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RESUMO O artigo discute Bacurau, de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, enfocando, sob a perspectiva da crítica materialista-dialética em um país de capitalismo dependente, o tratamento do binômio moderno-arcaico e da melancolia, no qual comparecem, como alegorias no filme, obras artísticas brasileiras. Debate ainda as figurações em torno do projeto de nação, transformação social e resistência das classes populares no Brasil contemporâneo. ABSTRACT The paper discusses Bacurau, by Kleber Mendonça Filho and Juliano Dornelles, focusing, from the perspective of materialist-dialectical criticism in a country of dependent capitalism, the treatment of the modern-archaic binomial and melancholy, in which appear, as allegories, Brazilian artistic works. The paper also debates the figurations around the nation project, social transformation, and the resistance of the popular classes in contemporary Brazil.

Em dois filmes de terror brasileiros recentes – O nó do diabo and O diabo mora aqui – aparecem fantasmagorias referentes à escravidão. Nessas narrativas, o passado violento emerge no presente como uma irrupção inesperada. Outro filme contemporâneo, Bacurau, situa suas ações no futuro ; de acordo com essa narrativa distópica, uma comunidade inteira é atacada por estrangeiros, e encontra condições para resistir e sobreviver. Um livro recente, A nova ordem de Bernardo Kucinski, é também construído com um enredo distópico, apresentando o Brasil como um país sob um regime totalitário. Essas narrativas têm em comum rupturas com referências lineares ao tempo, e recursos formais procedentes do horror tradicional. Esta reflexão discute como esses elementos comuns são importantes, em um país que recentemente atravessou um regime autoritário e regressivo. In two recent Brazilian horror films – O nó do diabo and O diabo mora aqui – there are phantasmagorias related to slavery. In these narratives, the violent past comes to the present as an unexpected irruption. Another contemporary film, Bacurau, places the actions in the future ; according to this dystopian narrative, a whole community is attacked by foreigners and finds way to resist and survive. A recent book, A nova ordem by Bernardo Kucinski is also constructed as a dystopian plot, presenting Brazil as a country under a totalitarian regime. These narratives have in common ruptures with linear references to time and formal resources coming from traditional horror. In this reflection, we discuss how important these common elements are in a country, which recently went through an authoritarian and regressive regime.

O sertão é tomado enquanto espaço para o desenvolvimento da literatura de terror desde o século XIX, segundo Silva (2016), com obras como O Cabeleira (1876), de Franklin Távora e Os brilhantes (1895), de Rodolfo Teófilo. No século XXI, o sertão vem se reafirmando como um dos espaços característicos do gênero de terror, tanto na literatura quanto no cinema. O presente artigo tem como objetivo analisar como o humor, a crítica social e o fantástico são utilizados como recurso literário e fílmico no romance O Capeta-Caolho contra a Besta Fera (2018), de Everaldo Rodrigues e no filme Bacurau (2019), dirigido por Kleber Mendonça e Juliano Dornelles. The sertão has been taken as a space for the development of horror literature since the 19th century, according to Silva (2016), with works such as O Cabeleira (1876), by Franklin Távora and Os brilhantes (1895), by Rodolfo Teófilo. In the 21st century, the sertão has been reaffirming itself as one of the characteristic spaces of the horror genre, both in literature and cinema. This article aims to analyze how humor, social criticism and the fantastic are used as literary and filmic resources in the novel O Capeta-Caolho contra a Besta Fera (2018), by Everaldo Rodrigues and in the film Bacurau (2019), directed by Kleber Mendonça and Juliano Dornelles.

Esse livro nasce de duas circunstâncias que se somaram para sua aparição. A primeira, bem dramática, deve-se à pandemia do Corona vírus, uma vez que o trabalho de campo previsto no projeto de pesquisa ficou inviabilizado. Para seguir com a dimensão empírica que compunha as estratégias metodológicas decidi entrevistar especialistas que trabalhassem com o conceito de espectatorialidade, inspirada na dinâmica da técnica Delphi. Daí surge a segunda circunstância, quando o primeiro entrevistado perguntou se eu iria publicar, o que não me havia ocorrido até então. Espero que os leitores se sintam tão provocados quanto eu para seguir no debate das questões aqui apresentadas.

RESUMO O objetivo deste artigo é comentar a conferência “Cinema Brasileiro e Realidade Social”, escrita no início dos anos 1960 por Paulo Emílio Salles Gomes. Mais especificamente, trata-se de identificar as tensões que atravessam a obra do crítico paulista num período marcado pela emergência de uma nova produção cinematográfica e pelas discussões em torno do desenvolvimento econômico do país. De maneira significativa, a conferência se apropria da obra Formação da literatura brasileira, de Antonio Candido de Mello e Souza, de modo a apresentar de uma maneira particular uma “tomada de consciência” acerca do cinema brasileiro, de sua situação e de suas possibilidades. ABSTRACT The aim of this article is to comment on the conference “Brazilian Cinema and Social Reality,” written in the early 1960s by Paulo Emílio Salles Gomes. More specifically, it seeks to identify the tensions that pervade the work of the film critic from São Paulo in a period marked by the emergence of a new type of cinema production and by discussions on the country’s economic development. Significantly, the conference borrows from Formação da literatura brasileira, by Antonio Candido de Mello e Souza, presenting a particular kind of “new awareness” about Brazilian cinema, its situation and possibilities.

Este trabajo tiene como objetivo analizar la espacialidad presente en las películas brasileñas contemporáneas que traen el tema del resentimiento. Trabajado en Filosofía por Nietzsche, en Sociología por Adorno y Horkheimer, y en Psicología por Kehl, el resentimiento se relaciona con la idealización moderna que presupone la igualdad entre los hombres y se caracteriza por la incapacidad de un individuo para actuar afirmativamente debido a algún daño que se le causa. a él, siendo consumido por una venganza que es sólo imaginaria. Para Nietzsche, es una de las tres formas de nihilismo y es la esencia de la moral cristiana. En Sociología, se basa en una falsa mímesis. Psicológicamente, está relacionado con la privación y la negativa a asumir la responsabilidad de las propias elecciones. Estéticamente, está ligado al (melo)drama y a cierto maniqueísmo de los personajes, y está presente en el audiovisual brasileño contemporáneo a través de las 'figuras del resentimiento'. Metodológicamente, para tratar el tema, realizamos una revisión bibliográfica y utilizamos algunas películas producidas en Brasil a partir de 2000., Este trabalho tem por objetivo analisar a espacialidade presente em filmes brasileiros contemporâneos que trazem a temática do ressentimento. Trabalhado na Filosofia por Nietzsche, na Sociologia por Adorno e Horkheimer, e na Psicologia por Kehl, o ressentimento está relacionado à idealização moderna que pressupõe a igualdade entre os homens e caracteriza-se pela incapacidade de um indivíduo agir afirmativamente em função de algum dano que lhe é causado, passando a se consumir por uma vingança apenas imaginária. Para Nietzsche, é uma das três formas de niilismo e é a essência da moral cristã. Na Sociologia, fundamenta-se na mimese falsa. Psicologicamente, atrela-se à privação e à recusa em se responsabilizar pelas escolhas próprias. Esteticamente, vincula-se ao (melo)drama e a certo maniqueísmo das personagens, e está presente no audiovisual brasileiro contemporâneo por meio das ‘figuras do ressentimento’. Metodologicamente, para tratarmos do tema, realizamos revisão bibliográfica e utilizamos alguns filmes produzidos no Brasil a partir de 2000., This work aims to analyze the spatiality present in contemporary Brazilian films that bring the theme of resentment. Worked in Philosophy by Nietzsche, in Sociology by Adorno and Horkheimer, and in Psychology by Kehl, resentment is related to the modern idealization that presupposes equality among men and is characterized by the inability of an individual to act affirmatively due to some damage that is caused to him, becoming consumed by a revenge that is only imaginary. For Nietzsche, it is one of the three forms of nihilism and is the essence of Christian morality. In Sociology, it is based on false mimesis. Psychologically, it is linked to deprivation and the refusal to take responsibility for one's own choices. Aesthetically, it is linked to the (melo)drama and a certain manichaeism of the characters, and is present in contemporary Brazilian films through the 'figures of resentment'. Methodologically, to deal with the theme, we carried out a bibliographical review and used some films produced in Brazil from 2000 onwards.

No presente artigo, destacaremos o filme Ajuricaba – o rebelde da Amazônia, a fim de refletir sobre como os indígenas Manaus e seu personagem mítico Ajuricaba, bem como as paisagens da Amazônia e seus significados incorporados, são representados numa narrativa que se alterna entre o século XVIII e o presente. Ao ter a sua história relembrada na narrativa fílmica que se conecta com o presente o filme destaca “certas continuidades históricas”, conforme anuncia Shohat e Stam (2006), as quais buscaremos analisar. No filme, é também simbólica a representação desses espaços da Amazônia e a sua relação entre o urbano e o não urbano. Essas paisagens e suas reproduções permanecem vinculadas, de acordo com Aumont (1995), àquilo que se encontra dentro do campo e traz indícios do que está fora de campo. Essas paisagens que se encontram dentro do campo deixam de ser apenas imagens para adquirir significados e se transformar em espaços imaginários, simbólicos e sensíveis (Martin, 2003). Nesse sentido, tanto as paisagens da Amazônia quanto o personagem Ajuricaba se transformam em símbolos não mais de um indivíduo particular e espaço específico, mas de todo guerreiro que resiste à opressão, assim como resiste a Amazônia com suas riquezas naturais., Cinema & Território, N.º 6 (2021): GÉNERO NO CINEMA

Na década de 1980, um militante e intelectual negro, Luiz Orlando da Silva (1945- 2006), coordenou em Salvador uma rede de mais de cinquenta cineclubes e espalhada em territórios de história e demografia negra. O “desde dentro para desde fora” é um modo de viver e pensar o legado africano no Brasil, que encontra uma geração dos movimentos negros envolta em epistemologias de desnudamento do mito da democracia racial. Tal experiência permeia o Estado e suas políticas com foco na distribuição e na exibição, duas entraves no desenvolvimento do cinema nacional, baiano e independente.

The article proposes the analysis of the film Quilombo (1984), by director Carlos Diegues, perceiving the construction of the territory of Palmares in the work as reflections of a Brazilian identity at the time of imminent redemocratization. The images in the film, which represent the quilombo, are, in this way, the imagination of a possible democratic nation, with Afro-Brazilian culture being the nodal point between various social demands barred by the Military Dictatorship of 64. A process that years later breaks with neoliberalism, but that at the time of production is remarkable. Therefore, Benedict Anderson's perspective when thinking of the nation as an imagined community and Milton Santos understanding the territory as the sum of diverse forces, are activated in a dialogue with the film. A post-colonial perspective where fixed territoriality emerges as control and exclusion of the other. Theoretical contribution that understands the quilombola territory in the film as a break with several colonial and exclusionary processes in Brazil. An interdisciplinary methodological approach, understanding the film as a historical document that allows us to perceive the inherent characteristics of the time in which it is produced; as well as an aesthetic discourse, [...]., El artículo analiza la película Quilombo (1984), del director Carlos Diegues, percibiendo la construcción del territorio de Palmares en la obra como reflejo de un La identidad brasileña en un momento de inminente redemocratización. Las imágenes de la película, que representan el quilombo son, de esta forma, el imaginario de una posible nación democrática, siendo la cultura afrobrasileña punto nodal entre varias reivindicaciones sociales vetadas por la Dictadura Militar implantada a partir de 1964. Un proceso que años después se rompe con el neoliberalismo, pero que en el momento de la producción es notable. Por lo tanto, la perspectiva de Benedict Anderson al pensar en la nación como una comunidad imaginada y la de Milton Santos al entender el territorio como la suma de fuerzas diversas, se desencadenan en un diálogo con la película. Una perspectiva poscolonial en la que la territorialidad fija aparece como control y exclusión del otro. Soporte teórico que entiende el territorio quilombola en la película como la ruptura con diversos procesos coloniales y excluyentes en Brasil. Un enfoque metodológico interdisciplinar entendiendo la película como un documento histórico que permite percibir las características inherentes a la época en la que se produce; [...]., L'article analyse le film Quilombo (1984), du réalisateur Carlos Diegues, en percevant la construction du territoire de Palmares dans l'œuvre comme le reflet d'une identité brésilienne à l'heure de la redémocratisation imminente. Les images du film, qui représentent le quilombo, sont, de cette façon, l'imagination d'une possible nation démocratique, étant le point nodal de la culture afro-brésilienne parmi plusieurs demandes sociales empêchées par la dictature militaire mise en place depuis 1964. Un processus qui, des années plus tard, est rompu avec le néolibéralisme, mais qui, au moment de la production, est remarquable. Par conséquent, la perspective de Benedict Anderson, qui pense la nation comme une communauté imaginée, et celle de Milton Santos, qui comprend le territoire comme la somme de diverses forces, sont déclenchées dans un dialogue avec le film. Une perspective post-coloniale où la territorialité fixe apparaît comme un contrôle et une exclusion de l'autre. Soutien théorique qui comprend le territoire quilombola dans le film comme la rupture avec divers processus coloniaux et d'exclusion au Brésil. Une approche méthodologique interdisciplinaire comprenant le film comme un document historique qui nous permet de percevoir les caractéristiques inhérentes à l'époque dans laquelle il est produit ; [...]., O artigo analisa o filme Quilombo (1984), do diretor Carlos Diegues, percebendo a construção do território de Palmares na obra como reflexos de umaidentidade brasileira no momento de iminente redemocratização. As imagens do filme, que representam o quilombo são, desta forma, a imaginação de uma nação democrática possível, sendo a cultura afro-brasileira ponto nodal entre diversas demandas sociais barradas pela Ditadura Militar implantada a partir de 1964. Processo que anos depois se rompe com o neoliberalismo, mas que no momento da produção é marcante. Portanto, a perspectiva de Benedict Anderson ao pensar a nação como uma comunidade imaginada e Milton Santos entendendo o território como a soma de forças diversas, são acionados em um diálogo com o filme. Uma perspectiva pós-colonial onde a territorialidade fixa, surge como controle e exclusão do outro. Aporte teórico que entende o território quilombola no filme como o rompimento com diversos processos coloniais e excludentes no Brasil. Uma abordagem metodológica interdisciplinar entendendo o filme como um documento histórico que permita perceber as características inerentes ao tempo em que é produzido; como também um discurso estético, propondo uma direção investigativa da obra através das propriedades básicas do material fílmico e suas implicaçõe práticas.&nbsp

Este artigo analisa a representação das masculinidades no filme A Febre do Rato (2011), dirigido por Cláudio Assis, com foco em seu protagonista, Zizo, interpretado por Irandhir Santos. Partindo de uma perspectiva dos estudos de gênero, exploraremos como o personagem performa sua masculinidade através da articulação da linguagem audiovisual. Ao relacionarmos as declarações do autor quanto à suas intenções libertárias para o filme, o histórico de sua filmografia e os tropos masculinos identificados no texto, passaremos a interpretar como o personagem Zizo performa diferentes masculinidades ao longo da narrativa, utilizando como baliza o conceito de masculinidade hegemônica, de Raewyn Connell.

EnglishThe presence of political and social elements within the filmography of the comedian troupe Os Trapalhoes is discussed in this article, especially in three works filmed during the1980s that carry allusions and even critical motives – although permeated by ambiguities – on the process of Political Open, in which Brazil was leaving the military period towards redemocratization. Therefore, we will reflect on three very particular cases amidst the films starred by the group: Os Saltimbancos Trapalhoes (1981), Os Trapalhoes na Serra Pelada (1982), both directed by JB Tanko, and Os Trapalhoes e o Magico de Oroz (Dede Santana and Victor Lustosa, 1984). portuguesDiscute-se neste artigo a presenca de elementos de ordem politica e social dento de parte da filmografia da trupe de humoristas Os Trapalhoes, especialmente em obras realizadas na decada de 1980 que carregam em alusoes e ate motivos criticos – ainda que permeados por ambiguidades – sobre o processo em curso da Abertura Politica, no qual o Brasil deixava o periodo militar rumo a redemocratizacao. Para tanto, recorreremos a tres estudos de caso bastante particulares em meio aos filmes estrelados pelo grupo: Os Saltimbancos Trapalhoes (1981), Os Trapalhoes na Serra Pelada (1982), ambos dirigidos por J.B. Tanko, e Os Trapalhoes e o Magico de Oroz (Dede Santana e Victor Lustosa, 1984).

In this paper we carry out an analysis of the feature film The second mother (MUYLAERT, 2015) with an emphasis on the figure of the pool and its symbolism in the narrative of the movie through the theoretical framework of authors linked to the study of image and art. We take as a starting point the understanding of cinema as a documentary registry of its time which allows us to reflect on the world it portrays in a historical perspective. From this initial paradigm driven by Kracauer's theory (1960) and from previous thoughts by Schopenhauer (2014), we draw parallels between the figure of the pool present in the film and the concept of dialectical image — derived from the reading of Didi-Huberman (1998) — given the bond between the characters and their social and political context in the Brazilian imaginary. En este trabajo realizamos un análisis de la película Una segunda madre (MUYLAERT, 2015) con énfasis en la figura de la piscina y su simbología en la narrativa de la obra a través del marco teórico de autores vinculados al estudio de la imagen y el arte. Tomamos como punto de partida la comprensión del cine como registro documental de su época, que nos permite reflejar sobre el mundo que retrata en una perspectiva histórica. A partir de este paradigma inicial impulsado por la teoría de Kracauer (1960) y por reflexiones previas de Schopenhauer (2014), trazamos paralelismos entre la figura de la piscina presente en la película y el concepto de imagen dialéctica — derivado de la lectura de Didi-Huberman (1998) — dada la trama de relaciones entre los personajes y su contexto político y social en la realidad brasileña y en su imaginario. Neste trabalho realizamos uma análise do filme Que horas ela volta? (MUYLAERT, 2015) com ênfase na figura da piscina e em sua simbologia na narrativa da obra, por meio do referencial teórico de autores vinculados ao estudo da imagem e da arte. Tomamos como ponto de partida a compreensão do cinema como um registro documental de seu tempo, que nos permite refletir sobre o mundo que retrata em uma perspectiva histórica. A partir desse paradigma inicial conduzido pela teoria de Kracauer (1960) e por reflexões pregressas de Schopenhauer (2014), traçamos paralelos entre a figura da piscina presente no filme e o conceito de imagem dialética — derivado da leitura de Didi-Huberman (1998) — diante da trama de relações entre as personagens e o seu contexto político e social no imaginário brasileiro.

This article aims to analyze the acting system in film of the Brazilian actor Wilson Grey according to the actor-author theory (McGILLIGAN, 1975), highlighting elements that make the actor’s work have an impression of thematic and formal constants. Grey has the ability to go through different phases of Brazilian cinema and, at the same time, maintain a coherent and uniform acting system, according to some premises that aim to break with the transparency of the classic performance and the claim of the citational and distant gesture, building a persona along the lines of movie stars, although he cannot be considered entirely one. This article aims to propose a methodology for film analysis that includes the actor at the center of reflections, broadening discussions based on issues related to image and narrative construction. Analyser le système de jeu de l'acteur brésilien Wilson Grey au cinéma selon la théorie de l'acteur-auteur (McGILLIGAN, 1975), en mettant en évidence les éléments qui donnent au travail du comédien une impression de constantes thématiques et formelles. Grey a la capacité de passer par plusieurs phases du cinéma brésilien et, en même temps, de maintenir un jeu cohérent et uniforme, selon certaines lignes de force qui visent à rompre avec la transparence du jeu classique en faveur du geste citational et distant. Il arrive ainsi a se bâtir une persona de star sur le modèle des grandes vedetes du cinéma, bien qu'il ne puisse pas entièrement être considéré comme une. Cet article propose une méthodologie d'analyse filmique qui place l'acteur au centre des réflexions, élargissant les discussions à partir de questions liées à l'image et à la construction narrative. Este artigo analisa o sistema de atuação do ator brasileiro Wilson Grey no cinema de acordo com a teoria do ator-autor (McGILLIGAN, 1975), destacando elementos que fazem a obra do intérprete ter uma impressão de constantes temáticas e formais. Grey tem a capacidade de perpassar por diversas fases do cinema brasileiro e, ao mesmo tempo, manter um jogo coerente e uniforme, segundo algumas premissas que visam a quebra com a transparência da atuação clássica e a reivindicação do gesto citacional e distanciado, construindo uma persona nos moldes das estrelas de cinema, embora ele não possa ser considerado inteiramente uma. Para descrever o ator, propomos a figura do ator-camafeu, um corpo que, à maneira da técnica de entalhar figuras em madeira ou outra superfície, salta do fundo da forma para chamar atenção para sua fisicalidade e superficialidade. Este artigo visa propor uma metodologia de análise fílmica que inclua o ator no centro das reflexões, alargando discussões a partir de questões ligadas à imagem e à construção narrativa.

This article discusses the production, circulation and repercussion in the press of the fictional feature film A esposa do solteiro (Carlo Campogalliani, 1925), whose title in Argentina was La mujer de medianoche. As the whereabouts of a complete copy of the film are not known, the motion picture press and photographs of the film were used as the main sources. It is a pioneering production between Brazil and Argentina, involving professionals of Italian origin Paulo Benedetti, Federico Valle, Carlo Campogalliani and Letizia Quaranta, which points to ways of internationalization even in still incipient cinematographies. En este artículo se analiza la producción, circulación y repercusión en la prensa del largometraje de ficción A esposa do solteiro (Carlo Campogalliani, 1925), cuyo título en Argentina fue La mujer de medianoche. Como se desconoce el paradero de una copia completa de la película, se utilizaron la prensa cinematográfica y las fotografías de la película como fuentes principales. Es una producción pionera entre Brasil y Argentina, en la que participaran los profesionales de origen italiano Paulo Benedetti, Federico Valle, Carlo Campogalliani y Letizia Quaranta, lo que apunta a caminos de internacionalización incluso en cinematografías aún incipientes. Este artigo discorre sobre a produção, a circulação e a repercussão na imprensa do longa-metragem de ficção A esposa do solteiro (Carlo Campogalliani, 1925), cujo título na Argentina foi La mujer de medianoche. Como não se conhece o paradeiro de alguma cópia integral do filme, foram utilizadas como fontes principais a imprensa cinematográfica e fotografias da película. Trata-se de uma produção realizada de forma pioneira entre Brasil e Argentina, envolvendo os profissionais de origem italiana Paulo Benedetti, Federico Valle, Carlo Campogalliani e Letizia Quaranta, o que aponta para formas de internacionalização mesmo em cinematografias ainda incipientes.

Resumo Em 1965, o Jornal do Brasil organizou a primeira edição do Festival de Cinema Amador, no Rio de Janeiro, Brasil. Entre 1965 e 1970, o festival agregou a produção de cineastas em início de carreira e diletantes ao redor do país. Fruto de intensas transformações ocorridas no cenário cultural carioca, imprensa e cinema tiveram centralidade na formação da cultura jovem, imagens e imaginários que compõem a cultura visual da época. No presente artigo mapearemos as forças que atuaram na criação desse certame voltado para os jovens talentos do cinema brasileiro, o imaginário em torno da cultura jovem da época e a análise de filmes concorrentes. Abstract In 1965, Jornal do Brasil organized the first edition of the Amateur Film Festival, in Rio de Janeiro, Brazil. Between 1965 and 1970, the festival screened the first films of filmmakers that would lead a carrer in cinema and works from dilettantes around the country. As a result of intense cultural transformations that have taken place in the cultural scene in Rio, press and cinema had a central role in the formation of youth culture, imagery that make up the visual culture of the time. We will map the forces that acted in the creation of this event, aimed at the young talents of Brazilian cinema, the imagery surrounding youth culture, and the analysis of competing films. Resumen En 1965, Jornal do Brasil organizó la primera edición del Festival de Cine Amateur, en Rio de Janeiro, Brazil. Entre 1965 y 1970, el festival sumó la producción de cineastas en el inicio de sus carreras y diletantes de todo el país. Como resultado de las intensas transformaciones que se han producido en el escenario cultural de Río, la prensa y el cine tendrán un papel central en la formación de la cultura juvenil, las imágenes y el imaginario que conforman la cultura visual de la época. En este artículo mapearemos las fuerzas que actuaron en la creación de este evento, dirigido a los jóvenes talentos del cine brasileño, el imaginario en torno a la cultura juvenil de la época y el análisis de películas en competencia.

Cinema understood as a means of communication capable of subverting or consolidating imagery is even more challenging when performed in peripheral environments. This article proposes an analytical reflection on the existing concepts about peripheral cinema. With axes of theoretical articulation, it revisits different perspectives, such as: border cinema, peripheral cinema and cinema on the periphery. It addresses some specific issues related to what we understand as peripheral cinema, which permeate hyperrealism, self-representation and the means of audiovisual production. Methodologically, subsidized by the literature review and supported by the essay technique, the work exercises the elaboration of a specific concept of peripheral cinema, dialoguing with the various understandings approached throughout the research. O cinema entendido como um meio de comunicação capaz de subverter ou consolidar imaginários é ainda mais desafiador quando realizado em ambientes periféricos. Este artigo propõe uma reflexão analítica sobre os conceitos existentes sobre cinema periférico. Com eixos de articulação teórica, revisita diferentes perspectivas, tais como: cinema de bordas, cinema de periferia e cinema sobre periferia. Aborda algumas problemáticas específicas e relacionadas ao que compreendemos como cinema periférico, as quais perpassam o hiperrealismo, a autorrepresentação e os meios de produção audiovisuais. Metodologicamente, subsidiado pela revisão de literatura e amparado pela técnica do ensaio, o trabalho exercita a elaboração de um conceito próprio de cinema periférico, dialogando com as várias compreensões abordadas ao longo da pesquisa.

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Cet espace se compose d’images, sons et mouvements, étant donc possible de reconstruire les souvenirs dispersées par le dynamisme de la vie moderne. En réorganisant ces souvenirs, le cinéma devient un lieu de recodage de la mémoire, en particulier lorsqu’il s’agit des films qui traitent des temps de crise de la société brésilienne, comme c’est le cas de la dictature civile-militaire. Ainsi, le cinéma devient un lieu de résistance et de raconter les souvenirs qui ont été interdits pendant 21 ans. Donc, cette thèse a comme objectif de comprendre le cinéma brésilien comme um lieu de mémoire (NORA, 1993), où les résistances à la dictature se réfugient et se reconstruisent, faisant remarquer les stratégies de fonctionnement (souvenirs et oublis) de cette matérialité. Pour atteindre cet objectiv, nous allons: analyser le cinéma dans sa matérialité et les reconfigurations des souvenirs de la dictature; cartographier les formes de résistance à la dictature qui émergent dans le cinéma brésilien; comprendre les positions qui doivent être occupées par le sujet révolutionnaire. Notre corpus est composé des films qui ont la résistance à la dictature pour sujet principal, et a été divisé selon l’approche des souvenirs, pour des raisons méthodologiques. Les films ont été divisés en trois axes. Le premier contient des films qui abordent la mémoire collective de la dictature: Paula: a história de uma subversiva (1979); Pra Frente Brasil (1982); Ação entre amigos (1998) et Cara ou Coroa (2012). Le deuxième se compose des films basés sur des romans et biographies: Lamarca (1994); O que é isso companheiro? (1997); Batismo de Sangue (2004); Zuzu Angel (2006) et Marighella (2021). Dans le troisième sont les films basés sur des témoignages biographiques: Que bom te ver viva (1989); Araguaya: conspiração do silêncio (2004) et Torre das Donzelas (2018). À partir des études discursifs de Michel Foucault, nous avons essayé de réfléchir sur le cinema, dans as materialité, et ensuite, comme un lieu de mémoire, un espace constitué de souvenirs, et aussi de pouvoirs, savoirs et vérités. Alors, selon la suggestion de la archéogénéalogie de l’auteur, nous cherchons à vérifier pas uniquement la constitution de ces enoncés par rapport à la dispersion temporale, mais également ses rapports microphysiques avec le pouvoir, et comme ces rapports affectent la constructions des subjectivités et des vérités. Cela nous permet de penser aux événements sur les scènes, et en plus aux conditions qui ont facilité l’irruption de ces enoncés, et pas celle d’autres à sa place. En conclusion, ces réflexions rendent possible de regarder l’histoire présente, dans as complexité et ses métamorphoses, en dehors des actions de la nécropolitique de l’oubli, pourvu que l’extrême-droite brésilienne essaie d’effacer ces souvenirs O cinema brasileiro foi e é palco para inúmeras manifestações artísticas, por ser um espaço real que tem a possibilidade de se abrir para outros, pois é uma heterotopia (FOUCAULT, 1967). Este espaço é composto de imagens, sons e movimentos, e isto o possibilita reconstruir memórias, que estavam espalhadas pela dinamicidade da vida contemporânea. Ao reorganizar essas lembranças, o cinema se coloca em um espaço de recodificação das memórias, em específico, quando são filmes que tocam em momentos de crises da sociedade brasileira, como é o caso da ditadura civil-militar. Com isso, o cinema se resguarda como o lugar de resistência e de (re)contar as memórias que foram, por 21 anos, proibidas. Deste modo, objetivamos com esta tese compreender o cinema brasileiro como um lugar de memória (NORA, 1993), onde as resistências à ditadura se refugiam e se reconstroem, percebendo, com isso, os jogos e as estratégias de funcionamento (lembranças e esquecimentos) desta materialidade. Para cumprir com este objetivo principal, somos levados a: analisar o cinema em sua materialidade e reconfigurações das memórias sobre a ditadura; cartografar as formas de resistências à ditadura que emergem no cinema brasileiro; entender as posições que o sujeito revolucionário deve exercer para compor a resistência. Nosso corpus de estudos é constituído de filmes que tratam da resistência à ditadura como tema principal e são divididos pelas formas como abordam as memórias, por uma questão metodológica. Isto posto, os filmes foram divididos em três eixos. No primeiro, destacamos filmes que tratam de uma memória coletiva da ditadura. São eles: Paula: a história de uma subversiva (1979); Pra Frente Brasil (1982); Ação entre amigos (1998) e Cara ou Coroa (2012). O segundo eixo é constituído por filmes baseados em romances memorialistas e biografias, que são: Lamarca (1994); O que é isso companheiro? (1997); Batismo de Sangue (2004); Zuzu Angel (2006) e Marighella (2021). No terceiro e último estão os filmes baseados em depoimentos biográficos: Que bom te ver viva (1989); Araguaya: conspiração do silêncio (2004) e Torre das Donzelas (2018). A partir dos estudos discursivos derivados da fortuna teórica de Michel Foucault, buscamos pensar com o autor sobre o cinema, em sua materialidade, e em seguida, como lugar de memória, espaço este que além de memórias, é constituído de poderes, de saberes e de verdades. Assim, como sugere sua arqueogenealogia, buscamos verificar não apenas a constituição destes enunciados em relação à dispersão temporal, mas também suas relações microfísicas com o poder e as formas que estas relações de poderes afetam as constituições das subjetividades e das verdades. Isto nos possibilita um estudo que não apenas pensa nos acontecimentos dispostos em cena, mas nas condições de possibilidade que permitiram a emergência destes enunciados e não de outros em seu lugar. Em suma, estas reflexões nos possibilitam um olhar para a história do presente em sua complexidade e metamorfoses, além das ações de necropolíticas do esquecimento, visto que a extrema direita brasileira vem agenciando estas memórias à morte. Brazilian cinema was and still is a place of countless artistic manifestations, given that it is a real space, which can open itself up to others, and it is also a heterotopia. (FOUCAULT, 1967). Said space is composed of images, sound and movement, which makes it possible to reconstruct memories that were scattered by the dynamics of modern life. By rearranging these memories, cinema recodes them, especially concerning films which address moments of crisis in Brazilian society, such as the civil-military dictatorship. Thus, cinema becomes a place of resistance and of (re)telling memories that were forbidden for 21 years. Therefore, we aim, with this thesis, to understand Brazilian cinema as a place of memory (NORA, 1993), where the forms of resistance to dictatorship seek refuge and reconstruction, observing, hence, the operating strategies (remembrance and oblivion) of this materiality. In order to fulfill this main goal, we were led: to analyse cinema in its concreteness and the reconfiguration of the memories of the dictatorship; to map the forms of resistance to dictatorship that appear in Brazilian cinema; and to understand the positions that revolutionaries must occupy in the resistance. Our corpus consists of films that have the resistance to the dictatorship as their main theme, and they were divided into three groups, according to their approach to memory, due to methodological reasons. In the first one are films that address the collective memory of dictatorship: Paula: a história de uma subversiva (1979); Pra Frente Brasil (1982); Ação entre amigos (1998) and Cara ou Coroa (2012). The second one is composed of films based on memoirs and biographies: Lamarca (1994); O que é isso companheiro? (1997); Batismo de Sangue (2004); Zuzu Angel (2006) and Marighella (2021). The third and last one comprises films based on biographical statements: Que bom te ver viva (1989); Araguaya: conspiração do silêncio (2004) and Torre das Donzelas (2018). With the support of the discursive studies derived from Michel Foucault’s theories, we have tried to think about cinema in its concreteness, and next, as a place of memory, a place composed of memories, but also of knowledge and truth. Therefore, as his archeogenealogy suggests, we seek to analyze not only the constitution of these utterances with respect to temporal dispersion, but also its microphysical relationships to power, and how these power relations affect the construction of subjectivities and of truth. Said approach makes it possible not only to think about the events depicted in the scenes, but also about the conditions which allowed these utterances, and not others, to exist. In conclusion, these considerations allow us to look at present history in all its complexity and all its changes, going beyond the actions of the necropolitics of oblivion, which has recently been causing the death of memories by the hand of Brazilian far right members CNPq: 141748/2018-4

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This article intends to understand how the authoritarianism and intolerance that guided the Brazilian sociopolitical conjuncture in the 2010s are present in the films produced in it, from the analysis O som ao redor and O animal cordial. Therefore, it is divided into three parts. In the first one, a theoretical overview of the Brazilian sociopolitical formation is built from authors such as Holanda (1995) and Schwarcz (2019), and on how, in the country that emerges from this formation, one can think a return of fascism, based on theorists such as Albright (2018), Finchelstein, (2019), Stanley (2020) and Griffin (1991). In the second and third parts, the analyzes of O som ao redor and O animal cordial are developed, respectively, in dialogue with the theoretical discussion developed in the first session. Este artículo pretende comprender cómo el autoritarismo y la intolerancia que orientaron la coyuntura sociopolítica brasileña en la década de 2010 están presentes en las películas producidas en ella, a partir del análisis de O som ao redor y O animal cordial. Por lo tanto, se divide en tres partes. En la primera, se construye un marco teórico sobre la formación sociopolítica brasileña, a partir de autores como Holanda (1995) y Schwarcz (2019), y sobre cómo, en el país que emerge de esa formación, se puede pensar en un retorno del fascismo, con base en teóricos como Albright (2018), Finchelstein, (2019), Stanley (2020) y Griffin (1991). En la segunda y tercera parte, se desarrollan los análisis de O som ao redor y O animal cordial, respectivamente, en diálogo con el marco teórico desarrollado en la primera sesión. Este artigo pretende compreender como o autoritarismo e a intolerância que pautaram a conjuntura sociopolítica brasileira nos anos 2010 estão presentes nos filmes produzidos nela, a partir da análise de O som ao redor e O animal cordial. Para tanto, é dividido em três partes. Na primeira, é construído um marco teórico sobre a formação sociopolítica brasileira, a partir de autores como Holanda (1995) e Schwarcz (2019), e sobre como, no país que emerge desta formação, pode-se pensar um retorno do fascismo, com base em teóricos como Albright (2018), Finchelstein, (2019), Stanley (2020) e Griffin (1991). Na segunda e na terceira partes, são desenvolvidas as análises de O som ao redor e O animal cordial, respectivamente, em diálogo com o marco teórico desenvolvido na primeira sessão.

During the 2010s, of all the Brazilian national symbols - among them the national anthem and the canary shirt of the Brazilian national football team - the green and yellow flag was possibly the one that suffered the most oscillations in terms of its relationship with the idea of national identity. The political turmoil that affected the country particularly after the so-called Journeys of June in 2013 caused this object to be re-signified, and it gradually became more associated with conservative forces. During this period, Brazilian independent cinema catalyzed the discomfort of critical thinking with the use and appropriation of this symbol which, like many other flags and anthems, were created to forge national identities during the transition from monarchical to republican governments. Using four films- Branco sai preto fica (2014), de Adirley Queirós, No coração do mundo (2019), de Maurílio Martins e Gabriel Martins, Divino amor (2019), de Gabriel Mascaro e Martírio (2016), de Vincent Carelli, Ernesto de Carvalho e Tita - this article intends to observe how, when placed as a background image, almost imperceptible, but always noticed, the figuration of the Brazilian flag produces evidence against itself, in the sense of appearing on the scene as a direct confrontation with its official discourse. Durante la década de 2010, de todos los símbolos nacionales brasileños - entre ellos el himno y la camiseta canaria de la selección de fútbol - fue posiblemente el de la bandera verde y amarilla el que sufrió más oscilaciones en cuanto a su relación afectiva con la idea de identidad nacional. La convulsión política que afectó al país particularmente a partir de las llamadas Jornadas de junio de 2013 hizo que este objeto se resignificara, asociándose paulatinamente más a fuerzas conservadoras. Durante este período, el cine independiente brasileño catalizó el malestar del pensamiento crítico con el uso y la apropiación de este símbolo que, como muchas otras banderas e himnos, fueron creados para forjar identidades nacionales durante la transición de gobiernos monárquicos a republicanos. De cuatro películas – Branco sai preto fica (2014), de Adirley Queirós, No coração do mundo (2019), de Maurílio Martins e Gabriel Martins, Divino amor (2019), de Gabriel Mascaro e Martírio (2016), de Vincent Carelli, Ernesto de Carvalho e Tita - se pretende observar cómo, colocada como imagen de fondo, casi imperceptible, pero siempre visible, la figuración de la bandera brasileña produce evidencia contra sí misma, en el sentido de aparecer en escena como confrontación directa con su discurso oficial. Durante a década de 2010, de todos os símbolos nacionais brasileiros - entre eles o hino e a camisa canarinho da seleção de futebol - foi possivelmente o da bandeira verde e amarela a que mais sofreu oscilações no que diz respeito à sua relação afetiva com a ideia de identidade nacional. As turbulências políticas que afetaram o país particularmente após as chamadas Jornadas de Junho de 2013 fizeram com que esse objeto fosse ressignificado, sendo gradativamente mais associado a forças conservadoras. Nesse período, o cinema brasileiro independente catalisou o desconforto do pensamento crítico com o uso e a apropriação desse símbolo que, tal como várias outras bandeiras e hinos, foram criados para forjar identidades nacionais durante a passagem de governos monárquicos para republicanos. A partir de quatro filmes – Branco sai preto fica (2014), de Adirley Queirós, No coração do mundo (2019), de Maurílio Martins e Gabriel Martins, Divino amor (2019), de Gabriel Mascaro e Martírio (2016), de Vincent Carelli, Ernesto de Carvalho e Tita – se pretende observar de que forma, quando colocada como uma imagem de fundo, quase imperceptível, porém sempre notada, a figuração da bandeira brasileira produz evidências contra si mesma, no sentido de surgir em cena como enfrentamento direto ao seu discurso oficial.

Audiovisual production and distribution were seriously compromised during the period of isolation resulting from the policies of social distancing because of Covid-19. With the movie theaters closed, several directors had to adapt and found in streaming the possibility of projecting their work. The screens that were already seen as a reality for the cinema, assumed a leading role, showing themselves as an alternative with free access and more democratic distribution. The following interview shows the importance of documentary in the Covid-19 period, which found in digital its permanence of representation of the world in which we live. The conversation with the filmmaker Cristiano Burlan brings up the challenges in promoting the films during the pandemic period and the possibilities that the filmmakers found so that their films could be seen and debated. During the interview, Burlan spoke about the trilogy of grief, femicide and social problems, themes that are very present in his films. According to the filmmaker, no matter how much personal motivation there is, the creation process takes place in the encounter with the other. La producción y distribución audiovisual se vio seriamente comprometida durante el período de aislamiento derivado de las políticas de distanciamiento social a causa del Covid-19. Con las salas de cine cerradas, varios directores tuvieron que adaptarse y encontraron en el streaming la posibilidad de proyectar su trabajo. Las pantallas que ya eran vistas como una realidad para el cine, asumieron un papel protagónico, mostrándose como una alternativa de libre acceso y distribución más democrática. La siguiente entrevista muestra la importancia del documental en el período Covid-19, que encontró en lo digital su permanencia de representación del mundo en que vivimos. La conversación con el cineasta Cristiano Burlan plantea los desafíos en la promoción de las películas durante el período pandémico y las posibilidades que encontraron los realizadores para que sus películas fueran vistas y debatidas. Durante la entrevista, Burlan habló sobre la trilogía de duelo, feminicidio y problemas sociales, temas que están muy presentes en sus películas. Según el cineasta, por mucha motivación personal que haya, el proceso de creación se da en el encuentro con el otro. A produção e a distribuição audiovisual foram seriamente comprometidas durante o período de isolamento decorrente das políticas de distanciamento social por causa da Covid-19. Com as salas de cinema fechadas, diversos realizadores tiveram que se adaptar e encontraram nas plataformas de transmissão a possibilidade de projetarem seus trabalhos. O streaming, que já se colocava como uma realidade para o cinema, assumiu protagonismo mostrando-se como uma alternativa com acesso gratuito; e distribuição mais democrática. A entrevista a seguir aponta para a importância do documentário no período da Covid-19 que encontrou no digital a sua permanência de representação do mundo em que vivemos. A conversa com o cineasta Cristiano Burlan traz os desafios em divulgar os filmes durante o período pandêmico e as possibilidades que os realizadores encontraram para que seus filmes fossem vistos e debatidos. Durante a entrevista, Burlan falou sobre a trilogia do luto, feminicídio e problemas sociais, temas bastante presentes nos seus filmes. Segundo o cineasta, por mais que haja uma motivação pessoal, o processo de criação se efetiva no encontro com o outro. A produção e a distribuição audiovisual foram seriamente comprometidas durante o período de isolamento decorrente das políticas de distanciamento social por causa da Covid-19. Com as salas de cinema fechadas, diversos realizadores tiveram que se adaptar e encontraram nas plataformas de transmissão a possibilidade de projetarem seus trabalhos. O streaming, que já se colocava como uma realidade para o cinema, assumiu protagonismo mostrando-se como uma alternativa com acesso gratuito; e distribuição mais democrática. A entrevista a seguir aponta para a importância do documentário no período da Covid-19 que encontrou no digital a sua permanência de representação do mundo em que vivemos. A conversa com o cineasta Cristiano Burlan traz os desafios em divulgar os filmes durante o período pandêmico e as possibilidades que os realizadores encontraram para que seus filmes fossem vistos e debatidos. Durante a entrevista, Burlan falou sobre a trilogia do luto, feminicídio e problemas sociais, temas bastante presentes nos seus filmes. Segundo o cineasta, por mais que haja uma motivação pessoal, o processo de criação se efetiva no encontro com o outro.

While in Xica da Silva (1976, Cacá Diegues) the erotic fantasy of Gilberto Freyre is activated as a means to glorify the lust and violence of the colonial period through a sexualized black character, in The Cannibal Club (2018, Guto Parente)such fantasy alludes to racial tensions in the country from scenes of white sadism and the annihilation of black and mestizo figures. Based on the writings of Denise Ferreira da Silva (2006) on Brazilian identity and raciality, we intend to analyze the trajectory of colonial desire in Brazilian cinema, especially when it comes to contemporary productions. Se em Xica da Silva (1976, Cacá Diegues) a fantasia erótica de Gilberto Freyre é acionada de modo a exaltar a luxúria e a violência do período colonial através de uma personagem negra sexualizada, em O Clube dos Canibais (2018, Guto Parente) ela sofre uma espécie de dobra, aludindo às tensões raciais do país a partir de cenas de sadismo dos brancos e do aniquilamento dos negros e mestiços. A partir dos escritos de Denise Ferreira da Silva (2006) sobre identidade brasileira e racialidade, pretendemos analisar a trajetória do desejo colonial no cinema brasileiro, especialmente, na produção contemporânea, que vem ressignificando a narrativa freyreana.

Sebastião de Souza é diretor de Transplante de Mãe (episódio de Em Cada Coração um Punhal, 1969), dos curtas Cu da Mãe (1969) e Festa do Divino (1969) e do longa O Quarto da Viúva (1975). Nesta entrevista comenta sua trajetória no cinema, em especial, as contundentes obras que realizou no contexto pós-AI-5 e sua colaboração com cineastas como Roberto Santos, Luiz Sérgio Person, Maurice Capovilla, Sylvio Back e Carlos Reichenbach. Com longeva trajetória no teatro e na fotografia, estreou no cinema como assistente de direção e diretor de arte de O Caso dos Irmãos Naves (1967) e, a partir de então, colaborou nas mais diversas funções em projetos emblemáticos do cinema paulista, em um contexto no qual emerge uma nova geração de cineastas — pertencentes ao dito “cinema de invenção” — em busca de novas formas de significação e reação ao contexto autoritário imposto após o Golpe de 1964. Neste sentido, obras como Cu da Mãe e Transplante de Mãe, cujas trilhas sonoras são assinadas por ninguém menos do que Rogério Duprat, são exemplos ímpares de um projeto de cinema que — em meio a um momento de forte censura e repressão como aquele que marcou o fim da década de 1960 — resiste e subverte as normas a partir de uma fruição da “liberdade do fazer”, como o próprio cineasta define, em uma radical experimentação dos limites da representação sensível às tendências contraculturais e ao tropicalismo.

This article proposes an analysis of Trilogy of terror, a Brazilian horror anthology film released in 1968. The movie has three independent stories linked to the universe of genre cinema and directed by São Paulo filmmakers who were beginning to become popular among audiences and critics: Ozualdo Candeias, Luis Sérgio Person and José Mojica Marins. The first two chose to use horror elements to create allegories that represented Brazilian society at the time – in years of Military Dictatorship and strong behavioral changes. The result is a very unique cinematic experience. Este artículo propone un análisis de Trilogía del terror, una antología brasileña estrenada en 1968. La película tiene tres historias independientes vinculadas al universo del cine de género y dirigidas por cineastas paulistas que comenzaban a popularizarse entre el público y la crítica: Ozualdo Candeias, Luis Sérgio Person y José Mojica Marins. Los dos primeros optaron por utilizar elementos de terror para crear alegorías que representaban a la sociedad brasileña en ese momento – en años de dictadura militar y fuertes cambios de comportamiento. El resultado es una experiencia cinematográfica única. O presente artigo propõe uma análise fílmica de Trilogia de terror, antologia nacional de episódios de horror lançada em 1968. A obra traz três histórias independentes ligadas ao universo do cinema fantástico e dirigidas por cineastas paulistas que começavam a receber grande atenção do público e da crítica: Ozualdo Candeias, Luis Sérgio Person e José Mojica Marins. Os dois primeiros optaram por usar elementos do gênero para criar alegorias que representassem a sociedade brasileira da época – em anos de Ditadura Militar e fortes mudanças comportamentais. O resultado é uma experiência cinematográfica bastante peculiar.

No presente artigo visamos contribuir do ponto de vista teórico-metodológico com os debates pertinentes à História da historiografia da Sétima Arte nacional, problematizando hermeneuticamente a obra Historiografia clássica do cinema brasileiro: metodologia e pedagogia (1995), do crítico cinematográfico Jean-Claude Bernardet. Como arcabouço teórico-metodológico, nos munimos das reflexões de Michel de Certeau (2007) acerca do lugar social, político, econômico e cultural dos pesquisadores da História, sobretudo um de seus elementos primordiais: o “não-dito”, bem como das propostas do teórico alemão Jörn Rüsen (2010) no tocante ao método hermenêutico aplicado na produção do conhecimento histórico.

Este trabalho é um artigo de opinião que busca realizar uma reflexão sobre a comunicação popular a partir do longa-metragem brasileiro Bacurau (2019). O filme de ficção, dirigido por Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, traz como cena e cenário uma cidade no sertão do nordeste, chamada Bacurau, que se vê atacada por invasores estrangeiros que cometem assassinatos por divertimento. A narrativa nos apresenta a população dessa pequena cidade desprezada pelos seus governantes, que defende a si mesma dos ataques deles e dos estrangeiros. Para isso fazem uso de instrumentos e processos comunicativos que podem ser considerados dentro das ações de comunicação popular.

Outra linguagem surge no cenário de produção cinematográfica de curtas-metragens brasileiros. Utilizando-se de uma narrativa híbrida, diretores moldam a forma fílmica de acordo com um ideal de representação particular. Parte-se do conceito do cinema de asserção pressuposta, de Noël Carroll (2005), para análise dos curtas-metragens Deus (2016), de Vinícius Silva, e Magalhães (2018), de Lucas Lazarini. Observa-se o enquadramento da ação subjetiva apontado para uma asserção do mundo contemporâneo e listam-se as novas qualidades da construção da imagem em cada uma das obras.

Este artigo enfoca o cineasta e artista plástico Marcos Bertoni, criador do movimento Dogma 2002. Com uma obra em Super-8 reconhecida e premiada no Brasil, Marcos Bertoni inaugurou um estilo de cinema de remix muito particular com seu movimento Dogma 2002, paródia do Dogma 95 dinamarquês. O Dogma 2002 de Bertoni tem um único e simples mandamento: “Tudo é permitido, menos filmar”. O movimento conta com mais de uma dezena de filmes, a começar por Recuerdos da República (2002), uma obra de forte teor político. Em seguida, Bertoni realizou mais filmes Dogma 2002 como Dr. Eckardt (2002), O 24 Horas (2004), e Cocô Preto (2003), alguns deles premiados em festivais pelo Brasil. Todos filmes muito divertidos e irreverentes, misturando comédia, ficção científica e policial, com matizes políticas. Ainda hoje o Dogma 2002 de Marcos Bertoni continua vivo – e se reciclando. Sob o pseudônimo Marc Breton, Bertoni realizou Zazá: o Artista, o Mito (2013) e As Núpcias do Coronel Santo Amaro (2019), entre outros títulos recentes, todos sob o signo do Dogma 2002. São filmes feitos a partir de rolos comprados em feiras livres ou sebos, doados por amigos ou parentes, ou simplesmente achados em latas de lixo. Cortados, remontados e (re)dublados, às vezes incorporam imagens rodadas pelo próprio Bertoni, porém ressignificadas, dando origem a criaturas fílmicas inesperadas. Marcos Bertoni, o Victor Frankenstein do cinema Super-8 brasileiro.

Resumo: Este artigo apresenta um perfil do critico e historiador Paulo Emilio Salles Gomes um dos mais completos intelectuais brasileiros, pioneiro no ensino e pesquisa de cinema, com atuacao em festivais e congressos nacionais e internacionais, e um forte defensor da necessidade de conservacao dos filmes em arquivos, lutando pela criacao da Cinemateca Brasileira. Seu percurso de vida construiu avancos fundamentais para a area de cinema no Brasil, instigando um debate cultural mais amplo e inaugurando os estudos de historia do cinema brasileiro, colaborando definitivamente para a escrita da historia da comunicacao no pais. Palavras-chave: Paulo Emilio Salles Gomes; cinema brasileiro; jornalismo cultural; Cinemateca Brasileira; historia da Comunicacao no Brasil.

Este estudo analisa os documentários Garrincha, alegria do povo (1963), de Joaquim Pedro de Andrade, e Isto é Pelé (1974), de Eduardo Escorel e Luiz Carlos Barreto, com intuito de identificar, tanto no contexto histórico quanto na estrutura das obras, questões que façam referência à relação entre futebol, povo e poder. Os elementos identificados na análise apontaram marcas características da época de produção dos filmes, cujas mensagens transmitidas ao público resultaram, apesar da abordagem sobre dois ídolos do mesmo esporte, em visões opostas no que diz respeito a apoio e resistência aos governos do período.

This text relates the notion of politics to a specific kind of cultural experience: sessions of Brazilian cinema inuniversities. We investigate the processes of subjectivation enabled by the encounter with independent works of art, those that do not have space to circulate in traditional screens. In this frame of thought, a political experience may occur in the being-along with the common shareable object that is the movie. Thus, we propose that projects that today profane devices can form microcommunities of sharing, in addition to hegemonic capitalistic models. Este texto objetiva agenciar a noção de política a um tipo específico de experiência cultural: as sessões de cinema brasileiro em universidades. Buscamos investigar os processos de subjetivação possíveis no encontro com obras de arte independentes, aquelas que não possuem espaço de circulação nas janelas tradicionais. Nessa trama de pensamento, uma experiência política pode ocorrer no estar-junto com o comum compartilhável que é o filme. Assim, propomos que projetos que profanam dispositivos na atualidade podem formar microcomunidades de partilha, para além de modelos capitalísticos hegemônicos.

O artigo investiga três filmes do diretor brasileiro Kleber Mendonça Filho, Vinil Verde (2004), O Som ao Redor (2012) e Aquarius (2016), buscando identificar, por meio da análise fílmica, o uso de elementos característicos do gênero cinematográfico do horror em diferentes momentos destas três obras. A recorrência destes elementos nos filmes do diretor e o modo como eles se relacionam com outros regimes de representação localizam essa produção dentro de uma tendência cinematográfica contemporânea já apontada por pesquisadores como Cánepa (2013).

Presentation of edition 54 Apresentação da edição 54

Este artigo discute o papel do cinema brasileiro na elaboração de imaginários raciais e de gênero; e a partir dos estudos culturais, da crítica feminista e da metodologia de análise fílmica, investiga a construção das personagens femininas (Maria e Virgínia) no filme Bendito fruto (Sérgio Goldenberg, 2004), buscando identificar como a intersecção de gênero e raça incide em suas trajetórias e relações de afeto.

In this article we aim to discuss how public spaces and liminal zones play a central role in Marcelo Caetano’s Bailão (2009), By your side (2011), and Electric body (2017). What is at stake in these films is the very possibility of experiencing urban locations as sites for affective encounters and erotic desire. Through an investment in relations and itineraries that take place in the margins, we trace a tension as well as a recurrent ambivalence towards the cities the characters inhabit. The cinematic form highlights the city as an imagined topography and also as a plane of perception composed of several modulations between disconnection and belonging, discipline and pleasure, proximity and exclusion. Neste artigo, pretendemos discutir como os locais públicos e as zonas liminares desempenham um papel central nos filmes Bailão (2009), Na sua companhia (2011) e Corpo elétrico (2017), dirigidos por Marcelo Caetano. O que está em jogo nestas obras é a própria possibilidade de experienciar espaços urbanos como lugares de encontro afetivo e desejo erótico. Mediante um investimento em relações e itinerários à margem, traçamos uma tensão e também uma ambivalência recorrente em relação às cidades que os personagens habitam. A forma cinematográfica destaca a cidade como topografia imaginada e, ainda, como um plano de percepção composto por várias modulações entre desconexão e pertencimento, disciplina e prazer, proximidade e exclusão

En este articulo, buscamos discutir un conjunto de peliculas brasilenas contemporaneas -- Batguano (Tavinho Teixeira, 2014), Nova Dubai (Gustavo Vinagre, 2014) y Estudo em vermelho (Chico Lacerda, 2013) -- que utilizan fragmentos de peliculas y videos (HALLAS, 2003; MARKS, 1997; HILDERBRAND, 2009; 2007; 2004), asi como referencias y citas a repertorios de cine, cultura mediatica y cultura digital, para constituir sus sensibilidades y sus unviersos diegeticos. Estos elementos se encuentran disponibles a los cineastas por medio de procedimientos de alusion y apropiacion, asi como a traves de la difusion del audiovisual que proporciona la "reproducibilidad digital" (LINK, 2010; 2002) como practica omnipresente en la cultura contemporanea. Traduccion realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

O texto resulta da análise de uma obra cinematográfica que aborda dentre outros aspectos áridos da nossa sociedade, a pobreza, a exploração do trabalho, o desperdício do potencial humano e as suas relações com a condição dos encarcerados no Brasil. Por meio da metodologia de Análise de Filmes (PENAFRIA, 2020; VAYONE, 2006) o trabalho descreve, contextualiza e interpreta o filme Estômago (2007). Essa comédia conta as guinadas da trajetória de Raimundo Nonato, migrante pobre nordestino que muda sua forma de ser e viver ao aprender os segredos da gastronomia em São Paulo. Além de refletir sobre a relação saber/poder e os processos de construção de identidade de pessoas encarceradas na sociedade atual, nas perspectivas teóricas de Michel Foucault (1989; 2009) e Erving Goffman (1974), o artigo ainda ressalta o uso inteligente e criativo dos recursos fílmicos e destaca a instigante negação do maniqueísmo na abordagem dos complexos temas presentes na obra. Palavras-chave: Cinema brasileiro; saber; poder; prisão; comida

Neste artigo, pretendemos discutir como os locais públicos e as zonas liminares desempenham um papel central nos filmes Bailão (2009), Na sua companhia (2011) e Corpo elétrico (2017), dirigidos por Marcelo Caetano. O que está em jogo nestas obras é a própria possibilidade de experienciar espaços urbanos como lugares de encontro afetivo e desejo erótico. Mediante um investimento em relações e itinerários à margem, traçamos uma tensão e também uma ambivalência recorrente em relação às cidades que os personagens habitam. A forma cinematográfica destaca a cidade como topografia imaginada e, ainda, como um plano de percepção composto por várias modulações entre desconexão e pertencimento, disciplina e prazer, proximidade e exclusão

O artigo examina o pensamento crítico-criativo do cineasta Rogério Sganzerla (1946-2004), cruzando sua produção teórica com procedimentos construtivos de O Bandido da Luz Vermelha (1968), sua estreia na direção de longas-metragens. Trabalha-se com a hipótese de que o olhar para o sistema de sua produção revela, para além de uma aplicação de suas formulações críticas em sua obra fílmica, o modo como seu pensamento se configura de modo a considerar a dialogia – quer seja num nível da tessitura das relações críticas e metalinguísticas propostas, quer seja no âmbito da diegese – como elemento implícito na organização de um sistema teórico-crítico-criativo.

Arthur Omar é um cineasta e artista visual atuante desde os anos 1970 até hoje. Nos anos 1970-80, caracterizou-se por fazer um cinema cuja inventividade de linguagem pode, sem muito esforço, ser discutida nos termos de uma violência poética. Em seus filmes, enfatizava uma multiplicidade de aspectos da realidade articulados de forma complexa e sem obviedade. Ao longo da década de 1980 realizou, entre outras obras, os filmes O Som ou tratado da harmonia (1984), O Inspetor (1987) e Ressurreição (1988), que serão aqui discutidos. Neles, além dos desdobramentos da poética violenta característica de suas primeiras obras, a violência enquanto fenômeno social também se torna assunto relevante. O presente texto pretende discutir esses três filmes enquanto uma “teoria da violência” proposta por Arthur Omar em suas obras, e situá-los em meio aos debates estéticos e políticos do seu tempo de produção. O artigo resulta de estudos feitos nos últimos anos sobre os filmes de Omar, e também sobre as relações entre cinema e violência. O método utilizado articula a análise fílmica às discussões acadêmicas e culturais do contexto em que as obras de Omar foram produzidas.

O objetivo deste estudo é considerar a partilha do projeto ideológico do cineasta David Neves em direção à autonomização dos elementos de seu projeto estético durante uma década, até o final dos anos 1960. Conforme a separação esclarecedora entre projeto estético e ideológico proposta por João Luiz Lafetá ao estudar o modernismo dos anos 1930, o caso do David Neves demonstra-se particular em relação ao Cinema Novo. No primeiro momento, a formação do crítico-cineasta e sua estreia nas letras apontam para a emergência de paradigmas estéticos próprios ou mimetizados de figuras admiradas. No segundo momento, há o eclipse destes aspectos em favor da batalha pelo Cinema Novo. Contudo, a estreia como diretor de longas-metragens retoma a sua distinção e promove o jovem ao quadro próprio da sua intervenção. O estudo das críticas e da posição intelectual de David Neves esclarecem a sua dupla contribuição no período. O fio da meada é desenrolado através de necrológio publicado como escrito de crítica cinematográfica deste que foi efetivamente um crítico-cineasta. A abordagem seleciona segmentos da vida do realizador através do destaque de biografemas e das suas relações com o movimento Cinema Novo.

Esta dissertação analisa o gênero das sinfonias urbanas, partindo do momento histórico no qual surgem as primeiras produções associadas a essa tradição e as características que são vistas como marcas dessa corrente, para em seguida questionar se de alguma forma é possível observar reverberações deste gênero na contemporaneidade. As sinfonias urbanas da década de 1920 são especialmente importantes ao se pensar a relação entre cinema e modernidade, pois nelas há uma exaltação, em conjunto, tanto do cinema quanto da cidade. A nova arte cinematográfica era vista como a melhor forma de expressar o movimento característico das cidades, num cinema de vanguarda com montagem rítmica e experimental. Nas sinfonias, a cidade e o seu cotidiano é o principal tema, e a montagem fragmentada apresenta a cidade como um caleidoscópio de sensações. No entanto, essa visão perde força no contexto após a Segunda Guerra Mundial, no qual temos os escombros de grandes metrópoles destruídas, além das alterações da linguagem do cinema na época, em especial com as mudanças ocorridas pelo o advento do cinema falado. Nesse sentido, muitas vezes, as sinfonias urbanas são pensadas como um fenômeno associado exclusivamente ao período do entreguerras. No entanto, é possível observar reverberações sinfônicas, aqui analisadas, seja por suas estruturas semânticas (a temática da cidade e seu ritmo), seja por estruturas sintáticas (a estrutura narrativa do passar do dia, a montagem rítmica e associativa). Como recorte para o estudo, foram catalogados e analisados filmes brasileiros a partir do cinema da retomada (1995 em diante) que podem ser associados ao gênero, observando as tendências e caminhos e como o espaço urbano é representado nas obras selecionadas. This thesis analyses the genre city symphonies, from the historic moment when the first productions related to the tradition of this genre and the characteristics that are seen as typical from it emerge, to then question if, somehow, it is possible to see repercussions of this genre in contemporaneity. The city symphony from the 1920s are especially important when discussing the relation between cinema and modernity, because in them there is a certain praise, either of the cinema, as of the city. The new film art was seen as the best way to express the cities typical movement, at an avant-garde cinema with a rhythmic and experimental editing. In the symphonies, the city and its everyday life are the main theme, and the fragmented editing shows them as a kaleidoscope of feelings. However, this point of view loses its strength in the context of post-World War II, in which there are the ruins of great metropolis that were destroyed. Besides, there are also the changes in film language from that time, which were happening, in particular, given the emergency of talkies. Hence, city symphonies are often thought as a phenomenon associated exclusively to the interwar period. Nonetheless, it is possible to note symphonies repercussions, brought by and analyzed in this thesis, either given its semantic structures (the city thematic and its rhythm), or in its syntactic structures (the narrative structure of the day going by, the rhythmic and associative editing). As an excerpt for this study, some Brazilian movies were catalogued and analyzed from the perspective of “Brazilian Film Revival” (in Portuguese, “Cinema da Retomada”, name given to contemporary Brazilian filmmaking, that began around 1993-1994), which can be associated to the genre city symphonies, minding its tendencies and ways, and how the city space is represented in the selected movies.

Este trabalho parte da premissa de que todas as histórias do cinema brasileiro merecem um espaço para serem contadas. Pretendemos, a partir da análise de filmes realizados no período do exílio (1970-1973) de diretores intimamente relacionados ao experimentalismo cinematográfico, desenhar possíveis encadeamentos entre a experiência do exílio, a condição do exilado e a criação artística, e, ainda, buscar compreender como esses temas podem mutuamente se atravessar. Para isso, dividimos a pesquisa em dois momentos: a primeira parte é dedicada à compreensão do lugar e das definições que o cinema experimental brasileiro pôde assumir no contexto do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 e como essa designação será usada aqui. Já na segunda metade buscaremos refletir sobre as obras de diretores que num ponto crítico da ditadura (pouco tempo após a instituição do AI-5) decidiram partir do país e encontrar maneiras de dar prosseguimento aos seus esforços criativos sob novas configurações relacionais e territoriais. Entre os filmes analisados estão O demiurgo do músico, escritor e diretor estreante Jorge Mautner, Forofina, do mineiro Sylvio Lanna e Lágrima-Pantera, a míssil, de Julio Bressane. This work is based on the premise that all the stories of Brazilian cinema deserve a space to be told. Based on the analysis of films made during the period of exile (1970-1973) by directors closely related to cinematographic experimentalism, we intend to draw possible links between the experience of exile, the condition of the exiled and artistic creation, and also to understand how these themes can mutually cross. To this end, we divide the research into two parts: the first part is dedicated to understanding the place and the definitions that Brazilian experimental cinema could assume in the context of the late 1960s and early 1970s and how this designation will be used here. In the second half we will seek to reflect on the works of directors who, at a critical point of the dictatorship (shortly after the institution of AI-5) decided to leave the country and find ways to continue their creative efforts under new relational and territorial configurations. Among the films analyzed are O demiurgo by musician, writer and first-time director Jorge Mautner, Forofina, by Sylvio Lanna and Lágrima-Pantera, a míssil, by Julio Bressane.

Submitted by Jorge Silva (jorgelmsilva@ufrrj.br) on 2022-12-08T19:16:56Z No. of bitstreams: 1 2022 - Jo?o Pedro Silva dos Santos.pdf: 2035420 bytes, checksum: 03de458cbcdbf9ca44dbb12b16b09765 (MD5) Made available in DSpace on 2022-12-08T19:16:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2022 - Jo?o Pedro Silva dos Santos.pdf: 2035420 bytes, checksum: 03de458cbcdbf9ca44dbb12b16b09765 (MD5) Previous issue date: 2022-03-30 CAPES - Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior The present dissertation is fundamentally concerned with the renewal of Brazilian cinematographic thought in the second post-war period. For this purpose, we follow the trajectory of the film critic Alex Viany since the beginning of his career, in the newspaper Di?rio da Noite (1935-36) and in the magazine Carioca (1937-45), going through the years in which he worked as a correspondent in Hollywood for the magazine O Cruzeiro (1945-48), until his return to Brazil, when he started to collaborate in the magazine A Cena Muda (1949-51) and edit, in partnership with Vin?cius de Moraes, the magazine Filme (1949). This is a phase that has been little studied in his critical production, which allowed us to evaluate their reactions and impressions in the face of concrete alternatives presented in the political and cinematographic scenario of the second half of the 1940s. Following the inverse path of Arthur Autran?s research, which analyzes the critical production of Alex Viany between the return of the United States, at the end of 1948, and the publication of the book Introdu??o ao Cinema Brasileiro, in 1959, we seek to discuss how the notions of determination (from the political party line) and mediation (from the ?field? of film criticism), as well as the ideological analyzes that informed this study, produced a reduction in the cinematographic thought of Alex Viany to the ?ideological framework? of the Brazilian Communist Party (PCB). In this sense, the study of Alex Viany?s previous intellectual trajectory aims to rescue the political dimension of his agency and reassess the formation of a realistic discourse in his cinematographic thought A presente disserta??o tem como foco a renova??o do pensamento cinematogr?fico brasileiro no segundo p?s-guerra. Para este fim, acompanhamos a trajet?ria do cr?tico de cinema Alex Viany desde o in?cio de sua carreira no jornal Di?rio da Noite (1935-36) e na revista Carioca (1937-45), atravessando os anos em que atuou como correspondente em Hollywood para a revista O Cruzeiro (1945-48), at? o retorno ao Brasil, quando passou a colaborar na revista A Cena Muda (1949-51) e a editar, em parceria com Vin?cius de Moraes, a revista Filme (1949). Trata-se de uma fase pouco estudada em sua produ??o cr?tica, a qual permitiu-nos avaliar suas rea??es e impress?es diante das alternativas concretas apresentadas no cen?rio pol?tico e cinematogr?fico da segunda metade dos anos 1940. Seguindo o caminho inverso da pesquisa de Arthur Autran, quem estudou a produ??o cr?tica de Alex Viany entre o retorno dos Estados Unidos, no final de 1948, e a publica??o do livro Introdu??o ao Cinema Brasileiro, em 1959, buscamos tamb?m discutir o modo como as no??es de determina??o (da linha pol?tica partid?ria) e media??o (do ?campo? da cr?tica cinematogr?fica), assim como as an?lises ideol?gicas que informaram este estudo, produziram uma redu??o do pensamento cinematogr?fico de Alex Viany ao ?arcabou?o ideol?gico? do Partido Comunista Brasileiro (PCB). Neste sentido, o estudo da trajet?ria intelectual pregressa de Alex Viany visa resgatar a dimens?o pol?tica de sua ag?ncia e reavaliar a forma??o de um discurso realista em seu pensamento cinematogr?fico.

Esta disserta??o apresenta um estudo sobre a circula??o internacional do cinema brasileiro, estabelecendo rela??es com din?micas de diplomacia cultural, a partir da observa??o de processos caracter?sticos da cadeia produtiva cinematogr?fica, com ?nfase naqueles voltados para o alcance do mercado externo. Para tal, as ideias aqui expostas s?o posicionadas dentro do contexto hipermoderno, firmado por Gilles Lipovetsky e refletidas a partir dos sistemas de trocas simb?licas de Pierre Bourdieu, na esfera de reflex?o do fato cinematogr?fico exposto por Cristian Metz. Baseia-se em autores que tratam sobre as estruturas base de circula??o do cinema brasileiro, como Jo?o Guilherme Barone e Hadija Chalupe. Bem como, no texto sobre a conceptualiza??o da diplomacia cultural brasileira de Edgard Telles Ribeiro. As argumenta??es te?ricas servem ao uso de metodologias da pesquisa observacional e explorat?ria, atrav?s de dados obtidos em buscas documentais e bibliogr?ficas. O ponto de partida ? organizar um entendimento dos cen?rios que caracterizam padr?es universais nas opera??es de internacionaliza??o do cinema, atrav?s de um olhar geneal?gico sobre o sistema de valor na cadeia cinematogr?fica, seus processos de distribui??o e consequentes movimentos de circula??o no exterior. Na sequ?ncia, uma abordagem sobre a diplomacia cultural no Brasil busca elucidar seus principais conceitos te?ricos, para identificar suas pr?ticas e principais interse??es com o cinema. Ao final, uma an?lise dos cen?rios de impactos e rupturas gerados pela crise que se estabelece no meio cinematogr?fico brasileiro, no per?odo entre 2018-2021, contemplando a paraliza??o estrutural, por conta da pandemia Covid-19; os movimentos de desmonte e desinstitucionaliza??o das pol?ticas p?blicas federais para o setor; a gera??o de impactos e rupturas, pela acelera??o tecnol?gica, sobre a circula??o cinematogr?fica. This dissertation presents a study on the international circulation of Brazilian cinema, establishing relations with dynamics of cultural diplomacy, from the observation of characteristic processes of the cinematographic production chain, with emphasis on those aimed at reaching the foreign market. To this end, the ideas presented here are positioned within the hypermodern context, established by Gilles Lipovetsky and reflected from Pierre Bourdieu's systems of symbolic exchanges, in the sphere of reflection of the cinematographic fact exposed by Cristian Metz. It is based on authors who deal with the basic structures of circulation of Brazilian cinema, such as Jo?o Guilherme Barone and Hadija Chalupe. As well as in the text on the conceptualization of Brazilian cultural diplomacy by Edgard Telles Ribeiro. The theoretical arguments serve the use of observational and exploratory research methodologies, through data obtained in documental and bibliographic searches. The starting point is to organize an understanding of the scenarios that characterize universal patterns in the operations of internationalization of cinema, through a genealogical look at the value system in the cinematographic chain, its distribution processes and consequent movements of circulation abroad. Next, an approach to cultural diplomacy in Brazil seeks to elucidate its main theoretical concepts, to identify its practices and main intersections with cinema. At the end, an analysis of the scenarios of impacts and ruptures generated by the crisis that is established in the Brazilian cinema, in the period between 2018-2021, contemplating the structural stoppage, due to the Covid-19 pandemic; the dismantling and deinstitutionalization movements of federal public policies for the sector; the generation of impacts and ruptures, through technological acceleration, on cinematographic circulation. Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES

Esta disserta??o tem por objetivo analisar a representa??o de masculinidades brasileiras a partir do longa-metragem O Doutrinador (Bonaf?, 2018). Adapta??o de uma HQ hom?nima, de conte?do explicitamente pol?tico e de extrema-direita, o filme dialoga com a tend?ncia contempor?nea dos filmes de super-her?i. Por meio de procedimentos da an?lise f?lmica contextual, o presente trabalho aciona conceitos dos estudos de g?nero para compreender de que formas o filme articula os elementos da linguagem cinematogr?fica para construir seus personagens masculinos. Para tanto, s?o estabelecidos os par?metros de masculinidade hegem?nica, conforme formulado por Raewyn Connell (2005), em uma investiga??o do contexto cultural e ideol?gico em que o filme ? concebido. Considerando uma abordagem multiculturalista e multiperspect?vica (KELLNER, 2001), o trabalho analisa como a tradi??o dos filmes de a??o hollywoodianos e as hist?rias de super her?is transpostas para o cen?rio brasileiro influencia a performance (BUTLER, 2003) das pr?ticas de g?nero em O Doutrinador. A perspectiva p?s-colonial serve de enquadramento para pensar como o filme reflete e contribui para o imagin?rio das masculinidades brasileiras contempor?neas. This dissertation aims to analyze the representation of Brazilian masculinities as portrayed in the feature film The Awakener (Bonaf?, 2018). An adaptation from a homonymous comic book with explicitly political and far-right content, the film dialogues with the trend of contemporary superhero films. Through procedures of contextual film analysis, the present work utilizes concepts from gender studies to understand how the film articulates the elements of cinematic language to construct its male characters. Therefore, it establishes the parameters of hegemonic masculinity, as formulated by Raewyn Connell (2005), in an investigation of the film's cultural and ideological context. Considering a multiculturalist and multiperspective approach (KELLNER, 2001), the work analyzes how the tradition of Hollywood action films and superhero narratives, transposed to the Brazilian scenario, influences the performance (BUTLER, 2003) of gender practices in The Awakener. A post-colonial perspective serves as the framework for how the film reflects and contributes to the ideology of contemporary Brazilian masculinities. Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES

Submitted by Juliano Ferreira Gonçalves (jf.goncalves@unesp.br) on 2022-05-18T20:55:59Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Juliano Ferreira - A Situação do Terror no Cinema Nacional 2009-2019.pdf: 4197824 bytes, checksum: d03a9eb35ffad386c852b97ed405b582 (MD5) Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2022-05-19T16:33:33Z (GMT) No. of bitstreams: 1 goncalves_jf_me_ia.pdf: 4197824 bytes, checksum: d03a9eb35ffad386c852b97ed405b582 (MD5) Made available in DSpace on 2022-05-19T16:33:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 goncalves_jf_me_ia.pdf: 4197824 bytes, checksum: d03a9eb35ffad386c852b97ed405b582 (MD5) Previous issue date: 2022-03-24 Em novembro de 2018, a Agência Nacional do Cinema (Ancine) publicou o estudo “Gêneros Cinematográficos dos Filmes Lançados entre 2009 e 2017 em Salas de Exibição”. Enquanto as mídias especializadas falavam sobre o crescimento do gênero terror no cinema nacional, os resultados do estudo da Ancine propõem algo diferente, apresentando um quadro que, na melhor das hipóteses, seria de estagnação do gênero diante do constante crescimento do cinema nacional na década de 2010. Contudo, problemas na metodologia do estudo e na aplicação da mesma podem ter levado a sub-representação dos títulos nacionais do gênero terror. Ao desconsiderar a hibridez categórica dos gêneros, que é particularmente acentuada no cinema brasileiro, o estudo determina que filmes classificados como terror, mas também pertencentes a outros gêneros, sejam deslocados para outras categorias como drama ou comédia. Este trabalho utiliza uma nova metodologia para identificar especificamente os títulos nacionais lançados entre 2009 e 2019 que podem pertencer ao gênero terror, levando em conta, além da autodeclaração, os pareceres da mídia e considerando as particularidades do mercado nacional, para refazer a análise dos dados utilizados pelo estudo da Ancine. Os resultados constatam o crescimento do número de filmes de terror lançados anualmente na década de 2010, apresentando o período como sendo o mais prolífico para o gênero na história do cinema nacional. In November 2018, the National Film Agency (Ancine) published the study “Gêneros Cinematográficos dos Filmes Lançados entre 2009 e 2017 em Salas de Exibição”. While the specialized media talked about the growth of the horror genre in national cinema, the results of the Ancine study propose something different, presenting a picture that, in the best of hypotheses, would be of stagnation of the genre in the face of the constant growth of national cinema in the 2010s. However, problems in the study methodology and its application may have led to the underrepresentation of national horror titles. By disregarding the categorical hybridism of the genres, particularly accentuated in brazilian cinema, the study determines that films classified as horror, but also belonging to other genres, are shifted to categories such as drama or comedy. This work uses a new methodology to specifically identify national titles released between 2009 and 2019 that may belong to the horror genre, taking into account, in addition to self-declaration, media opinions and considering the particularities of the national market, to redo the analysis of the data used by the Ancine study. The results show growth in the number of horror films released annually in the 2010s, presenting the period as the most prolific for the genre in the history of national cinema.

Esta disserta??o analisa os filmes Tinta Bruta (2018), dirigido por Marcio Reolon e Filipe Matzembacher, e Corpo El?trico, (2017) de Marcelo Caetano, por meio das cenas de festa e de sexo com o objetivo de analisar aproxima??es entre homossexualidade e o conceito de queer nas duas obras cinematogr?ficas. Utilizamos como metodologia a an?lise f?lmica e encontramos embasamento te?rico em obras e no pensamento de autores como Nagime (2016), Lacerda J?nior (2015), Lopes (2016), Rich (2013), Moreno (2001), Trevisan (2018) e Garc?a (2007). Compreendemos a festa como um espa?o e o sexo como uma pr?tica que nos possibilitam analisar aproxima??es entre atitudes dos protagonistas de cada filme e o termo queer, o qual se distancia do conceito de assimila??o. Em Tinta Bruta, notamos nas cenas de festa que os protagonistas vivenciam um contexto que podemos associar a um n?o-lugar. Em Corpo El?trico, ? poss?vel notar que os protagonistas apresentam um desapego a um n?cleo familiar tradicional. Em rela??o ?s cenas de sexo, podemos notar - no filme Corpo El?trico - um distanciamento maior em rela??o ? monogamia. J? em Tinta Bruta, percebemos um afastamento de pap?is r?gidos na rela??o sexual, os quais envolvem a ideia de que um homem deve exercer apenas o papel ativo e o outro, o passivo. This dissertation analyzes the films Hard Paint (2018), directed by Marcio Reolon and Filipe Matzembacher, and Body Electric (2017), by Marcelo Caetano, through the scenes of party and sex with the objective of analyzing approximations between homossexuality and the concept of queer in both movies. We used film analysis as a methodology and found theoretical basement in the books and thoughts of authors such as Nagime (2016), Lacerda J?nior (2015), Lopes (2016), Rich (2013), Moreno (2001), Trevisan (2018) and Garc?a (2007). We comprehend the party as a space and the sex as practice that enables us to analyze approximations between each movie's protagonists' attitudes with the term queer, which presents distance from the concept of assimilation. In Hard Paint, we can see through the scenes of party that the protagonists live a context which we can associate with a non-place. In Body Electric, it's possible to notice that the protagonists present a detachment towards the traditional family nucleus. As for the scenes of sex, we can notice - in Body Electric - a longer distance towards monogamy. In Hard Paint, we perceive distancing from rigid sexual roles, which involve the idea of a man being only the top and the other, the bottom. Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) This research aims to investigate the initiation path of screenwriter and film director Ody Fraga (1927–1987). We chose to approach the period that precedes the making of his first feature film "Vidas Nuas" (1967), originated from an unfinished project entitled "Erótica". To retrace his long journey, we go back to his childhood, adolescence, as well as his early work in journalism and theater. We work with different documentary sources, seeking to establish little-known information about the director's life trajectory and “immature work”, reflecting on aspects of his intellectual production throughout this period. Esta pesquisa tem por objeto investigar o itinerário de formação do roteirista e diretor de cinema Ody Fraga (1927–1987). Elegemos abordar o período que antecede realização do seu primeiro filme, o longa metragem "Vidas Nuas" (1967), originado de um projeto inacabado intitulado "Erótica". Para retraçar sua longa jornada, remontamos à sua infância, adolescência, bem como a seus primeiros trabalhos em jornalismo e teatro. Trabalhamos com fontes documentais diversas, buscando assentar informações pouco conhecidas da trajetória de vida e da “obra imatura” do diretor, refletindo sobre aspectos de sua produção intelectual ao longo deste período. CAPES: Código de Financiamento 001

De que forma o cinema pode mobilizar modos de ocupação pelas próprias operações cinematográficas de imagem e de som? A inserção de novos protagonistas no circuito exibidor marca o cinema brasileiro dos últimos dez anos, criando e formando espaços para realizadores, atores e atrizes que antes estavam alocados às margens. Neste artigo, investigamos como o cinema enseja formas de ocupação por meio da interlocução de dois filmes contemporâneos brasileiros: Inabitáveis (Anderson Bardot, 2020) e Esse amor que nos consome (Allan Ribeiro, 2012). A noção de ocupação diz respeito à maneira como os corpos desfazem e refazem uma partilha do sensível. Por meio da dança, os dois filmes criam modos de ocupar os espaços públicos e privados e de conjugar a ficção e o documentário, reconfigurando assim aquilo que é dado a ver, a falar e a sentir.