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La reflexión sobre la experiencia estética como puerta a interioridad de cada uno de nosotros nace de la situación en la que se encuentra la sociedad contemporánea. En el presente TFG exploraremos el pensamiento de John Dewey unido al de otros autores como Byung-Chul Han, San Agustín de Hipona o Richard Shusterman. En primer lugar, nos centraremos en el trabajo de nuestro autor clave, John Dewey, para comprender la importancia de la experiencia, en especial de la estética en nuestra vida cotidiana. En segundo lugar, veremos la situación de la sociedad actual para poder entender el origen del problema y cómo hemos acabado en esta situación, analizaremos esta cuestión junto a Dewey y comprenderemos la importancia del rol de la experiencia; a continuación, haremos un recorrido por la experiencia en las cuatro artes: Arquitectura, Artes Plásticas, Música y Poesía. En tercer lugar, nos centraremos en la interioridad y en el descubrimiento de la filosofía de la interioridad, para comprender el por qué la experiencia estética es la puerta nuestra interioridad., Departamento de Filosofía (Filosofía, Lógica y Filosofía de la Ciencia, Teoría e Historia de la Educación, Filosofía Moral, Estética y Teoría de las Artes), Grado en Filosofía

In this exhibition, artist Xavier Patiño (Guayaquil, 1961) invites the viewer to enter his world of geometric objects embodying the colors of major socialist revolutions. These creative tools are linked to education, abstracted from their everyday use: curvigraphs, rulers, levels, tape measures, squares, measuring tools placed in this gallery space to remind us of the transformative potential of art. However, it also highlights its complicated relationship with bureaucratic educational systems that measure and standardize everything, expressing results in success indices that legitimize them. This curatorial text was written for the exhibition titled "The Mediation of Things" by Xavier Patiño, held in August and September 2023 at the +ARTE gallery in Quito. It was also presented in Cuenca (Ecuador) from December 2023 to February 2024 as part of the parallel exhibitions program of the XVI Cuenca Biennial., Nesta exposição o artista Xavier Patiño (Guayaquil, 1961) convida o espectador a entrar no seu mundo de objetos geométricos que encarnam as cores das grandes revoluções socialistas. São ferramentas criativas ligadas à escolaridade, abstraídas do seu uso diário: curvógrafos, réguas, níveis, fitas métricas, esquadros, instrumentos de medição colocados neste espaço da galeria para nos lembrar do potencial transformador da arte, mas também da sua complicada relação com os sistemas pedagógicos . processos burocráticos que medem e padronizam tudo, para expressar resultados em taxas de sucesso que os legitimam. Este texto curatorial foi escrito para a exposição A Mediação das Coisas de Xavier Patiño, realizada nos meses de agosto e setembro de 2023 na galeria +ARTE de Quito e apresentada em Cuenca (Equador) de dezembro de 2023 a fevereiro de 2024 no âmbito da o programa de exposições paralelas da XVI Bienal de Cuenca., En esta exposición el artista Xavier Patiño (Guayaquil, 1961) invita el espectador a entrar en su mundo de objetos geométricos que encarnan los colores de las grandes revoluciones socialistas. Son herramientas creativas ligadas a la escolaridad, abstraídas de su empleo cotidiano: curvigrafos, reglas, niveles, cintas métricas, escuadras, herramientas de medición colocadas en este espacio galerístico para recordarnos el potencial transformador del arte, pero también su complicada relación con los sistemas pedagógicos burocráticos que todo lo miden y estandarizan, para expresar así resultados en índices de éxito que los legitimen. Este texto curatorial fue escrito para la exposición titulada La mediación de las cosas de Xavier Patiño realizada en los meses de agosto y septiembre de 2023 en la galería +ARTE en Quito y que se presentó en Cuenca (Ecuador) desde diciembre 2023 hasta febrero 2024 en el marco del programa de las exposiciones paralelas de la XVI Bienal de Cuenca.

“‘The Spectre of Marburg’ wanders around the Operative Aesthetics. Luis Juan Guerrero, ‘Evolutive’ Reader of Heidegger”. This paper aims to analyse the reading of Martin Heidegger’s thought offered by Luis Juan Guerrero in his Operative Aesthetics. I claim that “The Origin of the Work of Art” plays a central role in the work of the Argentinian philosopher. However, this does not mean that Guerrero is not an original author or that he is a mere commentator of the German philosopher. On the contrary: the Argentinian philosopher offers a productive reading of Heidegger which allows him to build his own and authentic philosophy. By focusing on Heidegger’s essay on art and on the first volume of the Operative Aesthetics, this paper analyses three essential issues: the concept of tool, the world-earth relationship, and the bond between history and truth., En el presente trabajo nos proponemos analizar la lectura de Martin Heidegger en la Estética operatoria por parte de Luis Juan Guerrero. La tesis a defender consiste en que “El origen de la obra de arte” tiene un rol central en la obra del filósofo argentino. Pero esto no quiere decir que Guerrero no sea un autor original o que sea un mero comentador del filósofo alemán, sino todo lo contrario: el filósofo argentino hace una lectura productiva de Heidegger a partir de la cual elabora una filosofía propia y auténtica. Centrándonos en el ensayo sobre el arte de Heidegger y el primer tomo de la Estética operatoria, analizaremos tres puntos neurálgicos: el concepto de útil, la relación mundo y tierra y el vínculo entre historia y verdad.

The paper aims to expose the problematic nature of the systematic basis of Hegelian aesthetics developed in the Encyclopedia based on the analysis of some of its central themes and the modifications they undergo in the three editions of this work. First, the encyclopedic definition of the ideal and the notion of work of art contained therein are examined. Consecutively, the disputed issue of the autonomy of art with respect to religion is addressed. And finally, intuition is analyzed as a means of art itself and the consequent determinations thereof; namely, immediacy and finitude., El presente trabajo se propone exponer el carácter problemático de la base sistemática de la estética hegeliana desarrollada en la Enciclopedia a partir del análisis de algunas de sus temáticas centrales y de las modificaciones que sufren en las tres ediciones de esta obra. Primero se examina la definición enciclopédica del ideal y la noción de obra de arte contenida en ella. Luego se aborda la disputada cuestión de la autonomización del arte respecto de la religión. Finalmente, se analiza la intuición como medio propio del arte y las consiguientes determinaciones del mismo, a saber: la inmediatez y la finitud.

Groys' aesthetic thought encourages the approach of the critique of neoliberalism from a point of view that is alien to the modern question of the subject. As opposed to the hegemony of the neoliberal subject identified with the entrepreneur of the self from a Foucauldian perspective, Groys shows that the iconoclasm followed by avant-garde art and museums offers an alternative: the conception of the individual as a "work of art", that is to say, as a dysfunctionalised "object", valuable in itself or independent of their job and social function. This alternative is completed with the retrieval of the main proposal of cosmist thought: the transformation of museum technology into biopolitics so that the individual of our time becomes an object of permanent care. Finally, the power and limits of the aesthetic-political metaphor of "museification" is analysed in order to think of an effective democratic alternative to neoliberalism., El pensamiento de Groys permite abordar la crítica del neoliberalismo desde una perspectiva ajena a la cuestión moderna del sujeto. El filósofo propone como alternativa a la subjetividad neoliberal: la concepción del individuo como una desfuncionalizada obra de arte. Esta alternativa se completa con la recuperación de la principal propuesta del pensamiento cosmista: la transformación de la tecnología museística en biopolítica, para que el individuo de nuestro tiempo sea objeto de permanentes cuidados. Finalmente, se analizan la potencia y límites de la «museificación» para pensar en una eficaz alternativa democrática al neoliberalismo.

The problem of water in Mexico is dealt with in a transversal way from the evocations of the mural El agua, origen de la vida, by the painter Diego Rivera. The work, which is loca-ted in Chapultepec, is unique, as it was painted at the end of the Lerma system, where the Cár-camo de Dolores, in charge of distributing the resource, is located. The engineering project was essential to supply water to the metropolis in the center of the country, which currently suffers from shortages. Due to the location of the mural, a certain emphasis is placed on the metropo-litan area of the Valley of Mexico. The objectives of this text are to portray the various aspects of drought and inequalities around water and to argue how a work of art and its context can influence our reflections and future actions to propose solutions to this social problem., Se trata la problemática del agua en México de manera transversal a partir de las evocaciones del mural El agua, origen de la vida, del pintor Diego Rivera. La obra, que se encuentra en Chapultepec, es única, pues fue pintada en el remate del sistema Lerma, donde se encuentra el Cárcamo de Dolores, encargado de distribuir el recurso. El proyecto de ingeniería fue fundamental para abastecer de agua a la metrópoli en el centro del país, que en la actualidad sufre problemas de desabasto. Por la ubicación del mural se hace cierto énfasis en la zona metropolitana del Valle de México. Los objetivos de este texto son retratar las diversas aristas de la sequía y las desigualdades en torno al agua y argumentar cómo una obra de arte y su contexto pueden incidir en nuestras reflexiones y acciones futuras para proponer soluciones a este problema social.

Taking inclusion as a starting point as a transversal tool for all disciplines, the aim is to establish the relationship of design as a mediator of the work of art, so that all individuals or social groups can have the same possibilities and opportunities to access the cultural heritage found in museums. Based on the reinterpretation of Rich Gold’s model, inclusion in accessibility is linked to the work of art from a transdisciplinary point of view, design acting as a mediator, through the technological tools created by engineering. This alternative proposal links the vertical borders that are not defined in Gold’s four hats model, linking art and design on the one hand, and science and engineering on the other, linking both borders through practices. inclusive., Tomando a inclusão como ponto de partida como ferramenta transversal a todas as disciplinas, pretende-se estabelecer a relação do design como mediador da obra de arte, para que todos os indivíduos ou grupos sociais possam ter as mesmas possibilidades e oportunidades de acesso o patrimônio cultural encontrado nos museus. A partir da relei-tura do modelo de Rich Gold, a inclusão na acessibilidade está vinculada à obra de arte de um ponto de vista transdisciplinar, atuando o design como mediador, por meio das ferra-mentas tecnológicas criadas pela engenharia. Esta proposta alternativa liga as fronteiras verticais que não estão definidas no modelo dos quatro chapéus de Gold, vinculando arte e design de um lado, e ciência e engenharia de outro, vinculando ambas as fronteiras por meio de práticas., Tomando como punto de partida la inclusión como herramienta transversal a todas las disciplinas, se trata de establecer la relación del diseño como mediador de la obra de arte, para que todos los individuos o grupos sociales, puedan tener las mismas posibilidades y oportunidades para acceder al patrimonio cultural que se encuentra en los museos. A partir de la reinterpretación del modelo de Rich Gold, se vincula la inclusión en la accesibilidad a la obra de arte desde la transdisciplina, actuando el diseño como mediador, a través de las herramientas tecnológicas creadas por la ingeniería. Esta propuesta alternativa, vincula las fronteras verticales que no se definen en el modelo de los cuatro sombreros de Gold, poniendo en relación el arte y el diseño por un lado, y la ciencia e ingeniería por otro, vinculando ambas fronteras a través de las prácticas inclusivas.

El concepto de autonomía aplicado al ámbito del arte, como conjunto e institución, resulta problemático a la hora de partir desde el pensamiento de Hans-Georg Gadamer. A lo largo de este proyecto, recopilaremos el planteamiento a razón del cual podemos afirmar que Gadamer determina la cuestionabilidad del arte como espacio autónomo. Para ello, determinaremos, primeramente, las concepciones básicas del autor acerca de las nociones de arte y obra de arte. Después, intentaremos estructurar la refutación gadameriana a la propuesta de autonomía del arte como espacio, en base -sobre todo- a sus consideraciones acerca de la conciencia estética, a la cual intentaremos señalar como principal artífice de la emancipación teórica de lo artístico. En última instancia, intentaremos problematizar la propuesta de Gadamer, así como señalaremos algunos de los principales aspectos a tener en cuenta a la hora de continuar la discusión sobre este planteamiento., The concept of autonomy, when it is applied to the Artworld as a whole or institution, results problematic in a way; at least it is from the perspective of Hans-Georg Gadamer. Through this project, we are trying to summarize the reasons that Gadamer sets to determine why the concept of Artworld -as an autonomous space- can be considered a debatable notion. For this duty, we will, firtsly, determine Gadamer's basic conceptions of Arts and Artwork. Based on these concepts as premises, we are going to develope Gadamer's arguments against the autonomy of the Artworld. Gadamer's critics about this issue are also based on the author's considerations about Aesthetic consciousness. We will try to determine why it can be considered one of the main theoretic reasons of the emanzipation of Arts. Finally, we are trying to critizice Gadamer's proposal, as well as we will try to point out some of the most important issues and relevant points about this approach.

This article reflects on the effects of the current technologi-cal revolution on art and culture, as well as on the short-term future of these changes. Faced with a tradition that questions the possibility of a relationship between art and technology, and the contemporary relativism that complicates the dialo-gue between cultural spheres, it recovers the thesis that the history of art can be read in a universal key. That is, in terms of technological progress, an approach that goes back to the thinkers of classical antiquity, who understood art as a tékneintended to imitate nature. The need to question this transfor-mation, as well as the modes and effects of the convergence between art and technology, is emphasized, En este artículo se reflexiona sobre los efectos de la actual revolución tecnológica en el arte y la cultura, así como sobre el futuro a corto plazo de estos cambios. Frente a una tradición que pone en duda la posibilidad de una relación del arte con la tecnología, y ante el relativismo contemporáneo que dificulta el diálogo entre esferas culturales, se recupera la tesis de que la historia del arte puede leerse en clave universal, es decir, en términos de progreso tecnológico, planteamiento que se remonta hasta los pensadores de la Antigüedad clásica, que entendieron el arte como una tékne destinada a la imitación de la naturaleza. Se subraya la necesidad de interrogar esta transformación, así como los modos y efectos de la convergencia entre arte y tecnología.

This text intends to point out the relevance that carousels have had for architecture and for installation art. On one hand, carousels are highlighted as objects of architectural creation, particularly in the restauration of old pieces; and also as objects of study from architectural theory as seen in the work of Constant Nieuwenhuys, Peter Cook, Cedric Price, Ron Herron, David Braithwaite, Rem Koolhaas and Robert Kronenburg. On the other hand, carousels are remarked as objects of creation and study in the production of installation art, integrating sometimes characteristic features of architecture into its discourse. This can be observed in some pieces made in different countries in the last three decades such as Carousel (1988) by Bruce Nauman, Lavatio Corporis (1994) by SEMEFO, and Golden Mirror Carousel (2014) by Höller, and the texts derived from those works., Se señala la relevancia que el carrusel ha tenido para la arquitectura y las instalaciones artísticas. Por un lado, se destaca como objeto de creación arquitectónica, particularmente destacable por la restauración de piezas antiguas; y también como interés de estudio desde la teoría, como se aprecia en la obra de Constant Nieuwenhuys, Peter Cook, Cedric Price, Ron Herron, David Braithwaite, Rem Koolhaas y Robert Kronenburg. Por otro lado, se hace énfasis en su incidencia en la producción de instalaciones artísticas, donde en ocasiones integra rasgos propios de la arquitectura a su discurso. Esto se observa en trabajos realizados en diferentes latitudes en las últimas tres décadas, como Carousel (1988), de Bruce Nauman; Lavatio Corporis (1994), de SEMEFO; Golden Mirror Carousel (2014), de Carsten Höller; y los textos derivados de ellas.

In 1735 Baumgarten published his Philosophical Reflections on Poetry. There he develops for the first time the idea of a science of sensibility capable of apprehending the idea of beauty in art; a science which he denominates aesthetics. This quest to determine what beauty is and what the status of aesthetic experience within the edifice of knowledge is seems to be more related to the Leibnizian approaches to sensitivity than to the Wolffian gnoseological framework, not only because of the way in which it deals with the concepts of perfection, beauty and truth, but mainly due to the fact that, in the development of Baumgarten’s research on sensitivity, mechanisms of subjectivation similar to the ones presented by Leibniz seem to be deployed —mechanisms characterized by a strong perspectival background. In view of this, this paper investigates the Leibnizian influence on Baumgartian philosophy, and specifically the question about how the concept of petites perceptions, as a central element of Leibniz’s perspectivist conception,influences the notion of aesthetics developed by Baumgarten., En 1735 Baumgarten publica su obra Reflexiones filosóficas acerca de la poesía, en ella, por primera vez, desarrolla la idea de una ciencia de lo sensiblecapaz de aprehender la idea de lo bello en el arte, a la cual designará como estética. Esta búsqueda por determinar qué es la belleza y cuál es el estatuto quetiene la experiencia estética dentro del edificio del conocimiento parece estar más relacionado con los planteamientos leibnicianos en torno a la sensibilidad, que con el marco gnoseológico wolffiano, no solo por el manejo que se da de los conceptos de perfección, belleza y verdad, sino porque en el desarrollo de sus investigaciones sobre la sensibilidad parece ejecutarse mecanismos de subjetivación similares, marcados por un fuerte trasfondo perspectivista. En vista de esto, el presente ensayo se pregunta por la influencia leibniciana en la filosofía baumgartiana, específicamente por la cuestión acerca de cómo influye el concepto de pequeñas percepciones, en tanto que elemento central de la concepción perspectivista de Leibniz, en la concepción de la estética por Baumgarten.

We propose to interpret the immanentlogic of works of art, which for both Merleau-Ponty and Adorno constitutes its essentialfeature, as a grammar, in the senseof its own system of signs. We will showthat what is proper to this grammar, as alanguage that resists objectification, conceptualization,consists in the reciprocal–dialectical– intertwining of what hasbeen said, fixed in concepts, and whathas not yet been expressed, what remainsto be said. The text goes as follows: 1.Introduction; 2. Grammar of expressionand 3. Grammar of resistance., Proponemos interpretar la lógica inmanentede las obras de arte, que tantopara Merleau-Ponty como para Adornoconstituye el rasgo esencial de este, comouna gramática, en el sentido de un sistemade signos propio. Mostraremos quelo propio de esta gramática, como lenguajeque resiste a la objetivación, a laconceptualización, consiste en el entrelazamientorecíproco –dialéctico– de loque ha sido dicho, fijado en conceptos, ylo que aún no ha sido expresado, lo queestá por decir. El texto hace el siguienterecorrido: 1. Introducción; 2. Gramáticade la expresión y 3. Gramática de la resistencia.

The purpose in the following reflection article is to outline the general characteristics of the import and export customs regulations that govern the structure of Colombian foreign trade in relation to artwork, and to point out some aspects that could facilitate its logistics at the moment of being able to start and later conclude the customs clearance process for this and, although it is well known how problematic the matter is, that will not be an obstacle for carrying out this reflective task., Es mi propósito, en el siguiente artículo de reflexión, esbozar los caracteres generales de los regímenes aduaneros de importación y exportación que gobiernan la estructura del comercio exterior colombiano con relación a la obra de arte, y señalar algunos aspectos que podrían facilitar su logística al momento de iniciar y más tarde concluir el proceso de desaduanamiento de esta y, aunque conozco lo problemático del asunto, eso no será obstáculo para llevar a cabo esta tarea reflexiva

This paper analyses the different forms of cultural critique discussed by Adorno in his essay "Cultural Criticism and Society". A proper under­standing of the conditions of possibility of culture and art that Adorno offers to the shared thought and reflection in the aforementioned essay is put in relation to the pro­gramme of an aesthetics of interaction. The first section of the paper dissects the critical concepts of “Cultural Criticism and Society” in order to make understandable how they are made relevant to the interpretation of artefacts. With reference to cultural studies in the social sciences, which since the 1980s have increasingly emphasised readings and appropriations of culture(s), the aim in the second section is to take into account the whole context –production/trans­mis­sion/re­ception– for the analysis of cultural artefacts in order to reconstruct their so­cial meaning., Este artículo analiza las diferentes formas de crítica cultural que Adorno recoge en su ensayo “Critica cultural y sociedad”. La compresión ade­cua­da de las con­di­ciones de posibilidad de la cultura y el arte que Adorno ofrece al pen­sa­mien­to y la reflexión compartida en ese ensayo se pone en relación con el programa de una estética de la interacción. En la primera sección se diseccio­nan los con­ceptos de crítica del mencionado ensayo con el fin de hacer com­pren­sible cómo se consigue que sean relevantes para la interpretación de los arte­factos. En refe­rencia a los estudios de teoría cultural de las ciencias sociales, que desde los años 80 han acentuado cada vez más las lecturas y apropiaciones de la(s) cul­tura(s), el objetivo en el segundo apartado es tener en cuenta todo el contexto –producción/transmisión/recepción– para el análisis de los artefactos culturales con el fin de reconstruir su significado social.

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas., The objective of this work is to study Carcass (2019), a collection of poems that Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) published on Instagram Stories, and the performances that Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) shares on said network in the face of a reconfiguration of the recent lyric from the country with the most Spanish speakers. To do this we will describe some works of difficult and ephemeral access around experimentality; we will compare such practices with the traditions that permeate in both cases; up to discussing both the concept of marginality and that of a poem. The study is based on Bourdieu’s cultural field and Even-Zohar’s polysystem theory; as well as the difficulty that Palma tackles and the density that Higashi reaches; with the intention of understanding the interest that arouses self-distancing from the canon from the avant-garde to the current inter-artistic manifestations.

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas., The objective of this work is to study Carcass (2019), a collection of poems that Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) published on Instagram Stories, and the performances that Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) shares on said network in the face of a reconfiguration of the recent lyric from the country with the most Spanish speakers. To do this we will describe some works of difficult and ephemeral access around experimentality; we will compare such practices with the traditions that permeate in both cases; up to discussing both the concept of marginality and that of a poem. The study is based on Bourdieu’s cultural field and Even-Zohar’s polysystem theory; as well as the difficulty that Palma tackles and the density that Higashi reaches; with the intention of understanding the interest that arouses self-distancing from the canon from the avant-garde to the current inter-artistic manifestations.

This article aims to identify the basis of the communicability theory of Artwork which can be extracted from the writings of Edith Stein. After presenting empathy issue and the anthropological base which affects both the subjects and objects in the art world, alongside the possible difficulties with the transmission of said artistic message, this article delves into the implications of considering arts as an object and a subject of empathy and the communication system which can be established in the world of art., El presente artículo se propone identificar los fundamentos de la teoría de la comunicabilidad de la Obra de Arte que se puede extraer de los escritos de Edith Stein. Tras presentar el problema de la empatía y la base antropológica que afecta a los sujetos y objetos del mundo del arte, además de los posibles problemas en la transmisión de dicho mensaje artístico, se ahonda en las implicaciones de la consideración del arte como objeto y sujeto de empatía y el sistema comunicativo que se puede establecer en el mundo del arte.

This article aims to identify the basis of the communicability theory of Artwork which can be extracted from the writings of Edith Stein. After presenting empathy issue and the anthropological base which affects both the subjects and objects in the art world, alongside the possible difficulties with the transmission of said artistic message, this article delves into the implications of considering arts as an object and a subject of empathy and the communication system which can be established in the world of art., El presente artículo se propone identificar los fundamentos de la teoría de la comunicabilidad de la Obra de Arte que se puede extraer de los escritos de Edith Stein. Tras presentar el problema de la empatía y la base antropológica que afecta a los sujetos y objetos del mundo del arte, además de los posibles problemas en la transmisión de dicho mensaje artístico, se ahonda en las implicaciones de la consideración del arte como objeto y sujeto de empatía y el sistema comunicativo que se puede establecer en el mundo del arte.

This article aims to introduce us to the aesthetic thought of the Latin American philosopher Rodolfo Kusch. To do this, it will be essential to understand the use and origin of categories of thought from Martin Heidegger's philosophy, such as truth understood as disclosure, and its manifestation in the work of art. Starting from this possible line of entry into Kuschean thought, we propose to delve into what Kusch is saying when he affirms that the truth of the American is confessed in art. In the second half of the article, we seek to display a generic characterization of Kuschean thought that makes its novelty visible beyond the Heideggerian influence; For this we will carry out a specific tour through the texts and sections of aesthetic reflection that appear in the work of the Argentine thinker., El presente artículo pretende introducirnos en el pensamiento estético del filósofo latinoamericano Rodolfo Kusch, a partir de analizar el uso y la procedencia de categorías de pensamiento provenientes de la filosofía de Martín Heidegger tales como la verdad entendida en tanto desocultamiento y la manifestación de la misma en la obra de arte. A partir de esta posible línea de ingreso al pensamiento kuscheano, nos proponemos profundizar respecto de qué está diciendo Kusch cuando afirma que en el arte se confiesa la verdad de lo americano. En la segunda mitad del artículo, se busca desplegar una caracterización genérica del pensamiento kuscheano que visibilice la novedad del mismo más allá de la influencia heideggeriana; para ello realizaremos un recorrido específico por los textos y apartados de reflexión estética que aparecen en la obra del pensador argentino.

Suicidal Practices: a review of the performative body from physical resistance, presents in its first part, a brief approach on performance, then an analysis of possibilities of representation resulting from contexts on action art in the history of art. This works has been selected based on criteria and concepts of artists who use pain or physical resistance. The author understands the "suicidal practices" from the voluntary risk of using the body as a tool of political art. The political is understood within this research as the approaches of resistance, (denunciation, catharsis and irruption) that, from the meta-narrative as personal discourse, culminate in a breakdown of the researcher's works, which understand and make visible the interests and debates on heteronormativity, violence, pain, body, in the series called Cain in the showcase.

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas., The objective of this work is to study Carcass (2019), a collection of poems that Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) published on Instagram Stories, and the performances that Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) shares on said network in the face of a reconfiguration of the recent lyric from the country with the most Spanish speakers. To do this we will describe some works of difficult and ephemeral access around experimentality; we will compare such practices with the traditions that permeate in both cases; up to discussing both the concept of marginality and that of a poem. The study is based on Bourdieu’s cultural field and Even-Zohar’s polysystem theory; as well as the difficulty that Palma tackles and the density that Higashi reaches; with the intention of understanding the interest that arouses self-distancing from the canon from the avant-garde to the current inter-artistic manifestations.

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas., The objective of this work is to study Carcass (2019), a collection of poems that Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) published on Instagram Stories, and the performances that Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) shares on said network in the face of a reconfiguration of the recent lyric from the country with the most Spanish speakers. To do this we will describe some works of difficult and ephemeral access around experimentality; we will compare such practices with the traditions that permeate in both cases; up to discussing both the concept of marginality and that of a poem. The study is based on Bourdieu’s cultural field and Even-Zohar’s polysystem theory; as well as the difficulty that Palma tackles and the density that Higashi reaches; with the intention of understanding the interest that arouses self-distancing from the canon from the avant-garde to the current inter-artistic manifestations.

El objetivo de este trabajo es estudiar Carcass (2019), poemario que Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) publicó en Instagram Stories, y las performances que Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) comparte en dicha red de cara a una reconfiguración de la lírica reciente desde el país con más hispanohablantes. Para ello describiremos algunas obras de difícil y efímero acceso en torno a la experimentalidad; compararemos tales prácticas con las tradiciones que permean en ambos casos; hasta llegar a discutir tanto el concepto de marginalidad como el de poema. El estudio se basa en el campo cultural de Bourdieu y la teoría de los polisistemas de Even-Zohar; así como el dificultismo que aborda Palma y la densidad a la que llega Higashi; con la intención de entender el interés que despierta autoalejarse del canon desde las vanguardias a las actuales manifestaciones interartísticas., The objective of this work is to study Carcass (2019), a collection of poems that Horacio Warpola (Atizapán de Zaragoza, Estado de México, 1982) published on Instagram Stories, and the performances that Andrea Alzati (Guanajuato, 1989) shares on said network in the face of a reconfiguration of the recent lyric from the country with the most Spanish speakers. To do this we will describe some works of difficult and ephemeral access around experimentality; we will compare such practices with the traditions that permeate in both cases; up to discussing both the concept of marginality and that of a poem. The study is based on Bourdieu’s cultural field and Even-Zohar’s polysystem theory; as well as the difficulty that Palma tackles and the density that Higashi reaches; with the intention of understanding the interest that arouses self-distancing from the canon from the avant-garde to the current inter-artistic manifestations.

Suicidal Practices: a review of the performative body from physical resistance, presents in its first part, a brief approach on performance, then an analysis of possibilities of representation resulting from contexts on action art in the history of art. This works has been selected based on criteria and concepts of artists who use pain or physical resistance. The author understands the "suicidal practices" from the voluntary risk of using the body as a tool of political art. The political is understood within this research as the approaches of resistance, (denunciation, catharsis and irruption) that, from the meta-narrative as personal discourse, culminate in a breakdown of the researcher's works, which understand and make visible the interests and debates on heteronormativity, violence, pain, body, in the series called Cain in the showcase.

Suicidal Practices: a review of the performative body from physical resistance, presents in its first part, a brief approach on performance, then an analysis of possibilities of representation resulting from contexts on action art in the history of art. This works has been selected based on criteria and concepts of artists who use pain or physical resistance. The author understands the "suicidal practices" from the voluntary risk of using the body as a tool of political art. The political is understood within this research as the approaches of resistance, (denunciation, catharsis and irruption) that, from the meta-narrative as personal discourse, culminate in a breakdown of the researcher's works, which understand and make visible the interests and debates on heteronormativity, violence, pain, body, in the series called Cain in the showcase.

In the human being sensations and perceptions prevail in such a way that a connection is established between the emotional states and the physical body, making the body a vehicle for expressions. In this manner, body communication takes place through sensory-motor mechanisms, which are reflected when the body experiences a certain close relationship with the surrounding objects. Under a metaphorical concept the human being becomes a host and modifies the objects as a reference. Such an association can outline a hybrid structure and manifest an allegorical context, a somewhat uncertain concept that can transcend conceptually in society.From this scenario, it is proposed to re-interpret the so-called intrinsic subject to attachment to the object, to re-create subjective particularities and to re-build the diversity of everyday contexts in relation to the modified object in a sign. This hypothesis results from some type of individual interest or from the influence of the multiplicity of trends that can lead to inclusion in cultural diversity. The development of this hypothesis is based on a methodological and qualitative research, from a psychosociological perspective, and it is proposed to reflect on this context through Art. Furthermore, with the development of referent figures, it is proposed to materialize the subject-object extension as if it were an artificial appendix. This proposal manifests the conceptual relationship on the presence of objects as possible factors that reconstruct or affect in some way the future of the human being.

In the human being sensations and perceptions prevail in such a way that a connection is established between the emotional states and the physical body, making the body a vehicle for expressions. In this manner, body communication takes place through sensory-motor mechanisms, which are reflected when the body experiences a certain close relationship with the surrounding objects. Under a metaphorical concept the human being becomes a host and modifies the objects as a reference. Such an association can outline a hybrid structure and manifest an allegorical context, a somewhat uncertain concept that can transcend conceptually in society.From this scenario, it is proposed to re-interpret the so-called intrinsic subject to attachment to the object, to re-create subjective particularities and to re-build the diversity of everyday contexts in relation to the modified object in a sign. This hypothesis results from some type of individual interest or from the influence of the multiplicity of trends that can lead to inclusion in cultural diversity. The development of this hypothesis is based on a methodological and qualitative research, from a psychosociological perspective, and it is proposed to reflect on this context through Art. Furthermore, with the development of referent figures, it is proposed to materialize the subject-object extension as if it were an artificial appendix. This proposal manifests the conceptual relationship on the presence of objects as possible factors that reconstruct or affect in some way the future of the human being.

In the human being sensations and perceptions prevail in such a way that a connection is established between the emotional states and the physical body, making the body a vehicle for expressions. In this manner, body communication takes place through sensory-motor mechanisms, which are reflected when the body experiences a certain close relationship with the surrounding objects. Under a metaphorical concept the human being becomes a host and modifies the objects as a reference. Such an association can outline a hybrid structure and manifest an allegorical context, a somewhat uncertain concept that can transcend conceptually in society.From this scenario, it is proposed to re-interpret the so-called intrinsic subject to attachment to the object, to re-create subjective particularities and to re-build the diversity of everyday contexts in relation to the modified object in a sign. This hypothesis results from some type of individual interest or from the influence of the multiplicity of trends that can lead to inclusion in cultural diversity. The development of this hypothesis is based on a methodological and qualitative research, from a psychosociological perspective, and it is proposed to reflect on this context through Art. Furthermore, with the development of referent figures, it is proposed to materialize the subject-object extension as if it were an artificial appendix. This proposal manifests the conceptual relationship on the presence of objects as possible factors that reconstruct or affect in some way the future of the human being.

On the following pages, it is offered for the first time a critical Spanish translation of Georg Simmel’s “Böcklins Landschaften”, an essay published in 1885 in the weekly magazine Die Zukunft, edited in Berlin by Maximilian Harden. These reflections on the landscapes painted by the Swiss symbolist artist Arnold Böcklin were for Simmel the starting point of a rich and varied theoretical production in the fields of aesthetics and philosophy of art., En las siguientes páginas, se ofrece por primera vez una edición crítica en español del ensayo de Georg Simmel “Böcklins Landschaften”, publicado en 1885 en el semanario Die Zukunft, que editaba en Berlín Maximilian Harden. Estas reflexiones sobre los paisajes del pintor suizo Arnold Böcklin fueron para Simmel el punto de partida de una rica y variada producción teórica en los dominios de la estética y la filosofía del arte.

“The Origin of the Work Of Art: an Oasis Amid the Heideggerian Thought?” In 1935 Martin Heidegger surprisingly delivered a lecture in Freiburg on the origin of the work of art. Why sis Heidegger give such a lecture? Why did s “art” appear as a decisive question that year? We only find brief mentions on this subject in his works prior to the essay on art. How to fit this apparent “oasis” in Heideggerian thought? Following the steps of William Richardson, Martin Heidegger’s work is usually divided into two great moments separated by what is known as the turn (Kehre). Where should we approach the work from? Should we understand his ideas from what he has worked on in Contributions to philosophy? Or should we enter “The origin of the work of art” from the works of the first Heidegger? These questions, of a methodological-interpretative nature, are those that we propose to answer throughout the work, seeking to defend the following hypothesis: “The origin of the work of art” is a “frontier” work between these two moments of Heidegger, which is why it requires a “round trip” approach between the first and the second Heidegger., En 1935 Martin Heidegger da sorpresivamente una conferencia en Friburgo sobre el origen de la obra de arte. ¿Por qué Heidegger, repentinamente, brinda una conferencia sobre el arte? ¿Por qué aparece en este año “el arte” como una cuestión decisiva? Solamente encontramos breves menciones sobre esta temática en sus trabajos previos al ensayo sobre el arte. ¿Cómo encuadrar este aparente “oasis” en el pensamiento heideggeriano? A partir del académico estadounidense William Richardson la obra de Martin Heidegger se suele dividir en dos grandes momentos separados por lo que es conocido por el viraje (Kehre). ¿Desde dónde deberíamos abordar la obra? ¿deberíamos entender sus planteos desde lo trabajado en Aportes a la filosofía? ¿o deberíamos ingresar a “El origen de la obra de arte” desde las obras del primer Heidegger? Estos interrogantes, de carácter metodológico-interpretativo, son los que nos proponemos contestar a lo largo del trabajo, buscando defender la siguiente hipótesis: “El origen de la obra de arte” es una obra “de frontera” entre estos dos momentos del pensamiento de Heidegger, razón por la cual requiere de un abordaje de “ida y vuelta” entre el primer y el segundo Heidegger.

En este trabajo me propongo demostrar que el concepto de dios en “El origen de la obra de arte” de Martin Heidegger no refiere a una figura divino-religiosa, sino que se debe enmarcar dentro del leitmotiv de toda su filosofía, la pregunta por el ser. La hipótesis a defender será la siguiente: Heidegger utiliza la noción de “dios” para describir el proceso de fundación de un espacio de sentido. En un primer momento analizaré algunos contraargumentos a esta hipótesis (Guerrero, Kockelmans y von Herrmann), según los cuales Heidegger estaría hablando de la posibilidad de que el arte nos religue con los dioses como tales. Luego pasaré al argumento principal, en el que vincularé el ensayo sobre el arte fundamentalmente con el seminario sobre Parménides (GA 54) para mostrar cómo la noción de dios se conecta con el concepto de ser y de sentido (Sinn), In this essay I try to demonstrate that the concept of God in “The Origin of the Work of Art” by Martin Heidegger does not refer to a divine-religious figure but must be framed within the Leitmotiv of all his philosophy, the question of being. The hypothesis to be defended will be the following: Heidegger uses the notion of “god” to describe the process of founding a space of meaning. First, I will analyze some counter arguments to this hypothesis (Guerrero, Kockelmans and von Herrmann), according to which Heidegger would be talking about the possibility that art reconnects us with the gods as such. Then, I will move on to the main argument in which I will link the essay on art fundamentally with the seminary on Parmenides (GA 54) to show how the notion of God is linked to the concept of being and meaning (Sinn).

This article explores the meaning of thinking from an artistic practice which opens a dialogue with the truth that the production of the work presents. Based on two texts by Heidegger "What is called thinking" and "The origin of the work of art" this process of thought is analyzed, during the production of the series "Borderland Guide-line. This analysis shows the way of thinking, during the production of the work, disassemble the representation of concepts such as limit, edge, border, and margin, and allows the truth of these concepts, as a work, it is going to be revealed, as the artist has aesthetic experiences with what the work will be., Este artículo incursiona en el significado del pensar desde una práctica artística, abierta al diálogo con la verdad, que la producción de la obra va presentando. Se analiza este proceso de pensamiento, a partir de dos textos de Heidegger “Qué significa pensar” y “El origen de la obra de arte”, durante la producción de la serie “Línea-miento de política territorial internacional”. Este análisis evidencia un camino al pensar durante la producción de la obra, desmontando la representación de conceptos como límite, borde, frontera y margen para permitir que la verdad de estos conceptos, se vayan develando a medida que el artista va teniendo experiencias estéticas con lo que será la obra.

“The Origin of the Work Of Art: an Oasis Amid the Heideggerian Thought?” In 1935 Martin Heidegger surprisingly delivered a lecture in Freiburg on the origin of the work of art. Why sis Heidegger give such a lecture? Why did s “art” appear as a decisive question that year? We only find brief mentions on this subject in his works prior to the essay on art. How to fit this apparent “oasis” in Heideggerian thought? Following the steps of William Richardson, Martin Heidegger’s work is usually divided into two great moments separated by what is known as the turn (Kehre). Where should we approach the work from? Should we understand his ideas from what he has worked on in Contributions to philosophy? Or should we enter “The origin of the work of art” from the works of the first Heidegger? These questions, of a methodological-interpretative nature, are those that we propose to answer throughout the work, seeking to defend the following hypothesis: “The origin of the work of art” is a “frontier” work between these two moments of Heidegger, which is why it requires a “round trip” approach between the first and the second Heidegger., En 1935 Martin Heidegger da sorpresivamente una conferencia en Friburgo sobre el origen de la obra de arte. ¿Por qué Heidegger, repentinamente, brinda una conferencia sobre el arte? ¿Por qué aparece en este año “el arte” como una cuestión decisiva? Solamente encontramos breves menciones sobre esta temática en sus trabajos previos al ensayo sobre el arte. ¿Cómo encuadrar este aparente “oasis” en el pensamiento heideggeriano? A partir del académico estadounidense William Richardson la obra de Martin Heidegger se suele dividir en dos grandes momentos separados por lo que es conocido por el viraje (Kehre). ¿Desde dónde deberíamos abordar la obra? ¿deberíamos entender sus planteos desde lo trabajado en Aportes a la filosofía? ¿o deberíamos ingresar a “El origen de la obra de arte” desde las obras del primer Heidegger? Estos interrogantes, de carácter metodológico-interpretativo, son los que nos proponemos contestar a lo largo del trabajo, buscando defender la siguiente hipótesis: “El origen de la obra de arte” es una obra “de frontera” entre estos dos momentos del pensamiento de Heidegger, razón por la cual requiere de un abordaje de “ida y vuelta” entre el primer y el segundo Heidegger.

En este trabajo me propongo demostrar que el concepto de dios en “El origen de la obra de arte” de Martin Heidegger no refiere a una figura divino-religiosa, sino que se debe enmarcar dentro del leitmotiv de toda su filosofía, la pregunta por el ser. La hipótesis a defender será la siguiente: Heidegger utiliza la noción de “dios” para describir el proceso de fundación de un espacio de sentido. En un primer momento analizaré algunos contraargumentos a esta hipótesis (Guerrero, Kockelmans y von Herrmann), según los cuales Heidegger estaría hablando de la posibilidad de que el arte nos religue con los dioses como tales. Luego pasaré al argumento principal, en el que vincularé el ensayo sobre el arte fundamentalmente con el seminario sobre Parménides (GA 54) para mostrar cómo la noción de dios se conecta con el concepto de ser y de sentido (Sinn), In this essay I try to demonstrate that the concept of God in “The Origin of the Work of Art” by Martin Heidegger does not refer to a divine-religious figure but must be framed within the Leitmotiv of all his philosophy, the question of being. The hypothesis to be defended will be the following: Heidegger uses the notion of “god” to describe the process of founding a space of meaning. First, I will analyze some counter arguments to this hypothesis (Guerrero, Kockelmans and von Herrmann), according to which Heidegger would be talking about the possibility that art reconnects us with the gods as such. Then, I will move on to the main argument in which I will link the essay on art fundamentally with the seminary on Parmenides (GA 54) to show how the notion of God is linked to the concept of being and meaning (Sinn).

This article explores the meaning of thinking from an artistic practice which opens a dialogue with the truth that the production of the work presents. Based on two texts by Heidegger "What is called thinking" and "The origin of the work of art" this process of thought is analyzed, during the production of the series "Borderland Guide-line. This analysis shows the way of thinking, during the production of the work, disassemble the representation of concepts such as limit, edge, border, and margin, and allows the truth of these concepts, as a work, it is going to be revealed, as the artist has aesthetic experiences with what the work will be., Este artículo incursiona en el significado del pensar desde una práctica artística, abierta al diálogo con la verdad, que la producción de la obra va presentando. Se analiza este proceso de pensamiento, a partir de dos textos de Heidegger “Qué significa pensar” y “El origen de la obra de arte”, durante la producción de la serie “Línea-miento de política territorial internacional”. Este análisis evidencia un camino al pensar durante la producción de la obra, desmontando la representación de conceptos como límite, borde, frontera y margen para permitir que la verdad de estos conceptos, se vayan develando a medida que el artista va teniendo experiencias estéticas con lo que será la obra.

On the following pages, it is offered for the first time a critical Spanish translation of Georg Simmel’s “Böcklins Landschaften”, an essay published in 1885 in the weekly magazine Die Zukunft, edited in Berlin by Maximilian Harden. These reflections on the landscapes painted by the Swiss symbolist artist Arnold Böcklin were for Simmel the starting point of a rich and varied theoretical production in the fields of aesthetics and philosophy of art., En las siguientes páginas, se ofrece por primera vez una edición crítica en español del ensayo de Georg Simmel “Böcklins Landschaften”, publicado en 1885 en el semanario Die Zukunft, que editaba en Berlín Maximilian Harden. Estas reflexiones sobre los paisajes del pintor suizo Arnold Böcklin fueron para Simmel el punto de partida de una rica y variada producción teórica en los dominios de la estética y la filosofía del arte.

This article is aimed at presenting the role of aesthetic experience in the creative process of teachers at the Rodrigo Peñalba National School of Plastic Arts. It is a qualitative study based on the historical-socio-cultural theory of Lev Vigotsky on the analysis of art from its processes in relation to the artistic work. The idea of this proposal is to present a set of knowledge to understand in a general way, the mechanism of creation in the plastic arts, to later describe its mediating role in artistic teaching. The need arises to relate the phenomena of aesthetic experience, creative process with the representative-creative imagination of the artist; subordinated to emotion and subjective need for it. The development of the analysis of the investigation based on the information obtained and an analysis of the work of art related to the imagination is presented., Este artículo está orientado a presentar el rol de la experiencia estética en el proceso creador de docentes de la escuela Nacional de Artes Plásticas Rodrigo Peñalba. Es un estudio cualitativo basado en la teoría histórico-socio-cultural de Lev Vigotsky sobre el análisis del arte desde sus procesos en relación con la obra artística. La idea de esta propuesta es dar a conocer un conjunto de conocimientos para comprender de manera general, el mecanismo de la creación en las artes plásticas, para posteriormente describir su papel mediador en la enseñanza artística. Se plantea la necesidad de relacionar los fenómenos de experiencia estética, proceso creador con la imaginación representativa-creadora del artista; subordinadas a la emoción y necesidad subjetiva del mismo. Se presenta el desarrollo del análisis de la investigación basado en la información obtenida y un análisis de la obra de arte relacionado a la imaginación.

This article explores the meaning of thinking from an artistic practice which opens a dialogue with the truth that the production of the work presents. Based on two texts by Heidegger "What is called thinking" and "The origin of the work of art" this process of thought is analyzed, during the production of the series "Borderland Guide-line. This analysis shows the way of thinking, during the production of the work, disassemble the representation of concepts such as limit, edge, border, and margin, and allows the truth of these concepts, as a work, it is going to be revealed, as the artist has aesthetic experiences with what the work will be., Este artículo incursiona en el significado del pensar desde una práctica artística, abierta al diálogo con la verdad, que la producción de la obra va presentando. Se analiza este proceso de pensamiento, a partir de dos textos de Heidegger “Qué significa pensar” y “El origen de la obra de arte”, durante la producción de la serie “Línea-miento de política territorial internacional”. Este análisis evidencia un camino al pensar durante la producción de la obra, desmontando la representación de conceptos como límite, borde, frontera y margen para permitir que la verdad de estos conceptos, se vayan develando a medida que el artista va teniendo experiencias estéticas con lo que será la obra.

Arte y publicidad son dos áreas que se encuentran estrechamente vinculadas a lo largo de la historia. En caso de necesidad, la publicidad no duda en acudir al arte como medio para cumplir sus fines comerciales, como por ejemplo mediante el empleo de obras de arte en las campañas publicitarias. El interés de las marcas por los valores artísticos va más allá de un simple reclamo, puesto que pretende ser una vía estratégica de diferenciación, aportando una personalidad y cultura a la marca. La combinación de los valores clásicos y humanistas del Renacimiento italiano, consigue ser un atractivo para que diversidad de marcas utilicen diferentes obras de este periodo artístico en sus campañas de publicidad. El objetivo de este trabajo reside en conocer la motivación que ha impulsado a la utilización de obras de arte renacentistas como estrategia publicitaria., Departamento de Historia del Arte, Grado en Publicidad y Relaciones Públicas

[EN] This paper deals with the design and creation of an inventory tool, specifically made for travelling exhibitions made up of works on loan from various art institutions. The exhibition entitled "From North to South, Rhythms" by the Norwegian artist Anna Eva Bergman presented at Bombas Gens Centre d'Art from November 2018 to May 2019 has been used as an example. This exhibition has consisted of more than sixty pieces on loan from four institutions, including the Fundación per Amor a l'Art, regidora of Bombas Gens Centre d'Art. The aim is to create an instrument that facilitates the work of the coordinators of this type of exhibition, with easier access to data, without having to consult the different databases of each centre that has lent a piece. To carry out this project and in the first place, all the possible data have been collected during the assembly of the exhibition and the different types of documentation used in the field of art have been studied, such as the documentary standards. On the other hand, the analysis and classification of the different works that make up the exhibition has been carried out and with the information obtained the logical and physical design of a technical card focused on the inventory of these works has been made. Finally, a database has been created and all the information obtained throughout the process has been dumped on it., [ES] El presente escrito aborda el diseño y creación de una herramienta de inventariado, específicamente realizada para exposiciones itinerantes conformadas por obras prestadas procedentes de diversas instituciones artísticas. Para ello se ha tomado como ejemplo la exposición titulada ¿De norte a sur, ritmos¿ de la artista noruega Anna Eva Bergman presentada en Bombas Gens Centre d¿Art desde noviembre de 2018 a mayo de 2019. Esta exposición se ha compuesto de más de sesenta piezas cedidas por cuatro instituciones, entre ellas la Fundació Per Amor a l¿Art, regidora de Bombas Gens Centre d¿Art. Se pretende crear, un instrumento que facilite la labor de los coordinadores de este tipo de exposiciones, pudiendo acceder a los datos de manera más sencilla, sin tener que consultar las diferentes bases de datos de cada centro que ha prestado una pieza. Para llevar a cabo este proyecto y en primer lugar, se han recabado todos los datos posibles durante el montaje de la exposición y se han estudiado los diversos tipos de documentación empleados en el campo del arte, como son los estándares documentales . Por otro lado se ha procedido al análisis y clasificación de las diversas obras que componen la exposición y con la información obtenida se ha hecho el diseño lógico y físico de una ficha técnica enfocada al inventariado de estas obras. Finalmente se ha creado una base de datos y sobre ella se ha volcado toda la información obtenida a lo largo del proceso

[EN] This paper deals with the design and creation of an inventory tool, specifically made for travelling exhibitions made up of works on loan from various art institutions. The exhibition entitled "From North to South, Rhythms" by the Norwegian artist Anna Eva Bergman presented at Bombas Gens Centre d'Art from November 2018 to May 2019 has been used as an example. This exhibition has consisted of more than sixty pieces on loan from four institutions, including the Fundación per Amor a l'Art, regidora of Bombas Gens Centre d'Art. The aim is to create an instrument that facilitates the work of the coordinators of this type of exhibition, with easier access to data, without having to consult the different databases of each centre that has lent a piece. To carry out this project and in the first place, all the possible data have been collected during the assembly of the exhibition and the different types of documentation used in the field of art have been studied, such as the documentary standards. On the other hand, the analysis and classification of the different works that make up the exhibition has been carried out and with the information obtained the logical and physical design of a technical card focused on the inventory of these works has been made. Finally, a database has been created and all the information obtained throughout the process has been dumped on it., [ES] El presente escrito aborda el diseño y creación de una herramienta de inventariado, específicamente realizada para exposiciones itinerantes conformadas por obras prestadas procedentes de diversas instituciones artísticas. Para ello se ha tomado como ejemplo la exposición titulada ¿De norte a sur, ritmos¿ de la artista noruega Anna Eva Bergman presentada en Bombas Gens Centre d¿Art desde noviembre de 2018 a mayo de 2019. Esta exposición se ha compuesto de más de sesenta piezas cedidas por cuatro instituciones, entre ellas la Fundació Per Amor a l¿Art, regidora de Bombas Gens Centre d¿Art. Se pretende crear, un instrumento que facilite la labor de los coordinadores de este tipo de exposiciones, pudiendo acceder a los datos de manera más sencilla, sin tener que consultar las diferentes bases de datos de cada centro que ha prestado una pieza. Para llevar a cabo este proyecto y en primer lugar, se han recabado todos los datos posibles durante el montaje de la exposición y se han estudiado los diversos tipos de documentación empleados en el campo del arte, como son los estándares documentales . Por otro lado se ha procedido al análisis y clasificación de las diversas obras que componen la exposición y con la información obtenida se ha hecho el diseño lógico y físico de una ficha técnica enfocada al inventariado de estas obras. Finalmente se ha creado una base de datos y sobre ella se ha volcado toda la información obtenida a lo largo del proceso

[EN] This paper deals with the design and creation of an inventory tool, specifically made for travelling exhibitions made up of works on loan from various art institutions. The exhibition entitled "From North to South, Rhythms" by the Norwegian artist Anna Eva Bergman presented at Bombas Gens Centre d'Art from November 2018 to May 2019 has been used as an example. This exhibition has consisted of more than sixty pieces on loan from four institutions, including the Fundación per Amor a l'Art, regidora of Bombas Gens Centre d'Art. The aim is to create an instrument that facilitates the work of the coordinators of this type of exhibition, with easier access to data, without having to consult the different databases of each centre that has lent a piece. To carry out this project and in the first place, all the possible data have been collected during the assembly of the exhibition and the different types of documentation used in the field of art have been studied, such as the documentary standards. On the other hand, the analysis and classification of the different works that make up the exhibition has been carried out and with the information obtained the logical and physical design of a technical card focused on the inventory of these works has been made. Finally, a database has been created and all the information obtained throughout the process has been dumped on it., [ES] El presente escrito aborda el diseño y creación de una herramienta de inventariado, específicamente realizada para exposiciones itinerantes conformadas por obras prestadas procedentes de diversas instituciones artísticas. Para ello se ha tomado como ejemplo la exposición titulada ¿De norte a sur, ritmos¿ de la artista noruega Anna Eva Bergman presentada en Bombas Gens Centre d¿Art desde noviembre de 2018 a mayo de 2019. Esta exposición se ha compuesto de más de sesenta piezas cedidas por cuatro instituciones, entre ellas la Fundació Per Amor a l¿Art, regidora de Bombas Gens Centre d¿Art. Se pretende crear, un instrumento que facilite la labor de los coordinadores de este tipo de exposiciones, pudiendo acceder a los datos de manera más sencilla, sin tener que consultar las diferentes bases de datos de cada centro que ha prestado una pieza. Para llevar a cabo este proyecto y en primer lugar, se han recabado todos los datos posibles durante el montaje de la exposición y se han estudiado los diversos tipos de documentación empleados en el campo del arte, como son los estándares documentales . Por otro lado se ha procedido al análisis y clasificación de las diversas obras que componen la exposición y con la información obtenida se ha hecho el diseño lógico y físico de una ficha técnica enfocada al inventariado de estas obras. Finalmente se ha creado una base de datos y sobre ella se ha volcado toda la información obtenida a lo largo del proceso

[EN] This paper deals with the design and creation of an inventory tool, specifically made for travelling exhibitions made up of works on loan from various art institutions. The exhibition entitled "From North to South, Rhythms" by the Norwegian artist Anna Eva Bergman presented at Bombas Gens Centre d'Art from November 2018 to May 2019 has been used as an example. This exhibition has consisted of more than sixty pieces on loan from four institutions, including the Fundación per Amor a l'Art, regidora of Bombas Gens Centre d'Art. The aim is to create an instrument that facilitates the work of the coordinators of this type of exhibition, with easier access to data, without having to consult the different databases of each centre that has lent a piece. To carry out this project and in the first place, all the possible data have been collected during the assembly of the exhibition and the different types of documentation used in the field of art have been studied, such as the documentary standards. On the other hand, the analysis and classification of the different works that make up the exhibition has been carried out and with the information obtained the logical and physical design of a technical card focused on the inventory of these works has been made. Finally, a database has been created and all the information obtained throughout the process has been dumped on it., [ES] El presente escrito aborda el diseño y creación de una herramienta de inventariado, específicamente realizada para exposiciones itinerantes conformadas por obras prestadas procedentes de diversas instituciones artísticas. Para ello se ha tomado como ejemplo la exposición titulada ¿De norte a sur, ritmos¿ de la artista noruega Anna Eva Bergman presentada en Bombas Gens Centre d¿Art desde noviembre de 2018 a mayo de 2019. Esta exposición se ha compuesto de más de sesenta piezas cedidas por cuatro instituciones, entre ellas la Fundació Per Amor a l¿Art, regidora de Bombas Gens Centre d¿Art. Se pretende crear, un instrumento que facilite la labor de los coordinadores de este tipo de exposiciones, pudiendo acceder a los datos de manera más sencilla, sin tener que consultar las diferentes bases de datos de cada centro que ha prestado una pieza. Para llevar a cabo este proyecto y en primer lugar, se han recabado todos los datos posibles durante el montaje de la exposición y se han estudiado los diversos tipos de documentación empleados en el campo del arte, como son los estándares documentales . Por otro lado se ha procedido al análisis y clasificación de las diversas obras que componen la exposición y con la información obtenida se ha hecho el diseño lógico y físico de una ficha técnica enfocada al inventariado de estas obras. Finalmente se ha creado una base de datos y sobre ella se ha volcado toda la información obtenida a lo largo del proceso

Este proyecto busca articular la lutería de arte a las dinámicas que se encuentran en el ecosistema cultural de Bogotá, a través de tres elementos: 1) Laboratorios abiertos entre lutieres, artistas, gestores y otros actores, alrededor de exploración de la lutería como campo artístico, recogiendo experiencias y conocimientos que puedan ser utilizados como puntos de referencia cultural. 2) Actividades que trabajen en pro de una apreciación de la lutería desde una perspectiva artística, incorporando acciones que involucren la sensibilización y apropiación por parte de los actores del ecosistema. 3) Poner a disposición de los actores involucrados nodos de información que continúen dinamizando la vinculación de la lutería, buscando sostenibilidad y dinamismo en los resultados de los talleres y actividades llevadas a cabo., This project seeks for articulation between high-end lutherie to the cultural ecosystem interactions, in Bogotá. All that through these three elements: 1. A Living-Lab, gathering luthiers, artists, cultural managers, and other actors, exploring the lutherie as an art field, collecting experience and a know-how, which could be used as a cultural reference. 2. A proposal to activities in order to understand the lutherie as an artistic expression, by means of awareness and appropriation by the cultural ecosystem members. 3. Information shared to the lab’s participants, regarding the workshops and other activities, sustainability, and dynamism. This information, used as a reference point will help to promote a constant link between the luthiers and the other actors.

Contemporary historiography has defined the work of art as an act of communication, which as such needs a transmitter and a receiver, although the guidelines of this dialogue have not always been established. The experience of the spectator in museums has changed in a dizzying way in the second half of the twentieth century, with the demand for a change of attitude that moved from passive contemplation, in a redefinition of the flanêur, to an active role imposed by the own physicality of the work to be experienced. In this text we will reflect on individual cases the coexistence of trends, origin and evolution, to estimate where our steps in the current Museums go, whether the aesthetic experience must change its modus operandi or whether the future of our museology passes through other approaches to the work of art., La historiografía contemporánea ha definido la obra de arte como un acto de comunicación, que como tal necesita un emisor y un receptor, si bien, no siempre se han establecido las pautas de este diálogo. La experiencia del espectador en museos se ha ido modificando de una forma vertiginosa en la segunda mitad del siglo XX, con la exigencia de un cambio de actitud que se trasladaba de la contemplación pasiva, en una redefinición del flanêur, a un papel activo impuesto por la propia fisicidad de la obra que debe ser experimentada. En este texto reflexionaremos a través de casos concretos sobre la convivencia de ambas tendencias, origen y evolución, para estimar hacia donde van nuestros pasos en los Museos actuales, si la experiencia estética debe cambiar de modus operandi o si el futuro de nuestra museología pasa por otras vías de aproximación a la obra de arte.

In this work we will seek to suggest that an aorgic expression of desire is what present the so called cold romanticism of Paul Klee. On the one hand, this expression discovered her source in the late Hölderlin and this implied that there is a tragic background in the thought of Klee. On the other hand, it would be necessary to exposed the link between the cold romanticism of Klee and the early german romanticism. Specifically, about the significance of the experience of the work of art. However, at the same time, we will consider a distance in respect to that early movement and the late Hölderin that nourish that aorgic expression of desire, distance that could be described through a merging of Nietzsche in Klee’s atmosphere [Stimmung]. But, also, we haved to deal with what elaborated the painter and draftsman: a thought-in-image inasmuch as its an experience of a thought whose nature is apropositional. This thought, under the sign of that distance, experiment what we have to name: a chaos-cosmos., En este trabajo buscaremos sostener que el llamado romanticismo frío de Paul Klee presenta una expresión aórgica del deseo. Esta expresión halla su fuente en una lectura del Hölderlin tardío, lo cual implicará considerar un trasfondo trágico en el pensamiento de Klee. Será también necesario concebir un vínculo entre el romanticismo frío y el temprano romanticismo alemán, precisamente, en torno a la experiencia de la obra de arte. Ahora bien, al mismo tiempo que plantearemos una distancia a partir de cierta lectura de Nietzsche para aproximarnos al romanticismo frío de Klee, tendremos que considerar qué es lo que concibe el pintor y dibujante suizo-alemán: un pensamiento aproposicional en tanto hace de sí un pensamiento-en-imagen. Pues bien: lo que experimentaría este pensamiento buscaremos concebirlo como un caos-cosmos.

Arte y publicidad son dos áreas que se encuentran estrechamente vinculadas a lo largo de la historia. En caso de necesidad, la publicidad no duda en acudir al arte como medio para cumplir sus fines comerciales, como por ejemplo mediante el empleo de obras de arte en las campañas publicitarias. El interés de las marcas por los valores artísticos va más allá de un simple reclamo, puesto que pretende ser una vía estratégica de diferenciación, aportando una personalidad y cultura a la marca. La combinación de los valores clásicos y humanistas del Renacimiento italiano, consigue ser un atractivo para que diversidad de marcas utilicen diferentes obras de este periodo artístico en sus campañas de publicidad. El objetivo de este trabajo reside en conocer la motivación que ha impulsado a la utilización de obras de arte renacentistas como estrategia publicitaria., Departamento de Historia del Arte, Grado en Publicidad y Relaciones Públicas

Undoubtedly, the historical mind{body duality installed by classical-modern phi-losophy and puts into question both by Nietzsche and many other philosophers, It has in uenced in the thought of authors like Deleuze, for whom the notion of body is a relational unity. Indeed, for Nietzsche the human soul is a part of the body and this one a unit in permanent relation with its environment, in which the nature of the vegetable and the animal is not different from the nature of the human. On the other hand, Deleuze thinks of the body (and in this case, the body of artwork) as a body that emerges and passes through thresholds, as an exit from the figurative or narrative towards the purely figural, i.e, as that group of sensations inevitably related to their own material. The following article tries to put in relation the Nietzsche and Deleuze perspectives around the concept of body, from the animal/vegetable of the human and from the material of the contemporary artwork, respectively., Ciertamente, la históorica dualidad cuerpo-espíritu instalada por la filosofía cláasico-moderna que tanto Nietzsche como otros tantos fllósofos ponen en cuestión, se deja ver en el pensamiento de autores como Deleuze, para quien la noción de cuerpo no deja de constituirse como una unidad relacional. En efecto, para Nietzsche el espíritu es una parte del cuerpo, y este, una unidad en permanente relación con su ambiente, en el que la naturaleza de lo vegetal y lo animal no es diferente a la naturaleza de lo humano. Por su parte, Deleuze piensa el cuerpo (y en este caso, el cuerpo de la obra de arte) como un cuerpo que emerge y que pasa a través de umbrales, como una salida de lo figurativo o narrativo hacia lo figural puro, es decir, como ese grupo de sensaciones inevitablemente relacionadas con su propio material. El siguiente artículo intenta poner en relación y tensión la perspectiva de Nietzsche y Deleuze en torno a la noción de cuerpo, desde una \reducción" animal/vegetal de lo humano y desde una \reducción" material de la obra de arte contemporáanea , respectivamente.

This paper puts into dialogue a reflection on the work Una cosa es una cosa by the Colombian performance artist María Teresa Hincapié and the conceptual intercrossing around the concept of thing, subject and truth that takes place between Martin Heidegger, Meyer Schapiro and Jacques Derrida. Following the reading of the controversy between the first two thinkers that would make the French philosopher, it seeks to highlight the relevance of avoiding interpreting the presence of an object of use, such as shoes, in a work of art as a reference to or representation of a subject , and instead highlight the way in which his own presence, as Hincapié’s work illustrates, consists of an invitation to games of meaning that keep open the expression of the constitutive materiality of what we are., Este artículo pone en diálogo una reflexión en torno a la obra Una cosa es una cosa de la artista performática colombiana María Teresa Hincapié y el entrecruzamiento conceptual en torno al concepto de cosa, sujeto y verdad que tiene lugar entre Martin Heidegger, Meyer Schapiro y Jacques Derrida. Siguiendo la lectura de la polémica entre los dos primeros pensadores que haría el filósofo francés, se busca destacar la relevancia de evitar interpretar la presencia de un objeto de uso, como unos zapatos, en una obra de arte como una remisión a o representación de un sujeto, y en su lugar resaltar la manera en que su propia presencia, como ilustra la obra de Hincapié, consiste en una invitación a unos juegos de sentido que mantienen abierta la expresión de la materialidad constitutiva de lo que somos.