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Ce volume propose de faire le point sur la situation de la musique aujourd'hui, d'une part d'une manière générale, et plus particulièrement à travers le parcours et les oeuvres d'un musicien. Des analyses musicales de Michel Rigoni et Denis Cohen terminent ce volume.

Vingt ans de travaux sur les partitions concernées ont conduit à proposer ici une synthèse sur le rapport entre nuit et musique dans la catégorie-reine du nocturne (des origines à Chopin, Fauré, et jusqu'à notre époque), parallèlement aux berceuses, romances, sérénades, caprices, fantaisies, rêveries…, en passant par quelques ouvrages scéniques. À travers ces genres et styles divers, la présence de thèmes privilégiés (lune, étoiles, lucioles, rossignols…) y a inspiré la mise en musique de maints poètes (Hugo, Verlaine, Musset, Lamartine, Gautier, Baudelaire…) par de nombreux compositeurs (Schubert, Berlioz, Schumann, Liszt, Massenet, Debussy…), de l'âge romantique jusqu'à nos jours.Ce voyage à travers nos nuits poétiques et musicales, parfois fort célèbres, mais plus rares aussi, voire inattendues, pourra être utile aux chercheurs, ainsi qu'aux amateurs, aux créateurs comme aux interprètes.

La recherche d'Antoine Santamaria a pour finalité de mettre à jour les racines sous-tendant la création musicale des années soixante en Occident, en particulier au sein du rock psychédélique. L'auteur étudie le contexte social qui entoure et inspire cette période, en mettant en lumière la primauté de l'expérience gnostique du psychédélisme dans le processus d'appréhension de l'existence, ainsi que de la création artistique. Le chemin initiatique, partant de l'individu pour atteindre le global refaçonné par le biais de l'utopie, imprègne l'essentiel des innovations sonores et musicales du rock de cette décennie. Davantage qu'une simple rupture contestataire, elle semble s'inscrire dans la continuité de certains courants artistiques (symbolisme, dadaïsme, surréalisme...), tout en empruntant au besoin des moyens modernes (issus de la cybernétique naissante) qui correspondent au fond de la pensée revendiquée, célébrant la communion universelle naissante dans une vue gnostique de l'existence.

Ce numéro comporte sept articles sélectionnés par le comité scientifique du colloque international « Postmodernité musicale : état des lieux et perspectives » : « Quelques réflexions musicologiques sur les origines et la réception des néo- et des post- dans la France de ces derniers siècles » par Danièle Pistone, « Que le postmodernisme n'est pas un néoclassicisme » par Sarah Léon, « La Theorie der musikalischen Postmoderne : application analytique de la théorie postmoderne musicale selon Mahnkopf » par Viviane Waschbüsch, « Thomas Adès, ou l'ambiguïté de la condition postmoderne » par Hélène Cao, « Un postmodernisme en acte? Variations sur l'oeuvre de Gérard Pesson » par Damien Bonnec, « Une analyse d'Éloge de la folie d'Anthony Girard » par Philippe Gantchoula, « El Dorado, étonnant diptyque dans la production de John Adams » par Karol Beffa.

En cette année du 100e anniversaire de la mort de Claude Debussy, ce livre accompagné de deux CD a l'ambition d'une exploration dans l'univers debussyste sous des angles pluriels, inédits, originaux ou inattendus parfois, sans exclure quelques échappées d'humour faunesque… faites par une pléiade de grands debussystes, chercheurs, professeurs, compositeurs, interprètes. Refusant comme le préconisait Debussy de « démonter les oeuvres comme de curieuses montres », ils ont choisi d'investiguer les traces que la musique de Debussy a laissées chez quelques compositeurs contemporains majeurs.

Giacinto Scelsi est né en 1905. Souvent considéré comme un musicien marginal, il n'a jamais cessé d'improviser ou de penser la musique, d'inventer de nouveaux procédés de création. Cet ouvrage, hommage au musicien poète, expose son parcours biographique puis s'intéresse plus particulièrement à sa manière très personnelle de travailler sur la matière sonore.

La fusion de l'électronique et des instruments acoustiques dans Smaqra de Juan Arroyo renouvelle les questions d'homogénéité au sein du quatuor à cordes. Cet ouvrage propose d'interroger doublement la question de la création contemporaine en mêlant les problématiques compositionnelles - liées à l'écriture pour de nouveaux instruments - à la question de l'héritage et du poids du passé d'une formation instrumentale exigeante et historiquement significative. Les différents entretiens réalisés avec le compositeur et le premier violon du quatuor à cordes Tana permettent d'enrichir l'ensemble de cette étude.

Véritable retour aux sources de la musique, cet ouvrage met en lumière la nécessité d'une recherche interdisciplinaire pour comprendre le fonctionnement du phénomène musical. Neurologie, philosophie et sciences du langage se côtoient ici afin d'expliquer le lien entre musique, corporalité et physiologie. L'auteur y analyse l'oeuvre d'Elie Paul Cohen, musicien et médecin explorant l'impact que la musique produit sur l'auditeur à travers l'utilisation de sons obtenus grâce au corps humain lui-même.

L'improvisation collective musicale a connu un engouement remarqué dans les décennies 1960 -1970 et l'éclosion de cette pratique artistique s'est réalisée sous l'égide de deux grands mythes que sont la liberté et la spontanéité. Elle a été intégrée dans des processus compositionnels, au sein de cursus d'enseignement et surtout accompagne l'essor des nouvelles technologies dans des réalisations en temps réel. Cet ouvrage constitue un croisement d'observations, et permet donc de faire le point au sujet de l'improvisation collective, son évolution, sa réception et ses applications actuelles.

La musique n'est pas étrangère à la notion de lieu. Comme pour toute activité, des lieux spécifiques lui sont dédiés : salle de concert, opéra, conservatoire. Mais c'est lorsqu'on le conçoit dans ses acceptions secondaires que le lieu en musique devient plus énigmatique : les lieux corporels du jeu ou de l'écoute, les lieux du sens, les lieux figurés en œuvre, l'instrument de musique comme lieu, les lieux physiques ou mentaux de la création musicale, ceux de sa réception, etc.

Cet ouvrage se propose d'appliquer les outils méthodologiques généraux de la didactique à la musique, à partir d'un projet d'enseignement centré sur des extraits d'oeuvres de György Ligeti (cinquième mouvement des Concerto pour piano et Concerto pour violon) et s'adressant à des élèves de 3e et de 4e cycles des Conservatoires à rayonnement régional et départemental.

La création musicale contemporaine est abordée sous différents angles. Chaque chapitre de cet ouvrage est illustré par une problématique singulière, d'une définition du hasard et du déterminisme en musique à une tentative d'écriture de la non-répétition, de la présence de l'opéra à une utilisation critique des modèles de synthèse sonore informatique.

Cet ouvrage étudie le langage musical du compositeur japonais Toru Takemitsu (1930-1996). Si le corpus de son oeuvre reflète un certain éclectisme (influence de compositeurs occidentaux comme Debussy, Messiaen ou Cage) et l'intérêt aussi bien pour sa propre culture que pour des domaines artistiques variés, on voit la même préoccupation du compositeur derrière cet apparent éclectisme : la quête d'un langage universel

Brian Ferneyhough est l'un des compositeurs les plus représentatifs de la génération qui suit les pères de la'seconde modernité'(Stockhausen, Boulez, Berio, Nono, Xenakis...). Ce livre cherche à mettre en perspective l'activité du compositeur, interrogeant autant ses techniques de composition que son rapport aux grands thèmes de la modernité finissante (langage, dialogue entre les arts et avec la philosophie, historicité...).

La seconde moitié du XXè musical a jeté les défenseurs de la Simplicité à l'assaut des combattants de la Complexité. Un courant émerge, vite attaqué pour son'néoromantisme': la Neue Einfachheit, alors que la New Complexity signe l'éternel retour du'progrès'en art... Mais le phénomène est plus général. Il existe dans l'oeuvre musicale une dialogique, c'est-à-dire à la fois un antagonisme et une complémentarité entre l'Un et le Multiple, le Micro et le Macro, le Fini et l'Infini.

A l'aube de ce troisième millénaire, les nouvelles technologies pénètrent particulièrement le terrain de la création artistique contemporaine. Ainsi, cette réflexion se focalisera sur la rencontre entre art chorégraphique et nouvelles technologies pour les problématiques spécifiques qu'elle soulève. Un panorama historique retraçant les multiples collaborations Art/Technique aidera à comprendre en quoi les NTIC bousculent aujourd'hui, les fondements de la création et de la représentation en Danse.

Le chaos tient à la fois du fantasme, de la métaphore et du modèle pour les compositeurs depuis les années 1970. Dans la contre-culture punk, hard, metal, free jazz, il fait figure d'emblème socio-esthétique en opposition radicale avec le mythe d'Orphée. On le retrouve aussi dans l'art-science et les musiques électroacoustiques, comme application des théories du chaos. Compositeur et musicologue, Nicolas Darbon éclaire de l'intérieur des questionnements créatifs. Le chaos est ferment de nouveauté...

Ce livre tend à démontrer que les rapports récents intervenus entre les sciences cognitives et la composition musicale ne relèvent pas d'une simple contingence. Ils s'imposent à plus d'un titre comme révélateurs d'interrogations anciennes et fondamentales ayant trait à la constitution de notre connaissance du fait musical. Ces rapports bouleversent les approches'classiques'des processus de création. Cette réflexion met en évidence le degré croissant des niveaux d'intrication entre abstraction, rationalisation et réalisation concrète, faisant apparaître l'avènement des sciences cognitives.

Qu'est ce que la variation? Ce cahier d'analyse se propose d'interroger ce principe immanent à l'histoire de la musique occidentale, au regard de l'œuvre du compositeur contemporain, Philippe Hurel dont l'écriture synthétise tout en s'en dégageant, les courants spectraux et postsériels. Chatoyante, fulgurante, à l'aspect rythmique intense, d'une grande richesse harmonique, sa musique captive l'attention de l'auditeur, déclenche sa curiosité et une écoute active pour l'entraîner dans un voyage musical, dont il choisira en partie le trajet orienté par le compositeur.

La musique, lieu de tous les transports, est un art de la métaphore. Les musiciens ont toujours sur recueillir dans leurs notes de musique des idées, des images et même des sons appartenant à d'autre domaines, faisant de la métaphore un véritable outil pour penser et entendre, créer et interpréter la musique. La première partie de ce livre traite de la métaphore lumineuse chez certains créateurs contemporains (Varèse, Scelsi, Stockhausen, Halffter), ainsi que de la notion même de métaphore en musique. La seconde partie rend hommage à Gérard Grisey et Iannis Xenakis.

L'histoire de l'imaginaire musical amérindien peut se résumer en une succession de quatre périodes de création : le baroque, le post-romantisme, le modernisme, et le post-modernisme. Les nouvelles expressions musicales sont représentées d'abord par deux opéras :'The Indian Queen'de Henry Purcell et'Les Indes galantes'de Jean-Philippe Rameau. Puis Dvorak, remet en question les topiques de l'imaginaire amérindien en 1893. Une rupture de langage musical s'instaure ensuite à travers le modernisme du'Sacre du Printemps'd'Igor Stravinsky. L'imaginaire devait ensuite connaître une expansion sans précédents avec des oeuvres de Milhaud, de Carrill, de Villa-Lobos, de Varèse, de Messiaen...

A l'aube du XXe siècle, les Ecrits de Michaël Levinas proposent vingt-cinq ans de réflexion pertinente sur l'art musical et sur la philosophie du sonore. Les Ecrits remontent généralement des conditions du geste artistique vers l'unité de la pensée esthétique. Les questionnements fusent autour de la notion phare de « l'instrumental » et de ses multiples dérivés. L'auteur s'inscrit dans l'Histoire en dressant un bilan porteur de la modernité musicale dans le dernier tiers du XXe siècle.

Toute interprétation du musicien suppose une analyse et toute analyse induit une interprétation. Chacun de ceux qui parlent et agissent sur l'œuvre est un'interprète', un'analyste'. L'œuvre étant la somme de ses réalisations, elle est donc'partie'de ces interventions, de même que celles-ci sont'parties'de l'œuvre. Esclave ou démiurge, l'interprète est pris entre deux tentations. Il se tourne tantôt vers les premières secondes de la conception, vers l'insécable, la fusion originale, tantôt vers les ultimes instants de la réalisation, vers l'aboutissement.

Ces textes démontrent une volonté de définir, une fois pour toutes, la logique qui accompagne la plupart des mouvements compositionnels - comme si la cohérence de ces mouvements pouvait relever d'un ordre. D'où la tentation d'interroger la puissance propre du mot Loi au lieu même où se nouent les interrogations que partagent ensemble ou séparément compositeurs, musicologues, interprètes et philosophes.

La disparition d'un compositeur français Gérard Grisey en 1998 a sans doute signifié la fin d'une esthétique et d'un style qui ont marqué le dernier quart du XXe siècle. Né en 1946, Gérard Grisey fut avec Tristan Murail au début des années 70 l'initiateur et la figure emblématique de la musique spectacle. Ce livre retrace le parcours du compositeur et l'évolution de sa pensée. Il s'attache à décrire les fondements esthétiques et techniques de l'écriture de Gérard Grisey pour qui la musique était le devenir des sons.

Cet ouvrage a pour objectif principal de mettre l'accent sur un mode de perception du temps particulier au style d'Henri Dutilleux. En choisissant d'aborder I'œuvre de ce créateur sous l'aspect du temps musical, Maxime Joos révèle une des préoccupations majeures du compositeur.

Tout en demeurant l'ensemble qui a fondé l'histoire de la musique spectrale, l'Itinéraire souhaite maintenir une tension et une utopie créatrice qui excèdent les questions théoriques ou les simulacres de liberté et cherche à préserver la possible diachronie entre réflexion et composition.