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[EN] This proposal proposes an artistic research project on the new processes of creation of identity artistic practices in non-presence (online); specifically on those practices of the transmedia society focused on self-representation, self-reference and identity construction. The research focuses on the analysis of the new processes of creation, reception and sharing of audiovisual and transmedia content related to the body and identity; as well as its relevance in the new currents of artistic creation and its impact on social changes. Currently, there is great interest in its study due to the importance and social impact of its themes and the richness of creation and dissemination processes that go beyond the use of a medium. These are works whose wide reception and sharing, through various technological platforms, is discovering new forms of individual and collective self-representation in our society. Our starting hypothesis is that the appearance of new audiovisual technologies has profoundly modified both the way individuals represent themselves and the sharing of their images, as well as the creation processes and their reception by the public. We consider that the context of art is adequate to find out how individuality and privacy are affected by social and collective dynamics established through audiovisual media and social networks. This study will address the technological advances that have had to be implemented rapidly during confinement and that represent a logical evolution of other cultural praxis or ways of doing things (Michel de Certeau), such as the occupation of non-face-to-face space, or the creation of works in everyday environments., [ES] Esta propuesta plantea un proyecto de investigación artística sobre los nuevos procesos de creación de las prácticas artísticas identitarias en la no-presencialidad (online); en concreto sobre aquellas prácticas de la sociedad transmedia centradas en la autorrepresentación, la autorreferencia y la construcción identitaria. En el contexto del arte ya se venía realizando en las últimas décadas del siglo pasado un tipo de prácticas artísticas de carácter identitario basadas en la conexión de los cuerpos a través de la distancia. La creación identitaria, ha experimentado grandes cambios respecto a concepciones anteriores en el arte en general y, en particular en las creaciones audiovisuales desde la aparición del vídeo arte o las videoinstalaciones. En los inicios de las prácticas audiovisuales, no existía la inmediatez ni la diversidad de dispositivos que caracterizan nuestra sociedad actual. Si los artistas provocan cambios sociales con sus propuestas creativas, esta nueva forma de crear y difundir sus obras incidirá en los procesos de autorrepresentación online - Internet (youtube) y redes sociales- del conjunto de la sociedad.Mostraremos casos de estudio de obras y artistas a través de la plataforma digital Cuerpos Conectados y su archivo de identidad digital ArchID.

Tras los acontecimientos bélicos que asolaron el mundo durante el siglo XX, en concreto, a partid de 1980, aumento el interés y el acercamiento teórico sobre el pasado y la memoria. Partiendo de ello, la cuestión a tratar en el presente trabajo es: qué características tiene nuestro presente y cómo esto determina algunas formas de acceso al pasado. Para luego preguntarnos sobre la relación que se establece con los memoriales, cómo mediatiza su relación con la memoria.Dado que la reflexión acerca de la memoria puede estar condicionada por las características propias de nuestro contexto: la sociedad está sometida a cambios constantes, bajo una fuerte aceleración y un consumo determinado. El acercamiento que puede tener un sujeto perteneciente a las generaciones más alejadas de lo acontecido en el siglo XX difiere mucho de la relación que pueden tener aquellos que vivieron el suceso o las consecuencias de una forma más inmediata. Por ello, debemos preguntarnos: ¿Hemos -sobre todo las generaciones más jóvenes- volcado la memoria y el conocimiento en objetos externos a los que recurrir y de esa manera no llevar el peso y poder adaptarnos al contexto actual? Estos objetos portadores de la memoria y conocimiento, como las imágenes, internet, o los memoriales, etc. ¿Están sólo bajo una lógica del consumo inmediato?, o ¿es el tipo de uso más potenciado? ¿Qué relación establecemos con los memoriales? Monumentos creados con el fin de recordar.

The urban space, conceived as a living framework where different identities that inhabit and travel it come together, involves a source of inspiration for the artist as well as a favorable place for his action and experimentation. It critically analyzes the underground issues hidden under the fake idea of the planned community, lifeless and permanent. This paper has the aim of identifying some of the strategies that were used on artistic and community actions, all of them woven into the social fabric, also appealing to the citizen from the anti-narrative or democratic writing that disassembles the institutional and dominant discourse ruling nowadays’ society. For doing so, we thus examine some of the projects carried out by three artists belonging three different generations within the American Postmodern context. Martha Rosler, Janet Cardiff and Candy Chang, whose respective works, both claiming and subtle, focus on the urban subject, the memory of the place and the land’s poetics as a powerful tool for social transformation. El espacio urbano, concebido como un entramado vivo donde confluyen las distintas identidades que lo habitan y recorren, supone para el artista contemporáneo una fuente de inspiración y un lugar propicio para la acción y la experimentación. Con espíritu crítico, indaga en las problemáticas subterráneas que se esconden bajo la falsa idea de ciudad planificada, inerte y estable. El presente artículo tiene como objetivo identificar algunas de las estrategias utilizadas en intervenciones artísticas y comunales, todas ellas tejidas en la trama social, que apelan al ciudadano desde la contra-narrativa o escritura democrática que desarma el discurso institucional y hegemónico que impera en la sociedad. Para ello, analizamos algunos de los proyectos llevados a cabo por tres artistas pertenecientes a tres generaciones distintas dentro del contexto americano de la posmodernidad: Martha Rosler, Janet Cardiff y Candy Chang, cuyo trabajo, de carácter reivindicativo al mismo tiempo que sutil, se centra en el sujeto urbano, la memoria del lugar, y en la poética del territorio como herramienta de transformación social.

Partiendo del arte urbano y del uso del lenguaje, este artículo centra su análisis en la producción artística de Rogelio López Cuenca. El discurso semiótico de sus obras, le permite aunar la poesía visual con la crítica de reivindicación política hacia los iconos de información pública en la cultura occidental, sometida la mayoría de las veces, a una rigidez de significados. A través de la apropiación de la señalética oficial, se analizan obras donde el artista desmonta los mecanismos mediante los cuales el poder se instala en los iconos de la sociedad, transformando el contenido de sus signos. Siendo, la idea del arte para la ciudadanía como actividad principalmente producida en el seno del lenguaje, la piedra de toque de la obra de este artista. Starting from street art and the use of the language, this article focuses his analysis in the artistic production of Rogelio López Cuenca. The semiotic discourse of his works, allows you to combine visual poetry criticism of political claim to the icons of public information in Western culture, most of the time, undergoing a rigidity of meanings. Through the appropriation of official signage, are analyzed works where the artist dismantles mechanisms through which power is installed in the icons of the society, transforming the content of their signs. Being, the idea of the art for the citizenship like activity mainly produced within the language, the touchstone of the work of this artist.

El artículo propone una revisión de prácticas activistas mediáticas, origen de las formas participativas de la narrativa transmedia, en relación al lugar y la acción política. La implantación de las redes digitales ha permitido el desarrollo de una cultura red. Se analizan prácticas artísticas de colectivos activistas y las nuevas propuestas desarrolladas con dispositivos móviles vía GPS y webdoc. En este sentido, se proponen tres líneas discursivas sobre el activismo transmedia: las políticas de acción y representación colectiva, y finalmente, la expresión de la experiencia mediante el testimonio

Trabajo seleccionado en la convocatoria Reductos Tecno-Lógicos, del centro de arte social mARTadero de Cochabamba, Bolivia, y que se desarrolla del 15 de octubre al 18 de noviembre de 2012.

Exposición Crossing East West Narratives by the End of Video Art (2000-2011) celebrada en Madrid, con un programa de videoarte español y asiático

El trabajo de investigación creativa plasmado en esta tesis se plantea como un estudio teóricopráctico sobre el ensayo fílmico epistolar en el período contemporáneo, acompañado de un ejercicio creativo audiovisual, en formato de texto y vídeo. Objetivos La fenomenología de la carta postal como medio de comunicación casi extinto pero aún activo en nuestra memoria obedece a un régimen de espectralidad (Hauntology) evocativa y necesaria en un mundo que se debate entre ansiedad y euforia, pantalla y paseo, canción y mensaje, imagen y virus. La comunicación epistolar se caracteriza por la radical vulnerabilidad de su espaciamiento y su diseminación (en sentido derridiano); por su juego de presencias y ausencias indecidibles, que oscilan entre la fisicidad tangible del objeto postal, y la evocación espectral del remitente lejano, entre el tiempo del envío y el inevitable diferimiento de la recepción. El reto que supone trasladar al cine esta danza de ausencias y presencias- este género bidireccional, compartido, e interactivo-, intentando crear un “cine epistolar”, con todas sus contradicciones y aporías, abre un terreno fascinante justamente por la imposibilidad de lo que plantea, y porque en ese intento y en ese reto quizás sea posible reformular el potencial del medio cinematográfico contemporáneo. Metodología Aunque la presente investigación no pretende cubrir de forma exhaustiva la totalidad del cine epistolar de no-ficción creado en la última década, sí aspira a presentar sus características y retos principales, y el marco teórico en el que se producen. Siendo yo misma artista visual y directora de no-ficción, intento proyectar no tanto la mirada exterior y superior del crítico o del teórico, sino más bien una mirada autorial, interior al propio proceso de creación e investigación que se refleja en la segunda parte. En este documento la escritura crítica, estructurada alrededor del análisis del cine y las imágenes en movimiento, se entrelaza con la perspectiva de una práctica audiovisual creativa personal, construyendo ambas de forma conjunta la metodología con la que se aborda la investigación. Las fuentes que se han utilizado provienen de la crítica cinematográfica, de la escritura sobre arte, de la teoría contemporánea y del feminismo. Las obras audiovisuales escogidas lo han sido por formar parte de una conversación que cuestiona la diferencia entre forma y contenido, una conversación que constituye tanto el enunciado discursivo de la investigación como su objeto de estudio, y que aborda todos los registros de la ausencia y la presencia: los tiempos solapados, el exilio exterior e interior, la resistencia en sus diversas formas, los futuros y los recuerdos. Conclusiones En esta investigación, el trabajo de documentación y análisis y el proyecto creativopráctico se han desarrollado de forma simultanea, retroalimentándose y entrecruzándose en numerosas intersecciones que se recogen en el último capítulo. Hemos constatado que aunque la carta como estructura textual típica de la modernidad casi ha desaparecido en tanto medio de comunicación, no obstante ciertas formas de epistolaridad perviven en medios diferentes, ya sean escritos, o de imagen y sonido. Muerta la carta, queda entre nosotros el fantasma de su forma, la epistolaridad. Ahí radica la espectralidad de lo epistolar: en el hecho de que más allá de su extinción material, la carta no haya perdido vigencia como base, inspiración o contagio para otras prácticas de producción cultural. El cine epistolar ha servido a menudo para hablar en un lenguaje que viene del exilio, la diáspora o las distancias impuestas. Esto lo convierte a la vez en un ejercicio íntimo y radicalmente subjetivo de iluminación de la experiencia, y también en una exploración compartida abierta al alumbramiento de una verdad intersubjetiva. No otro es el espíritu que ha animado toda esta investigación, durante la cual he tenido el privilegio y el regalo (pues la carta es siempre un regalo, una dádiva) de leer y escribir, escuchar y ver, tantas imágenes y tantos lenguajes. This dissertation arises from creative research work on the epistolary film-essay in recent times. A theoretical and practical investigation is combined here with a creative exercise, in text and video format Goals As a means of communication that is nearly extinct yet still haunts our memory, the phenomenology of the postal letter- follows a hauntological regime of spectrality, at once poignant and indispensable in a world that is torn between anxiety and euphoria, screens and walks, songs and messages, images and viruses. Epistolary communication is characterized by the radical vulnerability of its spacing and its dissemination (in the Derridian sense); its undecidable interplay between presences and absences, oscillating between the tangible physicality of the postal object, and the spectral evocation of the distant sender- between the time of delivery and the inevitable delay in receipt. However fraught with contradictions and aporias, the challenge of transcoding this shared,interactive, two-way genre, and its multiple dance of absence and presence, into a cinematic forman “epistolary cinema”- opens up a fascinating terrain precisely because of the impossibility of what it aims for, and because through that attempt and that challenge it might be possible to reformulate the potential of the contemporary cinematographic medium. Methodology This research project does not intend to cover all the epistolary non-fiction films from the last decade, but it does seek to present their main characteristics and the aesthetic dilemmas they deal with, as well as the theoretical frameworks underpinning their production. As a visual artist and non-fiction director myself, I try to project onto them not so much the external, superior gaze of a critic or a theorist, but rather an authorial gaze, interior to the process of research and creation itself, as reflected in the second part of this dissertation. In this document, critical scholarly writing, structured around the analysis of cinema and moving images, is intertwined with the perspective arising from my own creative practice in the audiovisual field, and both are combined in the methodology employed here. The sources I have used come from film criticism, texts on art, contemporary theory and feminism. The choice of audiovisual works to be studied is based on their relevance within an ongoing conversation about the difference between form and content, a conversation that constitutes both the discursive statement of the research and its object of study, addressing all the formats of absence and presence: overlapping times, external and internal exile, resistance in its various forms,futures and memories. In the course of the investigation presented here, the documentation and the analysis and the creative-practical project have been developed simultaneously through multiple intersections and overlaps, all of which converge onto the arguments in the last chapter. We have established that although the letter, which was once a textual structure typical of modernity, has now almost practically disappeared in its functionality as a means of communication, nevertheless its spectral form still somehow haunts certain forms of the epistolary genre surviving in different written or audiovisual media. The letter may be dead, but its ghost, the epistolary form, is still among us. Therein lies the hauntology of the epistolary: beyond its own material extinction, the letter as form has not lost its power to inspire, or spread into, other practices of cultural production. Epistolary cinema has often spoken a language coming from exile, diaspora or forced distances. This makes it both an intimate and radically subjective exercise in the illumination of experience, and also a shared exploration open to the birthing of an intersubjective truth. Such was also the inspiration for the research process leading here, during which I was granted the privilege and the gift (since the letter is always a gift) of reading and writing, listening and seeing, so many images and so many languages.

En esta investigación pretendemos analizar tanto el lenguaje del realismo moderno (es decir, la relación entre la forma, o plano de la expresión, con el contenido) como la evolución de este lenguaje desde el último tercio del siglo XIX hasta la actualidad. Se trata, pues, de una investigación que contempla dos vías de estudio que, si bien coinciden en algunos de sus puntos, son complementarias y pueden ser diferenciadas: por un lado, nos centraremos, desde un punto de vista general, en los fundamentos teóricos que caracterizan este tipo de lenguaje; por el otro, y planteando ya la cuestión desde un punto de vista histórico o, más específicamente, evolutivo, estableceremos una suerte de genealogía que dé cuenta de los hallazgos y puntos de inflexión más notorios contenidos en un relato que comienza con la aparición de la pintura moderna, de la mano de los movimientos realista e impresionista, y termina en las propuestas que dentro de esta vía se están desarrollando en la actualidad. Los métodos de investigación se adaptan a las dos perspectivas de análisis que componen este trabajo: una que podríamos llamar horizontal y que atañe a las cuestiones relativas al lenguaje del realismo ilusionista, donde será central la profundización teórica; y otra, de carácter vertical y presidida por los análisis comparativos, a través de la cual estudiaremos la evolución de este lenguaje. En cuanto a la primera vía de análisis, podemos decir que los problemas analizados confluyen en la cuestión del ilusionismo, término que, al menos dentro del campo semántico de nuestra investigación, resume las particularidades de un tipo de pintura realista sustancialmente distinta de otros ejercicios pictóricos imitativos, bien pertenecientes a la tradición, bien insertos en los periodos artísticos modernista y posmodernista. Podemos, si no identificar, sí al menos relacionar el término ilusionismo con las posibilidades que la pintura tiene de recrear, desde su limitada condición bidimensional, un fragmento de realidad aparente que por lo general nos recordará a la experiencia visual de un sujeto empírico, y de hacerlo, además, exponiendo a la apreciación del espectador los rudimentos con que el artista ha construido esta recreación. Ello propone, en consonancia con los valores estéticos de la modernidad formalista, una capa significante que se añade a la experiencia de recepción realista, al modo de la retórica en el lenguaje verbal, haciendo partícipe al espectador no solo de lo que denotan los contenidos representados sino también de los mecanismos imitativos con que estos han sido generados. Las connotaciones de esta capa significante serán fundamentales a la hora de poner en perspectiva evolutiva diversos ejemplos del realismo de los siglos XX y XXI en aras de establecer, a través de los cambios estilísticos más significativos, un itinerario que conecte el realismo del último tercio del siglo XIX con el que se está desarrollando en la actualidad. Si a la primera vía de estudio, orientada a establecer los fundamentos generales de esta clase de pintura, corresponde el término “ilusionismo”, mucho de lo que concierne a esta segunda vía, encaminada a radiografiar la evolución del realismo de mancha, tiene que ver con el concepto de desmitificación. Con él pretendemos englobar determinadas actitudes y modos de representación que, aun estando apuntados ya en la pintura realista e impresionista del siglo XIX, van mutando a medida que el realismo de mancha se desarrolla, haciendo que determinadas prácticas puedan considerarse características de los períodos a los que pertenecen y permitiéndonos, por ello, disponer los ejemplos tratados en una suerte de genealogía que nos ayude a clarificar lo que pueda quedar del realismo ilusionista anterior en la pintura de la actualidad. In this research We intend to analyze the language of modernist realism, as well as the evolution of this language from the last third of the 19th century to present. It is, therefore, a research that contemplates two study lines that, although they coincide in some of their points, are complementary and can be differentiated. On the one hand, I will focus, from a general point of view, on the theoretical foundations that characterize this type of language. On the other hand, and raising the question from a historical or, more specifically, evolutionary point of view, we will establish a sort of genealogy that accounts for the most notorious findings and turning points of a certain period of painting history. This period begins with the appearance of the modernist painting, through the realistic and impressionist movements, and ends in the proposals that are currently being developed in this way. The research methods are adapted to the two perspectives that make up this work. In the first one, concerning questions related to the language of illusionistic realism, theoretical deepening will be central. The second one, involving the evolution of this language, will be focused on comparative analysis between some representative works. Regarding the first branch of analysis, it can be said that the problems being analyzed converge on the question of illusionism. This is a term which, at least within the semantic field of our research, summarizes the particularities of a kind of painting that is substantially different from other imitative pictorial exercises, whether belonging to the tradition or being inserted in the modernist and postmodernist artistic periods. We can relate the term illusionism with how Painting recreates, from its limited two-dimensional condition, a fragment of apparent reality. Such reality will generally remind us of the visual experience of an empirical subject. By doing so, we expose the viewer to the rudiments with which the artist has constructed this recreation. This proposes, along the same lines as the aesthetic values of formalist modernity, a level of meaning that is added to the experience of realistic reception, as rhetoric does in verbal language, making the viewer participate not only in what the represented contents denote, but also of its imitative mechanisms. The connotations of this layer will be fundamental to displaying several examples from 20th and 21st century realism into evolutionary perspective in order to establish, through the most significant stylistic changes, an itinerary that connects the realism of the last third of the 19th century with the realistic painting that is developing today. If the term "illusionism" corresponds to the first branchof study, aimed at establishing the main foundations of this kind of painting, much of what concerns this second way, aimed at radiographing the evolution of pictorialist realism, has to do with the concept of demystification. By means of it, we intend to encompass certain attitudes and ways of representation that, even though they are already pointed out in the realistic and impressionist painting of the 19th century, are mutating as pictorialist realism develops. This means that certain practices become typical of its periods and allow us, therefore, to arrange the examples in a kind of genealogy that can be useful to clarify what may remain of the previous illusionist realism in today's painting.

RESUMEN El interés fundamental de esta tesis se ha basado en el análisis del texto como estrategia creativa en las distintas prácticas artísticas y sociales dentro del espacio público, siendo el lenguaje objeto primordial del estudio de dicho fenómeno en si. El lenguaje es un instrumento del pensamiento, y que se revela como uno de los medios más efectivos para expresar ideas por medio del proceso comunicativo y como vehículo para la información hacia el espectador. A la vez, es el sistema comunicativo más convencional. Así, como creemos apreciar, la tendencia en las artes plásticas y visuales a usar el texto como recurso legitimador desde el siglo XX hasta el momento actual, como estrategia lícita, conceptual, que implica todo un trabajo de estructuración y orden a nivel de proyección de la obra artística, y que atiende a factores sobre la complejidad y la operatividad de la misma, diferenciándose totalmente de los conceptos más inmediatos de acción como es el de la táctica, erróneamente utilizado como sinónimo de la estrategia. Revelándose aquí, el concepto de estrategia como recurso conceptual primordial en aquellas producciones que emplean el uso del texto como estrategia para la creación. En el estudio del lenguaje, nos centraremos en la retórica visual un modo de análisis que nos puede permitir, en distintos soportes, o en distintos medios- artes plásticas y visuales, cine, publicidad- articular significante y significado, o dicho de otro modo, forma y contenido, con el objetivo de comprender mejor una obra artística desde el punto de vista del espectador o como creadores de la misma. A la vez que, en cuanto al uso de un método o de una estrategia, se puede apreciar que el uso del pensamiento por medio del lenguaje y sus distintas figuras retóricas, pueden servir como estrategias de creación. Palabras claves: Texto, estrategia creativa, retórica visual, espacio público, prácticas sociales del arte OBJETIVOS DE LA TESIS: Dentro de los objetivos de esta tesis que estudia el uso del texto como estrategia creativa nos hemos propuesto: - Estudiar por medio de un recorrido histórico el uso del texto como estrategia creativa a lo largo de la historia de las artes plásticas y visuales. - Observar los distintos aspectos que se dan en la fusión entre la imagen y el texto, así como la relación que se establece entre la propia tipografía con la semiótica visual como la importancia de las figuras retóricas como figuras comunicativas en los distintos discursos artísticos. - Analizar aquellas características que unen a las distintas prácticas artísticas que usan el texto como estrategia creativa. - Comprender la importancia del término de estrategia, como procedimiento conceptual que implica todo un trabajo de estructuración y orden a nivel de proyección de la obra artística, y que atiende a factores sobre la complejidad y la operatividad de la misma - Establecer por medio del análisis de estas distintas prácticas los distintos soportes o vehículos donde insertan el texto. - Observar la importancia del texto como estrategia creativa en las distintas prácticas sociales dentro del análisis de los autores seleccionados, así como el uso del lenguaje influirá determinantemente en el significado general de las obras de dichos autores. METODOLOGÍA: La metodología utilizada se ha fundamentado, en una de sus partes, en el libro Investigación educativa. Fundamentos y metodología de Arnal, Del Rincón y Latorre (1992), así como en Técnicas de Investigación en Ciencias Sociales (Latorre & Sanz, 1995). Se enmarcará dentro de la metodología de investigación social de tipo cualitativo/constructivista. CONCLUSIONES: El lenguaje es un instrumento del pensamiento, y que se revela como uno de los medios más efectivos para expresar ideas por medio del proceso comunicativo y como vehículo para la información hacia el espectador. El uso del texto como estrategia creativa será uno de los recursos formales y conceptuales que los artistas incorporarán en sus obras caracterizando a una gran parte de la historia de la producción artística del siglo XX, dando paso a que se reconozca el uso del lenguaje como una herramienta más de expresión, y que se ontemple el hecho artístico como el arte de las ideas o del pensamiento., The main focus of this thesis is based on the analysis of the text as a creative strategy in the different artistic and social practices within the public space, being the primary language object of study of this phenomenon itself. Language is an instrument of thought, and who reveals himself as one of the most effective means to express ideas through the communication process and as a vehicle for information to the viewer. At the same time, it is the conventional communication system. So, as we see, the trend in plastic and visual to use the text as a legitimizing resource from the twentieth century to the present, as lawful, conceptual arts strategy, which involves a whole structure and work order projection level the artistic work, and serving factors on the complexity and functionality of the same, differing entirely on immediate action concepts such as tactics, wrongly used as a synonym for the strategy. Revealing here, the concept of strategy mainly conceptual resource in those productions that employ the use of text as a strategy for creation. In the study of language, we will focus on the visual rhetoric a mode of analysis that can allow us, in different media or in different media- visual arts, film, advertising-articular signifier and signified, or in other words, form and content in order to better understand a work of art from the point of view of the spectator or as creators of it. While, in the use of a method or strategy, it can be seen that the use of thought through language and its various tropes, can serve as building strategies. Keywords: Text, creative strategy, visual rhetoric, public space, social practices of art OBJECTIVES OF THE THESIS: Among the objectives of this thesis studies the use of text as a creative strategy we have proposed: - Study through a historical text use as creative strategy throughout the history of the visual arts. - Observe the different aspects that occur in the fusion of image and text, as well as the relationship established between the font itself with the visual semiotics as the importance of rhetorical figures as communicative figures in different artistic discourses. - Analyze the characteristics that unite different artistic practices that use the text as a creative strategy. - Understand the importance of the term strategy as a conceptual process that involves all work order level structure and projection of artistic work, and serving factors on the complexity and functionality of the same - Establish through analysis of these different practices or different media vehicles where the inserted text. - Note the importance of the text as a creative strategy in different social practices in the analysis of the selected authors and language use a determining influence on the general meaning of the works of these authors. METHODOLOGY: The methodology is based on one of its parts, in the book Educational research. Fundamentals and methodology of Arnal, Del Rincon & Latorre (1992) and Technical Research in Social Sciences (Latorre & Sanz, 1995). It will be framed within the social research methodology qualitative / constructivist. CONCLUSIONS: Language is an instrument of thought, and who reveals himself as one of the most effective means to express ideas through the communication process and as a vehicle for information to the viewer. The use of text as a creative strategy will be one of the formal and conceptual resources that artists incorporate in their work characterizing much of the history of twentieth century art production, leading to the use of language is recognized as a tool of expression, and that the artistic act as the art of ideas or thought is contemplated.

En esta Tesis Doctoral, perteneciente a las materias aplicadas y experimentales, se ha realizado un estudio de las diferentes técnicas y tratamientos de superficie de la escultura en piedra, con el fin de determinar las metodologías y los procesos utilizados por los artistas que han realizado de forma plástica, un acercamiento a los sistemas desarrollados en la investigación. Este estudio de las distintas etapas de la escultura, nos han servido como referencia para establecer modelos, que tras un análisis comparativo, han podido ser utilizados en posteriores aplicaciones prácticas, en un trabajo propio artístico. De esta forma, bajo una propuesta de estudio teórico del relieve, el grabado y la talla directa, hemos desarrollado una Metodología basada en la planificación y ejecución de unos ensayos con diferentes técnicas como el grabado con ácido, la incrustación del metal, transferencia e impresión digital UVI y la acción de la naturaleza y los procesos industriales., In this Doctoral Thesis that belongs to the applied and experimental matters, has been made a deep study of the different techniques and treatments of surface in the stone sculpture along the history, with the aim of determine the methodologies and processes used by the artists, who have made, in a fine form, an approach to developed system in the research. This study of the different sculpture stages, has served as reference to establish models that have been utilized in posterior practical applications. In this sense, under a theoretical study proposal of the relief, engraving and direct carving, having a large number of specific cases studies at our disposal, it has been developed a methodology based on the essays’ planning and implementation, like engraving with acid, encrusted metal, transfer techniques, digital print UVI, nature action and industrial processes.

A lo largo de la Historia, cuando una civilización conquistaba una ciudad, terminaba adaptándola a su cultura y costumbres. Sin embargo, no todas las huellas son borradas, y la convivencia del pasado con el presente se traduce en un Patrimonio Arqueológico que permanece conservado y expuesto al ciudadano que transita por el espacio público. De esta manera, la ciudad, entendida como un conjunto indisoluble de arquitecturas y sociedades que las habitan, constituye un receptáculo de Memoria objeto de estudio por parte de la Arqueología y la Historia, ciencias que a partir de los años setenta acercan sus investigaciones a las necesidades de una sociedad plural. En este contexto, el artista toma una posición crítica y trabaja en torno al archivo y la huella arqueológica para hacer frente al olvido. La presente Tesis surge de la necesidad de generar puentes entre las sociedades y su pasado histórico, encarnado en el Patrimonio Arqueológico. Partimos de la hipótesis de que la rememoración del pasado como parte del presente puede ser potenciada a través del poder evocador del relato en conjunción con las características del espacio físico en el que se contextualizan los acontecimientos históricos narrados. Ello genera una experiencia enriquecida en la que se entremezclan realidad y ficción, objetividad y subjetividad y, en fin, Historia institucional e historias cotidianas. Los objetivos teóricos consisten en establecer el papel que desempeña el artista en la implicación activa del ciudadano a la hora de reflexionar sobre el pasado, y valorar las herramientas de las que dispone para vincular la narración histórica al espacio urbano. Los objetivos prácticos convergen en la concreción y materialización de un proyecto artístico basado en los resultados de los estudios teóricos. La metodología empleada para fundamentar las bases teóricas refleja el carácter interdisciplinar de este trabajo. Con respecto a la Historia y la Arqueología realizamos una revisión bibliográfica sobre los conceptos de Memoria y Arqueología Pública como formas de compromiso con la sociedad actual. Dentro de la Literatura estudiamos, por un lado, las diversas y sutiles maneras de interacción entre la palabra y la imagen en el álbum ilustrado y, por otro, el fenómeno del turismo literario, indagando en las causas por las cuales se desencadena en el lector la necesidad de desplazarse hacia los escenarios en los que se desarrollan los acontecimientos de las historias narradas. La metodología seguida para la creación del proyecto artístico es la entrevista y el trabajo de campo como fuente de conocimiento, y el método propio del diseño y la ilustración. Los principales resultados son, en primer lugar, la definición del concepto de “álbum caminado” como un formato artístico cuyo objeto es un álbum ilustrado, y cuyo objetivo es generar una experiencia basada en el desplazamiento por el espacio físico en base al hilo conductor de un relato. Y en segundo lugar, su materialización en un proyecto concreto titulado “Tahta al-zará. Un sueño bajo la tierra”, que se contextualiza en el siglo XIII (fin del reinado musulmán en Madinat Mursiya) y funciona como una invitación a seguir los pasos de los protagonistas por la Murcia medieval trasladados a la ciudad del presente. Su lectura genera un doble desplazamiento. El primero es el desplazamiento espacial, que se lleva a cabo a través de la ciudad en sentido horizontal. El segundo es el desplazamiento temporal, que se realiza en sentido vertical a través de la rememoración del relato en base a los distintos puntos del espacio transitado. La línea del tiempo queda anulada para entremezclar las historias personales, los sentimientos y las emociones con las características del espacio por el que se transita., Throughout History, when a certain civilization conquered a city, it ended up adapting it to its own culture and traditions. Nonetheless, not all traces are erased, and so the coexistence between the past and the present can be materialized in an Archaeological Heritage that remains preserved and exposed to the citizen who walks through the public space. This way, the city, understood as an unbreakable complex of different architectures and societies that inhabit them, constitutes a memory receptacle, whose essence can be seen as a subject of study for the disciplines of History and Archaeology, both approaching their research to the needs of a pluralistic society since the 60’s. In this context, the artist takes a critical position and works around the archive and the archaeological trace in order to deal with oblivion. This PhD thesis arises from the need to build bridges between societies and their historical past, embedded in the Archaeological Heritage. We start from the hypothesis that the remembrance of the past as part of the present can be enhanced through the evocative power of the story in conjunction with the features of the physical space in which the historical events narrated are contextualized. This creates an enriched experience where reality and fiction intermix each other, objectiveness and subjectivity and, lastly, Institutional History and day-to-day stories. The theoretical aims are to establish the role that the artist performs as far as the active involvement of the citizen is concern when it comes the time to think about the past and to evaluate the tools available to link the historical narrative with the urban space. The practical aims converge in the concretion and materialization of an artistic project based on the results of the theoretical studies. The methodology used to back these theoretical foundations reflects the interdisciplinary approach of the present work. As far as the disciplines of History and Archaeology are concerned, we conduct a bibliographic review on the concepts of Memory and Public Archaeology as forms of involvement with today’s society. Within Literature, we study, on the one hand, the many subtle kinds of interaction between words and images in picture books and, on the other hand, the literary tourism phenomenon, exploring the reasons why the reader is triggered by the need of travelling towards the different places where the narrated stories events are developed. The methodology used on the artistic project creation is both the interview and the fieldwork as a source of knowledge, besides the own way of design and illustration. The main results are, firstly, the definition of the concept of “Walking-picture book” as an artistic format whose main outcome is a picture book, and whose aim is to generate an experience based in the displacement of the reader through the physical space based on the guiding thread of a certain story. And secondly, its materialization in a concrete project titled “Tahta al-zará. A dream under the earth”, which is contextualized in the 13th century (end of the Muslim mandate in Madinat Mursiya) and works as an invitation to follow the footsteps of the main characters transferred to the city of the present. Its interpretation creates a double movement. The first displacement is the spacial one, carried out horizontally around the city. The second one is the temporal displacement, which is done vertically through the remembrance of the story based on the different spots of the already walked down trail. The timeline becomes undermined so as to intermix the individual stories, feelings and emotions with the spatial features of the space one passes through.

Una Archiva del DIY (Do It Yourseft): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer se centra en la creación de un archivo de colectivos, asociaciones o grupos autogestionados que produzcan ediciones de práctica feminista-queer con especial interes en el fanzine y la relación música-dibujo. Este archivo tiene la ambición de recopilar estas ediciones y ponerlas a disposición pública para su estudio como conjunto. El archivo ha tenido un uso de justificación histórica, que ha evidenciado sus vacíos y carencias, así como legitimado poderes, favorecido relaciones y dirigido líneas de memoria colectiva. Trabajar en un archivo siendo conscientes de la importancia de las pautas a seguir, el cómo y el por qué es el punto de partida de éste archivo. El material que se pretende archivar no es un material de medios de masas podríamos decir que casi se resiste a ser archivado, dificulta su clasificación y juega incluso con el misterio y los espacios de exhibición, como si siendo conscientes de no ser parte de la esfera pública se enorgullecen de ello y han buscado subversivamente tener presencia buscando otras maneras de hacer, su manera como una respuesta y búsqueda de nuevos espacios por esos contrapúblicos. La creación de este archivo sería más bien la creación de un no-archivo. Es difícil querer reunir y pretender hacer un archivo con este tipo de material que de primeras parece huidizo en sus estrategias y formatos. También es un material abierto a contradicciones y de replanteamientos cambiantes en muy corto plazo de tiempo. Sin embargo este tipo de iniciativas surgen para hablar y ser escuchadas. Hay muchos temas en común que unen estas manifestaciones, ideología, gustos, maneras de operar que a veces parecen ser protegidas para que su intención no sea mal interpretada al presentarlas en depende que contextos. La intención de éste archivo es estudiar precisamente estos puntos en común e incluso sus desencuentros para aprender de ellos. Todas estas dinámicas coinciden en proponer nuevas fórmulas en la manera de hacer e incluso vivir. Parecen a veces un pasatiempo o entretenimiento pero la implicación que esta práctica conlleva dedicación y esfuerzo, sus principios son fuertes y pretenden contagiar., SUMMARY Una Archiva del DIY (Do It Yourseft): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer. This project focuses on creating a archive of collectives, associations or groups self-managed that produces editions as part of their practice around the feminist fanzine and music-drawing relationship. This archive has the ambition to compile these editions and put to public disposition for study as a whole. The archive has had a use historical justification, which has shown its gaps and shortages as well as legitimated powers, favored relations and direct lines of collective memory. Working in an archive being aware of the importance of guidelines to follow, the how and why is the starting point for this archive. The material to be archived is not a mass media material we could say that almost refuses to be archived and hinders their classification and plays even with the mystery and spaces of exhibition, as if being aware of not being part of public sphere they thrill it and they have searched subversively have presence looking for other ways to make, their way as a answer and search for news spaces themselves counter-publics. The idea of this archive would be the creation of one no-archive. If difficult to want to gather and trying to make an archive with this type of material that seems elusive at the begining in their strategies and formats. It is also open to rethinking and changing in a very short time frame. However such arise to talk and be heard. There are many common themes that unite these statements, ideology, likes, ways of operating that sometimes seem to be protected so that intention is not misinterpreted depends on presentation at which contexts. The intent of this archive is to study exactly these in common and even their disagreements for learn from them. All this dynamics coincide in suggesting new formulas on how to make and even live. Sometimes seem a hobby or entertainment but the implication that this practice involves dedication and effort, its values are strong and intend to be spreaded.

Una Archiva del DIY (Do It Yourself): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer se centra en la creación de un archivo de colectivos, asociaciones o grupos autogestionados que produzcan ediciones de práctica feminista-queer con especial interes en el fanzine y la relación música-dibujo. Este archivo tiene la ambición de recopilar estas ediciones y ponerlas a disposición pública para su estudio como conjunto. El archivo ha tenido un uso de justificación histórica, que ha evidenciado sus vacíos y carencias, así como legitimado poderes, favorecido relaciones y dirigido líneas de memoria colectiva. Trabajar en un archivo siendo conscientes de la importancia de las pautas a seguir, el cómo y el por qué es el punto de partida de éste archivo. El material que se pretende archivar no es un material de medios de masas podríamos decir que casi se resiste a ser archivado, dificulta su clasificación y juega incluso con el misterio y los espacios de exhibición, como si siendo conscientes de no ser parte de la esfera pública se enorgullecen de ello y han buscado subversivamente tener presencia buscando otras maneras de hacer, su manera como una respuesta y búsqueda de nuevos espacios por esos contrapúblicos. La creación de este archivo sería más bien la creación de un no-archivo. Es difícil querer reunir y pretender hacer un archivo con este tipo de material que de primeras parece huidizo en sus estrategias y formatos. También es un material abierto a contradicciones y de replanteamientos cambiantes en muy corto plazo de tiempo. Sin embargo este tipo de iniciativas surgen para hablar y ser escuchadas. Hay muchos temas en común que unen estas manifestaciones, ideología, gustos, maneras de operar que a veces parecen ser protegidas para que su intención no sea mal interpretada al presentarlas en depende que contextos. La intención de éste archivo es estudiar precisamente estos puntos en común e incluso sus desencuentros para aprender de ellos. Todas estas dinámicas coinciden en proponer nuevas fórmulas en la manera de hacer e incluso vivir. Parecen a veces un pasatiempo o entretenimiento pero la implicación que esta práctica conlleva dedicación y esfuerzo, sus principios son fuertes y pretenden contagiar. SUMMARY Una Archiva del DIY (Do It Yourself): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer. This project focuses on creating a archive of collectives, associations or groups self-managed that produces editions as part of their practice around the feminist fanzine and music-drawing relationship. This archive has the ambition to compile these editions and put to public disposition for study as a whole. The archive has had a use historical justification, which has shown its gaps and shortages as well as legitimated powers, favored relations and direct lines of collective memory. Working in an archive being aware of the importance of guidelines to follow, the how and why is the starting point for this archive. The material to be archived is not a mass media material we could say that almost refuses to be archived and hinders their classification and plays even with the mystery and spaces of exhibition, as if being aware of not being part of public sphere they thrill it and they have searched subversively have presence looking for other ways to make, their way as a answer and search for news spaces themselves counter-publics. The idea of this archive would be the creation of one no-archive. If difficult to want to gather and trying to make an archive with this type of material that seems elusive at the begining in their strategies and formats. It is also open to rethinking and changing in a very short time frame. However such arise to talk and be heard. There are many common themes that unite these statements, ideology, likes, ways of operating that sometimes seem to be protected so that intention is not misinterpreted depends on presentation at which contexts. The intent of this archive is to study exactly these in common and even their disagreements for learn from them. All this dynamics coincide in suggesting new formulas on how to make and even live. Sometimes seem a hobby or entertainment but the implication that this practice involves dedication and effort, its values are strong and intend to be spreaded.

El presente trabajo investiga a Fernando Fernán-Gómez como autor desde su posición como director de cine, pero centrándose sobre todo en el estudio de los temas repetitivos y fundamentales de su filmografía: el miedo, la muerte, la perdida de identidad, el género, la sociedad en la que se forma... Creador de un universo propio, sus veintiséis películas constituyen un ciclo cerrado en lo profesional y en lo personal, a lo largo del cual, ha ido estableciendo códigos de un estilo cinematográfico en el que la presencia autoral es evidente., The present work investigates Fernando Fernán-Gómez authorship as director of cinema, from the study of the main topics of his movies; fear, death, identity loss, genre, his own society... Creator of an own universe, his twenty-six movies, constitutes a cycle in the professional and the personal way along which, he has been establiwing the codes of a cinematographic style in wich the presence autoral is evident.