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Since the late 1980s visibility has become a currency of social recognition, and a political issue. It also brought forth a new discipline, visual culture studies, and a hotly contested debate unfolded between art history and visual culture studies over the interpretation of visual culture, whose impact can still be felt today. In this first comparative study Susanne von Falkenhausen reveals the concepts of seeing as scholarly act that underwrite these competing approaches to visuality and society, along with the agendas of identity politics that motivate them. In close readings of key texts spanning from the early 20th century to the present the author crosses expertly between American, German, and British versions of art history, cultural studies, aesthetics, and film studies.

Kunstgeschichte und Visual Culture Studies haben das Sehen als Grundlage wissenschaftlichen Handelns gemeinsam. Mit diesem Fokus betrachtet Susanne von Falkenhausen erstmals Kunstgeschichte und Visual Culture Studies in vergleichender Perspektive.Seit dem Aufkommen der Visual Culture Studies um 1990 ist ihr Verhältnis zur Kunstgeschichte geprägt von Grenzpatrouillen im gemeinsamen Feld des Visuellen: Debatten, Polemik, Abgrenzungsrhethorik. Mit einer Lektüre elementarer Texte aus beiden Gebieten lässt Jenseits des Spiegels diese konfrontative Dynamik hinter sich. Die Frage nach dem Sehen als wissenschaftliches Handeln zieht sich durch die vergleichenden Analysen. Im Fokus stehen der Umgang mit visuellen Ordnungen wie der Zentralperspektive, die Auffassungen des Verhältnisses von Sehen und Wirklichkeit, von Sehen und Fremdheit/Alterität, Sichtbarkeit als politische Ressource, das Konzept der Identität und die Denkfigur des Lacan'schen Blickregimes, des Gaze. Im Ergebnis stellt sich die Frage nach einer Ethik des Sehens.

War and trauma are fundamental human experiences and central to German history, especially in the twentieth century. Since the First World War, which some Germans celebrated as the chance to annihilate the old culture to make space for a new one, German art has been implicated in war. War and trauma cause extreme conditions that can be negative and destructive, including deprivation or dislocation, and emotional and psychological stress. Paradoxically, war and trauma can also lead to positive outcomes, such as deepening interpersonal relationships, intellectual insights, and new, unforeseen opportunities. The central concerns of the volume are the multivalent aspects of art that respond to war. It begins by considering art conceived of and executed in response to the First World War on the centennial anniversary of that event. The volume goes on to examine art in the wake of the Holocaust and artistic responses to more recent conflict, such as the Vietnam War. The essays in this volume explore a variety of media – including paintings by Otto Dix and Gerhard Richter, Holocaust photography by Heimrad Bäcker, and sculpture by Emy Roeder, Gela Forster, and Renée Sintenis – to chart the complex relationship between art and war in both its documentary and analytical functions.

Die Geschichte des Kugelbaus als Kultraum im Sinne eines kollektiven, einheitsschaffenden und universalisierenden Kommunikations- und Erfahrungsraumes reicht von der Französischen Revolution bis zu den aktuellen Medienarchitekturen. Bauvisionen für die Tempel des Peuple souverain, Nationaldenkmäler, Volkstempel in NS-Deutschland und der Sowjetunion, die Architekturen für mediengesteuerte, immersive Erfahrungsräume in Weltausstellungen, Themenparks, Omnimax-Kinos und Museumsbauten sowie die Blob-Architektur des letzten Jahrzehnts bilden den Stoff dieser Geschichte. Die zwei Jahrhunderte überspannende Genealogie dieser modernen Kultarchitektur führt zu einer Kritik der totalisierenden Bedeutungsräume der Netzmetaphorik im digitalen Zeitalter und der Entwurfsideologien des »liquid design«. Das Buch ist eine (Kultur-)Geschichte architektonischer Formen für Kulträume der Einheit in der Moderne und eine »Schule des Sehens«, die überraschende Affinitäten zwischen der klassischen Kugeltypik und den digital erzeugten Bauvisionen der Gegenwart herausarbeitet. Es leistet so eine ebenso verblüffende wie konzeptuell überzeugende Kritik der Architektur, ja der medial geprägten Kultur der Gegenwart.

New essays examining the complex period of rich artistic ferment that was German literary Expressionism.More than any other avant-garde movement, German Expressionism captures the aesthetic revolution of 20th-century modernity in all its contrasts and conflicts. In continuous eruptions from 1905 to 1925, Expressionism upset reigningpractices in the arts, most vividly in painting and the visual arts. In the literature, a heady intellectualism combined with dramatic gesture, graphic visions, exuberant emotions and urgent proclamations to forge forceful stylesof verbal expression. Expressionism introduced into art both visual and verbal a shockingly new intensity with many facets and many faces. This volume presents the literature of German Expressionism, which is far less known in the English-speaking world, with essays by leading scholars on Expressionism's philosophical origins, its thematic preoccupations, and its divergent stylistic manifestations by writers whose common bond is intensity and whose lineson the page read like the gouges of a woodcut: Georg Kaiser, Walter Hasenclever, and Ernst Toller in drama; Gottfried Benn, Georg Heym, Else Lasker-Schüler, and Georg Trakl in poetry; Alfred Döblin, Carl Einstein, and Carl Sternheim in prose, to name just a few. Against the background of the journals, exhibitions, and anthologies, the café meeting places and public life of Expressionism, the volume's highly focused, intrinsic analyses of texts and comprehensive overviews of extrinsic contexts (and of the most up-to-date research) shows the fervor and complexity of the period and its effulgent literary formations. Neil H. Donahue is Professor of German and Comparative Literature at Hofstra University.