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A book highlighting the work of pioneering Black printmaker, sculptor, and activist Elizabeth Catlett. Accomplished printmaker and sculptor, avowed feminist, and lifelong activist Elizabeth Catlett (1915–2012) built a remarkable career around intersecting passions for formal rigor and social justice. This book, accompanying a major traveling retrospective, offers a revelatory look at the artist and her nearly century-long life, highlighting overlooked works alongside iconic masterpieces. Catlett's activism and artistic expression were deeply connected, and she protested the injustices of her time throughout her life. Her work in printmaking and sculpture draws on organic abstraction, the modernism of the United States and Mexico, and African art to center the experiences of Black and Mexican women. Catlett attended Howard University, studied with the painter Grant Wood, joined the Harlem artistic community, and worked with a leftist graphics workshop in Mexico, where she lived in exile after the US accused her of communism and barred her re-entry into her home country. The book's essays address a range of topics, including Catlett's early development as an artist-activist, the impact of political exile on her work, her pedagogical legacy, her achievement as a social realist printmaker, her work with the arts community of Chicago's South Side, and the diverse influences that shaped her practice.

L'intégration des arts dans le système d'enseignement universitaire marque un jalon important dans l'évolution du Québec moderne. La création de l'École des arts visuels, qui intégrait la plus ancienne université du Québec en 1970, fut abordée avec la ferme volonté de rompre radicalement avec la tradition des beaux-arts, ce qui constitue son caractère distinctif. Innovants et précurseurs, les programmes de l'École alors mis en place sont caractérisés par une approche transdisciplinaire qui demeure aujourd'hui le fondement de son enseignement. L'apport de l'École au développement du quartier Saint-Roch, à la suite de son déménagement en 1994, et sa nouvelle proximité avec le milieu de l'art actuel lui permettront par ailleurs de devenir, au fil des ans, une constituante essentielle de cet écosystème. Par les partenariats qu'elle a su développer, notamment avec le riche réseau des centres d'artistes de la ville de Québec, l'École d'art offre un contexte d'enseignement et de recherche qui réaffirme, au cœur même de la ville, la place de l'art comme forme singulière de savoir et de rapport au monde.

«This volume locates itself neatly in the growing collection of publications on intermediality by relating such practices to Roland Barthes. Barthesian motifs and writerly concerns are found within a variety of intermedial practices, as the analysis moves, historically and globally, across visual, aural and literary cultures. Such an approach is both appropriate and innovative within Barthes Studies and in cultural theory more generally.» (Andy Stafford, Professor of French and Critical Theory, University of Leeds) The essays in this collection reconsider Roland Barthes as a crucial figure in intermedia studies, arguing that the concepts and forms of analysis he pioneered are of continuing importance for students and scholars working in the field. These essays utilize an interdisciplinary methodology, drawing on Barthes's own intermedial critical practice, to examine the multiple relationships between art, literature, music and performance and across different languages. The collection places Barthes's writing in critical dialogue with other theorists, including Gilles Deleuze and Félix Guattari, Dick Higgins and Emmanuel Levinas, investigating the work of figures as varied as André Breton, Giordano Bruno, Alain Cavalier, Alfred Hitchcock, Marcel Schwob, W. G. Sebald, Steven Spielberg, Yoko Tawada and Lev Tolstoy. The collection demonstrates that Barthes's intermedial critical and theoretical practice provides a means of challenging fixed critical narratives and exploring crucial intermedial issues, including how narrative crosses media, the close relationship between image and text throughout history, and how twentieth-century consumer capitalist culture transformed the relationship between image and text.

An illustrated history of Korean ceramics from ancient origins to today. This book is a captivating, richly illustrated history of fired clay in Korea, spanning ancient times to the present day. Drawing on the latest research, this book features a wide range of examples from archaeological sites and museums. In addition, it offers a rare glimpse into the world of modern North Korean ceramics. The authors devote substantial chapters to the refined celadons of the Goryeo and porcelains of the Joseon dynasties (tenth to twentieth centuries), as well as an array of blue-and-white vessels. Merging maritime archaeology, textual evidence, and kiln excavation reports, this overview reveals a remarkable and enduring ceramic tradition in Korea.

« L'œil… Tout l'univers est en lui, puisqu'il voit, puisqu'il reflète » (Guy de Maupassant).L'œil ‒ qui se veut également « miroir » ‒ est souvent associé à sa seule fonction d'organe de la vue et couplé avec « l'action de regarder » (élément de communication alors important).Pourtant et à travers les siècles, les sociétés ont accordé à ce dernier (tout comme au regard) une place conséquente à travers leurs mythes fondateurs, leurs pratiques culturelles, la littérature, les Arts plastiques, le spectacle vivant (dont l'univers de la chanson et celui du théâtre), le 7e art (depuis l'avènement du cinéma muet).Aussi, l'auteure s'est-elle attachée à étudier dans cet ouvrage la façon dont œil et regard ont été symboliquement, esthétiquement représentés dans ces différents champs. Elle a également traité la manière dont ils ont pu influer sur la création des œuvres notamment picturales et la manière dont ces dernières ont été « reçues » par les spectateurs(trices).

This is an open access book. With the progress of social civilization, social science and its research are becoming more and more important. Theoretically and practically, the study of social phenomena and social problems and the development of prosperous social sciences are the eternal themes of human beings. At present, social science research and its results can hardly meet the needs of social development, especially the unscientific evaluation of social science results, which has aroused great concern from all walks of life, and has produced dirt and questions on social science, thus affecting the proper development of social science. Max Weber once said that'the most important function of social science in modern times is to keep people'clear-headed'and to resist the delusions of'prophetic legislators'.'Humanities and arts are the process of perceiving, realizing, thinking, manipulating, and expressing objective or subjective objects through capturing and excavating, feeling and analyzing, integrating and applying, or displaying the stage results in the form obtained through feeling (seeing, hearing, smelling, touching). The social sciences and humanities and arts contain content that will directly affect our lives and the way society functions. And by reacting to today's increasingly intricate problems and situations through systematic and professional discussions, they will further contribute to the improvement of institutions and the development of society. By thinking about issues and looking at problems and the world from different perspectives by putting the two together, it may be possible to have more comprehensive, appropriate, and better responses; for example, the development of laws requires a deeper understanding of the environment in which they are implemented; international trade requires a certain understanding of the customs of different countries; and the development of tax and economic policies requires a certain understanding of the population, consumer demand, etc.

A new, innovative approach to the work of Fluxus artist George Maciunas. Though widely recognized as the founder of the legendary Fluxus movement, George Maciunas has long been a puzzling figure in the history of twentieth-century art. Many have questioned whether he should be considered an artist at all. In Fluxus Administration, critic and art historian Colby Chamberlain reveals the consistent artistic practice hidden behind Maciunas's varied work in architecture, music, performance, publication, graphic design, film, and real estate as an attempt to create models for community through structures of bureaucracy. In this deeply researched study, Chamberlain traces how Maciunas's art insinuated itself into settings as unlikely as the routes of the postal service, the fine print of copyright law, the zoning strictures of urban planning, and the corridors of hospitals. These shifting frames of reference expand our understanding of where an artistic practice can operate and what forms it might assume. In particular, Chamberlain draws on media theory to highlight Maciunas's ingeniously crafted paperwork, much of which is beautifully reproduced here for the first time.

The focus of this edited book is to evoke and provoke conceptual conversations between early a/r/tographic publications and the contemporary scholarship of a/r/tographers publishing and producing today. Working around four pervasive themes found in a/r/tographic literature, this volume addresses relationality and renderings, ethics and embodiment, movement and materiality, and propositions and potentials. In doing so, it advances concepts that have permeated a/r/tographic literature to date. More specifically, the volume simultaneously offers a site where key historical works can easily be found and at the same time, offer new scholarship that is in conversation with these historical ideas as they are discussed, expanded and changed within contemporary contexts. The organizing themes offer conceptual pivots for thinking through how a/r/tography was first conceptualized and how it has evolved and how it might further evolve. Thus, this edited book affords an opportunity for all those working in and through a/r/tography to offer refined, revised, revisited or new conceptual understandings for contemporary scholarship and practice. Part of the Artwork Scholarship: International Perspectives in Education series.

Viewing Art with Babies demonstrates how to facilitate quality art viewing experiences with babies from as young as 2 months old. Such experiences can help to nurture early literacy and receptive language skills, sensory stimulation, and early brain development.Based on the author's research with babies in New Zealand, Australia, Romania, England, and the U.S., the book provides the reader with information about early brain, vision, sensory and language development, and the aesthetic preferences of babies. Danko-McGhee provides details about the type of art that babies like, how to display art in the learning environment, and how to interact with a baby when viewing art. Case studies of international museums, national museums, and community agencies that have had success with engaging babies in art viewing experiences have been included in the book as a way of demonstrating how theory and research can be successfully put into practice.Viewing Art with Babies details practical ways through which museum practitioners, early childhood and community educators, and parents can provide artviewing experiences in the museum, early childhood classroom or even their own home. It will be of interest to practitioners and parents around the world, and those engaged in the study of museum education.

« L'homme est l'œuvre de l'art », a dit Joseph Beuys. Conviant quelques philosophes et de nombreux artistes, L'intelligence de l'art réfléchit sur l'univer­salité du phénomène artistique, le reliant à l'aspiration constitutive des humains et de leurs sociétés vers le plus-être et l'expérience augmentée. Cherchant ce qui fait l'essence de l'art, l'artiste et universitaire Danielle Boutet va loin dans la psyché créatrice de l'artiste, tout comme dans celle, participative, des récepteurs. Ce faisant, elle met en lumière notre besoin vital de sens et de nous sentir partie prenante du monde. L'art apparaît alors comme la grande technologie de l'Être, c'est-à-dire un ensemble de techniques, de savoir-faire, d'instruments et d'activités dont la fonction première, intemporelle, est d'augmenter la qualité de notre rapport au monde. « Car qu'est-ce qu'un clavier, au fond? De simples manettes externes pour manipuler les neurotransmetteurs des sièges cérébraux du plaisir? Ou une machine expressive…? Une technologie de l'émotion et du sentiment? Oui, tout cela, en somme : un équipement pour la vie de l'esprit. »

Le Maroc, sous l'influence puis la domination européenne entre 1832 et 1956, met en place un marché de l'art. Les principaux acteurs sont les peintres et sculpteurs, les sociétés artistiques et les galeries d'art. Grâce à cette interaction commerciale, ce secteur se développe dans le pays et les tendances se modifient en fonction des volontés de chacun des protagonistes. Ainsi, cet ouvrage est l'aboutissement de recherches scientifiques sur l'étude de l'art pictural et sculptural marocain entre 1832 et 1956.À PROPOSD DE L'AUTEUREMylène Théliol est docteure en histoire de l'art, spécialiste de l'orientalisme français ainsi que du patrimoine et de l'art au Maroc aux XIX et XX siècles. Elle publie des articles et des ouvrages sur ces thèmes.

Anniversary publication of the Belvedere The Belvedere in Vienna epitomizes the changes that have taken place over the course of three centuries in the concept of what constitutes a museum. Originally built by Prince Eugene of Savoy to enhance his prestige as a prince, under Maria Theresa, the Upper Belvedere became one of the world's first public museums. The idea of presenting Austrian art in an international context, which in 1903 motivated the establishment of the Modern Gallery in the Lower Belvedere, remains the key objective of this world-famous cultural institution. In this critical homage, renowned authors explore enduring questions that transcend the different epochs, such as : What ordering concepts are evident in art presentation? How contemporary were these presentations in an international context? What kind of public were they aimed at? Anniversary publication of the Österreichische Galerie Belvedere: a critical homage to a place of art with a diverse history spanning centuries Exhibition until January 7, 2024 With contributions from Johanna Aufreiter, Björn Blauensteiner, Brigitte Borchhardt-Birbaumer, Thomas DaCosta Kaufmann, Christiane Erharter, Nora Fischer, Anna Frasca-Rath, Antoinette Friedenthal, Martin Fritz, Thomas W. Gaehtgens, Sabine Grabner, Katinka Gratzer-Baumgärtner, Cäcilia Henrichs, Alice Hoppe-Harnoncourt, Christian Huemer, Georg Lechner, Stefan Lehner, Gernot Mayer, Monika Mayer, Sabine Plakolm-Forsthuber, Georg Plattner, Matthew Rampley, Luise Reitstätter, Stella Rollig, Claudia Slanar, Franz Smola, Nora Sternfeld, Silvia Tammaro, Wolfgang Ullrich, Leonhard Weidinger, Christian Witt-Dörring, Luisa Ziaja, and Christoph Zuschlag

Po raz pierwszy w Polsce zaprezentowano doświadczenia w dziedzinie nauczania niepełnosprawnych w muzeach brytyjskich. Książka jest przykładem profesjonalizmu badacza i znajomości zagadnienia w skali światowej. Z recenzji prof. dr. hab. Waldemara Delugi Ciekawe jest zestawienie w publikacji tematów, które zazwyczaj podejmowane są oddzielnie, dotyczących audiodeskrypcji, antropologii zmysłów czy dostępności w muzeum. Interesujące jest omówienie tych trzech komponentów i niejako skonfrontowanie ich ze sobą w jednej książce. Na uwagę zasługuje również studium przypadku londyńskich muzeów, które może być szczególnie absorbujące dla polskich czytelników: historyków sztuki, muzealników, osób zajmujących się dostępnością w placówkach muzealnych. Monografia ma charakter interdyscyplinarny, czerpie z badań z zakresu historii sztuki, translatoryki czy antropologii, co uważam za jej największą zaletę. Wysoko oceniam również przedstawione studium przypadku londyńskich muzeów, które może stać się przykładem dobrych praktyk dla polskich artystów, kuratorów i muzealników. Z recenzji dr. hab. Łukasza Chmielewskiego

This book responds to recent debates on cultural participation and the relevance of music composed today with the first large-scale audience experience study on contemporary classical music. Through analysing how existing audience members experience live contemporary classical music, this book seeks to make data-informed contributions to future discussions on audience diversity and accessibility. The author takes a multidimensional view of audience experience, looking at how sociodemographic factors and the frames of social context and concert format shape aesthetic responses and experiences in the concert hall. The book presents quantitative and qualitative audience data collected at twelve concerts in ten different European countries, analysing general trends alongside case studies. It also offers the first large-scale comparisons between the concert experiences and tastes of contemporary classical and classical music audiences. Contemporary classical music is critically discussed as a ‘high art subculture'rife with contradictions and conflicts around its cultural value. This book sheds light on how audiences negotiate the tensions between experimentalism and accessibility that currently define this genre. It provides insights relevant to academics from audience research in the performing arts and from musicology, as well as to institutions, practitioners and artists.

Jacques Hainard, ancien conservateur et directeur du musée d'Ethnographie de Neuchâtel, a révolutionné, à partir des années 1980, la manière de penser et de réaliser les expositions. L'auteur de la « muséologie de la rupture » a ainsi progressivement mis en place, avec l'aide de son équipe, une nouvelle manière d'exposer. Ses réalisations, parfois dérangeantes ou déroutantes, souvent attirantes et ludiques, conduisent le visiteur à s'investir activement dans la recherche du sens de ce qui lui est donné à voir. Cet ouvrage réunit les contributions de nombreux auteurs, muséologues et professionnels de musées, réunis autour de Jacques Hainard et de son œuvre afin de témoigner de l'originalité et de l'importance du travail si particulier réalisé au musée d'Ethnographie de Neuchâtel.

«Adopting an interdisciplinary approach to a range of visual and textual material, this engaging and illuminating collection compels twenty-first-century readers to take a fresh look at the multiple ways in which readers and reading were represented in the long nineteenth century.» (Professor Julia Thomas, Cardiff University) The long nineteenth century saw a prolific increase in the number of books being produced and read and, consequently, in the number of visual and textual discourses about reading. This collection examines a range of visual and textual iconographies of readers produced during this period and maps the ways in which such representations engaged with crucial issues of the time, including literary value, gender formation, familial relationships, the pursuit of leisure and the understanding of new technologies. Gauging the ways in which Victorians conceptualized reading has often relied on textual sources, but here we recognize and elaborate the importance of visual culture – often in dialogue with textual evidence – in shaping the way people read and thought about reading. This book brings together historians, literary scholars and art historians using a range of methodologies and theoretical approaches to address ideas of readership found in fine art, photography, arts and craft, illustration, novels, diaries and essays. The volume shows how the field of readership studies can be enriched and furthered through an interdisciplinary approach and, in particular, through an exploration of the visual iconography of readers and reading.

Curating in a Time of Ecological Crisis reaffirms the relevance and impactful role of art, revealing how contemporary art exhibitions can capture the zeitgeist and advance new and collaborative approaches to a more sustainable inhabitation of Earth. The book is largely focused on biennales, which it argues are the contemporary exhibition models with the greatest capacity to offer new perspectives and propose alternative ways of connecting with our social and natural environments. Felicity Fenner demonstrates this by showing how curators of these high-profile exhibitions are responding in creative and engaging ways to the issues that preoccupy artists and society more broadly, of which the ecological crisis is paramount. Drawing on case studies from different parts of the world, the author reveals how biennales can make a constructive contribution to debates and attitudes around climate change, and how the role of the curator has evolved to re-embrace a duty of care not just to art but to the natural world as well. Curating in a Time of Ecological Crisis investigates how large-scale exhibitions of contemporary international art can become agents of change. As such, the book will be essential reading for scholars, students, and practitioners with an interest in exhibitions, curating, contemporary art, and environmental sustainability.

Before the late sixteenth century, the churches of Florence were internally divided by monumental screens that separated the laity in the nave from the clergy in the choir precinct. Enabling both separation and mediation, these screens were impressive artistic structures that controlled social interactions, facilitated liturgical performances, and variably framed or obscured religious ritual and imagery. In the 1560s and 70s, screens were routinely destroyed in a period of religious reforms, irreversibly transforming the function, meaning, and spatial dynamics of the church interior. In this volume, Joanne Allen explores the widespread presence of screens and their role in Florentine social and religious life prior to the Counter-Reformation. She presents unpublished documentation and new reconstructions of screens and the choir precincts which they delimited. Elucidating issues such as gender, patronage, and class, her study makes these vanished structures comprehensible and deepens our understanding of the impact of religious reform on church architecture.

Scholars have traditionally viewed the Italian Renaissance artist as a gifted, but poorly educated craftsman whose complex and demanding works were created with the assistance of a more educated advisor. These assumptions are, in part, based on research that has focused primarily on the artist's social rank and workshop training. In this volume, Angela Dressen explores the range of educational opportunities that were available to the Italian Renaissance artist. Considering artistic formation within the history of education, Dressen focuses on the training of highly skilled, average artists, revealing a general level of learning that was much more substantial than has been assumed. She emphasizes the role of mediators who had a particular interest in augmenting artists'knowledge, and highlights how artists used Latin and vernacular texts to gain additional knowledge that they avidly sought. Dressen's volume brings new insights into a topic at the intersection of early modern intellectual, educational, and art history.

Die gegenwärtige Forschung zahlreicher Disziplinen wird in vielen ihrer Felder dominiert von Themen und Fragenstellungen, deren Grundlage als ‹Verkörperung› gekennzeichnet wird. Der Ansatz der Verkörperung substituiert den Cartesianischen Dualismus, d.h. die ontologische Differenzierung zwischen Seele, Geist und Körper durch eine Konzeption von Kognition als verkörperten und situierten Prozess. Die Künste selbst zeigen in all diesen – häufig sehr disparaten – Ansätzen nicht nur, dass sie einen entscheidenden Anteil an dieser Theoriebildung haben sondern vielmehr, dass sie sehr spezifische Zugänge zur Theoriebildung des Embodiments leisten können, und zwar explizit aus einem Denkansatz heraus, der die praxisorientierte Umsetzung ebenso umfasst, wie materielle und performative Aspekte. Der Band versammelt Analysen, die jene der Kunst eigene Dignität und ihre je eigenen Episteme analysieren.

This book uncovers how we make meaning of abstraction, both historically and in present times, and examines abstract images as a visual language. The contributors demonstrate that abstraction is not primarily an artistic phenomenon, but rather arises from human beings'desire to imagine, understand and communicate complex, ineffable concepts in fields ranging from fine art and philosophy to technologies of data visualization, from cartography and medicine to astronomy. The book will be of interest to scholars working in image studies, visual studies, art history, philosophy and aesthetics.

L'ouvrage s'attache à la vie et à l'oeuvre du peintre Alfred de Curzon. Né à Moulinet, près de Poitiers en 1820, lauréat du prix de Rome (1849) pour le paysage historique, il effectue deux séjours en Italie avec une double excursion en Grèce et à Constantinople où il fait la connaissance de Théophile Gautier. Dans son style classique, académique, il va peindre toute sa vie des scènes et des paysages italianisants et grecs. Parti du paysage, il se hisse au tableau de genre historique. Ses toiles aussi bien à Paris qu'en province récoltent honneurs, médailles, le tout couronné par la Légion d'honneur à l'issue du Salon de 1865. Chaque Salon ainsi que les grandes expositions régionales sont accompagnés des critiques de l'époque replacées dans le contexte artistique et dans l'oeuvre de l'artiste poitevin. Les plus grands critiques d'art du XIXe siècle ont rendu compte des envois de Curzon au Salon : Baudelaire, Gautier, Delécluze, Mantz, Champfleury, Astruc, Zola, etc., avec des jugements souvent opposés. Reconnu par ses pairs et le public, Curzon quand il décède emporte dans la tombe une façon de voir le monde, une manière de peindre et les grandes heures du Salon classique des Champs-Élysées.

Comment s'élabore le processus créateur? Pour le regardeur, si l'oeuvre visuelle conserve son potentiel énigmatique, il en va de même pour les modalités de sa création. Quel parcours, quelles étapes ont conduit l'artiste jusqu'à l'oeuvre qu'il considère comme achevée et qu'il offre alors au regard du public? Ce que l'on sait au travers de témoignages et de réflexions à ce sujet de la part d'auteurs et d'artistes, c'est qu'entre l'intention du créateur et le résultat obtenu, un cheminement complexe a été suivi. L'oeuvre réalisée, dans une certaine mesure, est autre que l'intention qui l'a engendrée. Que s'est-il passé dans cet entre-deux? Créer c'est prendre en compte l'apparition, en cours de réalisation, de l'imprévu, de l'accident, du contingent, du hasard. Comment ce surgissement de l'incontrôlé influe-t-il sur l'élaboration de l'oeuvre? Comment l'artiste réagit-il? Qu'en fait-il? Ces quelques textes sur le hasard apportent des éléments de réponse à ces questions, montrant toute la complexité du travail conduisant à l'oeuvre aboutie.

Artiste inclassable et jouant un rôle capital dans l'évolution de la poésie visuelle de langue française, Gherasim Luca (1913–1994) laisse une oeuvre protéiforme qui relève de la littérature mais aussi des arts plastiques. Dans une approche poétique de l'ensemble de son oeuvre et de ses archives pour la plupart inédites, l'ouvrage en analyse la genèse et la plasticité constante. Débutant par une étude des cubomanies, oeuvres plastiques du détournement et du collage, il s'agit tout d'abord d'en souligner les processus qui trouvent un écho dans l'écriture poétique de l'artiste. Ce livre met aussi en perspective les travaux de Luca avec ceux de ses contemporains, ainsi que les nombreuses collaborations et les échanges, matérialisés par des revues et des publications collectives au sein des avant-gardes roumaines et par la création de livres de dialogue avec des amis artistes de tous horizons. Ainsi, la plasticité de l'écriture répond à la trace laissée par les arts plastiques. La matière graphique et phonique des textes est interrogée pour en montrer les enjeux, en rapport notamment avec une praxis poétique qui s'étend hors du livre, à la fois voix, corps et enregistrement. Traversant le XXe siècle et liée aux pratiques de l'espace et aux nouveaux médias qui lui sont contemporains, l'oeuvre de Luca s'inscrit entièrement dans l'ère de la reproductibilité technique et force aussi à en considérer attentivement les effets médiologiques pour en montrer les soubassements esthétiques, philosophiques et critiques.

English summary: Although Karl Rahner did not develop a theology of art for itself, a dozen occasional writings, the dates of which range from 1954 to 1983, testify to a genuine reflection in this field. The intention of this study is to take into consideration this little known and little valued dimension of Rahnerian thought. First, the precise analysis of these texts, gathered here and constituted in the form of a corpus, encourages the discovery of this reflection in its context and process of emergence. These writings develop a strictly theological and fundamental approach by responding to concrete and varied situations. In a second step, a more synthetic and systematic review highlights the axes and fundamental principles of Karl Rahner's theology of art and thus proposes the outline of a fundamental theology of artistic creation. French description: Si Karl Rahner n'a pas elabore une theologie de l'art pour elle-meme, une douzaine d'ecrits de circonstance, dont les dates de redaction s'etendent de 1954 a 1983, temoignent toutefois d'une veritable reflexion dans ce domaine. L'intention de cette etude est de prendre en consideration cette dimension peu connue et peu valorisee de la pensee rahnerienne. Dans un premier temps, l'analyse precise de ces textes, rassembles ici et constitues sous forme de corpus, favorise la decouverte de cette reflexion dans son contexte et son mouvement d'emergence. En effet, ces ecrits developpent une approche proprement theologique et fondamentale en repondant a des situations concretes et diversifiees. Dans un deuxieme temps, une reprise plus synthetique et systematique met en evidence les axes et les principes fondamentaux d'une theologie de l'art chez Karl Rahner et propose ainsi l'esquisse d'une theologie fondamentale de la creation artistique.

Autour de la recherche-création et des questions liées à l'enseignement des arts, cet ouvrage réunit plusieurs contributions issues de deux rencontres internationales entre chercheuses, chercheurs, artistes et pédagogues (Académie d'été, Lausanne 2017 et Académie d'hiver, Strasbourg 2018) qui témoignent de l'effervescence actuelle autour de ce paradigme de connaissance qui met la création au centre du discours.

Emphasizing the understanding of images and their influences on how they affect our attitudes, beliefs, and actions, this fully updated sixth edition offers consequential ways of looking at images from the perspectives of photographers, critics, theoreticians, historians, curators, and editors. It invites informed conversations about meanings and implications of images, providing multiple and sometimes conflicting answers to questions such as: What are photographs? Should they be called art? Are they ethical? What are their implications for self, society, and the world? From showing how critics verbalize what they see in images and how they persuade us to see similarly, to dealing with what different photographs might mean, the book posits that some interpretations are better than others and explains how to deliberate among competing interpretations. It looks at how the worth of photographs is judged aesthetically and socially, offering samples and practical considerations for both studio critiques for artists and professional criticism for public audiences. This book is a clear and accessible guide for students of art history, photography and criticism, as well as anyone interested in carefully looking at and talking about photographs and their effects on the world in which we live.

Longtemps négligées, voire méprisées, les cultures populaires font l'objet d'un intérêt croissant en géographie. Comment structurent-elles les représentations? Comment contribuent-elles à la création d'identités spatiales, culturelles et sociales? Trois articles focalisent sur des espaces urbains, plus précisément sur des quartiers à Bruxelles, Liège et Palerme, y abordant des questions d'identité, de reconversion et du rapport au politique. Les liens entre cultures populaires et milieu ouvrier, autour d'une usine en Isère, sont de même analysés, alors que deux articles se focalisent sur les représentations par l'intermédiaire de la musique folk rock (États-Unis) et d'un festival, Gorée Diaspora, au Sénégal.

This book focuses on the importance and role of adults in promoting music in the early years. Designed to promote the idea of the value of music in the early childhood years, the research discussed in this book explores the experiences of a number of adults working with children from birth to age 8. The initiatives discussed in this work all focus on adults who have encouraged the development of musical identities ranging from music in the home, to musical play in the preschool years, preparing a performance with children, and programs for disadvantaged groups that use music as a communicative tool. Each chapter will start with a description of the particular setting and the protagonists'specific skills and interests and how they came to be working with young children. Themes for the chapters have emerged from the videos and interviews conducted and consist of both reflective and affective experience. The themes include musical background, the adults'own stories, theories of childhood, and pedagogy and philosophy.

Researching and writing about contemporary art and artists present unique challenges for scholars, students, professional critics and creative practitioners alike. This collection of essays from across the arts disciplines—music, literature, dance, theatre and the visual arts—explores the challenges and complexities raised by engaging in researching and writing on living or recently deceased subjects and their output. Different sections explore critical perspectives and case studies in relation to innovative, distinctive or otherwise leading work, as well as offering innovative modes of discourse such as a visual essay and a music composition. Subjects addressed include recent scandals of Canadian literary celebrity, late-career output, the written element of music composition PhDs, and the boundaries between ethnography and hagiography, with case studies ranging from Howard Barker to Adrian Piper to Sylvie Guillem and Misty Copeland.

La nomination d'Eugène Guillaume (1822-1905) ouvrait l'ère des directeurs qui n'étaient plus nécessairement peintres et dont les compétences administratives, réclamées par la direction des Beaux-Arts, n'avaient plus rien de commun avec le laxisme bon-enfant qui avait régné jusqu'alors. Le grand défaut de Guillaume était un goût forcené pour les distinctions et il travailla sans relâche, lorsqu'il fut à Rome, à obtenir un fauteuil à l'Académie française, qu'il obtint en 1898. Son attention pour la villa Médicis fut assez médiocre lors de son premier mandat. Ensuite, ayant obtenu ce qu'il désirait, il tenta vainement de redresser la situation financière catastrophique dans laquelle se trouvait son établissement. Il n'y parvint pas et sombra dans la sénilité.

À travers le temps et l'espace, les idées n'ont pas manqué pour noter les éléments guidant des performances musicales ou scéniques (airs, chorégraphies, spectacles, etc.), afin de les initier ou de les perpétuer, pour les apprenants ou les interprètes, par les maîtres ou les créateurs. Que peut-on noter des sons, des gestes, des postures, des mouvements, des rythmes? Les façons de noter et le sentiment de l'essentiel en vue de l'interprétation varient selon les arts et les cultures. Les mettre en partage, c'est aussi permettre de comprendre quels signes servent de base à la transmission et d'apprécier en connaisseur les réalisations dans un art et/ou une culture autres que les siens.

In recent years, the terms'ethics,''politics,''performativity,'and'experience'have proliferated throughout the discourse of the humanities. However, it is rarely noted that their contemporary understanding has been shaped by the works of Jacques Derrida, who has employed all these concepts since the mid-1960s. The aim of this book is to present the lesser discussed topics of Derrida's thought – not only as the creator of a specific mode of interpretation called'deconstruction'but also as an initiator of recent ethical and political reflection, a pioneer of performatics, and a precursor of current research on experience. At the same time, the book provides a panorama of the most important changes in the humanities of the last thirty years, and in particular – the ethical, performative, and empirical turns.

In seinen Grotten und Gartenkonzepten entwickelte Bernard Palissy (1510–1590) den veristischen „style rustique'. In ihm spiegeln sich die Umbrüche wider, die das Europa der Renaissance insbesondere in Religion und Wissenschaft grundlegend verändert haben. Juliette Ferdinand setzt sich mit allen Interessensgebieten von Palissy auseinander, darunter Keramik, Gartenkunst und Naturphilosophie. Sie beleuchtet seine Forderung nach einer Reform von Wissenschaft und Religion, die bestimmt sein sollte von der Rückbesinnung auf die Ursprünge der Natur und der Schriften. Die „rustic figulines', die auch den heutigen Betrachter noch in Staunen versetzen, zeugen von der Komplexität und dem Reichtum einer ganzen Ära.

Cet ouvrage porte sur ce que recouvre la surface picturale contemporaine. Il propose une typologie de la surface picturale en repérant ce qui en fait la complexité : son feuilletage, une forme d'épaisseur qui s'éloigne de l'héritage perspectif de la profondeur. Les procès analysés sont ceux d'artistes « fétiches » pour lesquels la surface se construit de manière contradictoire avec des effets de perception où l'incertain, le précaire, l'imminence d'un écroulement de la vision comme du sens s'instaurent durablement. Le doute en peinture fait équipage avec un outre-monde de plis, de pans, d'enfoncements duquel émerge le regard faisant l'expérience de l'aura, glissant entre des traces auratiques où corps, fond, arrière-fond et avant-corps se mêlent.

Combining strikingly new scholarship by art historians, historians, and ethnomusicologists, this interdisciplinary volume illuminates trade ties within East Asia, and from East Asia outwards, in the years 1550 to 1800. While not encyclopedic, the selected topics greatly advance our sense of this trade picture. Throughout the book, multi-part trade structures are excavated; the presence of European powers within the Asian trade nexus features as part of this narrative. Visual goods are highlighted, including lacquerwares, paintings, prints, musical instruments, textiles, ivory sculptures, unfired ceramic portrait figurines, and Chinese, Japanese, Korean, and SoutheastAsian ceramic vessels. These essays underscore the significance of Asian industries producing multiples, and the rhetorical charge of these goods, shifting in meaning as they move. Everyday commodities are treated as well; for example, the trans-Pacific trade in contraband mercury, used in silver refinement, is spelled out in detail. Building reverberations between merchant networks, trade goods, and the look of the objects themselves, this richly-illustrated book brings to light the Asian trade engine powering the early modern visual cultures of East and Southeast Asia, the American colonies, and Europe.

« C'est un ouvrage monumental. Il est signé par plusieurs auteurs, mais tous sont sur la même longueur d'onde, faisant de multiples renvois aux chapitres des uns et des autres ainsi qu'aux concepts clés qu'ils partagent et cherchent à élaborer tout au long de ce livre. Par conséquent, il y a un très haut degré de cohésion et de cohérence dans ce livre. Il […] témoigne de façon convaincante de la puissance du collectif – ou si vous préférez – d'une érudition et d'une recherche distribuée qui fait encore cruellement défaut dans l'académie d'aujourd'hui. […] Ce manuscrit élève la conversation à un autre niveau et, ce faisant, brise de nombreuses barrières, en particulier par ce qu'il avance à propos de l'intégration des arts. […] [I]l amène le corps en mouvement dans la discussion [ainsi que] l'embodiment […]. L'ouvrage est destiné à avoir de multiples répercussions non seulement dans les arts, mais également dans les études sonores, sensorielles, corporelles, de la communication ainsi que dans les études de l'interaction homme-machine. » Jury international de lecture d'Intellect Books Au cours de la dernière décennie, les nouvelles technologies ont influencé la rupture épistémologique fondamentale qui a transformé les notions de « performativité » et de « représentation » dans les arts. La médiation a remis en question les conventions de la corporéité, de l'embodiment, de la cognition et de la perception des spectateurs et des interprètes. Centré sur les œuvres contemporaines synesthétiques et multimodales, Par le prisme des sens examine les nouvelles théories et pratiques des arts corporels et de la performance contemporaine. Trois chapitres principaux présentent des volets distincts de la recherche méthodologique, chacun tissant un lien transdisciplinaire avec les autres chapitres, créant ainsi une œuvre qui résonne avec la recherche artistique et philosophique. Le présent ouvrage est une contribution essentielle aux discussions autour de la recherche-création et du corps en relation avec les médias numériques, soulignant les façons dont les nouvelles technologies touchent le corps sensoriel et somatique et révèlent le nouveau statut contemporain du corps. Une version anglaise est publiée par Intellect Books et une version espagnole par le Centro Editoral Universidad de Caldas. ISABELLE CHOINIÈRE, Ph. D., est professeure associée et chercheuse transdisciplinaire postdoctorale à l'Université du Québec à Montréal. Les recherches-créations de cette artiste internationale sont étudiées à travers le monde et ont été présentées en ouverture de festivals internationaux (1994-).

Cognition and Temporality: The Genesis of Historical Thought in Perception and Reasoning argues that both verbal grammar and figural grammar have their cognitive basis in twelve characteristic forms of judgment, distributed among individuals in human populations throughout history. These twelve logical forms are context-free and language-free foundations in our attentional awareness and shape all verbal and figural statements. Moreover, these types of historical judgment are psychogenetic inheritances in a population, and each serves a distinct problem-solving function in the human species. Through analysis of verbal and figural statements, Mark E. Blum contends, the researcher can find evidence of these forms of judgment and in turn analyze how the event to which those statements attend is formally constructed by that judgment. This construction guides how the event is assessed, approached, and engaged in the process of problem-solving. Artists and aestheticians in the early twentieth century—including Wassily Kandinsky, Stephen C. Pepper, and Andrew Paul Ushenko—have all posited an inherited attentional perspective in individuals, manifested in the logical correspondence between their distinctive verbal and figural grammars. Cognition and Temporality elaborates these claims, arguing that while the styles of well-known writers and artists are conditioned by the public styles of a particular time period, variations in personal style manifest one's inherited form of judgment and the characteristic grammars that express that form. Through rigorous visual and stylistic analysis, this book demonstrates the expression of these forms among notable painters, historians, and writers across history. The result is a wide-ranging and provocative contribution to phenomenology, aesthetic philosophy, and cultural history.

Academic disciplines perceive tranquility and a sense of contentment differently among themselves and therefore contribute to peace-building initiatives differently. Peace is not merely a function of education or a tool that produces amicable systems, but rather a concept that educational contributions can help societies progress to a more peaceful existence. The Handbook of Research on Promoting Peace Through Practice, Academia, and the Arts aims to provide readers with a concise overview of proactive positive peace models and practices to counter the overemphasis on merely ending wars as a solution. While approaching peace-building through multiple vantage points and academic fields such as the humanities, arts, social sciences, and theology, this valuable resource promotes peace-building as a cooperative effort. This publication is a vital reference work for humanitarian workers, leaders, educators, policymakers, academicians, undergraduate and graduate-level students, and researchers.

Theory for Art History provides a concise and clear introduction to key contemporary theorists, including their lives, major works, and transformative ideas. Written to reveal the vital connections between art history, aesthetics, and contemporary philosophy, this expanded second edition presents new ways for rethinking the methodologies and theories of art and art history. The book comprises a complete revision of each theorist; updated and trustworthy bibliographies on each; an informative introduction about the reception of critical theory within art history; and a beautifully written, original essay on the state of art history and theory that serves as an afterword. From Marx to Deleuze, from Arendt to Rancière, Theory for Art History is designed for use by undergraduate students in courses on the theory and methodology of art history, graduate students seeking an introduction to critical theory that will prepare them to engage the primary sources, and advanced scholars in art history and visual culture studies who are themselves interested in how these perspectives inflect art historical practice. Adapted from Theory for Religious Studies by William E. Deal and Timothy K. Beal.

This book explores the concept of audience engagement from a number of complementary perspectives, including cultural value, arts marketing, co-creation and digital engagement. It offers a critical review of the existing literature on audience research and engagement, and provides an overview of established and emerging methodologies deployed to undertake research with audiences. The book focusses on the performing arts, but draws from a rich diversity of academic fields to make the case for a radically interdisciplinary approach to audience research. The book's underlying thesis is that at the heart of audience research there is a mutual exchange of value wherein audiences ideally play the role of strategic partners in the mission fulfilment of arts organisations. Illustrating how audiences have traditionally been side-lined, homogenised and vilified, it contends that the future paradigm of audience studies should be based on an engagement model, wherein audiences take their rightful place as subjects rather than objects of empirical research.

This book expands the art historical perspective on art's connection to anatomy and medicine, bringing together in one text several case studies from various methodological perspectives. The contributors focus on the common visual and bodily nature of (figural) art, anatomy, and medicine around the central concept of modeling (posing, exemplifying and fabricating). Topics covered include the role of anatomical study in artistic training, the importance of art and visual literacy in anatomical/medical training and in the dissemination (via models) of medical knowledge/information, and artistic representations of the medical body in the contexts of public health and propaganda.

Ce numéro spécial Varia propose un moment de l'état de la recherche francophone en sociologie de l'art. les auteurs ont travaillé les espaces de production nationaux et internationaux mais aussi les espaces de réception, tant experte que profane, de manière essentiellement qualitative, sans pour autant négliger le quantitatif. Sont ainsi offerts à la lecture plusieurs articles, émanant aussi bien de chercheurs confirmés que de jeunes docteurs, qui interrogent le rapport de l'artiste à son art ainsi que la construction d'une identité professionnelle.

Mario Praz: Voice Centre Stage is the first collection of essays in English on Italian writer Mario Praz (1896-1982), a central figure of twentieth-century culture and international literary relations. Praz's formidable oeuvre spanned six decades and covered such topics as comparative literature, interior design, history of art and culture, collecting, interart and intermedial studies, translation, journalism, travelling and autobiography. His colossal erudition encompassed an enthusiasm for the eccentric, the interstitial, the erotic and the macabre. This book, based on pluri- and interdisciplinary critical approaches by a variety of specialists, sheds ample light on an author who still awaits full appreciation as a unique cross-cultural ‘voice inside the scene'of literature and art.

Hébert fut directeur de l'Académie de France à Rome de 1867 à 1872, sous le Second Empire, et effectua un second directorat de 1885 à 1890. Sa réputation de portraitiste mondain et les accommodements de la IIIe République lui permirent de poser sa candidature pour succéder plus brillamment à ses deux prédécesseurs. Il fit bâtir un pavillon dans les jardins qui porte encore son nom, reçut toute la gentry romaine et refusa même de partir lorsque son successeur fut nommé. C'est un directorat d'illusion et de fêtes qui cachait le profond délabrement des finances de l'établissement, bien que l'illusion demeurât.

A sequel to the pioneering volume, Feminism and Art History: Questioning the Litany, published in 1982, The Expanding Discourse contains 29 essays on artists and issues from the Renaissance to the present, representing some of the best feminist art-historical writing of the past decade. Chronologically arranged, the essays demonstrate the abundance, diversity, and main conceptual trends in recent feminist scholarship.

This book clarifies the historical premises of the achievement of Hubert and Jan van Eyck. It helps to assess what we know about their style and to chart the course of those ensuing developments to constitute the main stream of the Early Netherlandish tradition.

Conçu comme une forme qui entrecroise parties théoriques et sections introspectives, cet essai aborde plusieurs thèmes : la nature du processus créateur, la dynamique de création, l'interaction complexe entre recherche, création et enseignement, les pratiques liées à la recherche en art et à l'enseignement de la création artistique, le rôle de l'enseignant-chercheur au regard de ces nouveaux enjeux épistémologiques et méthodologiques.

Past philosophical ideas about arts influence contemporary artistic practices. We still use traditional Idealist concepts, such as the autonomy of art or the subjective expression of the artist. At the same time, today's art often attacks and abandons Idealist thinking. The author of this book analyses this relation between the Idealist conception of the arts including literature and present-day reality. The aim is to create a link between past and present artistic practices and theoretical, philosophical thinking. The author also questions the Idealist notions of history and the relation between the theoretical, the aesthetic and the practical, and seeks new ways to deal with the relation between the past and the present.

Voici conceptualisées les innovations de l'épistémologie et de la théâtrologie de l'art vivant (théâtre, danse, mime, carnaval, concert, opéra, cirque, comédie musicale, arts de la rue, etc.). Cette étude expose les principes fondamentaux et analyse l'inversion capitale qui s'est opérée au niveau du phénomène spectaculaire entre le texte et la scène, l'avant et l'après, le virtuel et le réel, la littérature et le théâtre. Qu'est-ce que l'art vivant? En quoi et comment les savoirs les plus avancés éclairent-ils la situation du théâtre et de la scène aujourd'hui? Quelles sont les caractéristiques des spectacles et des créations performatives? Quels sont leurs modes de fonctionnement?