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Este volume faz parte da coleção “Pesquisas em Design, Gestão e Tecnologia de Têxtil e Moda”, referente ao 2º semestre de 2017. A coleção é referencial para integrar empresas e academia, divulgando os conteúdos e estudos dos programas de pós-graduação das universidades paulistas, com o objetivo de proporcionar à sociedade conhecimento dos melhores trabalhos acadêmicos realizados na área. Dessa maneira, propicia maior integração e amplia a sinergia entre academia e mundo empresarial. A proposta da coleção é contribuir para o desenvolvimento científico, tecnológico, social, cultural e artístico em Têxtil e Moda, prevendo métodos e abordagens interdisciplinares e inovadores, com potencial de utilização no âmbito acadêmico, da pesquisa, como fora deles.

There are several intersections, in various aspects, between art, crafts, design and they contribute to the conceptual evolution of each of the sectors and, at the same time, to the interaction between them. In this study, there is a concern with the concepts related to art, handicrafts and design, their ambiguities, interrelationships, connections, in their respective updates during different times, which involve actions, technical and material terms, based on social and contextualizations. The methodology used opts for a synthesis and adaptation of the authors: Lobach, Munari and Baxter, in addition to Dijon De Moraes. The image, as visual communication, has different values, according to the context where they are inserted, and offer different information. In the same way that they will remain with greater or lesser intensity (condensing or diluting), for a greater or lesser time in people's repertoire of images. All these integrative possibilities are offered in relation to the already existing elements and the possibilities of "connections" that they will offer. Your permanence warning will be that of pregnancy in memory, that is, the real time of your true existence, not physical time, but, on the contrary, that of your psychophysical pregnancy, which gives consistency to the Gestalt laws, especially with regard to to its basic law of the pregnancy of form. The creator too. with his non-verbal communication in the artistic universe, he will use the same resource as his "archive of representative meanings" that he brings to memory, in accordance with the ethos of a collective body, as defined by Maffesoli.

This research is built upon the search for the understanding of today's status of the process of creation, and how it has been considered through time, first through an philosophical approach, then through psychological aesthetics and finally, more recently, through psychology. If all construction of reality are built upon the interaction between physical world, the psychological or subjective world and the world of human creation, it seems to be clear that the creative process is, by excellency, a paradigm of the human experimental or experiential phenomena. Assuming a descriptive case study approach, Boa Nova Tea House of Siza Viera is analyzed. In Siza Vieira´s creative process, the drawing constantly validates his work. Architecture balances between art and technique as a creative act resulting from the artist mental reflective and experimental construction.

The article presents a view of fashion in Brazil in the first decades of the nineteenth century in the light of the work of the French painter Jean-Baptiste Debret. His paintings constitute an iconographic corpus with lithographs made from his watercolors and canvas that would compose the collections of “Picturesque and historic voyage to Brazil”. The costumes portrayed by Debret are analyzed in contrast to the reports of the fashion historians, concluding that the fashion in Brasil in the Johannine Era and the D. Pedro Era followed the European trends of the time, the Empire style and the Romantic style.

O presente trabalho investiga aspectos históricos acerca da estética e da funcionalidade da Ilustração de Moda. A partir da hipótese norteadora de que a Ilustração de Moda possui engrenagens cujos papéis se modificam através do tempo no processo de adaptação ao mercado, este trabalho analisa tal fenômeno mediante, predominantemente, a revisão e interpretação de obras de autores que se debruçaram sobre a historiografia da moda e da ilustração de moda ocidental, associados à análise de trabalhos no segmento em questão. A pesquisa é baseada em metodologia qualitativa de coleta de dados e interpretação de conteúdo artístico, referenciada pelo trabalho de Rui de Oliveira. São referenciados, também, teóricos de áreas correlatas como João Braga, Daniela Calanca, Paula Sibila, Ernest Gombrich, Mônica Moura e Dijon de Moraes, a fim de construir, de forma mais coesa, os assuntos abordados em textos que relacionam áreas como História da Moda, Comunicação Social, História da Arte, Design e Desenho de Moda. Sob essas diretrizes, é construída uma narrativa cronológica contextualizada, que serve como instrumento para analisar e compreender os fatores que constituem o mercado de moda em diferentes épocas e que adaptam e ressignificam uma das técnicas mais antigas de comunicação de moda, mantidas até os dias atuais The present work investigates historical aspects of the aesthetics and functionality of the theoretical field of Fashion Illustration. Based on the guiding hypothesis that the Fashion Illustration has gears whose roles change over time in the process of adaptation to the market, this work analyzes this phenomenon, mainly by reviewing and interpreting the work of authors who have studied the historiography of fashion and Western fashion illustration, associated with the analysis of works in the segment of fashion illustration. The research is based on a qualitative methodology of data collection and interpretation of artistic content, referenced by the work of Rui de Oliveira. Theorists such as João Braga, Daniela Calanca, Paula Sibila, Ernest Gombrich, Mônica Moura, and Dijon de Moraes are referred in order to build the subjects discussed in texts of related areas as Fashion History, Social Communication, History of Art, Design and Fashion Design. Under these guidelines, a contextualized chronological narrative is constructed that serves as an instrument to analyze and understand the factors that constitute the fashion market in different times that adapt and re-signify one of the oldest techniques of fashion communication maintained until the present day

Este artigo busca apresentar e conceituar a arte relacional, cujo objetivo é explorar e redefinir modelos de participação social. Trata-se de uma estética que se transformou em intérprete de um desejo compartilhado de reapropriação da dimensão coletiva, em resposta à progressiva desagregação e dispersão da dimensão social na época contemporânea.

The present study discusses the use of textiles in the contemporary production of jewelry in Brazil, highlighting the application of natural fibers. Manual weaving of natural fibers is closely linked to traditional handicraft just as metallic interlacing is used in jewelry production since antiquity. Bibliographical and scientific literature review were carried out as well as consulting collections of Brazilian creators, artists and designers, currently working with jewelry and employing natural fibers. Reflecting on the use of natural fibers in the Brazilian contemporary jewelry, this study has as its reference, in order to make a broad discussion, the work of artists and designers from different regions of the country, whose expression is different regarding natural material available and applied on the works and the productive techniques originated in regional traditions. Considering the search for innovation in the use of materials, it can be observed an intense renewal in Brazilian jewelry, which is impregnated by both unusual natural elements and traditional values of the culture of the country.

Este estudo tem como principal objetivo analisar os aspectos artísticos da azulejaria portuguesa como uma das principais fontes de inspiração no desenvolvimento e planejamento de coleções de moda contemporâneas. Especificamente, aborda a arte da azulejaria como sendo um dos mais importantes meios de desenvolvimento do Design Cerâmico e analisa brevemente seu histórico e origens. Analisa também o Design Têxtil, em particular o setor de Estamparia, como área de atuação e desenvolvimento do Design de Superfície, evidenciando a azulejaria, por intermédio do Design Cerâmico, como fonte de inspiração em diversos processos criativos no que diz respeito à produção de novos produtos atrelados ao mercado de Têxtil e Moda na contemporaneidade.

A presente pesquisa caracteriza-se pelo estudo da moda sob a perspectiva da Teoria da Complexidade, proposta pelo pensador francês Edgar Morin. Tem como objetivo atestar a complexidade deste fenômeno e, para tanto, fundamenta-se em uma revisão bibliográfica do Pensamento Complexo enquanto base teórica e metodológica. Posteriormente, identifica três de seus princípios em um recorte bibliográfico, cujo escopo é compreender a dinâmica da moda.

This paper is based on the study of the application of the tools of design methodology in technological textile products also called smart fabrics. The application of the design methodology in the creative process took place in a textile factory by checking the contributions to the creativity, innovation, and quality. The purpose of studying the design practices in the use of resources and methods of the textile contributes to the development of the product and also meets the needs of customers. In this context, modifications were necessary to the development tools in the creative process that may cause the best use, reduction and cost containment improving the overall quality and meeting customers’ needs. There is much talk about making products, refining and improving, but there is hardly any detailed application on how to carry it out, what parameters are used to such an achievement and what solutions are applied to the design process. The application in creative processes and product design follows parameters that are often provided by customers. The concepts that are linked to these product development processes, and the understanding of their purpose helps reveal the customers’ needs. Keywords: design methodology, creative process, textile design.

Este artigo discute as possibilidades de uma nova técnica para orientar a concepção de um produto. Foram combinadas a matriz morfológica e a bioinspiração para fornecer um escopo de discussões para o brainstorm que antecede a fase de desenvolvimento do produto. Como exemplo de aplicação, utilizou-se a técnica para a concepção de um maiô esportivo de natação. O projeto foi bioinspirado na superfície corporal, na anatomia e no habitat dos tubarões.

Purpose – The purpose of this paper is to present a comparative study on the characteristics of knitted fabrics used in the manufacturing of apparel, which are produced from organic cotton, lyocell and soybean protein fiber (SPF). It is important for both the environment and society that textile industry continues to adopt more ecofriendly materials and furthermore, pushes to increase awareness regarding these material choices available to the consumer and the corresponding impacts of consumers’ decisions. The use of sustainable fibers may be a starting point for changing the industrial paradigm of the textile industry. Design/methodology/approach – The research presented herein analyzes the potential use of three raw materials used in the development of knitted fabrics: organic cotton, lyocell and SPF. The experimental trials, based on norms, determined the weight, pilling, rupture pressure resistance, absorption by capillarity, dimensional alteration and elasticity. The significance of the experimental results was verified through the analysis of variance, with a confidence interval of 95 percent (p=0.05) and the determination of the optimal regulation of the machine was made through an analysis of the response surface. Findings – The results indicate that each of the studied materials are suitable for textile application; however, the fabrics manufactured from soybean yarn, compared to those manufactured from organic cotton or lyocell, have a higher potential to meet the needs of the costumer. Social implications – The discussion regarding sustainability is far reaching on the ways it interacts with human life. As such, the latent need for meeting this new demand presents a unique opportunity for the development of new processes and products. In the case of the textile industry, initiatives are gradually being adopted that make the processes used by the supply chain less damaging to the environment. Clothing and fashion are highly visible elements of society, so consequently, the textile industry serves as an excellent candidate for promoting a sustainable and eco-friendly mindset. Originality/value – The incorporation of sustainable fibers can serve as a starting point for change to the industrial paradigm existing within the textile industry. To this point, this study intended to analyze the potential implementation of three raw materials – organic cotton, lyocell and SPF – in the development of knitted fabrics. The results indicated that these materials are adequate for textile applications.

O presente artigo visa apresentar uma proposta para incorporar a sustentabilidade e responsabilidade social em uma empresa de produção de vestuário. Expõe a importância do tema em estudo, referências literárias sobre sustentabilidade e a cadeia de moda no Brasil. Propõe ainda um modelo coeso e eficaz para o aproveitamento de sobras dentro de uma indústria de confecção, usando a metodologia de projeto de produto de Bomfim (1975).

ZUIM, Valeska Alecsandra de Souza; FARIAS, Ana Cláudia Silva; VASCONCELOS, Ana Fabiola Pedrosa de; HELD, Maria Silvia Barros de; KANAMARU, Antônio Takao. As transformações do couro no trabalho de espedito seleiro como alternativa de superação para as adversidades do sertão. Revista LABOR, Fortaleza, v. 1, n. 11, p. 58-72, 2014. This article has the initial objective to encourage reflection about adversity found in the northeastern hinterlands because of drought and as matter - press leather had a role in colonization of the northeast and life of cowboys and local artisans. Also shows how the work with the leather master craftsman Espedito Seleiro had helped him overcome the difficulties of living in the Northeast. And as this same leather changed the reality of the residents of the city of Olinda in the backlands of Ceará. Este artigo tem por objetivo inicial incentivar a reflexão acerca das adversidades encontradas nos sertões nordestinos por causa da seca e como a matéria – prima couro teve importância na colonização do nordeste e vida dos vaqueiros e artesões locais. Apresenta também como o trabalho com o couro do mestre artesão Espedito Seleiro o auxiliou na superação das dificuldades de se viver no Sertão nordestino. E como esse mesmo couro mudou a realidade dos moradores da cidade de Nova Olinda no Sertão do Ceará.

Este livro, segundo da colecao “Pesquisas em Design, Gestao e Tecnologia de Textil e Moda”, uma iniciativa da Universidade de Sao Paulo (USP), por meio da Escola de Artes, Ciencias e Humanidades, e um real contributo investigativo que vem dar corpo a um trabalho sistematico e cuidado, que tem sido uma aposta da Escola na construcao de um saber de base epistemologica de design, da criacao ou reforco de linhas de pesquisa, de contribuicao para uma construcao solida da area disciplinar do Design Textil e da Moda.

Este trabalho e resultante de uma entrevista realizada numa empresa, de pequeno porte, do segmento textil, de confeccao de moda feminina, com o intuito de levantar dados para analises posteriores. Aqui sao apresentados os dados gerais, obtidos nesta empresa. Propos-se a identificar uma ferramenta ideal que pudesse desenhar os processos existentes identificados e mapeados da empresa. Identificou-se, entao, a BPMN, e junto com o software BizAgi Process Modeler Copyright©BizAgi Ltd 2011, obteve-se uma forma de apresentar desenhos destes processos. Este trabalho mostra, de uma maneira geral, como e possivel gerar indicadores de desempenho a partir de metricas adquiridas nos postos de trabalho, por meio de controles simples e bem estruturados. Este estudo faz parte de um trabalho destinado ao relatorio final para a disciplina de gerenciamento e simulacao de processos de confeccao textil da EACH/USP, sob a supervisao da professora doutora Isabel Italiano.

O perfume, do mesmo modo que a roupa, faz parte do ritual do vestir e está relacionado à intimidade pessoal. Junto ao vestuário, os envoltórios, as fragrâncias e seus sistemas discursivos passaram a delinear padrões de comportamento, perfis e estilos de vida. Deste modo pode-se dizer que apesar de serem distintos no que se refere à origem e produção, o vestuário e o perfume são convergentes sob o ponto de vista do consumo. Há marcas de perfumes próprias, exclusivas do setor, como também há aquelas associadas aos nomes de celebridades ou à moda. Este trabalho se propôs a identificar quais os fatores considerados pelas marcas de moda, no interesse em integrar o perfume ao seu ciclo de coleções de vestuário. As estratégias das grifes para definir suas coleções podem ser adotadas para produtos complementares por meio da extensão da marca, no intuito de potencializar a fixação da imagem de marca, ampliar a experiência de compra do consumidor e desenvolver os negócios como um todo. Para este estudo foi feito um levantamento do estado da arte dos conceitos referentes às marcas de moda e aos perfumes. Foi realizada uma pesquisa empírica caracterizada como exploratória com a utilização de estudo de casos múltiplos, para identificar as conexões entre os dados coletados, por meio da revisão bibliográfica, e as empresas que trabalham nos segmentos de vestuário e perfumes. Os resultados mostraram que os profissionais de moda atribuem baixa importância ao perfume e têm pouco conhecimento técnico sobre o setor, tanto no que se refere ao produto quanto à sua comercialização e ao potencial de mercado. Ao partirem do princípio que o perfume com sua marca não seria atrativo aos seus consumidores, acabam por depreciá-la. A visão é baseada na experiência diária e nos resultados das outras empresas, o que acaba gerando uma série de preconceitos. Já os profissionais de perfume, embora também apresentem desconhecimento sobre as questões técnicas do setor de moda, têm disposição para trabalhar em conjunto e promover a integração, pois entendem que o consumidor se motivaria com essa complementariedade. O resultado é que a integração se dá pela extensão de marca, principalmente pelo licenciamento e, desse modo, o perfume não está inserido à coleção de vestuário de moda. O consumidor, no entanto, não faz distinção ao usar os produtos de vestuário, acessórios, perfumes e cosméticos, todos eles fazem parte de um benefício único, o de se vestir e preparar-se para um papel social. Em um ambiente competitivo onde se diz que a inovação é o propulsor do sucesso corporativo, identificou-se que há pouca motivação na busca por novos caminhos e oportunidades nas marcas de moda pesquisadas. Neste sentido, se entende que o trabalho contribui para o estudo do desafio das empresas de focar seu negócio nos benefícios de uso do consumidor, em um ambiente de integração de produtos que tem sua origem em indústrias de distintos setores e, portanto, domínios diferentes de conhecimento Perfume, like clothing, is part of the dressing ritual and is related to personal intimacy. Along with clothing, packages, fragrances and their discursive systems have outlined patterns of behavior, profiles and lifestyles. Although they are distinct in origin and production, clothing and perfume are convergent from the consumption point of view. Fragrances have their own exclusive brands and are associated with celebrities or fashion brands. This study aims to identify the factors considered by fashion brands to integrate perfume into their clothing collections cycles. Fashion brands consider complementary products through brand extension to enhance brand image, broadening the consumer experience and developing the business as a whole, as part of their strategies to define clothing collections. An overview of the state-of-the-art concepts related to fashion brands and perfumes was carried out in this study. An exploratory empirical research using multiple case studies was conducted to identify the connections between the data collected, through the literature review, and the companies in the clothing and perfume segments. The results showed fashion professionals attach marginal importance to perfume and have little technical knowledge about the sector, in terms of the product, its commercialization and market potential. By assuming that the perfume with their brand would not be attractive to their consumers, they eventually despise it. Their vision is based on the daily experience and the results of other companies, which ends up generating several preconceptions by the segment. In contrast, perfume professionals are also unfamiliar with the technical issues about the fashion sector, but are willing to work together and promote the integration, as they understand the consumer would be motivated by this complementarity. As result, the connection takes place by brand extension mainly through licensing and does not associate the perfume with the clothing collection. The consumer, however, makes no distinction when wearing apparel, accessories, perfumes and cosmetics, all of them are part of a unique benefit of dressing and preparing for a social role. In a competitive environment where innovation is considered the driver of business success, the fashion brands analyzed have not been motivated to pursue new paths and opportunities. In this sense, the findings of this study have contributed to the understanding of companies challenges to focus their business on the consumer use benefits, in an environment of products integration that comes from different industries and, therefore, distinct domains of knowledge

O objetivo deste trabalho é verificar como a arte e a moda, representam o cotidiano no contemporâneo, principalmente no que diz respeito à crítica ao sistema vigente, a representação do instante formador do cotidiano e da apropriação da arte pelo consumo. Por necessidade de um recorte metodológico as Artes de Muro também conhecidas como Grafites foram escolhidas como fenômeno de observação por ser uma arte pública e de fácil acesso a maioria dos indivíduos que interagem com o espaço urbano. Observa-se que embora a Arte de Muro seja em sua maioria uma crítica aos moldes impostos pelo sistema, ela acaba por ser aglutinada por ele e transformada em bens de consumo de alto valor. The objective of this work is to see how art and fashion, represent the everyday in contemporary, especially with regard to the criticism of the current system, the representation of time trainer every day and appropriation of art by consumption. On the need for a methodological approach for the Arts also known as Wall Graffiti were chosen as a phenomenon of observation to be a public and easily accessible to most individuals who interact with the urban space art. It is observed that although the Art Wall is mostly a critique of the molds imposed by the system, it turns out to be bonded by it and transformed into consume high value goods.

Este artigo investiga aspectos históricos acerca da ilustração de moda que contribuíram para o seu surgimento como meio de divulgação do vestuário, no final do século XV, através de uma pesquisa qualitativa, baseada na análise contextualizada sob o ponto de vista de aspectos inerentes ao processo de ilustração, sendo eles: o contexto histórico, os temas abordados na ilustração, o veículo de mídia vigente durante o período e as contribuições determinantes de ilustradores de sua contemporaneidade que. Para subsidiar este percurso metodológico, o levantamento de dados ocorreu através de revisão bibliográfica e coleta de Ilustrações referentes ao período analisadas de modo associado.

O século XXI, conhecido como o século da mente, trouxe diversos avanços significativos, entre eles, os recursos tecnológicos que resultaram numa maior compreensão acerca do ser humano, em especial ao funcionamento do cérebro e da mente. Algumas teorias surgiram e foram cruciais para trazer uma nova forma de relacionar a mente à fala, ao comportamento, à percepção e a motivação humana. Surge então a neurociência do consumo, que faz a conexão da neurociência com o comportamento do consumidor, assim como outras novas subáreas, como a neuroestética, que investiga a relação da arte no cérebro, o neuromarketing que traça a relação entre as peças de comunicação com a mente, e o foco deste estudo que é o neurodesign. A pesquisa tem o objetivo de investigar a inserção da neurociência no processo criativo de design. Para isso, foram levantados o estado da arte, cases que ilustram a inserção no mercado da beleza e do design, e realizadas entrevistas com designers e com os representantes das agências e escritórios de design, das consultorias de neurociência do consumo e professores universitários no Brasil. Deste modo, foi possível o estudo da identificação, aplicação, similaridades e divergências no uso da neurociência dentro do processo criativo de design The 21st century, known as the century of the mind, brought several significant advances, among them the technological resources that resulted in a greater understanding about the human being, especially the functioning of the brain and the mind. Some theories emerged and were crucial to bring a new way of relating the mind to speech, behavior, perception, and human motivation. Then emerges the neuroscience of consumption, which connects neuroscience with consumer behavior, as well as other new subfields, such as neuroaesthetics, which investigates the relationship of art on the brain, neuromarketing which traces the relationship between communication pieces and the mind, and the focus of this study which is neurodesign. The research aims to investigate the insertion of neuroscience in the creative process of design. For this, the state of the art was surveyed, cases that illustrate the insertion in the beauty and design market, and interviews were conducted with designers and with representatives of design agencies, design offices, consumer neuroscience consultancies and university professors in Brazil. Thus, it was possible to study the identification, application, similarities and divergences in the use of neuroscience within the creative design process

A estrutura patriarcal da sociedade russa pré-revolucionária impôs um rígido código moral e de conduta expressos na indumentária feminina utilizada até meados do século XX. Elementos de opressão de gênero aparecem em rituais, ditados populares, cantigas e também em determinadas peças de roupa que, além configurarem um complexo código de comunicação, também indicam o papel da mulher naquela sociedade. O objetivo do presente estudo é a identificação de indícios da opressão de gênero na indumentária feminina russa exercida pela sociedade patriarcal antes e durante as Revoluções Russas. Partindo-se do ponto de vista sociocultural, a pesquisa qualitativa de modalidade histórica busca a identificação de tais elementos na indumentária e cultura russas traçando um paralelo com a ativa participação feminina neste evento histórico, dimensionando a importância do pensamento revolucionário e sua contribuição ao debate feminista contemporâneo The patriarchal structure of the prerevolutionary Russian society imposed a rigid moral and conduct code expressed on the womens clothing until the beginning of the 20th century. Gender oppression elements appear in rituals, popular saying, songs and also in determined clothing parts that, besides to set up a complex communication code, also indicate social womans role. The objective of the present study is the identification of gender oppression clues on the Russian womens clothing exerted for the patriarchal society before and during the Russian Revolutions. Assuming the sociocultural point of view, the qualitative research of historical modality seeks the identification of such elements on the Russian dress and culture in parallel with the active feminine participation on this historical event, dimensioning the importance of the revolutionary thought and its contribution to the contemporary feminist debate

No presente trabalho buscou-se identificar quais elementos parecem caracterizar as camisas masculinas, sua modelagem e construção, entre os séculos XVI e XIX na Europa, com especial atenção a suas transformações mais significativas no período, com base, sobretudo, em alguns principais acervos de trajes no mundo e em acervos iconográficos. Assim, fez-se possível, a compreensão da natureza das camisas, quanto às características construtivas e materiais, além da organização da trajetória desta categoria de vestuário em uma linha cronológica, com vistas a subsidiar a recriação digital de peças semelhantes a serem propostas pela pesquisadora. Do período de recorte, foi dado enfoque principalmente no século XIX, na Europa, devido à ampla disponibilidade de peças históricas em acervos museológicos e de registros detalhados. A escolha da camisa masculina, como objeto de estudo, deve-se ao fato de que de todas as peças que pertenciam ao contexto de roupas brancas, a camisa foi a única que efetivamente saiu da roupa interior para ser uma protagonista na vestimenta do homem e da mulher contemporâneos. Foram selecionadas nove camisas, representativas da trajetória desse traje, para serem apresentadas em uma linha do tempo, visando contar a história da peça nesse período histórico. Além disso, foi feita a recriação digital das mesmas em imagens tridimensionais, a partir das modelagens históricas pesquisadas, possibilitando a visualização dos detalhes de construção. Por meio dessa pesquisa, espera-se contribuir com o aprofundamento do estudo no campo, tanto na história do vestuário quanto nos aspectos relacionados à alfaiataria In this study it was sought to identify which elements seem to characterize the masculine shirts, their pattern making and construction, between the 16th and 19th centuries in Europe, with special attention to their most significant transformations in the referred period, based, above all, on some of the most important collections of garments in the world, and in iconographic collections as well. Therefore, it was possible to understand the nature of shirts regarding constructive and material characteristics , in addition to organize the historical path of this category of clothing in a timeline, aiming the digital recreation of similar pieces to be proposed by the researcher. From the period chosen, the focus was mainly on the 19th century, in Europe, due to the wide availability of historical pieces in museum collections and detailed records. The choice of the masculine shirt as object of study is due to the fact that, from all the items belonging to the context of undergarments, the shirt was the only one that had effectively developed from being an under clothing to be part of on view masculine and feminine dressing. Nine shirts were selected, representing the path of this garment, to be presented in a timeline aiming to tell the story of this item in the chosen historical period. In addition, they were recreated in tri-dimensional images, based on historical patterns studied, enabling the visualization of details in garments construction. With this research, it is expected to contribute to in-depth studies in the pattern making area, not only in history of dressing, but also in tailoring aspects

A presente pesquisa consiste em compreender a partir de revisão bibliográfica selecionada, a relação entre moda, corpo e imagem na construção da identidade da figura de Maria Antonieta. A investigação desenvolve-se a partir de pesquisa qualitativa baseada em revisão bibliográfica das principais interpretações sobre os temas. Teorias de autores como Giles Lipovestky, Lars Svendsen e Georg Simmel permitiram a análise do sistema de moda como algo múltiplo. Observa-se o funcionamento da moda como fenômeno coletivo e também individual que auxilia a construção das identidades dos sujeitos, ao oferecerem possibilidades simbólicas de representação. O conceito de corpo como suporte da imagem, proposto por Hans Belting, permite a aproximação e a relação entre moda, corpo e imagem. A reflexão teórica e crítica dos temas permite a análise da figura de Maria Antonieta, última rainha da França, que utilizou o vestuário como seu principal instrumento político, de poder e sobrevivência na corte de Versalhes. Os conceitos do duplo, desenvolvido por Régis Debray, e da memória são partes fundamentais da pesquisa, que tornam possível verificar a influência que a figura de Maria Antonieta ainda exerce na publicidade e nas várias esferas da moda. Trata-se, portanto, de compreender a dimensão que o significado do vestuário possui de moldar identidades através de expressões e memórias que as roupas guardam This research consists in understanding, from a selected bibliographic review, the relation between fashion, body and image in the construction of the identity of the figure of Marie-Antoinette. The investigation is based on qualitative research from bibliographic sources of the main interpretations on the themes. Theories by authors such as Giles Lipovetsky, Lars Svendsen and Georg Simmel allowed the analysis of the fashion system as something multiple. It is possible to observe the functioning of fashion as a collective and an individual phenomenon that helps in the construction of the subjects identities, by offering symbolic possibilities of representations. The concept of the body as image support, proposed by Hans Belting, allows the approximation and the relation between fashion, body and Image. Theoretical and critical reflection on the themes makes it possible to analyze the figure of Marie-Antoinette, the last queen of France, who used clothing as her main political, power and survival instrument in the court of Versailles. The concepts of the double, proposed by Regis Debray, and the concepts of memory are fundamental parts of the research, which make it possible to verify the influence that the figure of Marie-Antoinette still has on advertising and in the various spheres of fashion. It is, therefore, about understanding the dimension that the meaning of clothing has to shape identities through expressions and memories that the clothes keep

A presente dissertação tem como objetivo analisar a biojoia, a partir de sua inserção nos campos da arte e do design no âmbito da produção da joalheria contemporânea, além de investigar o seu papel na problemática da sustentabilidade. A biojoia enquanto problemática situa-se no campo de investigação das relações atuais entre design e arte contemporânea, tanto em seus aspectos conceituais, quanto formais e produtivos. Em vista disso, a identidade da biojoia situada no espaço de interação entre a arte contemporânea e o design configura o ponto de partida desta pesquisa. Como objetivos secundários são propostos estudos sobre as repercussões decorrentes da definição da biojoia como artefato e seu impacto e influência em sua condição de possível produto sustentável, o que envolve aspectos e características ligadas ao design e também à arte. No âmbito da discussão teórica, são apresentadas interações e oposições entre os conceitos de moderno e pós-moderno, com o objetivo de inserir a questão da evolução do Design em suas conexões com a arte e a arquitetura e fornecendo uma contextualização da biojoia como produto de design. O arcabouço teórico da pesquisa tem como eixo as discussões sobre a estética relacional, com a discussão de alguns aspectos da arte relacional ligados à escultura e à biojoia. A biojoia também é analisada como uma instalação em escala reduzida para o próprio corpo, e finalmente, a trajetória e as experiências pessoais da autora serão apresentadas para a investigação de aspectos relacionados à produção e execução das biojoias, assim como sua materialidade. Finalmente é apresentado um estudo de caso sobre a produção de biojoias, com a função de discutir e apreender a identidade da biojoia no espaço de interação entre a arte contemporânea e o design This dissertation aims to analyze bio-jewelry, starting from its insertion in the fields of art and design within the scope of contemporary jewelry production, in addition to investigating itsrole in the sustainability issue. Bio-jewelry as a theme is located in the field of investigation of the current relations between design and contemporary art, both in its conceptual as well as formal and productive aspects. As a result, the identity of biojoia located in the space of interaction between contemporary art and design sets the starting point of this research. As secondary objectives, this paper propose studies on the repercussions resulting from the definition of biojewelry as an artifact and its impact and influence on its condition as a possible sustainable product, which involves aspects and characteristics linked to design and to art. Within the scope of the theoretical discussion, interactions and oppositions between the concepts of modern and postmodern are specified, with the objective of inserting the question of the evolution of Design in its connections with art and architecture and providing a contextualization of bio-jewelry as a design product. The theoretical framework of the research is based on the discussions on relational aesthetics, with the discussion of some aspects of relational art linked to sculpture and bio-jewelry. Bio-jewelry is also analyzed as a small-scale installation for the body itself, and finally, the author\'s personal trajectory and experiences will be presented to investigate aspects related to the production and execution of bio jewelry, as well as its materiality. Finally, a case study on the production of biological jewelry is presented, with the function of discussing and apprehending the identity of biological jewelry in the space of interaction between contemporary art and design

A presente dissertação é um aprofundamento teórico no campo da moda e do consumo, no qual, teve como proposta fundamental uma análise histórica em termos culturais, sociológicos, psicológicos e filosóficos, do consumo do final do século XIX (pós-revolução industrial) até os dias atuais, com ênfase no modo de como o ato da compra foi gradualmente se desvinculando de necessidades materiais, funcionais e de distinção social, passando a assumir um teor de hiperconsumo hedonista, assim como suas consequências. O desenvolvimento do trabalho se deu a partir de uma pesquisa qualitativa baseada em revisão bibliográfica centrada, sobretudo em três autores atentos ao fenômeno do consumo, são eles: Gilles Lipovetsky, Zygmunt Bauman, e Colin Campbell. A investigação esclareceu que a história do consumo, sobretudo a de moda, teve grande influência para o desenvolvimento do atual hiperconsumo, seja por meio da evolução da indústria com o fordismo e com a produção em massa, seja com o desenvolvimento dos mercados e do consumo de massa, por meio das lojas de departamentos ou das estratégias de publicidade e marketing, que atrelaram características de sedução em busca de desejos. Assim como, este trabalho concluiu que o atual panorama de hiperconsumo tem grande influência na individualidade do consumidor contemporâneo, que busca através do consumo o prazer e a felicidade, mas que de certa forma isso é mais atrelado às imaginações e devaneios dos sujeitos do que na compra em si, logo, o lado hedonista do bem de consumo chega ao fim muito rapidamente, após sua aquisição ou no seu descarte, o que resultará em frustrações e em um ciclo que é operado com base na lógica do desejo, aquisição, desilusão, desejo. A pesquisa pôde ainda evidenciar que os consumidores, além de buscarem o prazer na compra, buscam em sua maioria a sua criação ou a recriação da identidade, já que a própria sociedade em sua superabundância de produtos, serviços e entretenimento permite essa transitoriedade e fluidez The purpose of this dissertation is to investigate through theory the fashion and consumption field based on a cultural, sociological, psychological and philosophical historical analysis of consumption in the late 19th century (post-industrial revolution) until today. The emphasis focuses on how the act of purchase has gradually detached from the material, functional and socially distinctive needs, thereby assuming a level of hedonist hyper-consumption, as well as its consequences. The development of this paper was based on qualitative research of a specific bibliographic revision, principally on three authors who focused on consumption, namely: Gilles Lipovetsky, Zygmunt Bauman, and Colin Campbell. The investigation brought into focus that the history of consumption, especially of fashion, highly influenced the development of the hyper-consumption currently perceived, whether by industrial evolution including Fordism and mass production or through the development of mass consumption markets, through department stores or publicity and advertisement strategies, which have linked characteristics of seduction in the pursuit of pleasure. This paper also shows that the current hyper-consumption overview is highly influenced by the contemporary consumer that seeks for pleasure and happiness through consumption, but somehow it is mostly tied to the imagination and divagations of individuals than to the actual purchase; therefore, the hedonist perspective of the consumer good quickly comes to an end, right after its acquisition or disposal, which may cause frustration and feed a cycle developed on the basis of desire, acquisition, disillusion and back to desire. Additionally, the research evidences that consumers have sought for pleasure through purchase, in addition to create or recreate identity, considering that society and its superabundance of products, services and entertainment allows such transience and fluidity

Este estudo constitui uma dissertação de mestrado que tem como objetivo analisar a Azulejaria Portuguesa e algumas de suas conexões entre Moda, Design de Superfície e Estamparia Têxtil, no que diz respeito à utilização dos mais diversos tipos de matérias-primas para o desenvolvimento de novos produtos. Especificamente, aborda a Estamparia Têxtil enquanto importante setor da área de Design Têxtil diretamente relacionado ao Design de Superfície. Assim, por meio do Design de Superfície, esta pesquisa apresenta a Azulejaria Portuguesa como uma das principais fontes de inspiração e criatividade para o desenvolvimento de novos produtos de Moda, utilizando os processos de Estamparia Têxtil. O modelo de pesquisa é qualitativo, cujas principais técnicas de coleta de dados empregadas são revisão da bibliografia, pesquisa em bancos de monografias e de imagens, acervo virtual de museus, periódicos e registros em fotografias. A partir dos dados coletados, foi desenvolvida uma coleção de estampas com base na Azulejaria Portuguesa empregada na cidade de São Luís do Maranhão (séculos XVIII e XIX), a qual foi posteriormente aplicada em uma coleção cápsula de Moda feminina desenvolvida pelo autor, cuja inspiração das formas e silhuetas é proveniente de obras arquitetônicas dos artistas Oscar Niemeyer e Delfim Amorim. A coleção de estampas e a coleção das peças apresentadas têm como objetivo destacar as relações encontradas entre a Azulejaria Portuguesa, o Design de Superfície e a Estamparia Têxtil, de modo a reforçar, por meio de diferentes processos criativos, a ideia de resgate artístico e histórico-cultural da Azulejaria Portuguesa pela Estamparia Têxtil, no que se refere ao desenvolvimento de novos produtos de Moda This study represents a master dissertation which aims to analyze the Portuguese Tiles and some of their connections among Fashion, Surface Design and Textile Printing in respect of the use of various types of raw materials for new products development. Specifically, it deals with Textile Printing as one of the essential sectors regarding Textile Design related to Surface Design. Thus, through Surface Design, this research shows the Portuguese Tile as one of the primary sources of inspiration and creativity concerning the development of new Fashion products through the Textile Printing sector. The research model is qualitative, and its essential techniques of data collection are bibliography review, research in monograph, images, virtual museum collections, journals, and photographies. With this data compilation, a collection of textile prints was developed based on the Portuguese Tile used in the city of São Luís do Maranhão in the Eighteenth and Nineteenth Centuries. A womens fashion capsule collection produced by the author applied these textile prints, which shape and contours come from the architectural works of the artists Oscar Niemeyer and Delfim Amorim. This collection and the garments propose to highlight the relations found among Portuguese Tile, the Surface Design, and the Textile Printing. By different creative process, it purposes to endorse the idea of the artistic and historical-cultural recover of the Portuguese Tile by Textile Printing, considering the development of new Fashion products

O enxoval é conhecido desde a antiguidade e tem passado por uma série de modificações, refletidas no tipo de tecido, confecção, design, moda e na participação do mercado. Estas mudanças também foram influenciadas pela mudança da posição da mulher na sociedade. A presente pesquisa objetivou em estudar o desenvolvimento do setor de cama, mesa e banho no Brasil, ocorrido de 1976 a 2017, em termos de aspectos de mercado, materiais e processos têxteis, design e moda. A metodologia consistiu em pesquisa das revistas Casa Vogue Brasil e Casa Cláudia de 1977 a 2017 para estudo e análise de materiais têxteis, designs e marcas do setor de cama, mesa e banho a partir das imagens e textos. Em adição, foi efetuada, em base dos principais relatórios relacionados à indústria têxtil e de confecção e demais literatura, pesquisa dos processos e maquinários para a produção de cama, mesa e banho e aspectos de mercado desse setor. Por fim, foram realizadas entrevistas com empresas do setor de cama, mesa e banho. Os materiais e designs têxteis clássicos são nítidos na preferência da apresentação de estilo. Em relação ao comércio, ocorreram grandes mudanças no mercado brasileiro dos anos 1976 aos 2017. No início desse período o destaque eram lojas de departamento e, com o passar dos anos, as empresas foram criando seu espaço com destaques nas marcas. As marcas com maior apresentação nas últimas duas décadas (anos 2000 e 2010) da revista Casa Vogue Brasil foram Trousseau, Trussardi e a loja de departamento de multimarcas Mundo do Enxoval (essas marcas tem o destaque para o público de maior poder aquisitivo no Brasil). Na revista Casa Cláudia, foram Buddemeyer, Trousseau e MMartan. Com o avanço tecnológico, tornou-se mais acessível a compra dos produtos de cama, mesa e banho industrializados e aumentou assim a exportação brasileira. As evoluções dos maquinários e todo o processo envolvido, auxiliaram à obtenção de produtos com valores mais acessíveis, melhor qualidade e padronagem dos produtos acabados. Constata-se que, o setor avança e se desenvolve constituindo um importante papel na produção têxtil. No entanto, os padrões clássicos predominam com destaque para a cor branca e o tecido de algodão nos produtos de cama, mesa e banho, sendo o bordado o ornamento de destaque do estilo desses produtos. A manutenção desses padrões por parte dos fabricantes brasileiros é interessante para manter vendas no mercado interno, mas um limitante para produtos de exportação destinados a públicos com valores e gostos estéticos distintos e com maior oferta de itens com variedade de designs de superfície The trousseau has been known since antiquity and has undergone a series of modifications, reflected in the type of fabric, confection, design, fashion and market share. These changes were also influenced by the changing position of women in society. The present study aimed to study the development of the bed, table and bathroom sector in Brazil, from 1976 to 2017, in terms of market, materials and textile processes, design and fashion. The methodology consisted of a survey of Casa Vogue Brasil and Casa Claudia magazines from 1977 to 2017 for the study and analysis of textile materials, designs and brands in the bed, table and bathroom sector based on images and texts. In addition, on the basis of the main reports related to the textile and clothing industry and other literature, research was carried out on the processes and machinery for the production of bed, table and bath and market aspects of this sector. Finally, interviews were conducted with companies in the bed, table and bathroom sector. The classic textile materials and designs are crisp in style presentation preference. In terms of trade, there were major changes in the Brazilian market from 1976 to 2017. At the beginning of this period the highlights were department stores and, over the years, companies were creating their space with highlights in the brands. The most prominent brands in the last two decades (2000 and 2010) of Casa Vogue Brasil magazine were Trousseau, Trussardi and the multi-brand department store Mundo do Enxoval (these brands have the highlight for the most affluent public in Brazil). In the magazine House Claudia, were Buddemeyer, Trousseau and MMartan. With the technological advance, it became more accessible the purchase of products of bed, table and bath industrialized and thus increased the Brazilian export. The evolutions of the machinery and the whole process involved, helped to obtain products with more accessible values, better quality and standardization of the finished products. It is observed that, the sector advances and develops playing an important role in the textile production. However, classic patterns predominate with white and cotton in bed, table and bath products, with embroidery being the most outstanding ornament of the style of these products. The maintenance of these standards by the Brazilian manufacturers is interesting to maintain sales in the domestic market, but a limitation for export products destined to audiences with different values and aesthetic tastes and with a greater supply of items with a variety of surface designs

O objetivo desta pesquisa é analisar os tempos e os espaços de velocidade na cidade de São Paulo, no que diz respeito aos seus não-lugares. Para documentação da análise a fotografia foi o instrumento utilizado para intermediar o olhar do observador e do observado e a representação estética fica a cargo de impressões traduzidas pela autora pelo abstracionismo. Metodologicamente a observação participante foi escolhida por permitir flexibilidade à pesquisa e pelo aspecto emocional admitido pelo método. Após contato com textos dos autores Hall, Agambem, Giddens, Borriaud, Hardt e Negri, estabeleceram-se as bases de sustentação da pesquisa. Esses autores, além realizarem leituras atentas sobre o momento atual, tratam com profundidade da imbricação do tempo e do espaço no contemporâneo. Milton Santos traz definições que contribuem para entender a diferença entre território e espaço. Certeau elucida a diferença entre espaço e lugar. Augé, com uma lente ainda mais próxima, trata dos lugares e não-lugares. E é sobre os não-lugares onde se debruça a atenção deste estudo. Até o presente momento o resultado que se chega nesta pesquisa é de que, se em tempos anteriores onde o espaço estava diretamente ligado ao tempo havia uma má distribuição do espaço, hoje a distribuição desequilibrada se dá também através do tempo, não proporcionando ao sujeito espaço livre para construção de pensamentos aprofundados sobre o meio e sobre quem se é. As cidades refletem este desequilíbrio. Alguns espaços são disponibilizados na cidade para o descanso, porém, percebe-se que servem para energizar o sujeito para que volte ainda mais rápido a alimentar o sistema. This study objective is to analyze time and spaces backwardness in velocity spaces at Sao Paulo city, regarding the non-places. Photography was the main instrument used for analyzes documentation to intermediate the observer and observed sights, and the appearance representation shall be borne of translated impressions by the author thought the abstractionism. Methodologically the participant observation was chosen due to permit flexibility to the study and for the emotional aspect supported by the method. After the acquaintance to the texts of the author Hall, Agambem, Giddens, Borriaud, Hardt and Negri, the bases for the study were stablished. This authors, in addition to accomplish mindful readings regarding the current moment, treat the depth imbrication of time and space at the contemporary. Milton Santos brings definitions that contributes to understand the different between territory and space. Certeau elucidates the difference between space and zone. Augé in a closer sight, treats places and non-places. The focus of this study is about the non places. Up to the present time the result that is reached in this study is, if in former times, where space was directly connected to time was a misdistribution of space, and today the unbalanced distribution also occurs over time, not providing to the individual free space to construct deep thoughts about the environment and about it who is. Cities reflect this imbalance. Some spaces are available in the city to rest, however, perceives that it serve to energize the subject, to get back even fast to feed the system.

Esta pesquisa objetivou identificar padrões formais, plásticos, sintáticos, semânticos e simbólicos eventualmente mais característicos de estamparias têxteis voltadas ao vestuário de usuárias das classes sociais média e alta. O estudo, de natureza mista, quantitativa e qualitativa, apresentou caráter essencialmente fenomenológico, buscando percepções de usuárias e especialistas (designers), ao comparar padronagens de estamparias gráficas utilizadas por mulheres das classes sociais média e alta. Do ponto metodológico, a pesquisa foi dividida em três estágios principais. Em um primeiro estágio foram selecionadas quatrocentas amostras de imagens de estampas voltadas para usuárias das classes média e alta, sendo duzentas amostras de cada classe. Estes dois grupos de duzentas amostras foram, então, reduzidos, aleatoriamente, a dois grupos de vinte amostras. Cada amostra, a partir deste ponto, foi minuciosamente isolada e abstraída do desenho da roupa, da pessoa que a estivesse trajando e de seu entorno, evitando-se variáveis contaminantes. No segundo estágio, as vinte amostras, já isoladas e abstraídas, foram individualmente apresentadas a especialistas (designers), com objetivo de estimulá-los a verbalizar categorias conceituais que pudessem ser utilizadas como norteadoras de um diferencial semântico a ser elaborado no terceiro estágio. Por fim, no terceiro estágio, sete amostras de cada um dos dois grupos foram reunidas, aleatoriamente, e apresentadas a dois grupos de respondentes (especialistas e usuárias) de maneira a atribuírem valores numéricos de 1 a 5 quanto a dez parâmetros (bipolarizados) induzidos a partir das análises obtidas dos dados oferecidos por especialistas no segundo estágio. Participaram do terceiro e último estágio 55 respondentes, sendo seis designers e 49 usuárias. Os resultados deste estudo foram, então, estratificados em vários quadros, entre os quais: amostras apenas da classe média, com respostas de especialistas e de usuárias; amostras apenas da classe alta, com respostas de especialistas e de usuárias; amostras da classe média e da classe alta, com respostas apenas de especialistas; amostras da classe média e da classe alta, com respostas apenas de usuárias; e amostras da classe média e da classe alta, com respostas da média de especialistas e usuárias. O cruzamento geral destas várias estratificações revelou singular e pouco antecipada convergência das respostas de especialistas e de usuárias sobre padrões de estampas têxteis atribuídos às classes média e alta. Notou-se, por exemplo, coincidências acentuadas nas respostas nas categorias simbólico/literal, cromático/acromático, sofisticado/rústico, linear/aleatório, clássico/moderno e geométrico/orgânico, entre amostras de padronagens têxteis voltadas às usuárias das classes média e alta. Divergências discretas foram, entretanto, observadas nas categorias equilibrado/desequilibrado, simetria/assimetria, comum/incomum e figurativo/abstrato. Este estudo conclui que variações qualitativas no vestuário das classes média e alta estariam, portanto, localizadas menos no âmbito das características formais, semânticas, simbólicas e estéticas das padronagens têxteis, residindo, muito possivelmente, sobretudo, na qualidade da impressão, acabamento, coloração, fiação, tecelagem, costura e em minúcias de seus desenhos apenas perceptíveis pela proximidade física e tátil dos referidos tecidos e peças de vestuário This research aimed to identify formal, syntactic, esthetic, semantic, and symbolic patterns possibly more closely associated with textile designs geared to the clothing of female middle and upper class users. The study, of a mixed nature, combined both the quantitative and qualitative approaches. It was of an essentially phenomenological character, searching for the perceptions of both users and design specialists, as they compared graphic design patterns utilized in the clothing of middle and upper class women. From a methodological standpoint, the study was divided into three main stages. In the first stage, 400 samples of photographs of textile design geared to female middle and upper class users, 200 corresponding to each group, were randomly selected from a variety of sources. Out of these two groups, another selection was then randomly conducted as well, narrowing both groups down to 20 samples each. Each textile sample, at this point, was thoroughly isolated and taken from the actual design of the clothing, from the person who might be wearing it and from its surroundings, therefore avoiding contaminant variables. In the second stage, those 20 samples, already isolated and taken out of their surroundings, were individually shown to textile and fashion design specialists, aiming to stimulate them to verbalize conceptual categories that could be utilized to guide the elaboration of a semantic differential in the third stage. Finally, in the third stage, seven samples from each of these two groups were randomly ordered and displayed to two groups of participants (design specialists and users). They were asked to grade them with numeric values from 1 through 5 regarding ten parameters (bipolarized) which were previously developed based on data provided by design specialists during the second stage. In this final stage, 55 respondents took part, six of which were design specialists and 49 of which were users. The results of this research were then stratified and displayed into various tables and charts, amongst which were: exclusively middle-class samples, featuring answers of both design specialists and users; exclusively upper-class samples, featuring answers of both design specialists and users; samples of both middle and upper class, featuring answers exclusively of design specialists; samples of both middle and upper class, featuring answers exclusively of users; and, finally, samples of both middle and upper class, featuring combined answers of design specialists and users. Cross-referencing of the various data stratifications revealed a unique and little-anticipated convergence of answers from both design specialists and users regarding textile graphic patterns linked to either middle or upper class clothing. Significant, coinciding patterns of responses were noted in conceptual categories such as symbolic/literal, chromatic/achromatic, sophisticated/rustic, linear/random, classic/contemporary and geometric/organic, among samples of graphic textile patterns associated with middle- and upper-class female users. Discrete divergences were identified, however, in categories such as balanced/unbalanced, symmetrical/asymmetrical, plain/rare and figurative/abstract. This study, then, reached the conclusion that qualitative variations in graphic design patterns in clothing of middle- and upper-class female users might, therefore, occur less in the realm of the studied formal, semantic, symbolic and aesthetic graphic textile patterns, as they seem to most likely reside, above all, in the printing quality, finishing, coloring, threading, weaving, sewing and in minute drawing details of the actual graphic textile patterns which can only be ascertained and appreciated by means of physical and tactile proximity to these graphic patterns and the actual clothing itself

Esta pesquisa busca delinear o contexto histórico e teórico sobre as tecnologias vestíveis de moda, enfatizando suas criações por meio da plataforma Arduino em mídia digital. Priorizam-se as possíveis relações com a reconfiguração dos espaços urbanos devidos à coexistência física dos lugares com o recente território informacional. Abrange-se, também, uma perspectiva sobre a relação corpo e tecnologia, na qual este último foi, e ainda é, essencial na gestão dos indivíduos nas grandes cidades. Por meio deste trabalho, acredita-se tanto na possibilidade de fomentar uma nova área de saber de moda quanto na reflexão de uma nova imagem de subjetividade que considere, simetricamente, a atuação de humanos e não-humanos, assim como as instâncias físicas e virtuais This research aims to delineate the historical and theoretical context about fashionable wearable technology, emphasizing their creations through the Arduino platform in digital media. Possible relations with the reconfiguration of urban spaces due to physical coexistence of the places with the recent informational territory are given priority. It covers is also a perspective on the relationship body and technology, in which the latter was and still is essential in the management of individuals in large cities. Through this work, it is believed either the possibility of fostering a new area of knowledge of fashion, as the reflection of a new image of subjectivity to consider symmetrically the performance of humans and non-humans, as well as the physical and virtual instances

Esta pesquisa caracteriza-se pelo estudo dos principais designers de moda pertencentes à frente japonesa e belga na década de 1980, tais como: Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto, Issey Miyake e Martin Margiela a partir da Teoria da Complexidade, do pensador francês Edgar Morin. Tem como objetivo investigar a hipótese de que o trabalho de tais designers se estabeleceu de maneira complexa como uma força de ruptura ao questionar e subverter a moda então vigente e, sobretudo, influenciar os rumos da moda contemporânea. Para tanto, a pesquisa fundamenta-se na Teoria da Complexidade enquanto base teórica e metodológica para certificar a complexidade do trabalho destes designers, bem como a complexidade da própria moda. Parte-se da premissa de que a moda é uma ciência sistêmica, e como tal, deve ser abordada por uma visão plurilateral mediante ao agrupamento e correlação de diversas áreas e, respaldada pelo caráter de não especialização proposto pela Teoria da Complexidade, esta pesquisa perpassa por diferentes campos do conhecimento como a filosofia, sociologia, história, arte e design. Isto posto, propõe-se um estudo bibliográfico e a análise iconográfica dos designers mencionados, ainda de maneira interdisciplinar, em três vertentes distintas e complementares: ideias, tecnologia e forma; e o estudo de sua respectiva influência sobre a moda contemporânea This research is characterized by the study of the main fashion designers from the Japanese and Belgian movements in the 1980s, including Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto, Issey Miyake and Martin Margiela, analyzed through the perspective of the Complexity Theory created by the French philosopher Edgar Morin. The objective of this study is to investigate the hypothesis that the work of these designers was based in a complex way as a force of rupture, questioning, subversion and influence to the contemporary fashion. For this, the research is based on the Complexity Theory with theoretical and methodological bases to certify the complexity in the career of these designers and also the complexity of fashion itself. It is based on the premise that fashion is a systemic science and should be approached by a plurilateral view through the grouping and correlation of several segments and, supported by the non-specialization profile proposed by Theory of Complexity, this research studies different areas of knowledge, including philosophy, sociology, history and design. The main proposal of this research is to trace a biographical study and an iconographic analysis of the designers in an interdisciplinary way with three distinct and complementary aspects: ideas, technology and form, and also study their respective influence on contemporary fashion.

Esta pesquisa tem como objetivo mapear e demonstrar diferentes formas de representação visual da figura humana, tais como esboços, croquis, desenhos técnicos e ilustrações, no campo do design de moda, com o emprego de recursos expressivos manuais e digitais, a fim de destacar aspectos relevantes como os processos criativos específicos na utilização do desenho como ferramenta de expressão. Visa esclarecer os processos e técnicas que se adequem melhor aos parâmetros do pensamento criativo. Na moda, as técnicas de representação visual são compostas por um conjunto de procedimentos e métodos apresentados por características e funções específicas durante a execução de um projeto - conceituação, concepção e apresentação de proposta. Ao considerar esse tipo de representação uma fonte da expressão criativa, percebe-se a importância de desenvolver seus fundamentos para moda. Com isto, realizou-se um mapeamento, coleta e classificação de diversos registros e documentos que continham representações da figura humana e do vestuário por meio do desenho, a fim de identificar aspectos relevantes, tais como as modalidades, as técnicas, tipos de linguagem, emprego de recursos expressivos etc., na confecção do desenho enquanto meio de expressão dos conceitos de um projeto de moda. Para tanto, foram pesquisados autores como Saywer, Bonsiepe, Alencar, Munari, entre outros, que dedicaram seus estudos à abordagem de temas como criatividade humana, estágios do processo criativo e metodologias; e também autores como Hopkins, Gragnato, Medeiros, entre outros, que estudam as questões relevantes sobre desenho na moda This research aims to map and demonstrate different forms of visual representation of the human figure, such as sketches, technical drawings and illustrations, in the fashion design field, using manual and digital expressive resources, in order to highlight some relevant aspects as the specific creative processes in the use of drawing as an expression tool. It aims to clarify the processes and techniques that suit better to the creative thought parameters. In fashion, the visual representation techniques consist of a set of procedures and methods presented by specific characteristics and functions during a project execution - conceptualization, conception and proposal presentation. By considering this type of representation a creative expression source, it is possible to notice the importance of developing its fashions foundations. Therefore, a mapping, collection and description of several registers and documents were accomploshed. These documents contained representations of the human figure and his clothing through drawings in order to identify relevant aspects, such as modalities, techniques, types of language, expressive resources use etc, in the drawing composition as a way of expressing the concepts of a fashion project. To this research some authors were studied as Saywer, Bonsiepe, Alencar, Munari among others who dedicated their studies to the approach of themes such as human creativity, creative process stages and methodologies; and also authors such as Hopkins, Gragnato, Medeiros among others who study relevant questions about fashion drawings

Este trabalho buscou fazer recortes a partir de pesquisas bibliográficas em dados secundários históricos para elaborar uma linha cronológica da ornamentação, deste a pré-história até a década de 1990. Para atingir o objetivo especifico, foi necessário fazer recortes na história mundial, nas comunicações visuais, nas vestimentas e na ornamentação para que fosse possível elaborar as interfaces de todos os dados obtidos, saber como cada tópico influenciou no emprego de materiais, técnicas e também o uso dos ornamentos por parte de cada individuo. Os ornamentos caracterizam mundialmente os diferentes grupos e culturas e este é um relevante fator de estudo que pode ser muito abrangente em seus mais diversos aspectos. Sendo assim, sabe-se que a vestimenta, mais tarde vista como moda, estabelece uma relação entre pessoa e objeto; os indivíduos consomem a vestimenta pela necessidade da utilização da indumentária, podendo-se atribuir a ela uma diferenciação visual social. Paralelamente à vestimenta, há os ornamentos, detectados na vida do homem desde os primórdios, que atravessaram toda a história da humanidade até a sua chegada aos tempos atuais, na condição de serem requisitos tão necessários tanto quanto a própria vestimenta The present article aimed to make cuts from library research in historical secondary data in order to elaborate a chronological line in ornamentation, since pre-history to the late 1990s. To achieve the specific purpose, it was necessary to make cuts in world history, in visual communications, clothing and adornment in order to make it possible to elaborate the interfaces of all obtained data, knowing how each topic influenced the use of materials, techniques and also use of ornaments by each individual. The ornaments worldwide characterize the different groups and cultures and this is a significant study factor that can be very broad in its various aspects. Thus, it is known that the garment later seen as fashionable, establishes a relationship between the person and the object; the individuals consume garment by the need for the use of clothing, and it may be attributed to it a social visual differentiation. In parallel to garment, there are the ornaments, detected in human life from the very beginning that have gone through the entire history of humanity until their arrival in the present times, in a condition to be requirements as necessary as the garment itself

A temática deste estudo tem como investigação a sociologia da moda a partir da telenovela brasileira Avenida Brasil, que pode ser considerada um estudo de caso onde demonstra a forma de consumo das camadas periféricas da sociedade. A Moda tem sido alvo de reflexões e estudos de alguns filósofos, economistas, sociólogos e psicólogos durante os últimos três séculos. As contribuições da sociologia para o estudo da moda podem ser divididas em dois períodos: o primeiro a partir do final do século XIX à primeira metade do século XX, onde autores como Spencer, Simmel, Tarde e Veblen, publicaram livros e ensaios que contêm esclarecedoras hipóteses deste fenômeno social complexo. O segundo período estende-se desde os anos cinquenta do século passado até os dias atuais e apresentam trabalhos de estudiosos que ao lado de observações intuitivas também contêm pesquisas sobre o fenômeno da moda. Esta pesquisa visa traçar argumentos sobre o fenômeno da moda a partir de alguns filósofos conhecidos (de Kant a Rousseau, de Nietzsche a Benjamin) e na área da sociologia igualmente considerados (de Tarde para Blumer, Baudrillard Spencer, Simmel e Crane). Uma antologia que parte também, de alguns textos traduzidos pela primeira vez do italiano, oferecendo uma visão das teorias sociológicas sobre a difusão da moda e suas características fundamentais The theme of this study is to research the sociology of fashion from Avenue Brazil Brazilian soap opera, which can be considered a case study which demonstrates how to use the peripheral layers of society. The fashion has been the subject of studies and reflections of some philosophers, economists, sociologists and psychologists over the last three centuries. The contributions of sociology to the study of fashion can be divided into two periods: the first from the late nineteenth century to the first half of the twentieth century, where authors like Spencer, Simmel, Tarde and Veblen, published books and essays containing enlightening hypotheses of this complex social phenomenon. The second period extends from the fifties of the last century to the present day and present works of scholars who with intuitive observations to also contain research on the phenomenon of fashion. This research aims to outline arguments about the phenomenon of fashion from some well-known philosophers (Kant to Rousseau, Nietzsche Benjamin) and in sociology also considered (Afternoon to Blumer, Baudrillard Spencer, Simmel and Crane). An anthology that also part of some translated for the first time the Italian texts, offering a vision of sociological theories on the diffusion of fashion and its key features

O presente estudo tem por objetivo observar as mudanças estéticas havidas no decorrer do século XIX, mediante a comparação da sociedade moralista oitocentista e alguns estereótipos do gênero feminino produzidos e impulsionados pelo cinema clássico hollywoodiano do início do século XX com intercessão da moda e da cosmética. Propõe um confronto entre a construção estética e o contexto social, sob a perspectiva da moda, da cosmética, e do cinema e a possível relação quanto à difusão da simplificação e posterior democratização dos trajes até o início da década de 1960. O cinema avaliado, nesse sentido, como primeiro veículo de alto poder de persuasão, coloca-se como um provedor de tendências das aparências e de fomento de comportamentos que poderiam ser adotados pela massa. A pesquisa parte de uma abordagem qualitativa, de caráter exploratório, por meio de referências bibliográficas e análise do vestuário e de maquiagem presente nas filmografias e nas revistas de fãs, no espaço de tempo selecionado. Ao identificar as alterações estéticas promovidas pelo incentivo midiático desde seus primórdios, disponibilizam-se respostas sobre a importância dos meios de comunicação nas construções dos visuais femininos modernos This research aims to observe the aesthetics changes occurred throughout the 19th century, through the comparison of 19th century moralist society and some stereotypes of the female gender produced and driven by the classic Hollywood cinema of the early 20th century with the intercession of fashion and cosmetics. It proposes a confrontation of aesthetic construction and the social context, from the perspective of fashion, cosmetics, and the cinema and its possible relationship with regard to the dissemination of simplification and greater democratization of the costumes until early 1960. The cinema evaluated in this sense, as the first high persuasion power vehicle, as a provider of trends of appearances and promoting behaviors that could be adopted by the mass. The research departs from a qualitative approach on the subject, exploring, through the analysis of clothing and makeup related to the filmography and the fans magazines in the timeframe selected. Identifying the aesthetics changes promoted by the media since its inception, offering answers to the importance of the media in the construct of the modern female visuals

Esta pesquisa tem como objetivo analisar o período compreendido entre a metade do século XIX e o começo do século XX a fim de identificar que aspectos e componentes da estética e valores culturais japoneses teriam sido eventualmente integrados aos movimentos artísticos europeus e ao design de moda. O interesse ocidental pelo Oriente sempre existiu, porém, foi intensificado após a abertura dos portos japoneses em 1854, depois de mais de dois séculos em reclusão. O encontro entre duas culturas tão distintas causou grande entusiasmo na Europa, com diversos autores que defendem que esta aproximação influenciou o rumo das artes, do design e de outros diversos campos, resultando em um movimento estético denominado Japonismo. Desse modo, esta pesquisa de natureza qualitativa, na modalidade histórica, gerada a partir de estudos bibliográficos e estudo de campo em museus e exposições, pretende expor exemplos e tecer reflexões sobre a importância do intercâmbio cultural entre o Japão e a Europa do final do século XIX e início do século XX, mais especificamente nos campos da arte e da moda The aim of this research is to study the period between mid-19th century and beginning of 20th century to identify which aesthetic and cultural values aspects and components would eventually have been integrated to European fashion design and art movements. The occidental interest towards the orient have always existed, although, it was intensified after the opening of Japanese ports on 1854, after more than two centuries of seclusion. The encounter of such different cultures triggered enthusiasm in Europe, and several authors suggest that this gathering led the way of art, design and many several fields, resulting in an aesthetic movement called Japonism. Therefore, this qualitative research, on history, generated from bibliographical and field study in museums and exhibits, intends to bring into thought the importance of cultural exchange between Japan and Europe on the end of 19th Century and beginning of 20th century, specifically on art and fashion

A indústria têxtil brasileira emprega diferentes tipos e processos de design de moda. Nesse contexto, o objetivo deste trabalho é demonstrar e analisar alguns dos seus principais tipos e processos. Desse modo, pretende-se esclarecer como esse design traz benefícios ao desenvolvimento do produto de moda; benefício que redunda num melhor aproveitamento dos aspectos financeiros e produtivos da indústria. Pretende-se ainda, apontar o uso e as aplicabilidades desses desenhos, como ferramentas que aprimoram o processo criativo e sua comunicação, ao exibir formas e materiais, combinações de cores, estampas e peças prontas, com o intuito de diminuir o tempo de criação, contribuir na finalização e comercialização do produto de moda. Para tanto, buscou-se pesquisar a literatura sobre o assunto com fundamentação teórica para a realização de uma pesquisa de campo The Brazilian textile industry employs different types and fashion design processes. In this context, the aim of this study is to demonstrate and analyze some of the main types and processes. Thus, it is intended to clarify how this design is beneficial to the development of fashion products; benefit which results in better utilization of financial aspects and productive industry. It is also intended, to point the use and applicability of these drawings as tools that enhance the creative process and its communication, to display forms and materials, combinations of colors, patterns and finished parts, in order to decrease the time of creation, contribute to the completion and sale of the fashion product. To this end, we sought to investigate the literature on the subject with theoretical foundation for conducting a field survey

São raras as oportunidades para expor um traje de cena fora da cena, em uma exposição na qual seja possível refletir sobre a obra criada, seu processo de trabalho e propostas cênicas, tanto no País quanto no exterior. A maior exposição internacional de performance design acontece, há 58 anos, na República Tcheca, tendo reunido artistas, pesquisadores e estudantes de 90 países, na última edição, em 2015. Durante a Quadrienal de Praga (1967-2015), o Brasil já foi premiado diversas vezes, incluindo o prêmio máximo da PQ: a Triga de Ouro, em 1995 e 2011. Porém, a falta de uma instituição responsável pela organização da participação do País causa instabilidade nas formas curatoriais, além de escassez de verba. Este estudo investiga como o traje de cena do teatro brasileiro é representado na exposição internacional. Um percurso que se faz necessário iniciar na Bienal Internacional das Artes Plásticas do Teatro (1957 a 1973), evento criado como um quadro pertencente à Bienal de São Paulo e que, após sua quinta edição, faria surgir a exposição tcheca. Uma documentação inédita, com amplo resgate documental e iconográfico, compõe esta tese e serve como fundamental objeto de estudo para reconhecer qual a posição do traje cênico nesta trajetória de vinte edições, construída ao longo de 58 anos, para possibilitar a investigação da hipótese desta tese: confirmar se, no histórico da participação brasileira, entre 1987 e 2003 - quando a representação do país esteve aos cuidados do cenógrafo J. C. Serroni - houve algum tipo de preferência curatorial por artistas e/ou trabalhos cujos trajes de cena tenham reforçado uma possível presença de influência na construção da imagem do figurino teatral de acordo com estereótipos da cultura brasileira, em destaque as características estéticas do Carnaval. There are few opportunities to expose a costume design out of the scene in an exhibition in which to reflect on the work created, their process and scenic proposals, both at home and abroad. The largest international exhibition of performance design happens, during the last 58 years, at the Czech Republic and brought together artists, researchers and students from ninety countries in the last edition in 2015. During the Prague Quadrennial (1967-2015), Brazil has been awarded several times, including with the top prize of the PQ: the Golden Triga, in 1995 and 2011. However, the lack of an institution responsible for organizing the country\'s participation causes instability in curatorial forms, as well as lack of funds. This study investigates how the Brazilian theatrical costume design is represented at the international exhibition. A route that is needed to start with the International Biennial of Visual Arts of Theater (1957-1973), an event created as a frame belonging to the Bienal de São Paulo and, after its fifth edition, would raise the Czech exhibition. An unpublished documentation with extensive documentary and iconographic rescue, makes up this thesis and serves as a fundamental object of study to recognize what position the scenic costume has in this twenty editions\' trajectory, built over 58 years, to enable the research hypothesis of this thesis: confirm that, in the history of Brazilian participation at PQ, between 1987 and 2003 - when the representation of the country was in the care of set designer J. C. Serroni - there was some sort of curatorial preference by artists and / or works that led to the reinforcement of stereotypes of the Brazilian culture, highlighted the aesthetic features of the Carnival.

Baseando-se nos conceitos de tradição de Eric Hobsbawn e seus colaboradores, e no referencial teórico da semiótica discursiva desenvolvida por Algirdas Julien Greimas, buscou-se examinar as estratégias discursivas que tecem a significação de tradição em uma das principais casas de marroquinaria, com mais de um século de existência, a Hermès. Especificamente, procurou-se compreender como os produtos icônicos da marca figurativizam modos de vida de seus consumidores e veiculam valores da família em suas distintas configurações plásticas, revelando-se, assim, como uma marca tradicional que se reinventa a cada temporada, como um símbolo de rigor e excelência. Based on the concepts of tradition of Eric Hobsbawm and his collaborators, and the theoretical framework of discursive semiotics developed by Algirdas Julien Greimas, we sought to examine the discursive strategies that weave the significance of tradition in one of the main homes of leather over a century of existence, Hermès. Specifically, we sought to understand how iconic products figurative lifestyles of its consumers brand and convey family values in their different visual settings, revealing itself as well as a traditional brand that reinvents itself every season as a symbol of rigor and excellence.

Tem como objetivo geral documentar, registrar e analisar o método de trabalho artesanal com o couro do artesão cearense Espedito Seleiro e suas relações com o design, além de analisar as técnicas artesanais do couro utilizadas pelo artesão e, respectivamente, neste contexto, a memória cultural, identidade e tradição no Sertão do Ceará. O estudo expressa relevância cultural e econômica, envolvendo a pesquisa do valor simbólico dos bens produzidos com base em metodologias tradicionais, como, também, é a investigação de aspectos econômicos por se tratar da colaboração entre a metodologia tradicional e o design para o desenvolvimento de novas propostas. Os procedimentos metodológicos seguidos foram: pesquisa qualitativa e exploratória com embasamento no método etnográfico, em que constam levantamentos bibliográficos dos eixos design, artesanato e identidade; entrevista de história de vida com o método biográfico e visita à cidade e oficina (Ateliê / loja) do artesão; análise das características dos desenhos no trabalho do artesão, fazendo uma ligação com os pontos da linguagem visual; elaboração teórica das relações do artesão com a moda e o design, além da abordagem também do método da pesquisa-ação, com projeto prático desenvolvido pela autora ou além das contribuições para a área de Design de Moda; este trabalho também poderá auxiliar na divulgação, para outros povos, da tradição cultural nordestina, no trato da superfície do couro dentro da confecção de acessórios em geral e nortear pesquisas arrimadas noutras experiências com artesãos que trabalham com outras metodologias. A pesquisa é um resgate, em vida, da memória das técnicas do ofício com o couro para o próprio artesão, que terá a oportunidade de presenciar seus saberes socializados It has as main objective documenting, recording and analyzing the artisanal way of working with leather of Espedito Seleiro, a craftsman from Ceará, and his relations with design, besides analyzing the craft techniques used by the leather craftsman and respectively in this context, cultural memory, identity and tradition in the countryside of Ceará. The study presents cultural and economic relevance, involving research of the symbolic value of goods produced by \"traditional\" methods, but it is also the investigation of economical aspects because it is the collaboration between traditional methodology and design for the development of new proposals. The methodological procedures followed were: qualitative and exploratory research with grounding in the ethnographic method, in which is listed literature surveys of areas: design, craftsmanship and identity. Life history interview with the biographical method and a visit to the city and atelier (atelier / store) of the artisan; analysis of characteristics of the drawings in the artisan work, making a connection with the points of visual language; theoretical construction of the craftsman\'s relationship with fashion and design, as well as the approach of action research method, with practical project developed by author, or in addition to the contributions to the area of Fashion Design, this work may also aid in spreading the Northeastern cultural tradition to other people, concerning the tract of leather surface in the production of accessories in general and guide research from other experiences with craftsmen working with other methodologies. The research is a rescue alive, of the memory of craft techniques with leather for the craftsman himself who will have the opportunity to witness their socialized knowledge

Este trabalho científico refere-se à pesquisa e ao levantamento de informações de caráter bibliográfico sobre aspectos interdisciplinares de cunho social que interagem com a moda, aborda então parte da multiplicidade de assuntos relacionados à mesma, como a relação social existente por meio da mesma: identidade, pertencimento, imitação/diferenciação, comunicação existente na moda, a importância da marca como ferramenta social. Partindo deste contexto da relação moda sociedade - indivíduo, inicia-se uma reflexão sobre a influência que a moda possui sobre a sociedade, ao atingir diretamente o gosto individual. Oferecendo sentidos psicológicos, culturais e comportamentais ante ao coletivo, ao ponto de carnificar o design ao imposto pelo ambiente em questão, por um impulso adaptativo a fim de obter a socialização. Desta feita, a moda também está atrelada a constante insatisfação, uma vez que o mundo vive repentinas alterações, em todo o tempo, até muitas vezes mútuas alterações. Sendo assim, apresenta-se como um forte e importante meio de comunicação, que transmite significados pessoais e sociais adicionados a aspectos funcionais, por meio, então, da presente revisão bibliográfica pautada na temática referente à moda como ferramenta de socialização, comunicação, identidade e pertencimento. This work refers to scientific research and information gathering bibliographical interdisciplinary aspects of social interacting with fashion, then part addresses the multiplicity of issues related to it, such as social relationship existing by same: identity , belonging, imitation / differentiation, communication existing in fashion, the importance of branding as a social tool. From this context of relative fashion - society - individual, begins to reflect on the influence that fashion has on society, to directly reach individual taste. Offering senses psychological, cultural and behavioral compared to the collective, to the point carnificar design imposed by the environment in question, by an impulse to obtain adaptive socialization. This time, fashion is also linked to constant dissatisfaction, since the world is experiencing sudden changes, all the time, often to mutual changes. Thus, presents itself as a strong and important means of communication that transmits personal and social meanings added to functional aspects, by then, this literature review guided by the thematic stylish as a tool of socialization, communication, and identity belonging.

À frente de seu tempo e com dons excepcionais, Victor Brecheret trilhou um árduo caminho de sucesso. Mesmo com poucos recursos, nunca desanimou ou deixou de tentar, tendo estudado em diversas escolas de arte, inclusive em Paris, como bolsista. Nascido na Itália, veio para o Brasil quando ainda era criança, e cresceu entre os grandes e renomados nomes da arte. Morou em Roma, onde abriu seu primeiro atelier, mas foi em Paris que elevou e firmou seu estilo. Sua temporada parisiense é recheada pelo aprendizado das três fontes: ênfase ao volume geométrico das esculturas cubistas, ao tratamento sintético da forma de Brancusi e à estilização elegante do Art Déco. Além desses estilos, Brecheret trouxe da Europa os traços do modernismo. Durante toda sua carreira artística, desenvolveu diversos e diferenciados trabalhos, porém, é sempre lembrado por talhar seu cinzel em gigantesco bloco de mármore, dando forma a magníficas e esculturais obras. Seu maior trabalho, o mais reconhecido e citado, é, sem sombra de dúvidas, o Monumento às Bandeiras, na cidade de São Paulo, pelo qual deixou sua marca registrada, eternizando seu nome e firmando sua arte. Brecheret também deixou sua marca em obras tumulares que encantam os olhos e transformam a dor da morte em beleza e suaves lembranças de uma vida plena. Sua principal obra, dentre a arte tumular, é a Musa Impassível, que adornou com graciosidade o túmulo da poetisa Francisca Júlia, por mais de 80 anos (1923-2006) e, desde 2006, está alocada na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Criada como uma homenagem póstuma a uma grande mulher, a Musa Impassível é a união da literatura com a arte, da poetisa com o escultor, da dor com a beleza, da morte com a eternidade; é a real certeza de que uma pessoa pode ser eternizada por meio de uma escultura, admirada entre infinitas gerações e lembrada pelas suas conquistas e grandiosidade. Ahead of his time and exceptional gifts, Victor Brecheret walked a hard path of success. Even with few resources, never discouraged or stopped trying, he studied at several art schools, including in Paris with a scholarship. Born in Italy, he came to Brazil when he was a child and grew up among the great and renowned art names. He lived in Rome, where he opened his first atelier, but it was in Paris that he raised and formed his own style. His Parisian season is filled by learning from three sources: emphasis on geometric volume of cubist sculptures, synthetic treatment of form of Brancusi and the elegant Art Deco styling. In addition to these styles, Brecheret brought from Europe traces of modernism. Throughout his artistic career, he has developed on diversed and differentiated work; however, he is always remembered for his chisel carving in mammoth marble blocks, forming the magnificent and sculptural works. His greatest work, which is the most recognized and quoted, is undoubtedly the Monument to the Flags in the city of São Paulo, and for which he left his trademark, immortalizing his name and establishing his art. Brecheret also left his mark on tomb works. His funerary art is to delight the eyes and transform the pain of death in beauty and soothing memories of a full life. His main work, in the funerary art, is the Impassive Muse, which has been adorning with grace, the tomb of the poet Frances Julia for over 80 years (1923-2006), and since 2006, has being allocated in the Pinacoteca of the State of São Paulo. Created as a posthumous tribute to a great woman, the Impassive Muse is the union of literature with the art, the poet with the sculptor, pain with beauty, death with eternity; it is the real certainty that a person can be immortalized by a sculpture, admired along endless generations, and remembered for its achievements and grandeur.

O vestuário, tem seu mercado predominantemente norteado por tendências e diferenciais agrega- dos ao produto. Na confecção, estas variáveis são aplicadas ao material têxtil, em sua construção, não tanto nas qualidades internas, mas na aparência. Arranjos sistemáticos na superfície têxtil promovem qualidades táteis e visuais. A textura plissada e sua beleza atemporal é objeto deste estudo. A proposição é percorrer o trabalho histórico para o levantamento das técnicas de produção artesanais e semi-industriais. A partir destas, sistematizar seus conceitos, técnicas e materiais que as reproduzam. Assim, prover aos profissionais e artesãos, conhecimento acessível para o uso em seus serviços e produtos. Artesãos que tem cultuado a arte têxtil a gerações, unem-se à indústria para potencializar suas obras. Artesanalmente, os plissados podem ser reproduzidos a partir de simples materiais de costura domésticos. Os tipos de plissados vão desde os clássicos até os mais elaborados; dos geométricos como os do tipo faca, os orgânicos como os do tipo shibori aos sofisticados como as tesselações. A plissarem semi-industrial, feita com a utilização de fôrmas de papelão permite a reprodução a partir de um padrão. Todos os interessados podem fazer a criação de seus próprios padrões e fôrmas de plissagem com os conceitos de design de superfície e os princípios da dobradura. The clothing has its market predominantly guided by trends and added differentials to the product. In the making, these variables are applied to the textiles in its construction, not so much in inner qualities, but in appearance. Systematic arrangements in the textile surface promote tactile and visual qualities. The pleated texture and its timeless beauty is the subject of this work. The proposition is going through the historical data to survey the handmade and semi-industrial production techniques. From these, systematizing their concepts, techniques and materials to reproduce them. Thus provide professionals and artisans, knowledge accessible for use in your services and products. Artisans who have worshiped the textile art through generations unite in partnership to the industry to enhance their work. Handmade, the pleats can be done with simple household sewing materials. The pleat types range from the classics to the most elaborate; from geometric as knife type and organic as shibori to sophisticated as tessellations. The semi-industrial pleats are made by the use of cardboard molds by which patterns follows chosen standards. Everyone can create an own pattern and pleating molds based on surface design concepts and principles of folding.