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O estudo aqui apresentado trata da análise de diferentes processos de conservação-restauração ao qual foram submetidas pinturas concretas brasileiras, especialmente aquelas produzidas na década de 1950. O objetivo é analisar as diversas estratégias da preservação, abordando uma discussão ampliada sobre o ponto de visa teórico e seus desdobramentos nas práticas elaboradas no domínio em questão. A pesquisa visa instigar reflexões sobre os processos da conservação-restauração, avaliando de maneira crítica as diretrizes ordenadoras das práticas restaurativas e de conservação preventiva, as elaborações discursivas-projetuais que as precedem ou justificam e os resultados dos procedimentos levados a cabo. Tal tese tem como referência o estudo de obras de artistas abordados no projeto Arte Concreta no Brasil: industrialismo e vanguardas Latino-Americanas, elaborado por meio de pesquisas documentais, entrevistas, análise de técnicas e materiais, estado de conservação, entre outras metodologias. As observações e informações coletadas foram avaliadas e foi constatado que a maioria dessas obras já passaram por intervenções de conservação-restauro. Nesse sentido, este estudo propõe uma análise das intervenções realizadas, ressaltando as aporias, bem como os dialogismos – diálogos entre distintos atores, nem sempre alinhados – presentes neste campo de conhecimento, com o intuito de suscitar o questionamento e a necessidade de uma reflexão expandida sobre o tema. O trabalho em questão tem como um de seus maiores intentos sanar a lacuna de estudos que se dediquem a teorizar sobre os procedimentos restaurativos de obras modernas e contemporâneas, sobretudo, pois, ao evocarem problemas materiais e estéticos distintos daqueles oferecidos por obras ligadas à precedente tradição do médium, tais objetos demandam a elaboração de uma reflexão atualizada sobre sua preservação. Visto ainda que, em se tratando de preservação, os meios técnicos e científicos são ferramentas que corroboram uma execução orientada por pressupostos teóricos, estejam esses dados como a priori indiscutíveis ou na reflexão verdadeiramente teorizante, apenas uma investigação nesse sentido seria ineficaz. Resta ao estudo se medir com os ditames ordenantes da História, da Crítica e História da Arte, além das demais elucubrações provenientes das Ciências Sociais e Humanas, responsáveis pela orientação da apreciação e eleição de valores estéticos, artísticos, históricos, entre outros. The study here presented is based on the analysis of different conservationrestoration processes in which concrete Brazilian paintings were submitted, especially those produced in the 1950s. The objective is to analyze the diverse strategies of preservation, approaching an extended discussion about the point of view of the theory, and its developments in the field in question. The research aims to instigate reflections about the processes of the conservation-restoration field, critically evaluating the guidelines of the restorative and the preventive conservation practices, the discursive-project ellaboration that proceed or justify them, and the results of the procedures carried out. The thesis is based on the study of the artworks by artists covered in the project Concrete Art in Brazil: ndustrialism and Latin American avant-garde, made through documentary research, interviews, analysis of techniques and materials, the conservation state, and other methodologies. The observations and information collected were evaluated and it was found that most of these works have been through conservation-restoration interventions. In this sense, this study proposes an analysis of the accomplished interventions, highlighting the aporias, as well as dialogisms – dialogue between different parts, not always aligned – presented in this field of knowledge in order to raise the question and the need for an expanded reflection on the topic. The work in question has as one of its greatest intents to remedy the lack of work that devotes itself to theorize about restorative procedures of modern artworks. Above all, since in evoking material and aesthetic issues other than those offered by works linked to the previous tradition of the medium, those objects demand the creation of an updated reflection about their preservation. Since, in the case of preservation, the technical and scientific means are tools that corroborate the execution guided by theoretical assumptions, these data are used first in discussion or in the truly theorizing reflection, only in the investigation, in this sense, would be ineffective. It remains for the study to measure itself with the dictates ordering history, criticism, and history of art; in addition to other elucubrations from the social and human sciences - responsible for the way of the appreciation and election of aesthetic, artistic, historical values, among other factors.

The art critic Mário Pedrosa stood out between the late 1940s and the early 1950s by contributing to the formation of a concrete art core in Rio de Janeiro, together with the artist and professor Ivan Serpa. While Ivan Serpa brought these artists together in his painting classes, debating artworks presented there, Pedrosa made his home a place to present the ideas he was developing in his thesis on the perception of form in artwork. The aim of this work is to analyze the role of Pedrosa in the construction of an artistic project, in relation to that played by Serpa, acting as a mediator on several levels: presenting the new artists to the public as a critic, and acting as a "theoretical" within a group of artists., O crítico de arte Mário Pedrosa destacou-se, entre o final de década de 1940 e o início da década de 1950, ao contribuir para a formação de um núcleo de arte concreta no Rio de Janeiro, juntamente com o artista e professor Ivan Serpa. Enquanto Serpa reuniu esses artistas em suas aulas de pintura, debatendo os trabalhos que eram ali apresentados, Pedrosa fez de sua casa um espaço para apresentar as ideias que estava desenvolvendo em sua tese sobre a percepção da forma na obra de arte. O objetivo deste trabalho é analisar o papel ocupado por Pedrosa na construção de um projeto artístico, em relação àquele desempenhado por Serpa, atuando como mediador em diversos níveis: apresentando os novos artistas ao público na condição de crítico, e atuando como um “teórico” no interior de um grupo de artistas.

Enrevista com o artista Teuto-Brasileiro Almir Mavignier.

Esse trabalho foi inspirado na discussão trazida pela exposição Das Verlangen nach Form – Neoconcretismo und zeitgenössische Kunst aus Brasilien, que teve lugar na Akademie der Künste em Berlim, no ano de 2010. Objetiva-se compreender, a partir de uma análise histórica e política da arte, como a simbiose entre o concretismo, o neoconcretismo e a moderna arquitetura brasileira criaram a concepção de uma arte nacional, o construtivismo, que teve reconhecimento no cenário artístico mundial. Buscou-se as razões da opção brasileira pelo construtivismo, como fruto legítimo do momento artístico, social, político e econômico, ocorrido entre 1930 e 2015. Investigou-se, especificamente, como essas formas artísticas foram instrumentalizadas pelo governo brasileiro para reforçar a imagem do Brasil como um país parceiro das potencias internacionais, com base no estudo de caso alemão.

O seguinte trabalho apresenta um comparativo entre os percursos de Waldemar Cordeiro e Mário Pedrosa como agentes condutores dos movimentos de arte concreta nas cidades da São Paulo e Rio de Janeiro, respectivamente. São abordados os seguintes aspectos para a percepção das semelhanças e divergências das ações destes agentes: suas posturas políticas, a presença marcante da crítica, os postulados teóricos e a formação dos artistas que aderiram ao movimento artístico da arte concreta. O recorte temporal inicia com as primeiras manifestações destes personagens em prol de uma arte abstrato geométrica até a exposição conjunta dos grupos paulista e carioca, que representa o momento de afirmação da arte concreta no Brasil.

Este artigo propõe uma breve análise de “Exposição Franz Weissmann”, texto publicado por João Cabral de Melo Neto na década de 1960 e recuperado em Museu de tudo (1975), a fim de compreender a reflexão do poeta sobre a produção do artista plástico. Tendo em vista a similaridade entre os projetos estéticos de Weissmann e João Cabral, o artigo também pretende repensar o lugar específico do poema na própria obra do autor como um momento de problematização interna de seu ideário construtivista.

Sob a perspectiva da linha de pesquisa Preservação do Patrimônio Cultural, esta tese trata dos materiais e das estratégias técnicas empregadas na construção de pinturas de vertentes construtivas da vanguarda brasileira, realizadas ao longo da década de 1950, por artistas que atuaram no eixo Rio e São Paulo. O objetivo principal é analisar a materialidade e as especificidades técnicas exigidas pela proposta geométrica das linguagens concreta e neoconcreta na construção de obras de arte, considerando que o (re)conhecimento dos aspectos materiais e técnicos é imprescindível para a tomada de decisões que possam garantir a preservação dessas obras de arte moderna. Este estudo foi realizado a partir de um conjunto de vinte obras representativas dessas linguagens produzidas entre 1952 e 1961 pelos artistas Waldemar Cordeiro (1925-1973), Luiz Sacilotto (1924-2003), Judith Lauand (1922-) e Hermelindo Fiaminghi (1922-2004), integrantesdo grupo Ruptura, de São Paulo; e de Lygia Pape (1927-2004), Aluísio Carvão (1920-2001) e Hélio Oiticica (1937-1980),do grupo Frente do Rio de Janeiro, além de Willys de Castro (1926-1988), que se juntou a estes últimos em 1959, a partir do Movimento Neoconcreto. A metodologia da pesquisa, apoiada no campo da História da Arte Técnica, pressupõe a utilização das bases metodológicas da História da Arte e da Ciência da Conservação para a estruturação do conhecimento relacionado à tecnologia de construção das obras selecionadas. Assim, as observações e as análises feitas por meio do cruzamento entre a análise formal e os exames científicos – sendo estes estruturados a partir de estudos organolépticos, documentação científica por imagem e análises físico-químicas feitos, respectivamente, pelas equipes do Laboratório de Ciências da Conservação (LACICOR) e do Laboratório de Documentação Científica por Imagem (iLAB), ambos vinculados ao Centro de Conservação e Restauração (CECOR) da Escola de Belas Artes da UFMG –, associadas aos estudos históricos provenientes da pesquisa historiográfica e do levantamento em arquivos de artistas disponibilizados, permite uma visão ampliada do objeto artístico a partir da percepção indissociada entre conceito e materialidade. Além desta base metodológica, a pesquisa contemplou a realização de entrevistas com Judith Lauand – uma das expoentes do movimento concreto ainda viva –, bem como com um elenco de pessoas que tiveram a oportunidade de conviver com os artistas selecionados. Assim, por meio do compartilhamento de suas memórias e registros, estas entrevistas puderam elucidar questões ainda pouco conhecidas, como aquelas relativas ao uso de materiais e emprego de técnicas que configuraram o processo de produção e de criação de cada artista em ateliê. O caráter inédito desta tese está vinculado à metodologia transdisciplinar, pois, ao acessar as obras pesquisadas a partir da História da Arte Técnica – campo de conhecimento inovador na área de Ciência da Conservação –, enfocando a relação condicional entre o processo de criação, a condição estética e a tecnologia de construção, amplia as relações intrínsecas entre a materialidade e o conceito das obras de arte. Da mesma forma, o estudo das obras de arte desse período a partir da conexão entre os conceitos artísticos expressos no circuito artístico e a tecnologia de construção das obras realizadas expande o princípio de aproximação para com o objeto artístico, contribuindo a uma ação curatorial e de conservação subsidiada. O recorte temporal estabelecido para este estudo compreende a década de 1950, considerando o impacto do processo de industrialização e de modernização na sociedade brasileira, a partir do pós-guerra, no sistema das artes, aliado ao estabelecimento dos paradigmas da Arte Concreta e Neoconcreta produzidas no Brasil por meio dos movimentos artísticos. From the perspective of the Preservation of Cultural Heritage research line of this Graduate Programe, this thesis deals with the materials and technical strategies employed in the construction of paintings of constructive movements of the Brazilian avant-garde, performed during the 1950s, by artists who worked in the Rio and São Paulo. The main objective of this study is to analyze the materiality and the technical specificities required by the geometric proposal of concrete and neoconcrete languages in the construction of works of art, considering that the (re-) knowledge of material and technical aspects is essential for making decisions that can guarantee the preservation of these works of modern art. This study was carried out from a set of twenty representative works of these languages produced between 1952 and 1961 by Waldemar Cordeiro (1925-1973), Luiz Sacilotto (1924-2003), Judith Lauand (1922-) and Hermelindo Fiaminghi (1922-2004) ), members of the Ruptura group, from São Paulo; and of Lygia Pape (1927-2004), Aluísio Carvão (1920-2001) and Hélio Oiticica (1937-1980), of the Frente de Rio de Janeiro group, besides Willys de Castro (1926-1988), who joined these last in 1959, from the Neoconcrete Movement. The methodology of the research supported in the field of the Technical Art History assumes the use of the methodological bases of the Art History and the Conservation Science for the structuring of knowledge related to the technology of construction of the selected works. Thus, the observations and analyzes made through the intersection between the formal analysis and the scientific examinations structured from organoleptic studies, scientific documentation by image, and physical-chemical analyzes made, respectively, by the teams of the Laboratory of Conservation Sciences (LACICOR) and the Laboratory of Scientific Documentation by Image (iLAB), both linked to the Conservation and Restoration Center (CECOR) of the School of Fine Arts of UFMG. Also, it was associated to historical studies from historiographic research that allowed an extended view of the artistic object from the indissociated perception between concept and materiality. In addition to this methodological basis, the research included interviews with Judith Lauand - one of the exponents of the concrete movement still alive - as well as a cast of people who had the opportunity to live with the selected artists. Thus, through the sharing of their memories and records, these interviews could elucidate some issues, such as those related to the use of materials and the use of techniques that shaped the production process and the creation of each artist in the atelier. The main value of this thesis is linked to the transdisciplinary methodology, because, when accessing the works researched from the Technical Art History - an innovative field of knowledge in Conservation Science -, focusing on the conditional relationship between the creation process, the aesthetic condition, and the technology of construction of a work of art, it expands the intrinsic relations between materiality and the concept. In the same way, the study of the works of art of this period from the connection between the artistic concepts expressed in the artistic circuit and the construction technology of the works carried out expands the principle of approximation towards the art object, contributing to a curatorial and subsidized conservation. The period established for this study comprises the 1950s, considering the impact of the process of industrialization and modernization on Brazilian society, from the postwar period on the art system, together with the establishment of the paradigms of Concrete and Neoconcrete art produced in Brazil through artistic movements.

Vivemos numa época onde a fotografia é utilizada em massa e com pouco critério, levando assim à sua banalização. Depois de vários anos a estudar fotografia, sentiu-se a necessidade de pensar a fotografia como objeto independente e auto-referencial. “Fotografia Concreta: tensões e limites” é um projeto experimental fotográfico que, através de técnicas laboratoriais, analógicas e digitais, procura explorar a Fotografia Concreta. Distinguindo os conceitos de Abstrato e Concreto, exploram-se as possibilidades de uma fotografia auto-referencial e as técnicas com as quais é possível realizá-la. Ao longo deste projeto, vai-se pôr em causa a utilização da lente fotográfica, o sistema digital e o corpo da imagem. Procurando imagens que apenas apresentam o registo da luz, este projeto interroga a capacidade que a fotografia tem para criar imagens sem qualquer tipo de iconicidade. Procurando a imagem fotográfica pura, este projeto cria imagens que tentam encontrar o extremo da Fotografia Concreta. We live in an age were photography is trivialized due to intense use and lack of criterion. After several years studying photography, the need was felt to think of photography as an independent and self-referential object. “Concrete Photography: tensions and limits” is an experimental photographic project that, through laboratory, analog and digital techinques, seeks to explore Concrete Photography. Distinguishing the concepts of Abstract and Concrete, this project explores the possibility of a selfreferential photograph and the techniques with which it can be created. Throughout this project, the use of the photographic lens, the digital and the body of the image will be questioned. Trying to create a photograph that only represents light, this poject questions the ability that photography has to create images without any kind of iconicity. Looking for the pure photographic image, this project creates images to try and get to the extreme of Concrete Photography.

Submitted by Manuel Moreno (manuelmoreno@campus.ul.pt) on 2018-05-16T10:49:04Z No. of bitstreams: 1 ulfl243190_tm.pdf: 5023125 bytes, checksum: f26890fe7220875889f9a718a5c6c7e5 (MD5) Made available in DSpace on 2018-05-16T10:49:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ulfl243190_tm.pdf: 5023125 bytes, checksum: f26890fe7220875889f9a718a5c6c7e5 (MD5) Previous issue date: 2018-03-21

Submitted by MARKO ALEXANDRE LISBOA DOS SANTOS null (kakosantos@gmail.com) on 2016-07-05T20:27:29Z No. of bitstreams: 1 DEFESA FINAL DOUTORADO MARKO SANTOS.pdf: 19111346 bytes, checksum: 250e099c9d6d5d7d4e01da93d2eb3d87 (MD5) Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-07-06T17:33:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 santos_mal_dr_bauru.pdf: 19111346 bytes, checksum: 250e099c9d6d5d7d4e01da93d2eb3d87 (MD5) Made available in DSpace on 2016-07-06T17:33:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 santos_mal_dr_bauru.pdf: 19111346 bytes, checksum: 250e099c9d6d5d7d4e01da93d2eb3d87 (MD5) Previous issue date: 2016-05-24 Esta pesquisa investiga as relações entre o design e a arte tomando o processo de criação de cartazes como eixo de observação dessas relações. O período estudado compreende o Projeto Construtivo Brasileiro, mais especificamente a produção artística de Almir Mavignier e sua posterior atuação como designer gráfico. A pesquisa observa a produção em arte de Mavignier para que a partir dela, se analisem os caminhos por ele traçados de modo que se entendam os fatores que o levaram a alcançar a mensagem e a forma gráfica atual com que o mesmo trabalha. As relações estabelecidas com a atualidade se valem da produção de cartazes na sua fase pós-concretista até o presente, que o artista realiza na Alemanha, aonde reside e estabelece um ateliê/estúdio. Além disso, é realizado um comparativo entre os cartazes aditivos de Almir Mavignier e uma produção contemporânea dos cartazes finalistas do concurso do Museu da Casa Brasileira a fim de averiguar indícios de similitudes entre ambas produções. Como resultados, apresentamos uma série de análises gráficas realizadas sobre dez objetos gráficos, que possibilitarão responder às questões formuladas como tese. This research investigates the relation between design and art taking the process of creating posters as axis of observation of these connexions. The study period comprises the Brazilian Constructive Project, specifically the artistic production of Almir Mavignier and his subsequent performance as a graphic designer. The survey notes the Mavignier art production and from that analyzes the paths that he traced so the factors that led him to reach the message and the current graphic form with which he works could be understood. The relations established with the present make use of the production of posters in his post-concretist phase until the present day in which the artist performs in Germany, where he resides and establishes an atelier / studio. Besides that, it conducted to a comparison between the additives posters of Almir Mavignier and contemporary production finalist posters of the Museu da Casa Brasileira contest to determine similarities of evidence between the two productions. As a result, we present a series of graphical analyzes over ten graphic objects that will allow answer the questions formulated as a thesis.

This article presents the path of artist Waldemar Cordeiroconsidering his avant-garde trajectory, highlighting three importantmoments that accent his work: the painting – by expressionism,cubism, concrete and pop-art with the ready-mades -; the creation ofartistic objects with fragmented images newspapers, and, finally, theuse of computer to create new meanings with photography scanned. Este artigo apresenta o percurso do artista plásticoWaldemar Cordeiro, a partir da sua trajetória vanguardista,destacando três momentos importantes que marcaram a sua obra: apintura – pelo expressionismo, cubismo, concretismo e a pop-artecom os ready-mades - : a criação dos objetos artísticos com imagensfragmentadas de jornais; e por último, a utilização do computadorpara a criação de novos sentidos com a fotografia digitalizada.

Neste artigo, argumento que na cidade do Rio de Janeiro, no período do pós-guerra, o programa estético modernista orientado para a construção nacional concorre com novo projeto estético fundamentado no universalismo das formas concretas. Tal mudança não ocorre devido às influências recebidas de movimentos de vanguarda estrangeiros ou nacionais, mas de um conjunto de relações e práticas sociais que impõe o reconhecimento de novos valores artísticos. Para tanto, recupero a história do Ateliê do Engenho de Dentro, locus de uma sociabilidade sui generis, que reuniu jovens artistas plásticos, um crítico de arte e artistas internados no Centro Psiquiátrico Nacional Pedro II. In this article I argue that the modernist aesthetic program in post-war Rio de Janeiro, geared towards national construction, competed with a new aesthetic project founded on the universalism of concrete forms. Rather than reflecting the influence of foreign or national avant-garde movements, this change arose from the impact a series of social relations and practices that imposed the recognition of new artistic values. To examine this phenomenon, I reconstruct the history of the Engenho de Dentro Studio, the locus of a sui generis sociability that united young artists, an art critic and artists interned in the Pedro II National Psychiatric Centre.

Neste artigo, argumento que na cidade do Rio de Janeiro, no período do pós-guerra, o programa estético modernista orientado para a construção nacional concorre com novo projeto estético fundamentado no universalismo das formas concretas. Tal mudança não ocorre devido às influências recebidas de movimentos de vanguarda estrangeiros ou nacionais, mas de um conjunto de relações e práticas sociais que impõe o reconhecimento de novos valores artísticos. Para tanto, recupero a história do Ateliê do Engenho de Dentro, locus de uma sociabilidade sui generis, que reuniu jovens artistas plásticos, um crítico de arte e artistas internados no Centro Psiquiátrico Nacional Pedro II.In this article I argue that the modernist aesthetic program in post-war Rio de Janeiro, geared towards national construction, competed with a new aesthetic project founded on the universalism of concrete forms. Rather than reflecting the influence of foreign or national avant-garde movements, this change arose from the impact a series of social relations and practices that imposed the recognition of new artistic values. To examine this phenomenon, I reconstruct the history of the Engenho de Dentro Studio, the locus of a sui generis sociability that united young artists, an art critic and artists interned in the Pedro II National Psychiatric Centre.

This article explores the ambivalent position of Artigas in the political-cultural debate of the Cold War, during the 1950s, when two principal art movements were opposed. On one side, socialist realist tendencies that emerged in post-revolutionary Russia, particularly after the ascension of Stalin, who intended it to be the new art of the proletarian masses, along the lines of cultural policies shared by many communist parties. On another side, concretism, already held as a new avant-garde art of geometrical abstraction, attacked by communist militants for its supposed “imperialist” links. To carry out this exploration, we have mapped the architect’s treatment of both currents from two simultaneous fonts. One refers to the writings and classes of Artigas, where it is possible to trace the changes in meaning that each movement underwent throughout his career. The other refers to his projects, where we studied two paradigmatical houses: the Olga Baeta, of 1956; and the Rubens de Mendonça, of 1958. Although the former is usually regarded as “socialist realist” and the latter as “concretist”, analysis of the drawings do not permit any narrow bonds to any of them. Both positions are mixed together in both houses, revealing the cultural impasse in which Artigas was set, present in both the texts and buildings, not only regarding the formal development assigned to each of them, but the link between long-term national and political O artigo explora o posicionamento ambivalente de Artigas no debate político-cultural da Guerra Fria, durante a década de 1950, em que se opunham dois movimentos artísticos principais. Por um lado, o realismo socialista, tendência que tomou força na Rússia pós-revolucionária, sobretudo a partir da ascensão de Stalin, ao se colocar como a nova arte das massas proletárias, nas diretrizes da política cultural comum aos diversos partidos comunistas. Por outro lado, o concretismo, já então visto como uma nova vanguarda moderna de abstração geométrica, mas que era atacado pelos militantes comunistas, por seus supostos vínculos “imperialistas”. Para tal, mapeamos o tratamento que o arquiteto deu a cada vertente, em duas fontes simultâneas. Uma se refere aos textos e aulas de Artigas, que permitiram perceber as transformações que as acepções de cada movimento sofreram ao longo de sua carreira. A outra é a de seus projetos, em que estudamos duas casas paradigmáticas: a Olga Baeta, de 1956, e a Rubens de Mendonça, de 1958. Embora a primeira seja normalmente vista como “realista socialista”, e a segunda, como “concretista”, a análise dos desenhos não permite uma vinculação estrita a nenhuma delas. Ambas as posições estão mescladas nas duas casas e são desenvolvidas de modo inconcluso, o que revelaria o impasse cultural em que Artigas se encontrava. Impasse presente nas obras e nos textos,referente não só ao desenvolvimento formal que cada frente lhe abria, como também por suas vinculações a projetos políticos e nacionais de longo alcance. El artículo explora la posición ambivalente de Artigas en el debate político-cultural de la Guerra Fría durante la década de 1950, donde se oponían dos movimientos artísticos preponderantes. Por un lado, el realismo socialista, tendencia que ganó fuerza en la Rusia postrevolucionaria, sobre todo a partir de la subida al poder de Stalin, al colocarse como el nuevo arte de las masas proletarias, en las directrices de la política cultural común a diversos partidos comunistas. Y por otro lado, el concretismo, visto ya en aquel momento como una nueva vanguardia moderna de abstracción geométrica, aunque era atacado por los militantes comunistas, por sus supuestos vínculos “imperialistas”. Para demostrarlo, mapeamos el tratamiento que el arquitecto da a cada vertiente, por medio de dos fuentes simultáneas. Una se refiere a los textos y cursos dictados por Artigas, que permitieron percibir las transformaciones del significado que aquellos movimientos sufrieron a lo largo de su carrera. La otra es la de sus proyectos, donde estudiamos dos casas paradigmáticas: la casa Olga Baeta, de 1956, y la Rubens de Mendonça, de 1958. Aunque la primera sea normalmente vista como “realista socialista”, y la segunda como “concretista”, el análisis de los planos no permite una vinculación estricta con ninguna de estas. Ambas posiciones se encuentran en franco mestizaje en las dos casas y son desarrolladas de modo inconcluso, lo cual revelaría la encrucijada cultural en que Artigas se encontraba. Callejón sin salida presente en sus obras y textos, que concierne no sólo al desarrollo formal que cada frente le abría, sino también a su vinculación a proyectos políticos y nacionales de gran envergadura.

Tese de mestrado, Arte e Multimédia, especialização em Fotografia, Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2013 Submitted by Licínia Santos (biblioteca@fba.ul.pt) on 2013-05-14T15:11:55Z No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES 563_Capa.jpg: 216843 bytes, checksum: b2e9e2161d0d673994615720207321a6 (MD5) ULFBA_TES 563.pdf: 2063973 bytes, checksum: 9bf59ff49c1d476e3c2614e1ca929b66 (MD5) Made available in DSpace on 2013-05-14T15:12:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ULFBA_TES 563_Capa.jpg: 216843 bytes, checksum: b2e9e2161d0d673994615720207321a6 (MD5) ULFBA_TES 563.pdf: 2063973 bytes, checksum: 9bf59ff49c1d476e3c2614e1ca929b66 (MD5) Previous issue date: 2013

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T17:00:37Z No. of bitstreams: 1 Paula Avila Kepler_dissertacao.pdf: 405769 bytes, checksum: 4e79b54b06c2f143c5f7fe57bde7523c (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T17:00:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paula Avila Kepler_dissertacao.pdf: 405769 bytes, checksum: 4e79b54b06c2f143c5f7fe57bde7523c (MD5) Previous issue date: 2012-04-20 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior In the word of brazilian artist Helio Oiticica, there is a systematic questioning of art pratices, conditions, limitations and connections, concerning its relations to politics, both in the micropolitical level and institutional frame. This research goes from Brazilian art movement of Neoconcretism to the holistic Environmental Art, and also through a (briefly discussed) journey upon Antiart and Conceptual Art. My analysis focuses Mangueira s favela community imbrications, where Helio Oiticica did much experimentation along the sixties and seventies. I endeavor to address social processes that animate and reconstruct, from conceptual point of view, his Works in relation to subjectivity production.It assumes as its central point a certain periodization, from modern matrices of art process to post-modern, in the sense established by Brazilian art critic Mario Pedrosa. Specially, under the light of resistance, I wish to examine how Helio Oiticica, both in his writings and his actual Works, he strives to radicalize differentiation and singularisation processes within artistic, political and social interwoven matrices of poor communities in Brazil A obra de Hélio Oiticica põe em questão o estatuto, as instituições, as fronteiras e a relação da arte com à politica, do neocroncretismo ayté a arte ambiental, passando pelas conexões com a antiarte e a arte conceitual. O campo de análise se concentra no período em que Hélio Oiticica se envolve com a comunidade da Mangueira, no Rio de Janeiro, anos 1960 e 1970. Esta dissertação se propõe a analisar as intervenções e as propostas de Hélio Oiticica do ponto de vista dos processos sociais que lhe animam e são reconfigurados no ânimo da produção de subjetividade. Assume como enfoque uma transição das práticas e processos artísticos entre o marco da modernidade e da pós-modernidade, que tem consequências diferentes matrizes de produção social, economia do desejo e formas de organização política. Em especial, sob o ponto de vista da resistência, é aprofundada a diferença conceitual entre uma arte voltada à afirmação de identidades e à emancipação, em relação ao marco pós-moderno dos processos de singularização e diferenciação constituinte

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-04-19Bitstream added on 2014-06-13T19:07:56Z : No. of bitstreams: 1 silva_pcn_me_ia.pdf: 2121158 bytes, checksum: c65389f72cc8c8fdd5ed879840881b2b (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) A presente pesquisa justifica-se pela escassez de estudos contrapondo as práticas artísticas dos cinéticos venezuelanos às dos concretos paulistas, ainda que os dois movimentos tenham sido contemporâneos e influenciado fortemente a produção artística em seus respectivos países. A pesquisa foi feita por meio de levantamento bibliográfico, trabalhos acadêmicos, artigos e catálogos de exposições relacionadas ao tema. Foi elaborada de forma comparativa, buscando identificar fontes de referência e bibliografia específica com o objetivo de estabelecer as influências construtivas européias pertinentes à produção da arte concreta no Brasil e à arte cinética na Venezuela durante a década de 1950. Assim, são exploradas as similaridades entre os movimentos, partindo-se, para tanto, de suas raízes construtivas, para chegar às suas respectivas particularidades. Delimita-se o escopo da presente pesquisa à obra de três artistas de cada movimento e suas respectivas produções no período em questão. São eles: Luiz Sacilotto, Judith Lauand e Geraldo de Barros, no que tange aos concretos, e Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez e Alejandro Otero em relação aos cinéticos. Apresenta-se o surgimento do concretismo em São Paulo, em volta do Grupo Ruptura sob forte influência das ideias construtivistas defendidas por Waldemar Cordeiro e das tendências abstracionistas no Brasil à época. Paralelamente, explora-se o impacto do grupo Los Disidientes, articulado por Otero e suas repercussões na obra de Soto e Cruz-Diez, bem como o contexto venezuelano desde a ocasião do Manifesto Los Disidentes (1950) até a adoção da abstração no país. Examina-se a convergência dos artistas em Paris durante os anos 1950, o que possibilitou o intercâmbio das experiências de Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto. Da mesma... This research is justified by the lack of studies comparing the kinetics artistics practices of Venezuela and concrete practices from São Paulo. This work was made through research of bibliography, academic papers, articles and exhibitions catalogues related to the theme. It has been done in a comparative manner aiming to identify references and specific bibliographies with the purpose of establishing the constructive European influences related to the production of a concrete art in Brazil and a kInetic art in Venezuela in the 1950s. Therefore, it explores the movement similarities from their constructive roots to their respective particularities. The scope of this research is limited to the work of three artists of each movement and to their respective productions during the period in question. They are: Luiz Sacilotto, Judith Lauand and Geraldo de Barros for the concretes; and Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez and Alejandro Otero for the kinetics. There is a discussion about the origin of the concrete movement in São Paulo, around the Ruptura Group, under the influence of the constructivist ideas championed by Waldemar Cordeiro and the abstract tendencies in Brazil at the time. It is also presented the impact of Los Disidientes Group articulated by Otero and its repercussion in the work of Soto and Cruz-Diez, in addition to the Venezuelan context since of the release of Manifesto Los Disidientes (1950) until the adoption of abstraction in the country. The research also analyses the convergence of the artists in Paris during the 1950s which enable the experience interchange between Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto. In the same way, there will be a discussion about the limitations of the adoption of the abstract geometrical language as the way through modernization and rationality which characterizes and... (Complete abstract click electronic access below)

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-11-30Bitstream added on 2014-06-13T18:47:55Z : No. of bitstreams: 1 benatti_c_me_ia_prot.pdf: 10996630 bytes, checksum: b8a3f383f739987f1a86f63794c64c7e (MD5) Universidade Estadual Paulista (UNESP) O propósito desta pesquisa é analisar, focalizando na trajetória do designer e artista concreto Alexandre Wollner, a relação com as cores na formação do design visual, processo que ele define como metamorfose evolutiva. Da revisão histórica do design, destaca os componentes dessa relação que contribuíram para o desenvolvimento da atividade na Europa nos séculos XIX e XX. Acompanha sua assimilação no Brasil, em meio à revolução cultural na década de 1950, analisando a atuação dos artistas concretos, responsáveis por integrar a arte aos processos industriais e aos meios de comunicação, dando início à nossa cultura do design. Percorre a experiência de Wollner, cuja intensa participação o coloca como principal referência na formulação dessa cultura, e discorre, por meio de seus relatos sobre a contribuição do concretismo paulista para a formação do design visual brasileiro The purpose of this research is to analyse, focusing on the trajectory of the designer and concrete artist Alexandre Wollner, the relationship between the arts and the creation of visual design, process that he defines as evolutionary metamorphosis. From the historical revision of design, he highlights the components of this relation that contributes for the development of the activity in the Europe in XIX and XX centuries. He follows its assimilation in Brazil, during the cultural revolution in 1950's, analysing the concrete artists performances, responsible for integrating the art to the industrial processes and the medias, creating our own design culture. The research covers the experiences of Wollner, whose intense participation places it as main reference in the training of this culture, and analyses, based on his reports, the contribution of the São Paulo's concrete art moviment for the creation of brazilian's visual design

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-20Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 silveira_jcm_me_ia.pdf: 2032539 bytes, checksum: f497b6f727fb1650f5e55d100c60b059 (MD5) O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called ‘Inspiração a Dois’ which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one`s own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work ‘Inspiração a Dois’ involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show `s presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:10Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-02-26Bitstream added on 2014-06-13T18:20:20Z : No. of bitstreams: 1 santos_mal_me_bauru.pdf: 1506173 bytes, checksum: 955405b44f5282efdb0c72fc200d3363 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Concretismo foi um movimento vanguardista que abrangeu as artes plásticas, a arquitetura, a música, a poesia, o design. Os artistas que formaram o grupo concretista paulista Ruptura, em 1952, concebiam a arte como projeto, como idéia racional e propunham objetos múltiplos contrapondo-se à noção de obra única. Preocupavam-se com a função social do artista, a questão da reprodução da arte para todos e ansiavam por intervir no centro da produção industrial. Geraldo Barros foi um concretista que buscou a integração funcional da arte ao cotidiano por meio do design. A participação na indústria moveleira Unilabor, a partir de 1954, denota seu compromisso com essa idéia. O percurso de Barros - pintor, fotógrafo e design - permite caracterizá-lo como artista múltiplo. Esta pesaquisa, no entando, se delimita a sua produção no período compreendido entre o final dos anos 40 e meados dos anos 60. Seu objetivo é evidenciar os pressupostos sociais e racionais do Concretismo sobre a produção plástica e a metodologia de projeto de Geraldo Barros enquanto design de móveis. O estudo teve como fio condutor a linguagem geométrica das vanguardas do primeiro vintênio do século XX e a produção artística do Concretismo brasileiro, cujo processo de criação está objetiva e filosoficamente embasado na geometria. A proposta aspira a uma contribuição bibliográfica sobre o assunto, acrescentando uma maneira a mais de olhar o design The Concretism was a vanguard movement that covered the arts, architecture, music, poetry, design. The artists who formed the group Ruptura in 1952, conceived of art as design, as rational idea and proposed multiple objects in opposition to the concept of a single work. Worried about the social role of the artist, the question of the reproduction of art of all and were eager to intervence in the center of industrial production. Geraldo Barros was a concrete sought the functional integration of art to everyday life through design. Participation in the furniture industry Unilabor, from 1954, reflects his commitment to this idea. The route of Barros - painter, photographer and designer - to characterize it as multiple artist. This research, however, is framed for its production in the period between the late 40th and mid '60s. Your intention is to show the social and rational assumptions of the Concretismo on the artistic production and design methodology Geraldo de Barros as a furniture designer. The study was lead by the geometric language of the vanguards ocurred in the first twenty years of century XX and the artistic production of Concretismo Brazilian, whose creation process is objective and philosophically grounded in geometry. The proposal aims to a contribution of literature on the subject, adding one more way of looking at the design

Neste artigo, argumento que na cidade do Rio de Janeiro, no período do pós-guerra, o programa estético modernista orientado para a construção nacional concorre com novo projeto estético fundamentado no universalismo das formas concretas. Tal mudança não ocorre devido às influências recebidas de movimentos de vanguarda estrangeiros ou nacionais, mas de um conjunto de relações e práticas sociais que impõe o reconhecimento de novos valores artísticos. Para tanto, recupero a história do Ateliê do Engenho de Dentro, locus de uma sociabilidade sui generis, que reuniu jovens artistas plásticos, um crítico de arte e artistas internados no Centro Psiquiátrico Nacional Pedro II. In this article I argue that the modernist aesthetic program in post-war Rio de Janeiro, geared towards national construction, competed with a new aesthetic project founded on the universalism of concrete forms. Rather than reflecting the influence of foreign or national avant-garde movements, this change arose from the impact a series of social relations and practices that imposed the recognition of new artistic values. To examine this phenomenon, I reconstruct the history of the Engenho de Dentro Studio, the locus of a sui generis sociability that united young artists, an art critic and artists interned in the Pedro II National Psychiatric Centre.

Orientador : Nelson Alfredo Aguilar Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas Resumo: Este trabalho analisa a transformação da produção artística e teórica de Waldemar Cordeiro (1925-1973) na sua passagem da arte concreta dita ¿histórica¿, desenvolvida em São Paulo na década de 1950, para as novas formulações na década de 1960, com as suas experimentações com o informal e as assemblages da ¿arte concreta semântica¿ ou ¿popcreto¿ Abstract: This work analyses the transformations in the production both visual and theoretical of Waldemar Cordeiro (1925-1973), in his transition from the so-called ¿historical¿ concrete art, which took place in São Paulo, Brazil, during the 1950s, to the new formulations in the 1960s, with its experimentations with informal art and assemblages in the ¿semantic concrete art¿, also called ¿popcrete¿ Mestrado História da Arte e da Cultura Mestre em História

Caractérisation du "Poema-Processo" au long de sa trajectoire entre les années 1967 et 1972, au regard d´une lecture visant son insertion dans le mouvement d´avant-guarde de la deuxième moitié du XX° siècle, au Brésil. On vérifie la façon dont le mouvement du "Poema-Processo" s´est formé, comme dédoublement de l´art concret, ainsi comme ses adéquations à la conjoncture de son apparition au Brésil, s´établissant une comparaison entre la pratique du poème et les propositions des manifestes lancés. L´analyse des poèmes sélectionnés démontre leur co-relation avec les travaux visuels initiés par les avant-guardes historiques, ainsi comme les réponses de la pratique poétique à la théorie developpée par les principaux représentants, Wlademir Dias-Pinto, Álvaro de Sá et Moacy Cirne. La production poétique et culturelle de Moacy Cirne est abordée en observant sa pratique sur trois points fondamentaux: la production poétique, la critique littéraire donnant de l´emphase à la culture locale et au texte du "Poema-Processo", et la recherche du language des bandes dessinées. Caracterização do Poema-Processo na sua trajetória entre os anos de 1967 e 1972, com vistas a uma leitura da sua inserção no movimento das vanguardas da segunda metade do século XX no Brasil. Verifica-se o modo como o movimento do Poema-Processo se formou enquanto desdobramento da arte concreta, assim como as suas adequações à conjuntura do seu surgimento no Brasil, procedendo-se a uma comparação entre a prática do poema e as propostas dos manifestos lançados. A análise de poemas selecionados demonstra a co-relação dos mesmos com os trabalhos visuais encetados pelas vanguardas históricas, assim como as respostas da prática poética à teoria desenvolvida pelos principais representantes, com destaque para Wlademir Dias-Pino, Álvaro de Sá e Moacy Cirne. A produção poética e cultural de Moacy Cirne é abordada observando-se sua prática em três pontos fundamentais: a produção poética, a crítica literária enfatizando a literatura local e o texto do Poema-Processo, e a pesquisa em torno da linguagem dos quadrinhos

Submitted by Alberto Vieira (martins_vieira@ibest.com.br) on 2019-01-30T23:22:32Z No. of bitstreams: 1 455970.pdf: 4555671 bytes, checksum: a576cea8070e0eec3aceb6017c30eded (MD5) Made available in DSpace on 2019-01-30T23:22:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 455970.pdf: 4555671 bytes, checksum: a576cea8070e0eec3aceb6017c30eded (MD5) Previous issue date: 1998-09 Este trabalho procura mostrar como a Arte Concreta proporcionou, também, o desenvolvimento do design, especificamente o gráfico, no Brasil. A Arte Concreta deu a sua contribuição junto com a herança do trabalho em madeira, os artistas e arquitetos modernos e a publicidade. Por meio do trabalho do artista e designer Geraldo de Barros isso será comprovado. Este estudo mostrará, também, a definição e o histórico do design, além é claro do movimento Concreto no Brasil e suas repercussões. This paper aims at showing how the Concrete Art provided the development of the design in Brazil, specially graphic design. The Concrete Art contributed for the development of the design within inheritance of wood work, the modern artists and architects and the publicity. This will be proved through the artist and designer Geraldo de Barros. This study will show the definition and historic of design, besides the Concret Moviment in Brazil and his effects.

Submitted by Alberto Vieira (martins_vieira@ibest.com.br) on 2018-11-01T00:59:23Z No. of bitstreams: 1 455883.pdf: 17076882 bytes, checksum: 1825b26b67b546f4692d9a5d09db6a63 (MD5) Made available in DSpace on 2018-11-01T00:59:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 455883.pdf: 17076882 bytes, checksum: 1825b26b67b546f4692d9a5d09db6a63 (MD5) Previous issue date: 1997-12 Esta pesquisa buscou explicitar a qualidade arquitetural na obra de Sérgio Camargo. A ‘natureza arquitetônica’ ou qualidade arquitetural, reside na referência que as obras em questão fazem à arquitetura. Estas estão ligadas à fase dos relevos pela investigação que Camargo promove entre a relação do volume com o plano e a da forma com a matéria. Percebemos que tratava-se de uma passagem, ou seja, uma espécie de entreato entre os relevos – fase mais conhecida do artista – e as ’baleias’, fase final de sua obra. Essa passagem mostrou-se essencial para uma melhor compreensão dos relevos, pois evidencia claramente como o conjunto da obra abstrata de Camargo tem na sua base a pesquisa da relação entre o volume e o plano. Tornou-se necessário, também, desvendar o porquê da insistência na manutenção das bases em alguns trabalhos e qual a ligação deste fato com a natureza arquitetônica. O recorte desta dissertação se estende de meados da década de 60 até os anos 80. Outro objetivo de nossa pesquisa foi estabelecer, para o conjunto da obra deste artista singular – presente em vários museus no Brasil e no exterior – a importância de seu contato com artistas como Brancusi, Vantongerloo, Arp e com as tendências contemporâneas. Verificamos, ainda, como se deu a relação de Camargo com o Concretismo e o Neoconcretismo brasileiros. Do ponto de vista teórico, esta dissertação procurou sustentação na fenomenologia de Gaston Bachelard. This research has sought to explicit the architectural quality in the work of Sérgio Camargo. The ‘architectonic nature’, or architectural quality, lies in the reference of the works in question to architecture. These works are connected with the phase of the reliefs via the investigation that Camargo undertakes of the relationship between volume and plane and between shape and matter. We have realized that we were dealing with a passage, that is, a kind of of entr’acte between the reliefs – the artist’s best known phase – and the ’whales’, the final phase of his work. This passage has proved essential for a better comprehension of the reliefs, as it clearly evidences how the entirety of Camargo’s abstract work has, at its base, an investigation into the relationship between volume and plane. It has also become necessary to unveil the reason for his insistence on keeping bases in some works and the connection between this fact and the architectonic nature.The part of the work selected for this dissertation goes from the mid 60’s through the 80’s. Another objective of our research was to establish, for the whole of the work of this unique artist – present in several museums in Brazil and abroad – the importance of his getting acquainted with artists such as Brancusi, Vantongerloo, Arp and with contemporary trends. We have also verified how the relationship between Camargo and the Brazilian Concrete and Neo-concrete movements was established. From a theoretical point-of-view, this dissertation has sought grounds in the phenomenology of Gaston Bachelard.

Submitted by Alberto Vieira (martins_vieira@ibest.com.br) on 2019-01-22T01:29:07Z No. of bitstreams: 1 416196.pdf: 9870395 bytes, checksum: d965e7af9585456716bfcad096adae8e (MD5) Made available in DSpace on 2019-01-22T01:29:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 416196.pdf: 9870395 bytes, checksum: d965e7af9585456716bfcad096adae8e (MD5) Previous issue date: 1992-11 No final da década de quarenta surge no Brasil um foco de reação contra o comodismo artístico manifestado pelos remanescentes do movimento modernista. Um grupo de jovens artistas une-se na tentativa de implantação de uma arte universal – geométrica – compatível com a sociedade brasileira dos anos cinquenta: industrializada. Adota-se como modelo artístico o Concretismo suíço adaptando seus preceitos às circunstâncias locais. Contudo, os diferentes históricos dos movimentos concretos suíço e nacional ocasionaram práticas diferentes. O Concretismo brasileiro assume uma postura singular ao conjugar os princípios do movimento suíço e do Construtivismo europeu de começo do século, caracterizando-se, ao contrário do modelo suíço, como um Projeto Construtivo Nacional. By the end of the forties, it emerges in Brazil a core of reaction against the artistic convenience pattern demonstrated by the remnants of the modernist movement. A group of young artists gets together in the attempt to implement a geometric universal art-compatible with the now industrialized Brazilian society of the fifties. The Swiss Concretism is adopted as a stylistic model and its precepts are adapted to the local circumstances. The different backgrounds of the national and Swiss movements, however, result in different practices. The Brazilian Concretism takes on a singular posture by uniting the principles of the Swiss movement to the ones of the European Constructivism of the beginning of the century, being characterized, in opposition to the Swiss model, as a National Constructivist Project.