Search

Статья посвящена отображению темы праздника в творчестве Майи Дмитриевны Ковешниковой. Ранее искусствоведами отмечались звучность, торжественность, нарядность натюрмортов с цветами, написанных этой художницей. Цель представленного в статье исследования — выявить особенности изобразительного языка и образного воплощения темы праздника в произведениях разных жанров — натюрморта, портрета, пейзажа, композиции, в которых работала М.Д. Ковешникова (хотя наибольшее внимание ею уделено натюрморту, в том числе и тематическому). С помощью искусствоведческого анализа определены композиционные и колористические приемы, смысловая наполненность образов. Элементы иконографического и символико-культурологического методов изучения картин позволили выявить образно-символический ряд, вписанный как в контекст русской и советской культуры, так и в континуум мировоззрения художницы. В качестве лейтмотивов в раскрытии темы праздника определены образы и символы русской народной культуры (элементы стеновой росписи, орнаментальной вышивки, образы хлеба, цветов и др.), знаковая работа с цветом (преимущественно красным) и светом. В содержательном плане праздник в творчестве М.Д. Ковешниковой связан с культурным наследием, народной и личной памятью, прославлением труда и силы человеческого духа, окрашен в разные эмоциональные тона.

В статье рассматривается ландшафтное стекло как один из видов современного ландшафтного искусства. На примере пленэрных выставок 2000 – 2016-х годов уточняется художественная специфика жанра, его роль в установлении эстетической связи природы и объекта искусства, во включении природы в контекст культурного пространства. Новый жанр ландшафтного стекла формировался в контексте развития студийного авторского стекла, в свою очередь тесно связанного с общемировым движением, получившим название «Glass Studio movement». Художественный смысл этого процесса заключается в сугубо экспериментальном характере поисков авторского стиля, в стремлении найти современные средства выражения. В процессе творчества радикально меняются принципы формотворчества, расширяются границы жанра, по-новому осознается пластическая природа образа. Выставки Елагиноостровского дворца-музея в Санкт-Петербурге «Стекло и керамика на траве» и стали тем материалом, на основе которого изучается данная тема. Обращение художников к крупной форме, а это продиктовано масштабом пространства, расширили границы и принципы формообразования, меняли субстанциональные проявления стекла как материала, его возможность передать драматические коллизии мира, сложность и многомерность содержания. Особое внимание было обращено на технический эксперимент, в первую очередь, в работе с плоским оконным стеклом.

В августе 2016 года в городе Кемерово прошел индустриальный пленэр. Художники Сибири и Урала приехали, чтобы запечатлеть облик современного индустриального города. Статья посвящена обзору участников и результатов пленэра.

Paul Flandrin (Lione 1811- Parigi 1902) è un pittore dalla lunga carriera, i cui inizi si snodano tra la formazione presso l’Académie des Beaux Arts di Lione e l’atelier di Ingres a Parigi. Sarà però durante il viaggio in Italia (1834-1838) che il pittore individuerà la sua precisa vocazione di pittore di paesaggio. Il periodo trascorso a Roma, non pensionnaire di Villa Medici ma assiduo frequentatore della Accademia di Francia, all’epoca diretta dal suo maestro, è significativo per individuare le prime prove di un artista che si pone tra l’influenza di Corot e l’insegnamento di Ingres. Per un pittore di educazione neoclassica, quanto conta l’esperienza italiana? Per un allievo di Ingres, cosa significa la scelta del paesaggio? Per un paysagiste che arriva a Roma negli anni Trenta, in cosa consiste l’eredità di Corot? L’articolo tenta di dare risposta a queste domande attraverso l’individuazione di alcune tappe fondamentali della produzione grafica e pittorica di Paul Flandrin compresa negli anni del soggiorno italiano. L’indagine si concentra sulla comprensione del metodo di lavoro dell’artista, dalla percezione della natura vista e studiata dal vero alla ricomposizione in atelier. Dall’analisi emerge la figura complessa di un pittore di formazione neoclassica che opera nel XIX secolo inoltrato.