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[ES] El aburrimiento es una sensación desagradable y los seres humanos lo experimentan en la vida cotidiana, en el trabajo, en el entretenimiento, o en la educación y la cultura. En dicha investigación, pretendemos explorar la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo a través de la indagación en el formalismo y en el conceptualismo, rastreando cómo el aburrimiento afecta a la producción artística, conformándose como una estrategia del arte e influyendo en el espectador. Para realizar este trabajo, iniciamos el estudio de los recursos filosóficos, sociológicos y literarios relacionados con el aburrimiento, con el fin de configurar su rostro y valor. Después, a través de este entendimiento del aburrimiento, rastreamos su manifestación en el arte. Descubrimos que, en efecto, tradicionalmente la impresión establecida del arte ha sido una simulación de ilusión, creando un mundo asombroso en medio de la representación ilusionista de la realidad y la imaginación. Sin embargo, desde las vanguardias, el arte ha roto este lenguaje de la representación ilusionista y ha propuesto otro lenguaje basado en el conceptualismo y en la experiencia pura visual abstracta. Tales rupturas y conflictos con el arte convencional también llevan consigo la posibilidad del aburrimiento en el arte, donde el arte a primera vista ya no es visualmente comprensible y tampoco se basa plenamente en la representación visual. Además, hallamos este vínculo significativo del aburrimiento concretamente en el "Manifiesto Dadá", en el que declara la intención de derrotar el aburrimiento del arte convencional. Sin embargo y paradójicamente el dadaísmo introdujo aquel lenguaje del aburrimiento en el arte, influyendo posteriormente en el arte contemporáneo. Es así que, con el análisis de diversos artistas y estrategias estéticas que utilizan el aburrimiento, revelamos la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo., [CA] L'avorriment és una sensació desagradable i els éssers humans l'experimenten en la vida quotidiana, en el treball, l'entreteniment, o l'educació i la cultura. En aquesta investigació, pretenem explorar la poètica de l'avorriment en l'art contemporani a través de la indagació en el formalisme i en el conceptualisme, rastrejant com l'avorriment afecta a la producció artística, conformant-se com una estratègia de l'art i influint en l'espectador. Per a fer aquest treball, iniciem l'estudi dels recursos filosòfics, sociològics i literaris relacionats amb l'avorriment, amb la finalitat de configurar el seu rostre i valor. Després, a través d'aquest enteniment de l'avorriment, rastregem la seua manifestació en l'art. Descobrim que, en efecte, tradicionalment la impressió establida de l'art ha sigut una simulació d'il·lusió, creant un món sorprenent enmig de la representació il·lusionista de la realitat i la imaginació. No obstant això, des de les avantguardes, l'art ha trencat aquest llenguatge de la representació il·lusionista i ha proposat un altre llenguatge basat en el conceptualisme i en l'experiència pura visual abstracta. Tals ruptures i conflictes amb l'art convencional també porten amb si la possibilitat de l'avorriment en l'art, on l'art a primera vista ja no és visualment comprensible i tampoc es basa plenament en la representació visual. A més, trobem aquest vincle significatiu de l'avorriment concretament en el "Manifest Dadà", en el qual declara la intenció de derrotar l'avorriment de l'art convencional. No obstant això i paradoxalment el dadaisme va introduir aquell llenguatge de l'avorriment en l'art, influint posteriorment en l'art contemporani. És així que, amb l'anàlisi de diversos artistes i estratègies estètiques que utilitzen l'avorriment, revelem la poètica de l'avorriment en l'art contemporani., [EN] Boredom is an unpleasant feeling that is experienced by human beings in everyday life, in work, entertainment, education, and culture. In this research, we intend to explore the poetics of boredom in contemporary art through the investigation of formalism and conceptualism, tracing how boredom affects artistic production, turns into an art strategy, and affects the viewer. To carry out this work, we began with the study of philosophical, sociological, and literary resources related to boredom in order to configure its features and value. Later, through this understanding of boredom, we traced its manifestation in art. We discovered that, indeed, traditionally the established impression of art has been a simulation of illusion, creating an amazing world between the illusionistic representation of reality and imagination. However, since the avant-gardes, art has broken this language of illusionist representation and has proposed another language based on conceptualism and pure abstract visual experience. Such ruptures and conflicts with conventional art also bring with them the possibility of boredom in art, where art at first sight is no longer visually understandable and also does not completely depend on visual representation. In addition, we find this significant link between boredom and art specifically in the "Dada Manifesto," which declares the aim of defeating boredom in conventional art. However, paradoxically, Dadaism introduced strategies of boredom into art, which subsequently became influential in contemporary art. Thus, with the analysis of various artists and aesthetic strategies involved with boredom, we have revealed the poetics of boredom in contemporary art.

Este artículo busca comprender de qué manera los viajes culturales realizados por los artistas Eduardo Ramírez Villamizar, Edgar Negret y Feliza Bursztyn a París después de 1945 contribuyeron a la consagración artística de éstos y a la configuración del arte moderno en Colombia. Analizando sus trayectorias plásticas, se exponen las razones que los estimularon a viajar a París en un período en el que Nueva York se convertía en un nuevo centro artístico. De esta investigación se concluyó que la estadía parisina realizada por los artistas colombianos después de 1945 favoreció la aceptación social del arte abstracto, así como la utilización de materiales industriales y de desecho como nuevos referentes plásticos. Se trataría entonces de dos eventos significativos que llevaron al arte moderno colombiano hacia su total renovación. This article seeks to understand the way in which the cultural journeys of artists Eduardo Ramírez Villamizar, Edgar Negret, and Feliza Bursztyn to Paris after 1945 contributed to their dedication to art and to the configuration of modern art in Colombia. Analyzing their trajectories in the plastic arts, it presents the reasons that stimulated them to travel to Paris during a period in which New York was becoming a new world center of the arts. This research led to the conclusion that the time these Colombian artists spent in Paris after 1945 favored both the social acceptance of abstract art and the use of industrial and scrap materials as new plastic referents. It is thus a question of two significant events that led to a total renewal of modern art in Colombia. Este artigo pretende compreender de que maneira as viagens culturais realizadas pelos artistas Eduardo Ramírez Villamizar, Edgar Negret e Feliza Bursztyn a Paris depois de 1945 contribuíram para a consagração artística destes e para a configuração da arte moderna na Colômbia. Analisando suas trajetórias plásticas, expõem-se as razões que os estimularam a viajar a Paris num período em que Nova York se convertia num novo centro artístico. Desta pesquisa, concluiu-se que a estada parisiense realizada pelos artistas colombianos depois de 1945 favoreceu a aceitação social da arte abstrata, bem como a utilização de materiais industriais e de resíduos como novos referentes plásticos. Tratou-se, portanto, de dois eventos significativos que levaram a arte moderna colombiana à sua total renovação.

This study examines the relationship between Octavio Paz and Group 1890, a collective of young Indian artists who held their only exhibition in New Delhi in 1963. The analysis focuses on the dialogue that emerges from the exhibition catalogue, which includes an introductory essay by Paz as well as Group’s provocative manifesto. Through a reading of Paz and the group’s approaches to artistic novelty, the role of the national, and the art-reality relationship, this study seeks to trace a South-South artistic dialogue based on incongruity and heterogeneity. In the exhibited works, the poet sees the expression of a global avant-garde, influences by European movements, built in opposition to the national folkloric tradition, and devoted to a deep exploration of reality without ever espousing realism. Meanwhile, Group 1890’s manifesto projects an almost nihilistic vision that, despite acknowledging a European predecessor in its dedication, rejects its national tradition without embracing universalist aims and conceptualizes art as an independent field separate from what’s real. Este estudio examina la relación entre Octavio Paz y el Grupo 1890, un colectivo de jóvenes artistas indios que tuvieron su única exhibición en Nueva Delhi en 1963. El análisis se centra en el diálogo que surge del catálogo de la exhibición, que incluye un ensayo introductorio de Paz y el manifiesto provocador del Grupo. A través de una lectura de las aproximaciones de Paz y el grupo a la novedad artística, el rol de lo nacional y la relación arte-realidad, este estudio busca trazar un diálogo artístico sur-sur basado en la incongruencia y la heterogeneidad. El poeta ve en las obras exhibidas la expresión de una vanguardia global, influenciada por movimientos europeos, construida en oposición a la tradición folclórica nacional y abocada a una exploración profunda de la realidad sin caer nunca en el realismo. Mientras tanto, el manifiesto del Grupo 1890 proyecta una visión casi nihilista que, a pesar de reconocer un predecesor europeo en su dedicatoria, rechaza su tradición nacional sin decantarse por pretensiones universalistas y conceptualiza el arte como un campo independiente y separado de lo real.

En el presente trabajo se plantea el problema de la relación del barroco con la modernidad a través del estudio de un aspecto particular, que es el de la relación entre la imagen barroca y la representación analítica moderna. Se defiende que la procedencia religiosa de la imagen barroca da a ésta un importante papel en el dispositivo de refundamentación del mundo que el barroco pone en marcha, así como un especial carácter artístico y una enorme ambigüedad. La potencia propia de la imagen barroca es definida por su carácter alegórico, reinterpretado en términos de la figuralidad ontológica monoteísta y de su importante papel en el proceso histórico de desconstrucción del cristianismo., In this paper, the problem of the relationship between the baroque and modernity is addressed through the study of a particular aspect, which is the relationship between the baroque image and modern analytical representation. It is argued that the religious origin of the baroque image gives it an important role in the world foundation’s dispositif that the baroque sets in motion, as well as a special artistic character and an enormous ambiguity. The power of the baroque image is defined by its allegorical character, reinterpreted in terms of monotheistic ontological figuration and its important role in the historical process of the deconstruction of Christianity., Proyecto de Investigación «Herencia y actualización del Barroco como ethos inclusivo» (PID2019-108248GB-I00 / MICIN/ AEI / 10.13039/501100011033), financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación, Agencia Estatal de Investigación, del Gobierno de España

RESUMO Em sua fase final, a obra de Gustave Moreau passa por um processo de desmaterialização que é comum a outros artistas de sua geração. Por meio da análise da pintura e das anotações pessoais de Moreau, este artigo busca compreender as estratégias artísticas e as implicações teóricas envolvidas nesse movimento de idealização do conceito de “obra de arte”. São discutidos o uso simbolicamente carregado do inacabamento da pintura e a descentralização da “obra”, desdobrada em múltiplos estudos e trabalhos menores. Partindo do caso específico do artista, busca-se também contribuir para uma perspectiva geral sobre questões-chave da pintura moderna. ABSTRACT In its final phase, the work of Gustave Moreau goes through a process of dematerialization, which is common to other artists of his generation. By analyzing Moreau’s painting and personal notes, this paper seeks to understand the artistic strategies and theoretical implications involved in this movement of idealizing the concept of “work of art”. This article discusses the symbolically charged use of techniques that result in paintings of unfinished aspect and the decentralization of the “work”, unfolded into multiple sketches and minor studies. Using the artist’s case as a starting point, it also seeks to contribute to a general perspective on key issues of modern painting. RESUMEN La fase final de la obra de Gustave Moreau pasa por un proceso de desmaterialización, común a otros artistas de su generación. Desde el análisis de su pintura y sus notas personales, este artículo intenta comprender las estrategias artísticas y las implicaciones teóricas involucradas en este movimiento de idealización del concepto de “obra de arte”. Se discute el uso simbólicamente cargado de pintura inacabada y la descentralización de la “obra”, que se desdobla en múltiples estudios y trabajos más pequeños. Con base en el caso específico del artista también se pretende contribuir a una perspectiva general sobre temas clave de la pintura moderna.

espanolEl articulo analiza las vinetas politicas, publicidades e ilustraciones del artista Ricardo Warecki en el diario Cronica de Rosario (Argentina) entre 1945 y 1947, en el contexto de los sucesos nacionales e internacionales que trajeron cambios economicos y politicos durante la segunda posguerra, el inicio de la guerra fria y el ascenso del peronismo. Las transformaciones sociales que se estaban produciendo en el mundo entero quedaron registradas bajo la mirada del artista de una manera satirica, y el humor grafico fue utilizado como un modo de evidenciar su disconformidad ante el avance de la violencia y el autoritarismo EnglishThe article analyzes the political cartoons, advertisements and illustrations of artist Ricardo Warecki published by the newspaper Cronica de Rosario (Argentina) between 1945 and 1947, in the context of the national and international events that drove economic and political changes during the second postwar period, the beginning of the cold war and the rise of Peronism. The social transformations that were taking place around the world were registered by the satirical gaze of the artist, and graphic humor was used as a way to show his dissatisfaction with the advance of violence and authoritarianism francaisL’article analyse les caricatures politiques, publicites et illustrations de l’artiste Ricardo Warecki publiees par le journal Cronica de Rosario (Argentine) entre 1945 et 1947, dans le contexte des evenements nationaux et internationaux qui ont entraine les changements economiques et politiques de la deuxieme periode d’apres-guerre, le debut de la guerre froide et la montee du peronisme. Les transformations sociales en cours dans le monde ont ete enregistrees par le regard satirique de l’artiste, et l’humour graphique a ete utilise comme un moyen de montrer son mecontentement face a l’avancee de la violence et de l’autoritarisme

La obra Indias Huancas de Julia Codesido (1883-1979) forma parte de la colección de arte moderno del Centro Pompidou de París y es una obra que, al igual que muchas obras de artistas mujeres, actualmente no está expuesta al público. Este artículo analiza el trabajo de Codesido desde la perspectiva feminista y decolonial. Al mismo tiempo, la relectura de su obra propone una revisión de la iconografía representada a partir de la significación de sus elementos. Codesido fue una artista comprometida con las ideas de la vanguardia artística del Perú, su adhesión a la estética indigenista le permitió crear obras que alteraron los cánones academicistas, explorando nuevas formas de expresión. Mediante estas nuevas maneras de representación restituyó la presencia de las mujeres y su diversidad étnica y cultural en la historia del arte del Perú. Abstract The work Indias Huancas by Julia Codesido (1883-1979) is part of the modern art collection of the Center Pompidou in Paris and is a work that, like many works by female artists, is currently not on public view. This article analyzes Codesido’s work from a feminist and decolonial perspective. At the same time, the re-reading of her work proposes a revision of the iconography represented from the significance of its elements. Codesido was an artist committed to the ideas of the artistic avant-garde of Peru, her adherence to the Indigenist aesthetics allowed her to create works that altered academic canons, exploring new forms of expression. Through these new forms of representation, she restored the presence of women and their ethnic and cultural diversity in the history of Peruvian art.

[ES] Josep Renau fue uno de los artistas españoles más relevantes del pasado siglo, capaz de unificar en sus obras sus ideas comunistas y republicanas surgidas en el contexto de la Guerra Civil Española y una técnica novedosa en el ámbito de la fotografía, el diseño publicitario y el muralismo dejando patente tanto su carácter revolucionario, como su función social claramente reivindicativa. El presente Trabajo Final de Grado surge de la colaboración interinstitucional entre el Departamento de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de la Universitat Politècnica de Valencia y el Departamento de Restauración del Institut Valencià d´Art Modern (IVAM) para el estudio de obra gráfica de la colección. En particular, se propone estudiar el proyecto gráfico de la obra "La marcha de la juventud hacia el futuro" (ca. 1974), obra contemporánea de gestualidad informalista del siglo XX marcada por otras corrientes de la época, por ser una cultura ilustrativa y descriptiva que va desde el realismo naturista a un expresionismo dramático, con el fin de estimular sentimientos tales como orgullo, desprecio, coraje, rechazo, exaltación y amor patrióticos. Se trata del proyecto gráfico que se conserva de un mural desaparecido realizado con materiales de muy baja calidad y con procedimientos gráficos de distinta naturaleza. El hecho de ser una obra que no ha sido concebida para perdurar en el tiempo agrava su estabilidad y obliga a adaptar los criterios de conservación y restauración con el fin de acondicionarlos a las necesidades del conjunto. Por este motivo, la intervención ha sido concebida desde una perspectiva no tradicional que atiende a los diferentes aspectos que presenta la obra., [EN] Josep Renau was one of the most relevant Spanish artists of the last century, able of unify in his works his communist and republican ideas that emerged in the context of the Spanish Civil War and a new technique in the field of photography, advertising design and muralism making clear both its revolutionary character and its clearly vindictive social function. This Final Degree Project arises from the inter-institutional collaboration between the Department of Conservation and Restoration of Cultural Assets of the Polytechnic University of Valencia and the Department of Restoration of the Valencian Institute of Modern Art (IVAM) for the study of graphic work of the collection. In particular, it is intended to study the sketch of the work 'The march of youth towards the future' (ca. 1974), a contemporary work of informalist gestures of the 20th century marked by other currents of the time, for being an illustrative and descriptive culture that ranges from naturist realism to dramatic expressionism, in order to stimulate feelings such as pride, contempt, anger, rejection, exaltation and patriotic love. This is the surviving sketch of a missing mural made with very low-quality materials and with graphic techniques of a different nature. The fact of being a work that has not been conceived to last in time, aggravates its stability. This generates the need to adapt the conservation and restoration criteria in order to adapt them to the needs of the whole. For this reason, the intervention has been conceived from a non-traditional perspective that attends to the different dimensions that the work presents.

La coleccionista Peggy Guggenheim nació en Nueva York (EE.UU) en el año 1898 y falleció en Camposampiero (Italia) en 1979. Se trasladó a París con tan solo veinte dos años y fue allí donde comenzó su trayectoria como coleccionista, estableciendo una serie de relaciones con los artistas del momento, que posteriormente se convertirían en relaciones laborales. En dos ocasiones llegó a establecer una galería de arte, la primera de ellas en Londres y la segunda en Nueva York, lugar al que tuvo que trasladarse debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial. Tras el final de la guerra regresó a Europa, concretamente a Venecia, en donde vivió el resto de su vida. Fue allí donde consiguió materializar la idea de crear un museo a partir de su colección. En la actualidad, la colección y labor de Peggy goza de un gran prestigio, y se puede visitar su museo en la que fue su casa, el Palazzo Venier dei Leoni, que descansa sobre el Gran Canal., The collector Peggy Guggenheim was born in New York (USA) in 1898 and died in Camposampiero (Italy) in 1979. She moved to Paris when she was only twenty-two years old and it was there where she began her career as a collector, establishing a series of relationships with the artists of the time, which would later become working relationships. On two occasions he established an art gallery, the first in London and the second in New York, where he had to move due to the outbreak of World War II. After the end of the war he returned to Europe, specifically to Venice, where he lived the rest of his life. It was there where he managed to materialize the idea of creating a museum from his collection. Today, Peggy's collection and work enjoys great prestige, and her museum can be visited in her former home, the Palazzo Venier dei Leoni, which rests on the Grand Canal., Departamento de Historia del Arte, Grado en Historia del Arte

El presidente de la Dirección Municipal de Cultura inauguró en mayo de 1938 una nueva edición del tradicional Salón rosarino y presentaba al mismo tiempo un ambicioso plan de trabajo, orientado a dar un nuevo impulso a la producción cultural de la ciudad en todas sus manifestaciones. Cerrando el año 1937, la Comisión Municipal de Bellas Artes había sido reestructurada en respuesta a los reclamos formales de un importante número de artistas por la ineficacia de su accionar y en su lugar se habían creado dos nuevas instituciones. Por un lado, el Museo Municipal de Bellas Artes que a partir de entonces llevaría el nombre de Juan B. Castagnino en homenaje al entusiasta promotor de las artes y coleccionista rosarino, tal como lo había solicitado su familia al momento de donar al municipio los fondos necesarios para la definitiva construcción de un edificio anhelado por largos años. Por otra parte, la Dirección Municipal de Cultura quedaba constituida como cuerpo colegiado del que sería miembro nato el director del Museo. Esta cláusula era indicativa de la estrecha conexión que debían mantener ambos organismos, pese a que cada uno tuviera funciones específicas. Fil: Mouguelar, Lorena V.; Centro de Investigaciones del Arte Argentino y Latinoamericano / Escuela de Bellas Artes - Facultad de Humanidades y Artes – Universidad Nacional de Rosario.

In its final phase, the work of Gustave Moreau goes through a process of dematerialization, which is common to other artists of his generation. By analyzing Moreau’s painting and personal notes, this paper seeks to understand the artistic strategies and theoretical implications involved in this movement of idealizing the concept of “work of art”. This article discusses the symbolically charged use of techniques that result in paintings of unfinished aspect and the decentralization of the “work”, unfolded into multiple sketches and minor studies. Using the artist’s case as a starting point, it also seeks to contribute to a general perspective on key issues of modern painting. Em sua fase final, a obra de Gustave Moreau passa por um processo de desmaterialização que é comum a outros artistas de sua geração. Por meio da análise da pintura e das anotações pessoais de Moreau, este artigo busca compreender as estratégias artísticas e as implicações teóricas envolvidas nesse movimento de idealização do conceito de “obra de arte”. São discutidos o uso simbolicamente carregado do inacabamento da pintura e a descentralização da “obra”, desdobrada em múltiplos estudos e trabalhos menores. Partindo do caso específico do artista, busca-se também contribuir para uma perspectiva geral sobre questões-chave da pintura moderna. La fase final de la obra de Gustave Moreau pasa por un proceso de desmaterialización, común a otros artistas de su generación. Desde el análisis de su pintura y sus notas personales, este artículo intenta comprender las estrategias artísticas y las implicaciones teóricas involucradas en este movimiento de idealización del concepto de “obra de arte”. Se discute el uso simbólicamente cargado de pintura inacabada y la descentralización de la “obra”, que se desdobla en múltiples estudios y trabajos más pequeños. Con base en el caso específico del artista también se pretende contribuir a una perspectiva general sobre temas clave de la pintura moderna.

[spa] La investigación realizada analiza las diferentes aproximaciones a la imagen de identidad visual en los museos y centros de arte europeos en el período que va desde la última década del siglo XX hasta la actualidad. La necesidad y el deseo de democratizar el museo (apelando a un público no especializado), el argumento de la competencia, pero sobre todo la presión económica, abrió el camino para la entrada del marketing en los museos y centros de arte moderno y/o contemporáneo. En este contexto, la orientación basada en un enfoque mercantilizado lleva a instituciones y diseñadores a incorporar nuevas posiciones que tienen implicaciones en términos de problemas, de los procesos, de las limitaciones y de los resultados en el campo del design de identidad visual. Este nuevo paradigma se traducirá en la importación del modelo de identidad gráfica de las empresas, provocando problemas de falta de correspondencia entre los museos y centros de arte y su identidad visual. La importación de un modelo desarrollado para dar respuestas al territorio empresarial y caracterizado por la centralidad del logo y la normatividad de la imagen es contraria a la idea de pluralidad y apertura de valores que los museos y centros de arte buscan promover. Así, se cuestiona la transposición de argumentos, sensibilidades, estéticas y estrategias de comunicación para la venta de bienes o servicios a museos y centros de arte porque da lugar a propuestas mecánicas, predecibles y homogéneas, que no reflejan ni la experiencia de la visita ni la performance de un servicio público. En este contexto, uno de los temas centrales de esta investigación radica en la correspondencia entre la naturaleza del museo o centro de arte y su representación gráfica a través de diferentes modelos de diseño de imagen identitaria.

This article reflects on the teaching experience of Mario de Andrade, when the renowned poet assumed the chair of Philosophy and History of Art at the Arts Institute of the University of the Federal District (RJ) ― IA / UDF. This university was created by Anísio Teixeira in 1935 in the City of Rio de Janeiro, at the time Capital Federal. The UDF was a different institution because its main objective was to train teachers for different areas of knowledge. There were many struggles faced by this institution that had a short existence (1935 to 1939). In this institution, in addition to Mário de Andrade, eminent figures of Brazilian modernist art also served as teachers. Thus, the main objective of this research is to understand what were the contributions of Mario de Andrade as a professor at the UDF Institute of Arts for the training of teachers of Arts (Drawing and Painting) of that institution. The theoretical framework that guides the reflections of this research is based on the works of the following authors: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) and Mendonça (2002). The methodology consisted of documentary analysis of the collections of the following institutions: UFRJ Education and Society Program of Studies and Documentation; Portinari Project of PUC-Rio and Digital Library of the National Library. The analysis of the sources allowed to confirm the modernist character of the teaching of the UDF Institute of Arts and that Mario de Andrade intended to awaken in his students an artistic awareness from the development of a personal technique, without limiting the artist to rigidly established standards. Keywords: Mário de Andrade; Teacher training; Modern Art. Este artículo reflexiona sobre la experiencia docente de Mário de Andrade, cuando el reconocido poeta asumió la cátedra de Filosofía e Historia del Arte en el Instituto de las Artes de la Universidad del Distrito Federal (RJ) - IA / UDF. Esta universidad fue creada por Anísio Teixeira en 1935 en la Ciudad de Río de Janeiro, entonces Capital Federal. La UDF era una institución diferente porque su principal objetivo era formar docentes para diferentes áreas del conocimiento. Fueron muchas las luchas que enfrentó esta institución que tuvieron una corta existencia (1935 a 1939). En esta institución, además de Mário de Andrade, también se desempeñaron como maestros eminentes figuras del arte modernista brasileño. De esta manera, el objetivo principal de esta investigación es comprender cuáles fueron los aportes de Mário de Andrade como profesor del Instituto de Artes de la UDF para la formación de profesores de Artes (Dibujo y Pintura) de esa institución. El marco teórico que guía las reflexiones de esta investigación se basa en los trabajos de los siguientes autores: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) y Mendonça (2002). La metodología consistió en el análisis documental de los fondos de las siguientes instituciones: Programa de Estudios y Documentación de Educación y Sociedad de la UFRJ; Proyecto Portinari de la PUC-Rio y Biblioteca Digital de la Biblioteca Nacional. El análisis de las fuentes permitió confirmar el carácter modernista de la docencia del Instituto de Artes de la UDF, además de que Mário de Andrade pretendía despertar en sus alumnos una conciencia artística a partir del desarrollo de una técnica personal, sin limitar al artista a estándares rígidamente establecidos. Palabras llave: Mário de Andrade; Formación de profesores; Arte Moderno. Este artigo traz uma reflexão sobre a experiência docente de Mário de Andrade, quando o renomado poeta assumiu a cadeira de Filosofia e História da Arte no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (RJ) ― IA/UDF. A referida universidade foi criada por Anísio Teixeira em 1935 na Cidade do Rio de Janeiro, à época Capital Federal. A UDF era uma instituição diferenciada porque tinha como carro chefe a formação de professores para diferentes áreas do conhecimento. Muitos foram os embates enfrentados por esta instituição que teve curta existência (1935 a 1939). Nessa instituição, além de Mário de Andrade, também atuaram como professores figuras eminentes da arte modernista brasileira. Dessa forma, o objetivo central desta pesquisa é compreender quais foram as contribuições de Mário de Andrade como professor no Instituto de Artes da UDF para formação de professores de Artes (Desenho e Pintura) da referida instituição. O referencial teórico que norteia as reflexões desta pesquisa baseia-se nos trabalhos dos seguintes autoras: Bomeny (2012), Coutinho (2002), Lopes (2006, 2009) e Mendonça (2002). A metodologia consistiu-se em análise documental dos acervos das seguintes instituições: Programa de Estudos e Documentação Educação e Sociedade da UFRJ; Projeto Portinari da PUC-Rio e Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A análise das fontes permitiu confirmar o caráter modernista do ensino do Instituto de Artes da UDF, além de que Mário de Andrade intencionava despertar em seus alunos uma consciência artística a partir do desenvolvimento de uma técnica pessoal, sem limitar o artista a padrões estabelecidos rigidamente. Palavras-chaves: Mário de Andrade; Formação de professores; Arte Moderna.

El objetivo de la investigación es analizar de qué manera la consolidación de un espacio artístico-cultural público institucionalizado en los dos museos de arte moderno en Costa Rica y en Guatemala a nivel local, y la actividad cultural transnacional de la OEA, influyeron en las representaciones visuales sobre la identidad nacional, regional y cosmopolita presentes en las colecciones de estos museos, entre 1950-1996. De esta manera, el trabajo analiza de manera comparada, dos procesos socioculturales contemporáneos paralelos: por un lado la institucionalización de un espacio público como lo son los museos de arte moderno en Costa Rica y en Guatemala en la década de 1970, así como sus antecedentes, la Dirección General de Bellas Artes en Guatemala y la Dirección General de Artes y Letras en Costa Rica creadas entre las décadas de los cincuenta y sesenta, y por otro lado, el desarrollo de una intensa actividad artística transnacional liderada por la OEA a nivel internacional, de la cual fueron partícipes de manera activa, artistas de ambos países en la segunda mitad del siglo XX. UCR::Vicerrectoría de Investigación::Sistema de Estudios de Posgrado::Ciencias Sociales::Doctorado en Historia

Esta tesis se ocupa del estudio de una serie de propuestas pictóricas figurativas contemporáneas que giran en torno a lo oculto, lo sombrío, lo extraño y lo inhóspito, términos relacionados con el ámbito de la inquietante extrañeza freudiana. Para contextualizar este estudio, hemos tomado como referencia cuatro exposiciones que se han realizado en esta última década y que trataban aspectos relevantes en relación con dicho tema: Dark Romanticism: From Goya to Max Ernst, Nightfall: New tendencies in figurative painting, This side of Paradise y New Black Romanticism. Su análisis nos ha permitido comprender que, desde el Romanticismo hasta la contemporaneidad, dicho concepto se ha asociado frecuentemente con la idea de extrañamiento y de desarraigo respecto a un mundo que, considerándose íntimamente familiar y conocido, resulta cada vez más ajeno y hostil. Partiendo de este contexto, este trabajo de investigación se ha centrado en el estudio de una serie de poéticas elaboradas por catorce pintoras figurativas europeas nacidas en la segunda mitad del siglo XX que, desde la experiencia del cuerpo y de la conciencia de su propia naturaleza, permiten asimilar una lectura de esa inquietante extrañeza desde una perspectiva que se separa de la propuesta por sus compañeros varones y que se relaciona con los presupuestos ideológicos del feminismo y el ecologismo.

Este trabajo realiza una revisión juiciosa del término "no-objetualismo", situándolo dentro de algunos debates centrales en la segunda mitad del siglo XX, como el latinoamericanismo, el conceptualismo y las artesanías. This work analyzes the term "non-objectualism", placing it within some central debates in the second half of the 20th century, such as Latin Americanism, conceptualism and handicrafts. Magíster en Historia del Arte Maestría

Este artículo contiene una reflexión sobre historia política de la arquitectura en la segunda mitad del siglo XX, tomando Berlín como uno de sus ejemplos más representativos. En concreto, presenta un análisis comparado de la historia de la arquitectura y el urbanismo berlinés durante la Guerra Fría, con la ciudad dividida en dos Estados sostenidos por los dos bloques contendientes, examinando los diferentes y contrapuestos planteamientos estéticos e interpretaciones de la cultura nacional y cómo estos determinaron el diseño de los espacios construidos a ambos lados del Muro.

Resumen Entre junio de 1949 y agosto de 1950 circuló por diversos países de América Latina la exposición de pintura francesa contemporánea “De Manet a nuestros días”. La muestra, organizada por el gobierno de Francia, se enmarcaba en un proyecto de recuperación de la hegemonía cultural parisina, posición que había sido hábilmente arrebatada por Nueva York durante la década del cuarenta. Este artículo detalla las complejas gestiones que permitieron la llegada de la exposición al continente americano, así como las premisas estético-políticas que la motivaron, para luego enfocarse en la recepción crítica que la muestra tuvo en algunas de sus locaciones. Siguiendo una metodología comparativa, se propone calibrar el estado de los sistemas de arte regionales hacia 1950, para comprender cuáles fueron los efectos que tuvo la exposición en las discusiones estéticas y teóricas que marcaban entonces la fisonomía de la crítica de arte sudamericana.

El presente trabajo de investigación describe y analiza las principales características del mercado del arte contemporáneo del Perú, su adaptación y evolución en la era digital. Se abarcan, además, las tendencias digitales que están modificando la forma de interactuar con los consumidores, abriendo las puertas a nuevos modelos de negocio que quiebran la solemnidad de la galería tradicional. Estos nuevos modelos, han sido acelerados en su desarrollo a causa de la pandemia, demostrando así que la transformación digital está ocurriendo más rápido de lo que se pensaba.

Esta investigación analiza la circulación y la recepción de la obra crítica y las ideas sobre arte de Charles Baudelaire en el ámbito de la crítica de arte y los artistas del último decenio del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX en Argentina, dejando establecido cuándo y cómo se comenzó a leer dicha obra en nuestro país. Presenta un estudio pormenorizado de los procesos complejos involucrados en los modos en que el campo artístico local dialogó con un conjunto de ideas provenientes de Europa, en particular, aquellas relativas al arte moderno, los lazos entre artes visuales y literatura, y el rol de la crítica de arte. Fil: Tomas, Silvia Inés. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina.

En esta recensión se repasa la publicación conmemorativa por los 100 años de creación de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. La edición de la obra estuvo a cargo de Pablo Cruz y esta institución. Se realiza un breve recorrido por cinco ensayos, los cuales examinan varios momentos históricos en torno a la conformación de la academia y la enseñanza artística en el Perú, desde finales del siglo XVIII hasta la década de 1970. Se identifica y destaca aquellos actores y procesos que determinaron varios momentos del arte peruano de los siglos XIX y XX, y su estrecha relación con la modernidad artística y la construcción de lo nacional en el campo de las bellas artes.

[ES] Proyecto para la construcción del nuevo Museo de Arte Moderno en Liubliana situado al lado de Cukrarna (Antigua fábrica de azúcar de Liubliana) e intervención urbanística del entorno próximo., [EN] Project for the construction of the new Museum of Modern Art in Ljubljana located next to Cukrarna (Old sugar factory of Liubliana) and urban intervention of the surrounding environment.

Today, letter design is no longer just a way to convey information, its visual and structural features is not limited to a particular aspect of visual language, in addition, the design of letters is a method that is always influenced by the content and thought, it is placed in different cultural and social conditions and reflected in unlimited aesthetic forms. Situation that occurs with Iranian literature that owes its value to the writings and the words. On the other hand, in the field of art, especially the art of letter design, it is this writing that plays the central role. Almost more than a century ago, new and modern phenomena slowly came to Iran, and Iranian artists began to use modern art. What is gleaned from the research is the introduction of typography as a powerful and usable tool not only in the international community but also as an art of communication on the Iranian border and examining its most important function; visual communication and the transfer of information and content. It is also discovered how the forms of typography evolve and its impact on contemporary Iranian art. The descriptive research work was carried out through the process of reviewing and collecting information from the library documents., Hoy en día, el diseño de letras ya no es solo una forma de transmitir información, sus características visuales y estructurales no se limitan a un aspecto particular del lenguaje visual, además, el diseño de las letras es un método que siempre está influenciado por el contenido y el pensamiento, se coloca en diferentes condiciones culturales y sociales y se refleja en formas estéticas ilimitadas. Situación que ocurre con la literatura iraní que debe su valor a los escritos y las palabras. Por otro lado, en el campo del arte, especialmente el arte del diseño de letras, es esta escritura la que juega el papel central. Hace casi más de un siglo, los nuevos y modernos fenómenos llegaron lentamente a Irán, y los artistas iraníes comenzaron a utilizar el arte moderno. Lo que se extrae de la investigación es la introducción de la tipografía como una herramienta poderosa y utilizable no solo en la comunidad internacional sino también como un arte de comunicación en la frontera de Irán y examinando su función más importante; la comunicación visual y la transferencia de información y contenido. También se descubre cómo evolucionan las formas de la tipografía y su impacto en el arte iraní contemporáneo. El un trabajo de investigación descriptivo y se llevó a cabo mediante el proceso de revisión y recopilación de información de los documentos de la biblioteca.

[Resumen] La renovación pastoral que el Concilio Vaticano II trajo a la liturgia se convirtió en un programa al que los arquitectos buscaron responder con nuevas formas y soluciones. En la Diócesis de Lisboa, este trabajo fue dirigido por el Secretariado de las Nuevas Iglesias del Patriarcado (SNIP), una pequeña oficina técnica creada por el Cardenal Cerejeira en 1961 para apoyar la planificación y construcción de las docenas de iglesias y capillas que se necesitaban construir en toda la diócesis. Pero su trabajo no se limitaría a los nuevos edificios. Como recordó el SNIP en 1968, en un momento de renovación también se hizo necesario remodelar las antiguas iglesias, adaptándolas a las necesidades y demandas desencadenadas por la Reforma litúrgica conciliar. A través de cinco trabajos realizados por SNIP entre 1965 y 1985, se pretende revelar las opciones formales y programáticas adoptadas por esta oficina en sus intervenciones en el patrimonio de la diócesis de Lisboa. [Abstract] The pastoral renovation that the Second Vatican Council brought to the liturgy became a program to which architects sought to respond with new forms and solutions. In the Diocese of Lisbon, this work was led by SNIP - Secretariat of the New Churches of the Patriarchate, a small technical office created by Cardinal Cerejeira in 1961 to support the planning and construction of the many dozens of churches and chapels needed to be built throughout the diocese. But its work would not be limited to the new buildings. As SNIP recalled in 1968, in a time of renovation it became also necessary to remodel the old churches, adapting them to the needs and demands triggered by the conciliar liturgical Reform. Through five works carried out by SNIP between 1965 and 1985, it is intended to reveal the formal and programmatic options adopted by this office in its interventions in the heritage of the diocese of Lisbon.

El título del proyecto es Línea roja, línea azul que nace de una conversación que tuve con un amigo artista también durante la etapa de inicio del cuso. En esta conversación que manteniamos en una cafetería del muelle 1 yo le comentaba mi interés este año por desarrollar un proyecto que avanzara de algún modo hacia una síntesis de elementos en la obra en la que otorgar a la línea un papel protagonista en la producción. Durante la conversación comentábamos que sería fantástico intercambiar una obra, algo sencillo de pequeño formato. Hablando sobre esto él me decía algo así como -Sí, para que me des un papel blanco con líneas azules -y yo respondía - Bueno, pues si no te gusta te hago uno con líneas rojas. Esta anécdota en un primer momento me pareció graciosa y creo que es relevante incluirla en el proyecto ya que surgió cuando aún el proyecto estaba forjando sus primeros cimientos y sin embargo se dan en ella dos elementos que van a continuar durante todo el proceso de investigación: La línea y el color. No obstante, aunque las piezas que componen el proyecto se desarrollan a partir de líneas y formas simples, este no trata temas únicamente formales sino que gira en torno a la búsqueda de equilibrio y armonía, de la práctica artística como ejercicio de freflexión personal e incluso terapéutico y de la idea de la pieza artística como resultado de un diálogo entre el propio artista y la obra, alejado de la narratividad y las referencias externas. Si bien hay una etapa del proyecto donde hay una necesidad de conexión con lo cotidiano y lo externo y un interés por conectar lo ordenado y sintético con lo orgánico, incorporando la obra exenta y la intervención del espacio, el proyecto finalmente torna a los orígenes, a la obra pictórica que explora los distintos formatos y se expande fuera del formato del cuadro.

In the present paper, we start from the use that Slavoj Žižek makes of Badiou's Theses on Contemporary Art in order to consider the homology between the truly ethical act and the subtractive operation of modern art. We take them as the practical and sensible poles of the same movement: the one that converges with critique of ideology at the point where it touches action. We describe the gestures of Bartleby and Malevich as (anti) ideological operations capable of opening a space where “rien n'aura eu lieu que le lieu”. And from there, we place the role of the cinema screen, between perception and imagination, as a modulator of desire and as a space for interpellation. Taking violence as a guiding thread, we show the possibility, contrary to Žižek's Lacano-Hegelian formalism, of accounting for different moments in the history of this screen effect. The comparison between two works by Delacroix and Jeff Wall will allow us to show a mutation that envelops and relocates the explicit screen of the cinema. Partiendo del uso que en ocasiones Slavoj Žižek hace de las Quince tesis sobre el Arte Contemporáneo de Badiou, el presente artículo se plantea la homología existente entre el acto verdaderamente ético y la operación sustractiva del arte moderno, como polos práctico y sensible de un mismo movimiento: el que confluye con la crítica de la ideología allí donde esta se toca con la acción. Tras describir los gestos de Bartleby y Malevich como operaciones (anti) ideológicas capaces de abrir un espacio donde “solo un lugar tendrá lugar”, ubicamos el papel de la pantalla de cine, entre la percepción y la imaginación, como moduladora del deseo y espacio para la interpelación. Tomando la violencia como hilo conductor, mostramos la posibilidad, frente al formalismo que acompaña al lacano-hegelianismo de Žižek, de dar cuenta de diferentes momentos en la historia de ese efecto pantalla. La comparación entre dos obras de Delacroix y Jeff Wall nos permitirá mostrar una mutación que envuelve y reubica a la pantalla explícita del cine.

[ES] El objetivo principal del TFG será realizar el diseño integral de la identidad visual corporativa para un museo de escultura moderna en la localidad de Mislata. A lo largo del trabajo se presentará el manual de uso de la marca con las normas de uso y sistema de aplicaciones (papelería corporativa, impresos institucionales, merchandising, productos promocionales y soportes publicitarios). Además, se desarrollará material gráfico para la promoción de la institución siguiendo la nueva identidad visual del museo. L'objectiu principal del TFG serà realitzar el disseny integral de la identitat visual corporativa per a un museu d'escultura moderna en la localitat de Mislata. Al llarg del treball es presentarà el manual d'ús de la marca amb les normes d'ús i sistema d'aplicacions (papereria corporativa, impresos institucionals, marxandatge, productes promocionals i suports publicitaris). A més, es desenvoluparà material gràfic per a la promoció de la institució seguint la nova identitat visual del museu., [EN] The main aim of the dissertation will be to design the corporate visual identity for a modern sculpture museum in the town of Mislata. Through it, the brand use manual will be presented with the rules of use and application system (corporate stationery, institutional forms, merchandising, promotional products and advertising supports). In addition, graphic material will be developed for the promotion of the institution following the museun new visual identity.¿

In the present paper, we start from the use that Slavoj Žižek makes of Badiou's Theses on Contemporary Art in order to consider the homology between the truly ethical act and the subtractive operation of modern art. We take them as the practical and sensible poles of the same movement: the one that converges with critique of ideology at the point where it touches action. We describe the gestures of Bartleby and Malevich as (anti) ideological operations capable of opening a space where “rien n'aura eu lieu que le lieu”. And from there, we place the role of the cinema screen, between perception and imagination, as a modulator of desire and as a space for interpellation. Taking violence as a guiding thread, we show the possibility, contrary to Žižek's Lacano-Hegelian formalism, of accounting for different moments in the history of this screen effect. The comparison between two works by Delacroix and Jeff Wall will allow us to show a mutation that envelops and relocates the explicit screen of the cinema. Partiendo del uso que en ocasiones Slavoj Žižek hace de las Quince tesis sobre el Arte Contemporáneo de Badiou, el presente artículo se plantea la homología existente entre el acto verdaderamente ético y la operación sustractiva del arte moderno, como polos práctico y sensible de un mismo movimiento: el que confluye con la crítica de la ideología allí donde esta se toca con la acción. Tras describir los gestos de Bartleby y Malevich como operaciones (anti) ideológicas capaces de abrir un espacio donde “solo un lugar tendrá lugar”, ubicamos el papel de la pantalla de cine, entre la percepción y la imaginación, como moduladora del deseo y espacio para la interpelación. Tomando la violencia como hilo conductor, mostramos la posibilidad, frente al formalismo que acompaña al lacano-hegelianismo de Žižek, de dar cuenta de diferentes momentos en la historia de ese efecto pantalla. La comparación entre dos obras de Delacroix y Jeff Wall nos permitirá mostrar una mutación que envuelve y reubica a la pantalla explícita del cine.

Partiendo del uso que en ocasiones Slavoj Žižek hace de las Quince tesis sobre el Arte Contemporáneo de Badiou, el presente artículo se plantea la homología existente entre el acto verdaderamente ético y la operación sustractiva del arte moderno, como polos práctico y sensible de un mismo movimiento: el que confluye con la crítica de la ideología allí donde esta se toca con la acción. Tras describir los gestos de Bartleby y Malevich como operaciones (anti) ideológicas capaces de abrir un espacio donde “solo un lugar tendrá lugar”, ubicamos el papel de la pantalla de cine, entre la percepción y la imaginación, como moduladora del deseo y espacio para la interpelación. Tomando la violencia como hilo conductor, mostramos la posibilidad, frente al formalismo que acompaña al lacano-hegelianismo de Žižek, de dar cuenta de diferentes momentos en la historia de ese efecto pantalla. La comparación entre dos obras de Delacroix y Jeff Wall nos permitirá mostrar una mutación que envuelve y reubica a la pantalla explícita del cine., In the present paper, we start from the use that Slavoj Žižek makes of Badiou’s Theses on Contemporary Art in order to consider the homology between the truly ethical act and the subtractive operation of modern art. We take them as the practical and sensible poles of the same movement: the one that converges with critique of ideology at the point where it touches action. We describe the gestures of Bartleby and Malevich as (anti) ideological operations capable of opening a space where “rien n’aura eu lieu que le lieu”. And from there, we place the role of the cinema screen, between perception and imagination, as a modulator of desire and as a space for interpellation. Taking violence as a guiding thread, we show the possibility, contrary to Žižek›s Lacano-Hegelian formalism, of accounting for different moments in the history of this screen effect. The comparison between two works by Delacroix and Jeff Wall will allow us to show a mutation that envelops and relocates the explicit screen of the cinema.

El presente proyecto intenta profundizar en la Educación artística, ya que esta supone un desarrollo integral para el alumnado de Educación infantil. También se propone una intervención didáctica que vale como ejemplo para implementar el arte contemporáneo y el arte moderno en el aula. Gracias a las técnicas obtenidas del arte, los niños y niñas tendrán la oportunidad de manifestarse por medio de la expresión plástica, incentivando la creatividad, el interés por el arte y el trabajo colaborativo. Todo ello, a través de la implicación directa y activa de los alumnos., Grado en Educación Infantil

Al tratar la relación entre arte y revolución rusa, suele establecerse un corte histórico entre prácticas iniciales de vanguardia y la tendencia a la propaganda que acompañó la consolidación del nuevo Estado, concluyendo con la liquidación del arte moderno en la URSS. Este artículo matiza esta perspectiva, examinando la evolución de las vanguardias rusosoviéticas en conexión con distintas y contrapuestas interpretaciones de la noción de “arte revolucionario.” Se concluye que, junto a la subordinación del arte a la política, persistieron prácticas marginales que, desde la autonomía de la estética, asignaban efectos políticos a la crítica modernista de la representación artística. When examining the relationship between art and the Russian Revolution, it has been commonly established a historical divide between early (pre-revolutionary) avant-garde practices and the propagandistic élan of the new State, which eventually liquidated Modern art in the USSR. This article qualifies this view by examining the development of the RussianSoviet avant-garde from the perspective of conflicting interpretations of "revolutionary art." It concludes that, together with the subordination of art to politics, there persisted in the USSR marginal practices which, highlighting the autonomy of aesthetics, assigned political effects to avant-garde criticism of artistic representation. Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades PGC2018-095712-B-100 Gobierno Vasco IT-1263-19

Este trabajo es un intento de rescatar las creaciones artísticas femeninas de la primera abstracción geométrica. Recurre, por un lado, a la reescritura del arte moderno de la estética de Jacques Rancière, basada en el valor de la igualdad y en la idea de dar voz a aquellos que no la tuvieron en el relato artístico clásico. Suscribe, por otro lado, el espíritu revisionista de la estética actual, su replanteamiento del valor de la libertad, en cuyo nombre se sigue denegando aún hoy el estatuto artístico a las formas expresivas consideradas no-libres. Se establece así un paralelismo entre la situación de la artista moderna y la de las llamadas artes menores, ambas excluidas del “gran arte” por su falta de libertad y ambas dignificadas, sin embargo, en la obra no-objetiva geométrica de mujeres como Liubov Popova, Sonia Delaunay, Anni Albers y Marlow Moss. This paper tries to recover female artwork in the first geometric abstraction. On the one hand, it turns to the rewriting of modern art in Jacques Rancière’s aesthetics, based on the value of equality and the idea of giving a voice to those who did not have a say in the classical History of Art. On the other hand, it supports the revisionist spirit of current aesthetics, the reconsideration of the value of freedom which still denies artistic status to the non-free expressive forms. So, a parallel is considered between women artists and the so-called minor arts, both excluded from the “great art” due to their lack of freedom and both dignified, however, in non-objective geometric works of art by Liubov Popova, Sonia Delaunay, Anni Albers and Marlow Moss

Desde ciertos presupuestos exploratorios del “arte moderno” como destino de emergencia de la imagen-fantasma (a partir de la lectura del Sofista por Deleuze), se ensaya en estas páginas la posibilidad de que la soberanía de la imagen moderna no radique predominantemente en sus valores formales y de pureza, sino en su potencia de resistencia al entendimiento. Kant, Baudelaire y Lautréamont, en lo relativo a la definición de la imagen irreductible a percepción “realista”, o Ingres, el último Goya y un Manet más enigmático que meramente plasticista, nos orientan hacia aspectos (la querella de las imágenes contra los signos, las nociones de figura y extrañamiento) y autores (Redon, Picabia, entre otros) menos atendidos por la historiografía de las conquistas formales y “autonomistas”.

Este articulo hace una revision critica del Museo de Arte Moderno de Bogota durante la administracion de la artista Marta Traba. Con este proposito, la contribucion hace una reinterpretacion de una de las primeras narrativas institucionales sobre la trayectoria del museo, publicada en 1966 por Traba. La revision de esta narrativa muestra la vision que la artista tenia tanto del proceso de institucionalizacion del museo, asi como de sus propios posicionamientos criticos y sobre su ejercicio curatorial.

In this article I propose a reflection on art as an expression of the redefinition of modern culture. Art, in effect, expresses the lines that define the world, but at the same time produces a different form of truth. That is why a discourse on art cannot ignore an analysis of the world in which it originates and that somehow it tries to express. In this direction, three readings of the question of modernity are considered: the Dialectic of Enlightenment by Horkheimer and Adorno, Barbarism by Henry, and The End of Modernity by Vattimo. In the second part, the discourse focuses on the manifestation of the crisis in art, trying to offer other meanings, from different philosophical approaches, to the transition from modernity to postmodernity. En este artículo se propone una reflexión sobre el arte como expresión de la redefinición de la cultura moderna. El arte, en efecto, expresa las líneas que definen el mundo, pero al mismo tiempo produce una diferente forma de verdad. Por ello un discurso sobre el arte no puede prescindir de un análisis del mundo en que este se origina y que de alguna forma intenta expresar. En esta dirección, se consideran tres lecturas de la cuestión de la modernidad: la Dialéctica de la Ilustración de Horkheimer y Adorno, La barbarie de Henry, y El fin de la modernidad de Vattimo. En la segunda parte, el discurso se centra en la manifestación de la crisis en el arte, intentando ofrecer otros sentidos, a partir de diferentes enfoques filosóficos, a la transición desde modernidad a posmodernidad.

Resumen: Esta comunicación analiza, a partir de la trayectoria y el trabajo de una artista textil teuto-brasileña, la participación de los objetos, colecciones y museos en la construcción de una realidad fenomenológica en la cual la alteridad fue tejida en ropas, color y textura. Los museos, pero principalmente los etnológicos, fueron el camino que llevó Olly hacia estos temas, así como los museos de arte moderno fueron una de las formas privilegiadas para el reconocimiento de su producción artística. Su contacto con antropólogos, coleccionistas y museólogos contribuyó a que asumiera esas temáticas en su producción, contribuyendo en la configuración de una modernidad imaginada para el país. Resumo: Essa comunicação pretende apresentar, a partir da trajetória e trabalho de uma tecelã teuto-brasileira, a participação dos objetos, coleções e museus na urdidura de uma realidade fenomenológica onde a alteridade foi tecida em roupas como tema, cor e textura. Os museus, principalmente os etnológicos, foram o caminho que levou Olly a seus temas, assim como os museus de arte moderna foram uma das formas privilegiadas para o reconhecimento de sua produção como arte. Seu contato com antropólogos, colecionadores e museólogos contribuiu para que assumisse esses temas em sua produção, contribuindo para a construção de uma modernidade imaginada para o país. Abstract: This communication intends to present the trajectory and work of a TeutoBrazilian weaver. From there it will discuss objects, collections and museums’ participation in the warp of a phenomenological reality where the otherness was woven in clothes as subject, color and texture. Museums, especially the ethnological ones, were Olly’s path to her subjects, just as museums of modern art were one of the privileged ways to recognize her production as art. Her contact with anthropologists, collectors and museologists helped her to assume these themes in her production, contributing to the construction of an imagined modernity for the country.

El siguiente artículo indaga en un fenómeno particular del arte moderno y contemporáneo argentino: la apropiación, por parte de ciertos artistas, de obras pictóricas nacionales del pasado para producir las propias. Si bien se reconoce a la cita como un elemento constitutivo de la historia del arte, para este análisis partiremos de la hipótesis de que la apropiación de obras nacionales es particularmente frecuente en momentos de inestabilidad política y social, y que los artistas parten de ellas para abrir nuevos puntos de vista respecto al pasado. Se analizarán puntualmente algunos casos de apropiación iconográfica de la obra Sin pan y sin trabajo (1894), de Ernesto de la Cárcova, realizados durante el siglo XX. Finalmente, se hará una primera aproximación al apropiacionismo como operatoria del arte contemporáneo, donde esta misma obra resulta reinterpretada con frecuencia., The following research is about a specific phenomenon in modern and contemporary art: some Argentine artists appropriate previous national paintings to create their own works. Despite referencing is a constituent item in the history of art, in the present article we argue that the appropriation of national paintings is more frequent in social and political unstable moments. Artists, in those contexts, allude to this previous and canonic works in order to show new possible points of view about the national past. We are going to analyze some cases of appropriation of the painting Sin pan y sin trabajo [Without bread and without work] (1894), by Ernesto de la Cárcova, executed in the twentieth century. Finally, we are going to establish a first approach to the appropriation in Argentine contemporary art, time in which de la Carcova´s painting is frequently recreated., Sección: Artículos, Facultad de Bellas Artes

El siguiente artículo indaga en un fenómeno particular del arte moderno y contemporáneo argentino: la apropiación, por parte de ciertos artistas, de obras pictóricas nacionales del pasado para producir las propias. Si bien se reconoce a la cita como un elemento constitutivo de la historia del arte, para este análisis partiremos de la hipótesis de que la apropiación de obras nacionales es particularmente frecuente en momentos de inestabilidad política y social, y que los artistas parten de ellas para abrir nuevos puntos de vista respecto al pasado. Se analizarán puntualmente algunos casos de apropiación iconográfica de la obra Sin pan y sin trabajo (1894), de Ernesto de la Cárcova, realizados durante el siglo XX. Finalmente, se hará una primera aproximación al apropiacionismo como operatoria del arte contemporáneo, donde esta misma obra resulta reinterpretada con frecuencia.

La aparición de la vanguardia fotográfica a comienzos del siglo XX tuvo un carácter multidisciplinar, buscando nuevas direcciones en las que avanzar. Dichas transformaciones supusieron una era proto-moderna estrechamente relacionada con las vanguardias europeas. Nuevas formas de expresión fotográfica con una diversidad sin precedentes, al tiempo que establecía las bases para una práctica y estrategia artísticas transdisciplinares que continúan siendo hoy día un revulsivo para las tradiciones, limitaciones y fronteras del medio.Las aportaciones de los diferentes artistas contribuyeron a la aparición de nuevas formas de fotografía proto-moderna, tanto en el ámbito de la cámara y el cuarto oscuro como yendo más allá de sus límites. Las tecnologías emergentes en la época, los nuevos materiales y soportes posibilitaron la evolución del arte moderno más allá de las disciplinas tradicionales. Algunas de las aportaciones de la fotografía proto-moderna, como el fotomontaje, los fotogramas, algunos avances en el ámbito del cine, el diseño de las exposiciones y el color, publicitados a través de los medios impresos, permitieron explorar las influencias mutuas entre soportes y medios.La fotografía de vanguardia coexistió con el sistema de las artes, que separaba las prácticas tradicionales al tiempo que señalaba sus límites. El abandono del arte convencional supuso un impulso para la exploración de las posibilidades de la fotografía.La transdisciplinariedad del arte contemporáneo ha acabado con las tradicionales diferencias de géneros y temas. El pasado multimedia ha dado paso a ideas fotográficas en las que ya no existen las categorías, los relatos pertenecientes a la tradición de la historia del arte o sus divisiones. La dicotomía entre real y abstracción, subjetivo y objetivo, veracidad construida y documentalismo, la eliminación de la diferencia entre original y copia, nos permiten llevar las ideas de las vanguardias al siglo XXI, más allá de la era moderna.

Resumen Entre 1943 y 1956 artistas colombianos fueron invitados a participar de eventos de exposición en el extranjero. Tres de ellos, que revelan dinámicas para el arte occidental, guían la estructura de este artículo: la exposición de la colección de arte latinoamericano del MoMA (1943), 32 artistas de las Américas (1949) y la Bienal Hispanoamericana de Arte (1951-1956). La investigación da cuenta de este período de movilidad artística y sus efectos, apoyándose en bibliografía secundaria y en información consignada en documentos pertenecientes al Museo Nacional de Colombia, el Museo de Arte de las Américas, el MoMA y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El artista brasileño Arthur Bispo do Rosário (1911-1989), diagnosticado con esquizofrenia paranoide, y quien vivió por más de cuatro décadas en el instituto mental carioca Colônia Juliano Moreira, fue el creador de todo un universo de numerosas piezas usando objetos recogidos y reciclados por él mismo. Por su historia de vida como un sujeto alienado (debido a su enfermedad mental), pero también por la gran calidad estética de su trabajo, Bispo do Rosário es considerado como un artista outsider. A través de este estudio de caso, se pretende realizar un análisis del contexto socio-artístico que permitió la inserción de este alienado en el circuito del arte convencional. The Brazilian artist Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) was diagnosed with paranoid schizophrenia, and lived for more than four decades at the mental institute Colônia Juliano Moreira in Rio de Janeiro, Brazil. He was the creator of a whole universe of numerous pieces using objects collected and recycled by himself. Because of his life story as an alienated subject (due to his mental illness), but also because of the great aesthetic quality of his work, Bispo do Rosário is considered an outsider artist. Through this case study, I intend to carry out an analysis of the socio-artistic context that allowed the insertion of this alienated into the conventional art circuit. Magíster en Historia del Arte Maestría

Proyecto de "Exposición Integral e Innovación Social y Cultural sobre la ciudad de Sevilla". Miradas Sobre Sevilla es un proyecto que abandera otra forma de contar una ciudad, con jóvenes con otras capacidades, con disfunciones motoras o intelectuales, con ojos distintivos y auténticos. Artistas participantes: Paco Broca, Javier Buzón, Amalia Ortega Rodas, María Amparo Pérez-Elliott Fernández ; Adriana Torres, Manuel León, Mar García Ranedo, Mar Muñiz, Eduardo González, Gloria Lomas ; Anuca Aísa, Pierre Gonnord, Emilio Caracafé, María Ortega, Pepe Yañez, Luis Postigo, Ricardo Rojas ; Antonio del Junco, Valentín de Madariaga Parias, Dionisio González

Esta tesis estudia el despliegue de la conciencia histórica (el privilegio del hombre moderno de tener plena conciencia de la historicidad de todo presente) y la noción de arte moderno en los escritos de prensa de Baldomero Sanín Cano publicados entre 1887 y 1924. A través del estudio de ambos temas, se plantean dos etapas de la historia intelectual del autor que se diferencian porque, en cada una, hay una noción diferente de la historia y hay ideas distintas sobre el papel social del arte y del artista. Así, en los escritos de lo que aquí se llama la experiencia bogotana (1887-1909), la historia se concibe como un proceso transformador que lleva progresivamente a un estado mejor. En medio de ese movimiento, la función del arte moderno es la independización, también progresiva, del gusto estético; es una aspiración de autonomía del artista y del público proyectada al futuro. Por otro lado, en los escritos de la experiencia europea (1910-1924), Sanín concibe la historia como un movimiento paradójicamente estático, que avanza, pero no transforma, o como un retroceso, pues avanza, pero, al hacerlo, reduce paulatinamente la individualidad de los sujetos a través del desarrollo voraz del capitalismo, la guerra y el espectáculo de masas. Entonces, el arte moderno, autónomo, se vuelve el único resguardo posible de la individualidad amenazada. Con este planteamiento se busca entender, en el fondo, en qué consistió la renombrada modernidad de Sanín y cómo aquella se transforma con el tiempo. Abstract: This thesis studies the deployment of historical consciousness (the privilege of the modern man to have full consciousness of the complete present’s historicity) and the sense of modern art in Baldomero Sanín Cano press writings, published between 1887 and 1924. Through the study of both topics, two stages are raised from the author’s intellectual history and are different because each of them has a distinct notion of the history and different ideas about the social role of art and the artist. Then, in the writings of the experience in Bogotá (1887-1909), the history is conceived as a transformative process that gradually conduct to a better condition. In the middle of this movement, the function of modern art is the progressively independency of the aesthetic taste; it is an aspiration of the artist and public’s autonomy projected into the future. On the other hand, in the writings of the European experience (1910-1924), Sanín conceived the history as a static movement that goes forward, but does not transform; or as a setback, it goes forward, but gradually reduces the individuality of the subjects through the voracious development of capitalism, war and mass spectacle. Then, modern or autonomous art became the only possible safeguard of the threatened individuality. With this approach, it is possible to truly understand what was the Sanín’s renowned modernity and how it is transform into the time. Maestría

Cuando el cubano Wifredo Lam (1902-1982) llegó a Madrid en 1923, ya era un pintor con- solidado. Formado bajo los preceptos de la Academia, encontró en el arte de Picasso los medios para liberarse formalmente de la tradición académica. La propia obra y la colección de máscaras y esculturas de Picasso lo alentaron a coleccionar artefactos africanos. Sin embargo, analizar el trabajo de Lam por las similitudes con Picasso o su amistad con André Breton es pasar por alto la diferencia entre el arte moderno según la perspectiva de artistas europeos y no-europeos. Examinar su obra desde esta perspectiva es afirmar que su identidad artística fue moldeada por las mismas influencias que constituyeron a las vanguardias europeas. Este texto tiene como objetivo analizar la obra de Lam desde su retorno a Cuba en 1941, con un horizonte teórico basado en un Caribe transcultural y en la vanguardia literaria representada, entre otros, por los cubanos Lydia Cabrera y Fernando Ortiz, y los martinica- nos Aimé Césaire y Édouard Glissant. Área de Historia del Arte. UPO

Si desde las primeras décadas del siglo XX, el racionalismo funcionalista impulsó nuevas fórmulas de habitabilidad para las clases sociales menos favorecidas, mediante la investigación de prototipos en serie asociados a la industrialización de la construcción, en paralelo, esta experimentación sería conducida hacia la materialización de modelos singulares de hábitat para una élite intelectual y acomodada. Las viviendas proyectadas para algunos coleccionistas de arte moderno permitieron a los arquitectos actualizar el antiguo tema del “palacio para el arte”, reflexionando sobre una convergencia armónica entre habitar y arte, arquitectura y espacio doméstico de vanguardia. Arquitectos y clientes buscaron erigirse en paradigmas del zeitgeist del interior doméstico moderno, a la vez que reflejar su prestigio e identidad de élite cultural. Mostraron, en suma, la realización del sueño vanguardista de la integración de las artes y de la disolución del arte en la vida cotidiana. From the first decades of the twentieth century, functionalism promoted new formulas of habitat for the less favored social classes, through the research of prototypes in series associated with the industrialization of construction, but, in parallel, this experimentation would be conducted towards the materialization of singular models of dwellings for an intellectual and well-off elite. The houses designed for some art collectors allowed architects to update the ancient topic of the "palace for art", leading a reflection on an harmonic convergence between living, art, architecture and domestic space. Architects and clients sought to become paradigms of the zeitgeist of a modern domestic interior, while reflecting their prestige and identity as a cultural elite. They showed, in short, the achievement of the avant-garde dream of integration of arts and dissolution of art in everyday life.

Cuando el cubano Wifredo Lam (1902-1982) llegó a Madrid en 1923, ya era un pintor con- solidado. Formado bajo los preceptos de la Academia, encontró en el arte de Picasso los medios para liberarse formalmente de la tradición académica. La propia obra y la colección de máscaras y esculturas de Picasso lo alentaron a coleccionar artefactos africanos. Sin embargo, analizar el trabajo de Lam por las similitudes con Picasso o su amistad con André Breton es pasar por alto la diferencia entre el arte moderno según la perspectiva de artistas europeos y no-europeos. Examinar su obra desde esta perspectiva es afirmar que su identidad artística fue moldeada por las mismas influencias que constituyeron a las vanguardias europeas. Este texto tiene como objetivo analizar la obra de Lam desde su retorno a Cuba en 1941, con un horizonte teórico basado en un Caribe transcultural y en la vanguardia literaria representada, entre otros, por los cubanos Lydia Cabrera y Fernando Ortiz, y los martinica- nos Aimé Césaire y Édouard Glissant., Área de Historia del Arte. UPO

Análisis crítico de las relaciones, a veces conflictivas, entre las bellas artes (las tradicionalmente aceptadas en la academia desde el siglo XVIII) y el cómic, con un recorrido comparativo de influencias, a veces recíprocas, desde el siglo XIX al presente: desde el llamado "padre" del cómic moderno, Rodolphe Töpffer y los cómics de prensa de primeros del siglo XX al cuestionamiento de la "Gran División" entre las bellas artes y el "arte de masas" que se produjo aproximadamente a partir de los 1960s, en particular desde la influencia recíproca entre el pop art y el cómic. El comix underground (1960s-1975) norteamericano, con autores que tenían estudios artísticos reglados, abundó en esas relaciones, que se prolongan en tradiciones derivadas del underground como el cómic "alternativo" de los 80 y 90 y la novela gráfica del siglo XXI. En las últimas décadas, como se intenta demostrar en el texto con casos de estudio concretos, las relaciones bellas artes-cómic se han tornado cada vez más complejas, conforme se ha seguido diluyendo la frontera alta cultura / cultura de masas, una erosión señalada en 1984 por Fredric Jameson como rasgo de la posmodernidad en las artes. Desde entonces, como ha indicado Andreas Huyssen, numerosos artistas incorporan en sus obras formas de la cultura de masas, y ciertas zonas de la “cultura de masas” han adoptado estrategias de la alta. Hoy día, la naturalidad con la que el cómic dialoga con el arte es cada vez más frecuente, por no mencionar la apertura del museo y la sala de arte a las viñetas del cómic, que se inició tímidamente a finales de los 60 (por influencia del pop art, precisamente) y se ha incrementado durante los últimos quince años. Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech.

Book review of Cristina Rodríguez-Samaniego, Irene Gras Valero (Ed.), Modern Sculpture and the Question of Status, Edicions de la Universitat de Barcleona, Barcelona, 2018., El libro Modern Sculpture and the Question of Status, editado por las doctoras Cristina Rodríguez-Samaniego e Irene Gras Valero, pertenece a la Colección Singularitats, y ha sido publicado por el grupo de investigación GRACMON y Edicions i Publicacions de la Universidad de Barcelona. Es un trabajo colectivo que sirve como síntesis del proyecto financiado Mapa dels oficis de l’escultura, 1775-1936. Professió, mercat i institucions: de Barcelona a Iberoamèrica (HAR2013-43715-P), que ha liderado como investigadora principal Cristina Rodríguez-Samaniego.