estudio y el tratamiento de las ilustraciones como imágenes y como portadoras de significado, ejemplificando las reflexiones y los procesos a través del estudio de una de las dos únicas ediciones ilustradas de las Metamorfosis españolas del siglo xvi, Las Transformaciones de Ovidio en lengua española, publicada en Amberes en 1595 The Biblioteca Digital Ovidiana is based on a research project dealing with the illustrated editions of the works of Ovid printed from the fifteenth to the nineteenth centuries and preserved in Spanish libraries. The main innovation of the project consists in the specific focus on illustration. The role of the image within the illustrated book, the relations that it develops with the text and the value of the figurative apparatus in relationship with the literary work constitute the main fields of analysis and study of the editions and copies. Using as a study case the Transformaciones de Ovidio en lengua castellana (Antwerp, 1595), one of the only two illustrated Spanish editions of the Metamorphoses dating from the sixteenth century, this contribution aims to show how the illustrated books are approached from the viewpoint of the figurative corpus that accompanies the text, as well as the analysis, study and treatment of the illustrations as images, that is, as bearers and conveyors of specific meaning through a different medium Este artículo forma parte de los resultados del proyecto de investigación «Biblioteca Digital Ovidiana: ediciones ilustradas de Ovidio, siglos xv-xix (IV). Las bibliotecas de la Comunidad de Madrid» (HAR2014-55617-P) financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad SI

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Este proyecto nace por la creciente importancia social y repercusión estética que está generando el fenómeno drag en el panorama del arte internacional. Sin embargo, a pesar de su emergente relevancia, todavía no existe un reflejo sólido en los estudios académicos que lo incluya en las narrativas de la historia del arte, siendo abordado únicamente desde perspectivas que se centran en su dimensión social y vocación reivindicativa. De esta forma, se pretende arrojar un nuevo punto de vista sobre el drag, como una práctica artística capaz –en las últimas décadas– de elevarse a las esferas de la cultura hegemónica gracias a su presencia y difusión en los medios de masas. El estudio se adentra especialmente su facultad para asumir, dentro de la performatividad, elementos de diferentes disciplinas artísticas con el objetivo de proporcionar al espectador una experiencia multisensorial. Bajo estos preceptos, podríamos incluso estudiarlo y defender su existencia como una nueva obra o, mejor dicho, forma de arte total. Este proxecto nace pola crecente importancia social e repercusión estética que está xerando o fenómeno drag no panorama da arte internacional. Non obstante, a pesar da súa emerxente relevancia, todavía non existe un reflexo sólido nos estudos académicos que o inclúan nas narrativas da historia da arte, abordándoo únicamente dende perspectivas que se centran na súa dimensión social e vocación reivindicativa. Desta forma, preténdese achegar unha nova mirada sobre o drag, como unha práctica artística capaz -nas últimas décadas- de elevarse ás esferas da cultura hexemónica grazas á súa presenza e difusión nos medios de masas. O estudo adéntrase especialmente na súa facultade para asumir, dentro da súa performatividade, elementos de diferentes disciplinas artísticas co obxectivo de proporcionar ó espectador unha experiencia multisensorial. Baixo estos preceptos, poderíamos incluso estudialo e defender a súa existencia como unha nova obra ou, mellor dito, forma de arte total. This project was born due to the growing social importance and aesthetic repercussion that the drag phenomenon is generating in the international art scene. However, despite its emerging relevance, there is still no solid reflection in the academic studies that includes it in the narratives of the history of art, being approached only from perspectives that focus on its social dimension and reinvindicative vocation. In this way, it is intended to bring a new point of view on drag, as an artistic practice capable -in recent decades- of rising to the hegemonic culture due to its presence and diffusion in the (mass) media. The study specially delves into its faculty to assume within its performativity, elements of different artistic disciplines with the aim of providing the viewer with a multisensory experience. Under these precepts, we could even study and defend its existence as a new total artwork or, rather, total art form.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Es sorprendente cómo una idea, un movimiento o una expresión artística pueden cambiar de parecer en tan poco tiempo. En su origen tanto el graffiti como el arte urbano, para un público fuera de estos ámbitos, se han visto como una prolongación del vandalismo y, sin embargo, hoy en día muchos los categorizan como arte. ¿Qué ha sucedido para que miles de ciudades hayan decidido decorar sus muros o fachadas con este tipo de creaciones? A través del análisis de la historia, la simbología, los estilos y las formas de estas dos recientes incursiones en el panorama artístico, intentaré dar respuesta a esa pregunta, elaborando así “La nueva concepción del arte urbano” É sorprendente como unha idea, un movemento ou unha expresión artística poden cambiar de opinión en tan pouco tempo. Orixinalmente, tanto o graffiti como a arte urbana, para un público fóra destas áreas, foron vistos como unha extensión do vandalismo e, non obstante, hoxe en día moitos os catalogan como arte. Que pasou para que miles de cidades decidiran decorar as súas paredes ou fachadas con este tipo de creacións? A través da análise da historia, o simbolismo, os estilos e as formas destas dúas recentes incursións na escena artística, intentarei responder a esa pregunta, elaborando así “O novo concepto de arte urbana” It is amazing how an idea, movement or artistic expression can change your mind in such a short time. Originally, graffiti and street art, for an audience outside these fields, have been seen as an extension of vandalism and yet today many categorize them as art. What has happened so that thousands of cities have decided to decorate their walls or facades with such creations? Through the analysis of the history, symbology, styles, and forms of these two recent forays into the art scene, I will try to answer that question, thus elaborating “The new conception of street art”.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 El presente trabajo tiene como objetivo el estudio de la joyería de René Lalique, artesano francés que basa toda su creación artística en los principios del movimiento artístico conocido como Art Nouveau. En un primer punto se explora de manera clara y concisa aquellos aspectos sobre los que se fundamenta dicho movimiento francés de fin de siglo. Un segundo apartado que sintetiza la vida del autor, destacando aquellos datos biográficos clave de su infancia y formación, sin olvidar la amistad con Calouste Gulbenkian y lo que ello supone para la conservación de las piezas actualmente. Un tercer punto hace hincapié en las técnicas empleadas, sin olvidar la revolución material del joyero a través del esmalte y el diferente empleo de las gemas. Los siguientes apartados están directamente centrados en el estudio estético, iconográfico y simbólico de la joyería de Lalique a través de las piezas conservadas, siendo el cuarto punto aquel que se centra en el primer pilar: la naturaleza, desde un punto de vista estético y científico; el segundo pilar en el que se apoya la joyería de Lalique, la figura de la femme fatale, se explica de manera exhaustiva en el quinto punto. Un último apartado recoge ambos pilares, naturaleza y mujer, para explicar la perfecta fusión de ambas a través del broche Mujer-Libélula (ca. 1897-1898), del que se realiza un análisis exhaustivo. Finalmente, se cierra este estudio con las conclusiones correspondientes. O presente traballo tén como obxectivo o estudo da xoiería de René Lalique, artesán francés que basea toda a súa creación artística nos principios do movemento artístico coñecido como Art Nouveau. Nun primeiro punto, explóranse de forma clara e concisa aqueles aspectos nos que se basea devandito movemento francés de finais de século. Un segundo apartado sintetiza a vida do autor, destacando aqueles datos biográficos chave da súa infancia e formación, sen esquecer a súa amizade con Calouste Gulbenkian e o que elo significa para a conservación das pezas na actualidade. Un terceiro punto fai fincapé nas técnicas empregadas, sen esquecer a revolución material do xoieiro a través do esmalte e o innovador uso das xemas. Os seguintes apartados céntranse directamente no estudo estético, iconográfico e simbólico da xoiería de Lalique a través das pezas conservadas, sendo o cuarto punto o que se centra no primeiro piar: o estudo da natureza, dende un punto de vista estético e científico; o segundo piar sobre o que descansan as xoias de Lalique, a figura da femme fatale, se explica exhaustivamente no quinto punto. Un último apartado inclúe ambos piares, a natureza e a muller, para explicar a perfecta fusión de ambos a través do broche Muller-Libélula (ca. 1897-1898), sobre o que se realiza unha análise exhaustiva. Finalmente, este estudo péchase coas conclusións correspondentes. The present work aims to study the jewellery of René Lalique, a French craftsman who bases all his artistic creation on the principles of the artistic movement known as Art Nouveau. Firstly, aspects on which the French movement at the end of the century is based are explored in a clear and concise manner. A second section synthesizes the life of the author and highlights the key biographical data of his childhood and learning. His friendship with Calouste Gulbenkian and what this means for the conservation of the pieces today is not overlooked. Thirdly, the techniques used are emphasised, as is the jeweller's material revolution through enamel and the different use of gems. The following sections are directly focused on the aesthetic, iconographic and symbolic study of Lalique jewellery through the preserved pieces. The fourth point focuses on the first pillar: nature, from an aesthetic and scientific point of view; the second pillar on what Lalique's jewellery underpins, the figure of the femme fatale, which is fully explained in the following fifth point. A final section includes an exhaustive analysis of both pillars, nature and woman, to explain the perfect fusion of both through the Dragonfly-Woman brooch (ca. 1897-1898). Finally, this study closes with the corresponding conclusions.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Das culturas da Antigüidade, Exipto segue a ser unha das máis cativadoras e fascinantes, graza a súa complexa e misteriosa realidade cultural. Dos múltiples temas posibles, decanteime pola súa visión da morte e o tránsito ao Máis Alá, porén, é un dos eixos fundamentais, por non dicir o máis importante, que explica súa concepción vital. E para abordala, nada mellor que facelo a través dos cambios que experimentan as faraónicas moradas da Eternidade ao longo de case catro milenios; cambios motivados polas crezas relixiosas, entre outros factores determinantes. De las culturas de la Antigüedad, Egipto sigue siendo una de más cautivadoras y fascinantes, merced a su compleja y misteriosa realidad cultural. De los múltiples temas posibles, me he decantado por su visión de la muerte y el tránsito al Más Allá, no en vano, es uno de los ejes fundamentales, por no decir el más importante, que explica su concepción vital. Y para abordarla, nada mejor que hacerlo a través de los cambios que experimentan las faraónicas moradas de la eternidad a lo largo de casi cuatro milenios; cambios motivados por las creencias religiosas, entre otros factores determinantes Among the ancient cultures, Egypt remains being one of the most captivating and fascinating, thanks to its complex and mysterious cultural reality. About the many possible themes, I have opted for its vision of death and the transit to the Hereafter, not in vain, it is one of the fundamental axes, not to say the most important, that explains its vital conception. And to address it, nothing better than to do so through the changes that the pharaonic abodes of Eternity experience over nearly four millennia; changes motivated by religious believes, among other determining factors.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021

En el segundo tercio del siglo XVIII la Igreja de São Salvador de Coimbra reviste sus naves y coro con un rico programa iconográfico pintado sobre azulejos y atribuido a Salvador de Sousa Carvalho. El conjunto se basa en las estampas ejecutadas por Gottfried Bernhard Göz y Joseph Sebastian Klauber para ilustrar la obra Vita, Doctrina, Passio Domini nostri Iesu Christi, escrita por el benedictino Coelestin Leuthner y publicada en Augsburgo en 1733, poniendo así de manifiesto la estrecha relación que el arte barroco portugués mantiene con el género de la emblemática. En este artículo analizamos la adaptación que el ciclo pictórico acomete de estos referentes impresos, evidenciando cómo la selección, reordenación y recombinación de las fuentes son mecanismos clave para la formulación de un discurso original que, en este caso, se destina a mostrar al devoto cuál es el camino que conduce al cielo The naves and choir of the Church of the Holy Saviour in Coimbra were decorated in the second third of the XVIII century with an astonishing iconographic programme painted on azulejos and attributed to Salvador de Sousa Carvalho. The cycle is based on the prints executed by Gottfried Bernhard Göz and Joseph Sebastian Klauber to illustrate the book Vita, Doctrina, Passio Domini nostri Iesu Christi, written by the Benedictine monk Coelestin Leuthner and published in Augsburg in 1733. It thus bears witness to the close relation that exists between Baroque Portuguese art and the emblematics. In this article we delve into the adaptation made by this pictorial ensemble, evincing how selection, redistribution and recombination of printed models are the key procedures to offer an original discourse, that, in this case, aims at showing the devout which is the path leading to heaven Este texto fue realizado en el marco del Programa de axudas á etapa posdoutoral da Xunta de Galicia (Consellería de Cultura, Educación e Ordenación Universitaria) y del proyecto de investigación Ayuda para la consolidación y estructuración de unidades de investigación competitivas y otras acciones de fomento en las universidades del SUG (ED421B 2020/10) SI

En el segundo tercio del siglo XVIII la Igreja de São Salvador de Coimbra reviste sus naves y coro con un rico programa iconográfico pintado sobre azulejos y atribuido a Salvador de Sousa Carvalho. El conjunto se basa en las estampas ejecutadas por Gottfried Bernhard Göz y Joseph Sebastian Klauber para ilustrar la obra Vita, Doctrina, Passio Domini nostri Iesu Christi, escrita por el benedictino Coelestin Leuthner y publicada en Augsburgo en 1733, poniendo así de manifiesto la estrecha relación que el arte barroco portugués mantiene con el género de la emblemática. En este artículo analizamos la adaptación que el ciclo pictórico acomete de estos referentes impresos, evidenciando cómo la selección, reordenación y recombinación de las fuentes son mecanismos clave para la formulación de un discurso original que, en este caso, se destina a mostrar al devoto cuál es el camino que conduce al cielo The naves and choir of the Church of the Holy Saviour in Coimbra were decorated in the second third of the XVIII century with an astonishing iconographic programme painted on azulejos and attributed to Salvador de Sousa Carvalho. The cycle is based on the prints executed by Gottfried Bernhard Göz and Joseph Sebastian Klauber to illustrate the book Vita, Doctrina, Passio Domini nostri Iesu Christi, written by the Benedictine monk Coelestin Leuthner and published in Augsburg in 1733. It thus bears witness to the close relation that exists between Baroque Portuguese art and the emblematics. In this article we delve into the adaptation made by this pictorial ensemble, evincing how selection, redistribution and recombination of printed models are the key procedures to offer an original discourse, that, in this case, aims at showing the devout which is the path leading to heaven Este texto fue realizado en el marco del Programa de axudas á etapa posdoutoral da Xunta de Galicia (Consellería de Cultura, Educación e Ordenación Universitaria) y del proyecto de investigación Ayuda para la consolidación y estructuración de unidades de investigación competitivas y otras acciones de fomento en las universidades del SUG (ED421B 2020/10) SI