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In der Zeit des wirtschaftlichen Aufschwungs Deutschlands nach dem Zweiten Weltkrieg waren die Wochenschauen im Vorprogramm jeder Kinovorstellung eine bedeutende Informationsquelle. Mit eindrucksvollen Bildern auf einer großen Leinwand – begleitet von gesprochenem Kommentar, Musik und Geräusch – gaben sie Orientierung und prägten die Erinnerung. In zahlreichen dokumentarischen Film- und Fernsehformaten werden bis heute einzelne Bilder oder kurze Sequenzen aus der Kino-Wochenschau als historische Belege, als Illustrationen oder zur Dramatisierung verwendet. Die außergewöhnlichen Prinzipien der Informationsvermittlung kommen dabei jedoch nicht mehr zur Geltung. Um das Publikum zu erreichen, war damals eine Mischung aus informativen Berichten und unterhaltenden Beiträgen unerlässlich. Die in diesem Buch vorgenommenen Fallanalysen spiegeln elementare Themenbereiche der Zeit des wirtschaftlichen Aufschwungs beider deutscher Staaten (1950-1965) wider. Neben den Prinzipien der audiovisuellenGestaltung wird auch die zentrale Vermittlungsstrategie herausgearbeitet. Transmediale und transnationale Aspekte, die hierbei eine Rolle spielen, weisen die Wochenschau als Teil eines (internationalen) Mediensystems aus.

„Der Mensch“ ersteht aus seinen bewegten Bildern wie zugleich diese aus ihm. Edgar Morin denkt „den Menschen“ nicht als Tatsache, nicht als Gegebenheit, Bewußtsein oder Körper, auch nicht als selbstverständliche unbemerkt dominante Ausgangsbedingung, sondern als emergent, als auftauchend, und als relational, nämlich speziell hervorgehend aus seiner Verschränktheit mit den bewegten Bildern. Dieses Auftauchen und Verschränken geschieht dabei stets und jederzeit durch Film, nicht im paläo-anthropologischen Sinn einer ursprünglichen und abgeschlossenen Menschwerdung. „Der Mensch“ ist bei Morin ein supervenierender Effekt, der mit den Bedingungen seines Abhebens oder Einsetzens so verschränkt ist und vor allem so auf sie zurückwirkt, dass Ursache und Wirkung, Früheres und Späteres usw. ununterscheidbar werden. Imaginäres und Faktisches, Projektion und Identifikation, Anthropo- und Kosmomorphismus, Tod und Leben sind durch Film grundverstrickt, ehe sie sich überhaupt auseinanderdividieren. Von diesem Sachverhalt handelt Morins Buch, ganz konzentriert auf Film als bedingte Bedingung und als Medium der menschlichen Emergenz, d. h. Existenz.

Echtzeit im Film. Wie lässt sich der Trend zu filmischer Echtzeit analytisch fassen? Wie der Echtzeit-Begriff für eine filmwissenschaftliche Auseinandersetzung heuristisch nutzbar machen? Der Band widmet sich einem Phänomen, das in der jüngeren Filmgeschichte eine Konjunktur erlebt. Im Kern handelt es sich um eine Konvergenz zweier Zeitebenen, die etwa in der Erzähltheorie als Übereinstimmung zwischen der Zeit der Präsentation des Films auf der Leinwand und der in der Fiktion ablaufenden Zeitdauer gefasst wird. Im vorliegenden Band erfährt der Begriff eine breitere Klassifikation, wird in zentrale Konzepte überführt und hinsichtlich seiner Wirkungspotenziale geprüft sowie historisch, kulturell und gattungstheoretisch kontextualisiert. Bereitgestellt werden soll der Filmwissenschaft dadurch ›Echtzeit‹ als eine fundierte Analysekategorie.

The chapters in The Oxford Handbook of Canadian Cinema present a rich, diverse overview of Canadian cinema. Responding to the latest developments in Canadian film studies, this volume takes into account the variety of artistic voices, media technologies, and places which have marked cinema in Canada throughout its history. Drawing on a range of established and emerging scholars from a range of disciplines, this volume will be useful to teachers, scholars, and to a general readership interested in cinema in Canada. Moving beyond the director-focused approach of much previous scholarship, this book is concerned with communities, institutions, and audiences for Canadian cinema at both national and international levels. The choice of subjects covered ranges from popular, genre cinema to the most experimental of artistic interventions. Canadian cinema is seen in its interaction with other forms of art-making and media production in Canada and at the international level. Particular attention has been paid to the work of Indigenous filmmakers, members of diasporic communities and feminist and LGBTQ artists. The result is a book attentive to the complex social and institutional contexts in which Canadian cinema is made and consumed.

Einerlei, ob sie im Namen der Literatur oder des Films erhoben werden: Die nach wie vor weit verbreiteten Vorbehalte gegen die filmische Literaturadaption sind müßig und verkennen nicht zuletzt deren Potenziale als privilegierter Ort der medialen und ästhetischen Selbtreflexion. Dies bestätigt der vom Stumm- bis zum Gegenwartsfilm reichende Streifzug durch die »Weltliteratur des Kinos«, zu dem die insgesamt elf Beiträge des Bandes einladen. Halt gemacht wird bei den großen Stationen der kinematografischen Adaptionsgeschichte, unter anderem bei Murnaus Herr Tartüff, Renoirs Eine Landpartie, Kurosawas Das Schloss im Spinnwebwald, Rohmers Die Marquise von O. und Tarrs Satanstango, die allesamt, wenn auch auf je unterschiedliche Weise, den spezifischen Mehrwert des »unreinen Kinos« (André Bazin) zum Ausdruck bringen.

Was ist die grundlegende Qualität unseres Erzählens in und für die Medien? Wie prägen Medien und Medialität das Erzählen und das Erzählte? Die Studie entwickelt am epischen Theater Brechts, am medial gestalteten Erzählen bei Brecht und Uwe Johnson und an der mythischen und zugleich reflektierten Filmästhetik Lars von Triers die Bestimmungen und Konzeptionen des Epischen als grundlegende historische und systematische Antwort auf diese Fragen.

Die Räume der Postmoderne scheinen nur ein Spiel von Zei-chen, ihre Zimmer, Landschaften und Universen nichts als mediale Simulation. Zugleich aber erweist sich in der Untersuchung exem-plarischer Raumrepräsentationen ein „realer“ Topos als beharrliche Utopie der Kunst. Ob in der Literatur oder im Film – die Postmoderne problematisiert ihre Beziehung zur „Realität“ in hochartifi-ziellen und autoreflexiven Darstel-lungsverfahren. Doch eine ihrer Do-minanten ist ebenso die stete Arbeit am Weltgehalt der Narration. So fragen etwa die hier behandelten Topologien von Paul Auster, Don DeLillo, Peter Greenaway und Michel-angelo Antonioni nach der Möglich-keit, jenseits aller Zeichenstrukturen räumliche Wirklichkeit zu berühren. Zwar markieren sie deren „unvermittelte Vermittlung“ letzten Endes als utopisch und richten sich im Schrift- oder Bildzeichen als ihrer Bedingung ein. Immer aber bleibt jener Utopos für die Postmoderne ein Ort, dem sich nur die erzählende Topographie anzunähern versteht.

Der Film wird immer wieder in Konkurrenz zur Literatur gesetzt - von Künstlern und Lehrern, Wissenschaft und Politik. Oft geht dabei die Angst vor dem Film mit der Angst um das Buch einher. Doch welche Argumente und versteckten Motive prägen den Wettstreit der Medien? Wie beeinflusst er unsere Erziehung über Generationen hinweg bis zur Gegenwart? Volker Pietsch eröffnet eine Vielfalt an Perspektiven zu einer Geschichte von 120 Jahren Theorie und Kulturpolitik - und damit eine anregende Studie für alle, die sich für die eigene Medienbiographie interessieren. Zugleich erwächst aus der Diskurskritik ein neuer, umfassender Vergleich der beiden Künste, der auch als Grundlage für die pädagogische Praxis dienen kann.

Der Cliffhanger, also die Erzähltechnik, in einem spannenden Moment eine serielle Erzählung zu unterbrechen, steht im Zentrum dieser Studie. Vincent Fröhlichs Analysen reichen von »1001 Nacht« über viktorianische Fortsetzungsromane, französische Feuilletonromane, Kinoserien, Radio-Seifenopern, neue TV-Serien bis hin zu E-Books, Games und Webserien. Das Buch bietet nicht nur eine überfällige historische Perspektive auf den Cliffhanger, die serielle Narration und deren Entstehungsbedingungen, sondern arbeitet zudem heraus, wie reich die Formen und wie vielseitig die Charakteristika dieser Forschungsgegenstände sind und wie sehr bisher ihr kultureller und narrativer Stellenwert unterschätzt wurde.

Filme über den Holocaust führen nach wie vor zu kontroversen Diskussionen, insbesondere über die Art ihres Umgangs mit der Shoah. Abgesehen von wenigen Ausnahmen besteht die filmwissenschaftliche Literatur zum Thema Holocaust im Film jedoch aus Beiträgen zu einzelnen Filmen ohne übergreifende Fragestellung. Schwerpunkt dieser Studie ist daher eine Typologie, welche die Wirkung dieser Filme auf den Zuschauer analysiert - unter Berücksichtigung der besonderen Ästhetik und der damit einhergehenden spezifischen Wahrnehmungsangebote. Die analysierten Filme - darunter u.a. »Nacht und Nebel«, »Schindlers Liste«, »Das Leben ist schön«, »Zug des Lebens« und »Birkenau und Rosenfeld« - stellen gleichzeitig einen Aufriss der filmischen Auseinandersetzung mit der Shoah seit 1945 dar.

Wie und warum vermögen uns Spielfilme mit ihren Bildern zu fesseln? Der ›Weg in den Film‹ gründet, so die Hauptthese dieses Buchs, in bestimmten Mustern unserer Kindheits- und Alltagserfahrung. Uwe Christian Dechs Modell des Filmverstehens überschreitet bewusst die Grenzen existierender filmwissenschaftlicher Schulen und Forschungsansätze und wendet sich auch an Kinobegeisterte, die den Geheimnissen cineastischer Illusionsbildung auf die Spur kommen möchten. Zahlreiche Fotografien aus berühmten Spielfilmen veranschaulichen die Argumentation und laden zu eigenen Betrachtungen ein.

Das Genre der Stadtsinfonie greift Prinzipien der Komposition auf und führt damit zu einer noch nie dagewesenen audiovisuellen Vorstellung moderner Räume. Diese verbreitet sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit der prosperierenden Entwicklung der Metropolen: New York, Paris, Moskau, Berlin, Amsterdam, Sao Paulo und Tokyo. Chris Dähne stellt diese Interdependenzen von Stadt-Architektur und ihrer filmischen Darstellung in einer umfangreichen Zusammenschau weitgehend unbekannter literarischer, fotografischer und filmischer Versatzstücke im Zeitraum von 1825-1930 vor. Untersucht wird dabei die Rolle der Medialisierung, und hier im Besonderen des Mediums Film, bei der Produktion und Wahrnehmung vom urbanen Raum und seiner Architektur - und umgekehrt die Rolle von Raum und Architektur im Film.

Paints a complex portrait of East German film art and representation through examining eighteen key DEFA films following the fall of the Berlin Wall.In the late 1980s and early 1990s, East Germany's DEFA filmmakers had a brief window in which to critique GDR society on either side of the Wende, the sweeping political turn that surrounded the fall of the Berlin Wall andthe opening of the border. Building on the DEFA Film Library's retrospective Wende Flicks series and Indiana University's DEFA Project, this study examines the newly rediscovered filmic artifacts of this transitional cinema, introducing eighteen key films from 1988 to 1994 in essays by German scholars, film professionals, and cultural figures. Accompanying interviews and historical film reviews present a complex portrait of East German film art, itscommunist bloc influences, and its legacy for contemporary German film culture. The resulting anthology combines historical, autobiographical, cultural-political, and journalistic discourses to explore the tension between the hopes and frustrations these films express, the historical exigencies that overshadowed their production and reception, and the politics of their revival. Contributors: Skyler J. Arndt-Briggs, Peter Blank, Claudia Breger,Barton Byg, Knut Elstermann, Peter Kahane, Jennifer M. Kapczynski, Wolfgang Kohlhaase, Thomas Krüger, Helmut Morsbach, Benjamin Robinson, Katrin Schlösser and Frank Löprich, Nicholas Sveholm, Johannes von Moltke, Brigitta B. Wagner. Brigitta B. Wagner is an Alexander von Humboldt Fellow in Film Studies at the Freie Universität and in Time-Based Media at the Universität der Künste in Berlin.

Traumwelten und künstlerische Ausdrucksformen weisen vielfältige Analogien und Affinitäten ebenso wie Differenzen auf. Träume faszinieren durch Bizarrheiten und die Intensität ihres Erlebens. Nach dem Erwachen sind sie jedoch nur schwer (be)greifbar und erfordern einen Transfer ins Wachbewusstsein. Ästhetische Darstellungen in Literatur, Film und bildender Kunst vermögen hingegen synästhetische und flüchtige (Traum-)Erfahrungen ebenso wie Traumhaftigkeit medial anschaulich und prägnant zu inszenieren sowie kreativ und spielerisch zu gestalten. Schließlich entwerfen fiktive wie geträumte Welten gleichermaßen imaginäre (Gegen-)Welten. Diese erste umfassende, transmediale Studie zu Traum und Traumhaftigkeit in fiktionaler Literatur, Film und bildender Kunst untersucht eindeutig markierte Traumdarstellungen, unsichere Grenzen zwischen Traum- und Wachwelten sowie traumaffine Darstellungen, die als Träume interpretierbar sind. Im Rahmen eines intermedial erweiterten Erzählverständnisses eröffnen exemplarische Analysen mediale Zugänge zum Traum(wissen) – etwa von Bildern Boschs, Piranesis und Violas über Texte Tiecks, Hoffmanns, Büchners, Kafkas und Aichingers bis hin zu Filmen von Porter, Buñuel, Bergman und Lynch.

For over 100 years, Paramount Pictures has been captivating movie and television audiences worldwide with its alluring imagery and compelling stories. Arising from the collective genius of Adolph Zukor, Jesse L. Lasky, and Cecil B. DeMille during the 1910s, Paramount Pictures is home to such enduring classics as Wings, Sunset Boulevard, The Ten Commandments, Love Story, The Godfather, the Indiana Jones series, Chinatown, Forrest Gump, Braveheart, Titanic, and Star Trek. Early Paramount Studios chronicles Paramount�s origins, culminating in the creation and expansion of the lot at 5555 Melrose Avenue, the last major motion picture studio still in Hollywood.

Traditional criticism on German post-war cinema tends to define rubble films as simplistic texts of low artistic quality which serve to reaffirm the spectator's image of him or herself as »a good German« during »bad times«. Yet this study asserts that some rubble films are actually informed by a type of visual and narrative Romantic discourse which aims at provoking a »critical discussion« on German national identity and its reconstruction in the aftermath of the Third Reich. Considering the lack of previous analyses with regard to the key aspects of Romantic visual style, narration and literary motifs in rubble films, this study points to a major gap in research.

Mind the Screen pays tribute to Thomas Elsaesser, pioneering and leading scholars in the field of film and media studies. The contributions present a close-up of media concepts developed by Elsaesser, providing a looking glass for all types of audio-visual screens, from archaeological pre-cinematic screens to the silver screen, from the TV-set to the video installation and the digital e-screen, and from the city screen to the mobile phone display. The book is divided in three'Acts': Melodrama, Memory, Mind Game; Europe-Hollywood-Europe; Archaeology, Avant-Garde, Archive. Between the Acts Inte.

Contributions by Timothy P. Barnard, Michael Cohen, Rayna Denison, Martin Flanagan, Sophie Geoffroy-Menoux, Mel Gibson, Kerry Gough, Jonathan Gray, Craig Hight, Derek Johnson, Pascal Lefevre, Paul M. Malone, Neil Rae, Aldo J. Regalado, Jan van der Putten, and David Wilt In Film and Comic Books contributors analyze the problems of adapting one medium to another; the translation of comics aesthetics into film; audience expectations, reception, and reaction to comic book-based films; and the adaptation of films into comics. A wide range of comic/film adaptations are explored, including superheroes (Spider-Man), comic strips (Dick Tracy), realist and autobiographical comics (American Splendor; Ghost World), and photo-montage comics (Mexico's El Santo). Essayists discuss films beginning with the 1978 Superman. That success led filmmakers to adapt a multitude of comic books for the screen including Marvel's Uncanny X-Men, the Amazing Spider-Man, Blade, and the Incredible Hulk as well as alternative graphic novels such as From Hell, V for Vendetta, and Road to Perdition. Essayists also discuss recent works from Mexico, France, Germany, and Malaysia.

'Meaning'in cinema is very complex, and the flood of theories that define it have, in certain ways, left cinematic meaning meaningless. Johannes Ehrat's analysis of meaning in cinema has convinced him that what is needed is greater philosophical reflection on the construction of meaning. In Cinema and Semiotic, he attempts to resurrect meaning by employing Charles S. Peirce's theories on semiotics to debate the major contemporary film theories that have diluted it.Based on Peirce's Semiotic and Pragmatism, Ehrat offers a novel approach to cinematic meaning in three central areas: narrative enunciation, cinematic world appropriation, and cinematic perception. Attempting a comprehensive theory of cinema – instead of the regional'middle-ground'theories that function only on certain'common-sense'assumptions that borrow uncritically from psychophysiology – Ehrat further demonstrates how a semiotic approach grasps the nature of time, not in a psychological manner, but rather cognitively, and provides a new understanding of the particular filmic sign process that relates a sign to the existence or non-existence of objects. Never before has Peirce been so fruitfully employed for the comprehension of meaning in cinema.

One of the cornerstones of Canadian culture, the National Film Board has throughout its history mirrored the social issues that preoccupy Canadians. Gary Evans traces the de- velopment of the postwar NFB, picking up the story where he left it at the end of his earlier work, John Grierson and the National Film Board: The Politics of Wartime Propaganda.Evans points out that although Ottawa has not meddled in the operation of the NFB, outside stimuli have regularly forced the Film Board to reassess its mandate, a process which often has brought about as much confusion as light. For example, the unbridled optimism and expansion of the fifties and sixties led to English Production's desire for'democratization'of programming, an end to the power of executive producers, and an expansion of the Film Board's core of permanent employees, all of which nearly caused the organization to founder. On the French side, despite the filmmakers'preference for the feature film rather than the cinema verite documentary, many in Ottawa regarded their'political'films as both unfair attacks on the federal system and anachronisms coming from a federal institution. Throughout, the English-French tug of war so integral to the Canadian identity is a recurring theme. Sources include interviews with former ministers, government film commissioners, policy-makers, and filmmakers, as well as archival documents and films. From them Evans has produced the first study to document the key trends in postwar Canadian filmmaking and to examine the role of film in the evolution of federal cultural policy.