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Par ses écrits pionniers sur l'histoire du développement de l'art moderne, le critique d'art allemand Julius Meier-Graefe (1867-1935) joua un rôle décisif pour la canonisation de l'impressionnisme dans l'Europe de 1900. En défendant avec subversion et énergie la peinture de Manet, Renoir ou Cézanne outre-Rhin, il se mit à dos les élites conservatrices de l'Empire, qui observaient avec méfiance la propagation des valeurs de la modernité artistique. Tout au long de sa trajectoire franco-allemande, ponctuée de virulentes polémiques et cisaillée par le surgissement de la Première Guerre mondiale, Meier-Graefe lutta contre l'emprise d'un nationalisme obtus sur les récits artistiques. Son projet de régénération de la culture allemande fut ainsi indissociable de ses efforts pour la fédération d'une Europe pacifiée des images. Si le progressisme francophile tout comme le vitalisme de son approche de la peinture ont parfois été soulignés, l'étude de son implication dans les débats politico-culturels de son temps révèle une personnalité plus nuancée. Ce livre analyse ainsi les surprenants à-coups et paradoxes ayant émaillé la carrière transnationale de Meier-Graefe, où alternèrent phases d'enthousiasme débridé et d'intense désillusion. Le personnage s'y dévoile comme un penseur du déclin et le chantre d'une modernité idéalisée, dont l'impressionnisme représentait à la fois la quintessence et le chant du cygne.

Un chemin périlleux entre cosmopolitisme et nationalisme sous la IIIe RépubliqueFigure majeure, quoique controversée, de la presse artistique et des arts plastiques de la IIIe République, Camille Mauclair (1872-1945), critique d'art, théoricien et historien de l'art, n'est pas traité ici comme un cas isolé. Ce livre, issu d'une thèse de doctorat, cherche à resituer l'auteur dans son époque troublée et à mettre en lumière les réseaux – artistiques, littéraires ou politiques – qui le soutiennent et le révèlent. Comment un auteur internationaliste a-t-il placé la question nationale au cœur des débats, devenant ainsi progressivement un porte-parole des bastions de conservatisme et de réaction ; tel est l'un des principaux questionnements de l'autrice. En retraçant le parcours intime, professionnel et intellectuel de Mauclair, ce livre aborde des sujets sensibles, tels que le nationalisme, le racisme ou l'antisémitisme, en puisant dans un large corpus de textes inédits de l'époque.

Au cours de la deuxième moitié du vingtième siècle, un foisonnement remarquable d'oeuvres textiles novatrices s'est produit dans les Prairies canadiennes. Mêlant traditions artisanales, mouvements de l'art moderne et moderniste et approches théoriques, un groupe de créateurs d'origines diverses ouvrent alors un magnifique chapitre de l'art du textile. Prairies entrelacées, qui réunit certains des chercheurs les plus importants dans le domaine de l'artisanat au Canada, étudie les oeuvres créées par quarante-huit artistes entre les années 1960 et 2000. Ayant retrouvé et catalogué cette histoire oubliée, cet ouvrage s'intéresse tant aux artistes de la fibre qu'aux divers centres d'études et de production textile, s'attardant en particulier aux contextes de création de ces oeuvres. Chercheurs autochtones, experts des techniques textiles et des Prairies canadiennes proposent une plongée fascinante dans un mouvement artistique insuffisamment documenté jusqu'à présent. Avec plus de cent cinquante magnifiques illustrations couleurs d'oeuvres textiles, dont un grand nombre d'entre elles n'ayant jamais été photographié, Prairies entrelacées ouvre une fenêtre sur un mouvement fascinant qui, n'ayant jamais reçu l'attention qu'il mérite, encourage la recherche dans cette riche période de l'histoire de l'art au Canada. Poursuivant le succès de l'exposition itinérante du même nom, l'ouvrage Prairies entrelacées est une collaboration entre les Nickle Galleries de l'Université de Calgary (Alberta) et la MacKenzie Art Gallery de Regina (Saskatchewan).

Cet ouvrage à plusieurs voix vise à mettre en lumière l'intemporalité et le caractère international du surréalisme, non seulement en tant que mouvement artistique, mais aussi comme défenseur de cette essence humaine qui nous pousse à aller au-delà des réalités apparentes. Le surréalisme ne chercherait donc pas tant à comprendre le monde mais à le vivre dans toutes ses dimensions insoupçonnées. Pour démontrer cela, ce livre adopte une approche comparatiste illustrant le dialogue permanent entre le mouvement surréaliste et le monde qui l'entoure, mais aussi entre les artistes d'un pays à l'autre, en Europe et aux Canaries. Il se propose ainsi de mesurer la profondeur et la portée de ce surréalisme qui a su conquérir tant de cœurs, et sa quête éperdue d'une beauté qui, pour reprendre les mots d'Annie Le Brun, « ouvre l'horizon et permet d'échapper à ce qui est ». Este libro polifacético pretende destacar la intemporalidad y el carácter internacional del Surrealismo, no sólo como movimiento artístico, sino también como defensor de esa esencia humana que nos impulsa a ir más allá de las realidades aparentes. El surrealismo no buscaría tanto comprender el mundo como experimentarlo en todas sus insospechadas dimensiones. Para demostrarlo, este libro adopta un enfoque comparativo que ilustra el diálogo permanente entre el movimiento surrealista y el mundo que lo rodea, pero también entre artistas de un país a otro, en Europa y en Canarias. Propone así medir la profundidad y el alcance de este surrealismo que ha conquistado tantos corazones, y su frenética búsqueda de una belleza que, en palabras de Annie Le Brun,'abre el horizonte y permite escapar de lo que es'.

À partir de 1883, le peintre et graveur James Ensor (1860-1949) entretient avec la famille Rousseau, installée à Bruxelles, une importante correspondance étalée sur plusieurs décennies, qui témoigne d'une amitié sincère. Ernest Rousseau, professeur de physique devenu recteur de l'Université libre de Bruxelles, et son épouse la mycologue Mariette Hannon exercent une heureuse influence sur le jeune artiste ostendais, en contribuant à élargir son réseau au sein du monde culturel de la capitale. Leur fils Ernest nourrit également une évidente complicité avec James. Les Rousseau se révèlent être les confidents des angoisses, des doutes et des éclats d'enthousiasme de l'artiste, et comptent parmi ses principaux mécènes. Conservée aux Archives de l'Art contemporain en Belgique, cette correspondance non croisée, restée en grande partie inédite, rassemble près de 400 lettres, cartes-lettres, cartes postales et cartes de visite autographes de James Ensor pour l'essentiel, quelques lettres étant par ailleurs écrites par sa sœur Marie. Cet ensemble épistolaire lève le voile sur de nombreux aspects tant de la vie de l'artiste que de son œuvre peint et gravé. Sa transcription intégrale s'accompagne ici d'un commentaire critique richement documenté. Correspondance établie et annotée par Jean-Philippe Huys, avec la collaboration de Xavier Tricot Essais intégralement traduits en néerlandais, résumés en anglais

Coincés entre le tournant du xxe　siècle, qui voit encore s'épanouir les diverses expressions de l'Art nouveau, et l'entre-deux-guerres, que l'on associe à l'Art déco, les développements des arts appliqués dans les années　1910 paraissent quelque peu délaissés par l'historiographie. Pourtant, depuis la présence des créateurs allemands au Salon d'Automne de 1910 jusqu'à la fondation du Bauhaus à Weimar en 1919, en passant par les commandes que passe déjà le couturier Jacques Doucet à différents décorateurs, bien des événements rappellent la place cruciale qu'occupe cette décennie dans l'histoire des arts décoratifs, de la mode et du design. Cet ouvrage rassemble vingt-deux textes, issus pour la plupart des communications délivrées lors d'un colloque international organisé en 2016 au Centre André Chastel et au Mobilier national. Ces contributions permettent de reconsidérer la production décorative et usuelle des années　1910 à l'aune des recherches récentes. Elles reviennent sur les débats qui sous-tendent la production étudiée, considèrent l'importance prise par la mode dans la genèse de ce qui prendra a posteriori le nom d'Art déco, réévaluent les années de guerre en tant que période de gestation de productions futures et explorent la diversité des parcours artistiques, tout en inscrivant la réflexion dans une dimension internationale (France, Belgique, États-Unis, Grande-Bretagne, Italie, Allemagne, Autriche, Pologne, Croatie).

Henri Vever fut un bijoutier renommé de la Belle Époque mais aussi la figure de proue du mouvement de l'Art Nouveau. Il fut aussi un collectionneur de premier ordre, notamment d'estampes et d'objets d'art de l'Asie et du monde islamique.Cet ouvrage présente ses Cahiers, qui constituent un témoignage rare et inédit de la vie sociale, culturelle, politique et quotidienne à Paris au tournant du 20e siècle (les débuts de l'Art Nouveau, la première de la pièce Cyrano de Bergerac de Rostand, l'affaire Dreyfus, etc.).

Dans une Angleterre victorienne emportée par les rapides évolutions de la révolution industrielle, la confrérie préraphaélite, proche des Arts & Crafts de William Morris, prôna le retour aux valeurs d'antan. Souhaitant le renouveau des formes épurées et nobles de la Renaissance italienne, ses peintres majeurs tels John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti ou William Holman Hunt, en opposition à l'académisme d'alors, privilégièrent le réalisme et les thèmes bibliques aux canons affectés du XIXe siècle. Cet ouvrage, par son texte saisissant et ses riches illustrations, témoigne avec ferveur de ce mouvement singulier qui sut, notamment, inspirer les partisans de l'Art nouveau ou encore ceux du Symbolisme.

Pop Art: art consumériste ou art traditionnel? Né d'initiatives individuelles, le mouvement du Pop Art reflèta la consommation de masse qui s'installa dans la société des années 1950. Par l'usage de la sérigraphie et de nouvelles techniques, ces nouveaux artistes révolutionnèrent la notion même d'art en brisant l'unicité propre au chef-d'oeuvre, et tentèrent de rendre leurs réalisations accessibles et populaires grâce à l'utilisation des icônes de l'époque et des objets du quotidien. L'auteur, Eric Shanes, analyse la démarche des artistes incontournables du Pop Art et souligne également les influences qui subsistent aujourd'hui dans l'art contemporain, faisant désormais de ce mouvement un art institutionnalisé.