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Este libro nos sumerge en la fascinante vida de Inés Amor, una mujer que desafió las convenciones sociales de su época y se convirtió en una figura clave en la configuración del sistema de arte en México. A través de una exhaustiva investigación en los archivos de la Galería de Arte Mexicano, la pluma ágil de la autora, Eréndira Derbez, nos lleva a descubrir cómo Inés Amor se abrió camino en un mundo dominado por hombres y desafió los estereotipos para convertirse en una de las figuras más influyentes del arte en México. La historia de Inés Amor es un llamado a la importancia de abordar la historia del arte desde una perspectiva de género y profundizar en el estudio de las mujeres que han contribuido significativamente a la cultura y el arte en México. Este libro es una obra fundamental para cualquier persona interesada en el arte y la cultura, así como para aquellos que buscan una mayor comprensión de los procesos de configuración del complejo sistema de arte que domina en gran medida en la actualidad. La autora entrelaza el contexto histórico, la vida cotidiana y la historia personal de tal manera que nos sumerge en la historia de Inés Amor, que está llena de matices, pasión y desafíos que impuso el momento histórico. Derbez nos recuerda que aún hay muchas historias por explorar en los archivos, las cuales podrían ofrecernos nuevas perspectivas sobre el pasado y el presente de México. Este libro es un ejemplo del valor de la investigación profunda y detallada en la construcción de una narrativa completa y precisa de la historia de México.'Inés Amor y los primeros años de La Galería de Arte Mexicano'es una lectura que nos permite adentrarnos en la historia de este icónico espacio. La autora plantea preguntas que buscan estimular la continuidad de la historia, a unir los cabos que aún están sueltos y, sobre todo, reconocer el papel de Inés en el mundo del arte. Minerva Anguiano

Además de una selección de más de cien imágenes que recorren las exhibiciones de la artista, la edición comisionó la escritura de tres ensayos inéditos a prestigiosos críticos e historiadores. Un texto del ensayista, crítico y curador francés Philippe Cyroulnik analiza los vínculos de la obra de Jitrik con las tradiciones abstractas y de izquierda de principios de siglo; un ensayo de Agustín Diez Fischer da cuenta de la trayectoria de la artista y su relación con la temporalidad y finalmente, la curadora Florencia Qualina se da la tarea de pensar la relación de las pinturas de Jitrik con los cultos y rituales americanos. Este libro es el décimo título de la colección de artistas argentinos que publica Adriana Hidalgo editora. «Por un lado, sus trabajos parecen desfasados de las prácticas contemporáneas, anacrónicos en la recuperación de las ideas políticas del sigloXX y de las experimentaciones artísticas de las vanguardias históricas. Por otro, su devenir personal como artista atraviesa cada uno de los espacios por medio de los cuales se ha narrado la historia del arte argentino de las últimas décadas.» Agustín Diez Fischer Esta edición contiene la escritura de tres ensayos inéditos a prestigiosos críticos e historiadores. Un texto del ensayista, crítico y curador francés Philippe Cyroulnik analiza los vínculos de la obra de Jitrik con las tradiciones abstractas y de izquierda de principios de siglo; un ensayo de Agustín Diez Fischer da cuenta de la trayectoria de la artista y su relación con la temporalidad y finalmente, la curadora Florencia Qualina se da la tarea de pensar la relación de las pinturas de Jitrik con los cultos y rituales americanos; además de una selección de más de cien imágenes que recorren las exhibiciones de la artista. «La obra de Magdalena Jitrik desde el principio en el campo de la pintura, reivindicando su inscripción en la tradición abstracta surgida de las vanguardias rusas y europeas, y en aquellas ligadas al concretismo, al neoconcretismo, y a la abstracción latinoamericana, así como la utopía política y social que las impulsaba y los combates artísticos y políticos que las acompañaron.» Philippe Cyroulnik

Discover the immense art collection of the Louvre Museum, from Oriental, Egyptian, Greco-Roman and medieval antiquities to the great works of the Renaissance, Baroque, Neoclassicism and Romanticism. Painting, sculpture and decorative arts from all periods and civilizations. Works by great French masters such as Poussin and David, Flemish painters such as Rubens and Van Dyck, Dutch artists such as Rembrandt, Italian masters such as Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian and Tintoretto, and Spanish artists such as El Greco, Zurbarán, Velázquez and Goya. An essential book to delve into the structure of the Louvre palace and its dependencies, learning in detail about 120 essential masterpieces among the more than 400,000 pieces contained in the most important museum in the world.

José Manuel B. López Vázquez construye un relato de «Los Desastres de la Guerra» basado en la tradición cultural del momento, que inducía a Goya ser un pintor filósofo, es decir, un pintor que enseñaba deleitando a partir de su concepción estoica de la vida. Esta concepción estaba plenamente vigente en la sociedad española de entonces y fue empleada durante la Guerra contra Bonaparte para hacer frente al sectarismo irracional que predominaba tanto en el bando liberal como en el servil. Asimismo, el estoicismo contaba con unas raíces muy profundas en España, tanto en el «neoestocismo» de los escritores del Siglo de Oro, como en las propias enseñanzas que muchos clérigos católicos difundían con sus escritos y pregonaban desde los púlpitos. Precisamente, dichos escritores áureos dotaron al estoicismo español de un sello original gracias a su concepción de la ética del desengaño, que es precisamente la que sigue Goya en los Desastres. El resultado es un libro de emblemas en el que cada una de las estampas constituye un exvoto para el desengaño, a través del cual el pintor no pretende ser un mero cronista de su época, sino un ilustrado que aspira a transformar el mundo para hacerlo mejor.

Una potente trama urbana en la que se mezclan el crimen, la magia negra, la santería, las drogas de diseño y los viajes temporales.Un incendio ha devorado la discoteca latina «El 23». Ni uno solo de los muertos pudo dejar de bailar mientras ardía. Solo ha habido una superviviente: Isaura, una joven bailarina de ballet que se convierte en testigo de lo ocurrido. A partir de ese momento, habrá de cruzar su destino con Alex, bailarín de hip hop. Juntos se verán atrapados en una persecución más allá del tiempo, una maraña en la que ciencia y magia son sinónimos.-

The book focuses on two perspectives: the scenological and the literary, and the visions of the spectator and those of the reader. If we refer to the spectator as the one who sees, the orientation is in the angle of the scene, but when the invocations happen in the field of the dramatic text or of different experiences of literature, another central figure appears, that of the reader. The one who reads literature is also a spectator. So what relationships and differences are established in the dynamics of spectators and readers? If this spectator/reader is absent or not perceptible, does the cultural model of the scenic or literary representation in which both are assumed make sense? Is the spectator a real body, and is the reader an invisible body? Or are these bodies just two entities of meaning that modernity has forged to connote its cultural stability?

Constelaciones visuales es una investigación monográfica sobre la producción visual de los viajeros extranjeros que visitaron Colombia durante el siglo XIX. A pesar de algunas investigaciones, aún no existe en la historiografía nacional una publicación panorámica sobre la valiosa obra visual de los viajeros, su significado en algunas narrativas sobre el pasado y sus repercusiones en el presente del país. Este libro examina cientos de imágenes y textos de distintos viajeros, como Edward Mark, Henry Price, José María Gutiérrez de Alba, François Desiré Roulin, Auguste Le Moyne, Frederic Church, Charles Empson y Albert Berg. Esta obra está divida en dos secciones: en la primera se analizan diversos retratos de viajeros, campesinos, indios y afrocolombianos, en un intento por pensar la figura del viajero y sus mitologías heroicas y coloniales, y las imágenes del otro, asociadas a su propia alteridad y a la construcción histórica, política y ética de su representación. La segunda está dedicada a las políticas de la mirada del viajero y sus recursos filosóficos, históricos, estéticos y económicos que se vinculan con diversos lugares como el río Magdalena, el salto del Tequendama y la cordillera de los Andes.

Un clarificadora introducción a los debates actuales en torno a la teoría de la cultura. ¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio y no fijo para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de lexicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Aproximaciones de corte teórico y análisis más en detalle de conceptos concretos interactúan a modo de diálogo bajo la ficción de un orden alfabético: entre la a de anacronismo y la z de zapping, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a la teoría de la cultura, sino que constituyen para el lector una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional. Entre los pares conceptuales que articulan el libro cabe mencionar los siguientes, a modo de ejemplo: anacronismo/análisis, cultura/concepto, ética/exhibicionismo, imaginación/icono, memoria/locura, otredad/ostracismo, performance/performatividad, trauma/tiempo o unidad/único.

Filmar la ciudad es un libro que reúne varios artículos; algunos de investigación, otros comparativos, históricos y hasta científicos, en donde la temática principal es el cine y el papel que la ciudad tiene en éste. Con poco más de diez artículos, este libro contiene la opinión de escritores mexicanos, franceses, españoles y estadounidenses que desde diferentes perspectivas comentan el rol que juega la localidad en diferentes películas, documentales y épocas históricas.

De los oráculos a los algoritmos, la conducta humana se ha regido desde siempre por la necesidad de predicción, hasta convertirse en la actualidad en el instrumento principal de una gobernanza infalible de la vida. Alternando relatos de ficción con detallados episodios históricos, Las videntes traza el curso que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La inteligencia artificial ha hecho de ellas auténticas máquinas videntes.

Este libro invita a la participación crítica de los creadores en el proceso de redefinición cultural generado por la digitalización del mundo. Con este objeto, se revisan los puntos de intersección entre historia del arte, teoría de los sistemas y las prácticas creativas. Asimismo, se exploran las formas en que los artistas contemporáneos utilizan los sistemas digitales en sus procesos creativos. Por último, se identifican las características de la información digital y los procesos de virtualización potenciados por los computadores. En este contexto, se define el concepto material digital que constituye una herramienta para el análisis técnico y conceptual de la creación digital. This book calls on the critical engagement of the creative professionals in the cultural redefinition process resulting from the world's digitalization. For this purpose, the intersection points between art history, system theories and creative practices are reviewed, as well as the multiple ways in which contemporary artists implement digital systems in their creative practices. Finally, digital information features and virtualization processes strengthened by computers are identified and the'digital material'is conceptualized. This notion constitutes a tool for technical and conceptual analysis of digital creation.

Este libro invita a la participación crítica de los creadores en el proceso de redefinición cultural generado por la digitalización del mundo. Con este objeto, se revisan los puntos de intersección entre historia del arte, teoría de los sistemas y las prácticas creativas. Asimismo, se exploran las formas en que los artistas contemporáneos utilizan los sistemas digitales en sus procesos creativos. Por último, se identifican las características de la información digital y los procesos de virtualización potenciados por los computadores. En este contexto, se define el concepto material digital que constituye una herramienta para el análisis técnico y conceptual de la creación digital. This book calls on the critical engagement of the creative professionals in the cultural redefinition process resulting from the world's digitalization. For this purpose, the intersection points between art history, system theories and creative practices are reviewed, as well as the multiple ways in which contemporary artists implement digital systems in their creative practices. Finally, digital information features and virtualization processes strengthened by computers are identified and the'digital material'is conceptualized. This notion constitutes a tool for technical and conceptual analysis of digital creation.

'El Premio de Ensayo Crítico invitaba a pensar problemas que recorrieran el arte argentino durante los últimos años, también sobre un corpus de obras o exhibiciones realizadas por artistas argentinos en los últimos quince años; estas eran unas proposiciones abiertas que no podría haber emprendido sin meditar antes sobre otras variables que exceden al arte e implican algo más grande. Algo que indecorosamente podría ser llamado mundo. Quería pensar a partir de aquella noche que la escatología cibernética había bautizado Y2K, es decir desde el inicio del siglo. También, percibiendo como André Breton que'la sensibilidad jamás cambia radicalmente', otra cuestión disparó este ensayo: ¿cómo se filtra la modernidad en el arte contemporáneo? Una modernidad entendida como un sistema heterotópico, integrado por manifiestos, vanguardias y retaguardias, técnicas, voluntades subversivas.'

La inclusión es un tema de gran actualidad en muchos ámbitos de la vida contemporánea. Son muy amplios los sectores en los que se viene observando un considerable aumento de la sensibilidad social acerca de las circunstancias y condiciones en que se produce. El presente libro tiene dos intereses centrales: analizar la relación entre personas con y sin diversidad funcional en los textos culturales a través de los tres términos clave inclusión, integración, diferenciación; y estudiar en los textos concretos cómo se tratan o incluso se practican la inclusión, la integración y la diferenciación. El campo de estudio se orienta hacia el corpus de los textos literarios, teatrales y audiovisuales.

El libro presenta los resultados de una investigación expresamente diseñada para abordar el tema de la arqueología del arte rupestre mediante un tratamiento arqueológico. Basado en la premisa según la cual restos aqueológicos del proceso de producción y uso pueden ser depositados en cercanía a rocas con arte rupestre, se realizó un trabajo arqueológico en varios sitios del municipio de El Colegio, Cundinamarca. Como resultado se proponen diferentes contextos en que aparece el arte rupestre, lo que demuestra la variabilidad de usos que tuvo en una época mucho más temprana de lo que tradicionalmente se creía. Arqueología del arte rupestre se convierte así en una exploración metodológica que arroja resultados fascinantes y abre una nueva puerta para el estudio de los sistemas de pensamiento de las sociedades precolombinas.

Durante las últimas décadas, esculturas robóticas, instalaciones interactivas, entornos sensoriales inmersivos, impresión 3D, obras de realidad virtual, y otros tantos proyectos que intersectan el arte y las tecnologías electrónicas –analógicas y/o digitales–, han ido ganando protagonismo en el terreno del arte contemporáneo. Este libro propone un análisis de la conformación y el desarrollo de la escena integrada por la confluencia entre prácticas artísticas y medios tecnológicos en Argentina, a partir de una serie de problemas desplegados desde la década del noventa hasta nuestros días: ¿De qué maneras el boom digital repercutió en el ámbito de las artes? ¿Cómo fueron las conexiones establecidas desde entonces entre el circuito de las poéticas electrónicas y la escena del arte contemporáneo hegemónico? ¿Cuáles son las fricciones surgidas del encuentro de los paradigmas del arte y la tecnociencia? ¿De qué modos los imaginarios de modernización imperantes han ido delineando poéticas/políticas tecnológicas específicas en el contexto argentino? A lo largo de estas páginas, se reconstruyen una serie de eventos, obras, relatos curatoriales, espacios de exhibición y plataformas de experimentación e investigación que entrañan piezas fundamentales para los devenires del arte y las tecnología, de los cuales existe escasa documentación disponible. Asumiendo el desafío implicado en toda investigación arqueológica, han sido recuperados algunos'eslabones perdidos'de la historia de las poéticas electrónicas en Argentina, tramas aún no visibilizadas de un camino en construcción y expansión.

El libro de Eugenia Cadús es una bocanada de aire fresco en medio de una enorme cantidad de publicaciones sobre el peronismo. En él se puede encontrar la novedad de un análisis que obliga a pensar la danza como un acontecimiento escénico, con una miríada de participantes que construyen espacios, instituciones, genealogías, interlocutores y cánones. Es una historia social y cultural de la danza en el contexto de los gobiernos peronistas de 1946 a 1955. ¿Quiénes danzaban? ¿Dónde y cómo lo hacían? ¿Dónde se formaban las personas que participaban del acontecimiento escénico? ¿Cuáles eran los teatros o los espacios de actuación? ¿Cuáles las políticas culturales del peronismo? ¿Hubo apropiaciones y resignificaciones de temas, vestuarios, coreografías? ¿Se crearon organizaciones de artistas? ¿Hubo conflictos? ¿De qué tipo? ¿Cómo se vincularon la cultura de elite y la cultura popular? Estos y otros interrogantes responde Eugenia Cadús en este libro vibrante y atractivo. En un diálogo interdisciplinario y con una polifonía de documentos, analiza de manera precisa y original los caminos de la danza durante el peronismo. Mirta Zaida Lobato

Este texto que el lector tiene en sus manos plantea algunas reflexiones sobre las relaciones entre arte y literatura, poniendo el acento en varios conceptos centrales como ecfrasis, narración, visión, imagen y figuración, entre otros. Aborda el tema de la representación del cuerpo en el arte helenístico, el humanismo y la relación entre narración (literaria) y arte (escultórico), a partir de la emblemática obra Laocoonte y sus hijos. Por otro lado, describe un conjunto de obras a partir de las estrategias que ofrece la ecfrasis como figura retórica.

¿Cuál es la relación entre arte y trabajo? ¿De qué viven los artistas? ¿Hasta qué punto están en tensión el mundo de la experimentación y la búsqueda estéticas y el mundo profesional, donde hay circuitos establecidos y reglas que seguir? En un contexto de creciente ordenamiento y reglamentación de las relaciones entre artistas, curadores, críticos, museos, compradores y vendedores, el debate sobre profesionalismo-amateurismo se ha vuelto cada vez más relevante. Y este libro se ocupa de trazar y pensar las coordenadas básicas del dilema. ¿Es el arte un misterio (algo en definitiva indescifrable, imposible de reducir a un sentido o una finalidad) o un ministerio (una práctica social susceptible de ser organizada y mejorada)? En torno a esta pregunta reflexionan los más destacados intelectuales y especialistas ligados a la escena artística contemporánea y provenientes de distintos contextos geográficos y disciplinas. Con registros variados –desde el relato de la experiencia personal hasta la especulación filosófica y teórica– y de una riqueza conceptual y expresiva que no rehúye la discusión, los autores analizan las búsquedas y los límites del arte en cuanto misterio, su relación con el Estado y con las nuevas formas del mercado. Se detienen en la trayectoria de artistas y curadores que proponen nuevos modelos de intervención y provocación política. E indagan en el vínculo del arte con la publicidad, los nuevos medios, las contraculturas y otras artes. Desde distintas perspectivas, ¿Es el arte un misterio o un ministerio? constituye un aporte fundamental en un momento decisivo y paradójico, en el que gana protagonismo la idea del arte como campo profesional, mientras que el lema de la creatividad se afirma en las industrias culturales y los negocios.

Este libro nos habla de un estado misterioso y apasionante que alcanza todo amante del arte al conectarse íntimamente con el sentido último de lo que cualquier obra realizada por un artista esconde. Todos, en alguna ocasión, hemos alcanzado la experiencia estética, aunque a veces sin ser plenamente conscientes de ello: quien haya leído un libro y haya vivido dentro de ese mundo la intensidad de lo narrado, la ha tenido; quien no pueda olvidar la secuencia de una película varios días después de haberla disfrutado, la ha tenido. Francisco Bueno nos ayuda, mediante este ensayo, a entender qué pasa en tan asombrosa situación y, sobre todo, a procurar una actitud bien necesaria si lo que queremos es crecer y prosperar en nuestros particulares encuentros con aquellas imágenes que premian al que responde con valentía a su particular provocación. Esta obra proporciona, en definitiva, no solo un elenco de conocimientos estéticos, sino sutiles orientaciones para prosperar en el placer de lo estético.

Este libro permite pensar la estética deleuziana a través del contacto con debates y prácticas artísticas concretas. Los problemas esenciales de la composición artística, expresados a menudo en los escritos e intervenciones de los artistas, constituyen el eje de las reflexiones deleuzianas, así como también, el proceso interno de la producción de las obras. Deleuze traza así un gesto poco usual, aquel en el que el filósofo toma seriamente las conceptualizaciones de los artistas, y extrae de ellos elementos para conjugar en su propia teoría. La vocación de la estética deleuziana no es en absoluto la de una estética programática o normativa, tampoco la de un trabajo de diagnóstico. Es una apuesta por el encuentro entre heterogéneos cuyo fruto siempre es dispar y asimétrico. El libro cumple un doble objetivo: constituye una intervención en el campo de los estudios deleuzianos con un lenguaje afable y accesible para no expertos; construye los puentes teóricos necesarios para acercar la obra de Deleuze a la estética y los problemas actuales de la filosofía del arte, tomando como hilo conductor sus consideraciones en torno a la música. A menudo la especificidad del vocabulario deleuziano oscurece los puntos de diálogo que la obra del autor tiene con cierto clima de época. Este trabajo logra saldar esta desconexión, y al mismo tiempo acercar ciertos temas que parecen ser problemas estrictamente ligados a la ontología deleuziana a otros ámbitos, como la cuestión de lo inorgánico, el cristal y una deriva antihumanista en el abordaje del arte.

Corazas helenísticas decoradas Entre el último cuarto del s. IV a.C. y el primero del s. III a.C. el armamento defensivo, y las corazas en particular, sufrieron una revolución: se culminó el proceso de elaboración, diseño y mejora de la ergonomía y efectividad de las corazas y se preocuparon por su decoración. En ese breve lapso de tiempo, los artesanos del sur de Italia y del área macedonia definieron los modelos de coraza que perduraron hasta época romana entre las élites y altos mandos militares. Las Fuentes escritas definen algunas de las corazas de los strategoi como?á á? (armaduras bellas) extremadamente decoradas. ¿Eran corazas para una élite o todas las armaduras helenísticas estaban decoradas? ¿Eran únicamente elementos de protección durante el combate o eran elementos para ser reconocidos y para exhibirse? ¿Cual es el origen de esta moda? Y más importante ¿Qué queda de esas corazas para poder ser estudiado desde la Arqueología? El libro es un catálogo exhaustivo de las evidencias materiales, de su concepción y ocasionalmente de su confección que combina el estudio iconográfico con la lectura histórica y, a partir de la diversidad tipológica, cultural y tecnológica, reconoce un origen epiro-macedonio para estas piezas y una singular presencia en la Italia meridional. Pero para llegar a estas conclusiones y comprender lo que implican se necesita una discusión progresiva, organizada aquí, con el estudio inicial de los Bronces del Siris, luego con los catálogos de epómides, ptéryges, gorgoneia y demás apliques metálicos, para finalizar con los aspectos cromáticos e históricos. Raimon Graells i Fabregat (Barcelona, 1980). Doctor en Arqueología por la Universitat de Lleida (2009). Desde 2010 es investigador en el Rmisch-Germanisches Zentralmuseum (Mainz, Alemania), donde se ha especializado en el estudio del armamento defensivo mediterráneo con múltiples proyectos que se ocupan desde el repertorio hispano, el problema del mercenariado hispano en el Mediterráneo y el armamento defensivo del Mediterráneo central y Grecia, privilegiando el estudio de cascos y corazas, bien a partir de análisis exhaustivos o a partir de contextos particulares (Metaponto, Paestum y Olimpia).

En El significado de la obra de arte, el autor presenta una propuesta hermenéutica para la interpretación de las obras de arte, en especial de las artes visuales y, dentro de éstas, específicamente, la pintura. He tomado como punto de partida un ensayo del historiador y teórico del arte Erwin Panofsky que trata de la iconografía e iconología del arte del Renacimiento. Es un texto valioso porque planteó, por primera vez, con sorprendente claridad, el problema de las dimensiones de significado de la imagen artística. Aunque se refiere a un periodo determinado, el Renacimiento, quizás sin pretenderlo, fincó las bases para el análisis de toda imagen, para el estudio del significado de las imágenes en general.

¿Cómo nos vemos cuando salimos de la cama en la mañana o cuando estamos preparados para ir a dormir en la noche? ¿Cuando estamos recién levantados, también estamos recién restablecidos? ¿Por qué es tan mal visto retratar a alguien mientras come o bosteza? ¿Qué tan cerca es “demasiado cerca” para fotografiar algo? ¿Por qué resulta inaceptable que algo salga fuera de foco? ¿Por qué entonces nos borramos? Este libro se propone abordar estas y muchas más preguntas, tomando como base la paradoja entre la belleza y la fealdad. Mediante la fotografía se buscan los No estados y los No momentos de nuestra cotidianidad y se da una mirada a algunos de los componentes de nuestra cultura visual contemporánea. Este proyecto se mueve dentro de las borrosas fronteras de lo bello y lo feo, en un camino fotográfico que hace lo invisible visible y lo no presentable, literalmente, presentable.

A la luz de los más recientes estudios jacobeos, escritos de peregrinación y la literatura ficcional o testimonial, en el volumen se contrastan relatos de viajeros a Compostela procedentes de los confines de Europa con la iconografía jacobea, incidiendo también en espacios hasta ahora poco estudiados. Se va así completando el mapa de la cultura jacobea en toda Europa desde la Edad Media hasta nuestros días. Desde siempre las señas de identidad del Camino de Santiago quedaron reflejadas en la literatura, el arte y hoy en los espacios virtuales, como espacio de la memoria individual y colectiva, de la imaginación y de la identidad. La perspectiva interdisciplinar del libro abre nuevas calas en la enorme proyección histórica, artística y literaria del culto jacobeo no sólo en Europa, sino incluso en Argentina, haciendo especial hincapié en los aspectos más específicos del imaginario propio de cada región. Pilger- und Reiseberichte, fiktionale und autofiktionale Texte sind ebenso Gegenstand der Studien wie die ikonographischen Modelle und Traditionen, die in ihrer räumlichen Ausdifferenzierung im Laufe der Jahrhunderte entstanden und für die Konstitution eines spezifischen Imaginariums maßgeblich geworden sind. Literatur, Kunst und Medien reflektieren den Jakobsweg als einen Raum der Erinnerung, der Identität, der Sprachen und der Imagination. Die transdisziplinäre Perspektive des Bandes schlägt neue Seiten in der Erforschung des Jakobsweges auf, indem dessen anthropologische Projektion bis in unsere Tage hinein ins Auge gefasst wird und dabei bisher kaum berücksichtigte Aspekte und Räume des literarischen, kunsthistorischen und ethnographischen Imaginariums nicht nur in Europa, sondern zum Beispiel auch in Argentinien untersucht werden.

Con este libro la maestría de Estética e Historia del Arte da inicio a una serie sobre Historia y Teoría del Arte. Desde su inicio en el año 2009, los seminarios y los espacios que se han creado han motivado, desde diferentes disciplinas teóricas y sociales, una prolífica producción de reflexiones sobre la historia e historiografía del arte, algunas de los cuales sacamos a luz en este texto. Con ello se abre un camino de construcción de conocimiento y debate desde la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano con el firme propósito de que el mismo sea permanente.

Este libro pretende reconstruir el paradigma estético que subyace a las producciones literarias y artísticas de la Antigüedad tardía (s. IV-VI d. C.), tan poliédricas y sofisticadas como tradicionalmente malentendidas. Propone para ello un nuevo modelo omnicomprensivo de análisis cultural, basado en tres pilares fundamentales. El primero consiste en la adopción de un enfoque multidisciplinar, que toma en consideración la mayor parte de las manifestaciones culturales de la época: literatura, urbanismo, filosofía, arte, religión, moda, propaganda, etc. El segundo conlleva un empleo crítico y sistemático de los principales marcos teóricos de nuestro tiempo – deconstrucción, psicoanálisis, polisistemas, etc. –, cuyas novedosas perspectivas aportan una comprensión más rica y profunda de dichas manifestaciones. Finalmente, un extremo rigor filológico preside el tratamiento de los textos. Este nuevo modelo, válido para dar cuenta de una gran variedad de fenómenos, se ensaya mediante su aplicación sistemática a la obra de Sidonio Apolinar, uno de los autores más representativos de la estética tardoantigua. De este modo, se consigue un equilibrio entre la especulación teórica y su aplicación analítica, lo que garantiza la fiabilidad de los resultados. Se trata, en definitiva, de un trabajo pionero y único en su género, llamado a abrir nuevos caminos en el estudio de la Antigüedad tardía.

Por fin, el retrato completo del incomparable maestro. Vida, muerte y genialidad de la mano de dos ganadores del premio Pulitzer Van Gogh trabajó como marchante de arte con escaso éxito, intentó convertirse en predicador, hizo incursiones como ilustrador de revistas y, por último, tuvo una carrera de pintor tan brillante como corta. Cuando murió en Francia a los 37 años sus cuadros se amontaban, sin que casi nadie los mirase, en los armarios, desvanes y habitaciones de sus parientes, amigos y acreedores. Sin embargo, en su breve y tempestuosa vida, Vincent van Gogh había cambiado el curso del arte occidental para siempre. Trabajando con la plena colaboración el Museo Van Gogh de Ámsterdam, Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores del Premio Pulitzer por su biografía de Jackson Pollock, han tenido acceso a materiales inéditos, incluyendo correspondencia familiar hasta ahora desconocida, para recrear, con increíble viveza y una sorprendente precisión psicológica, la extraordinaria vida del pintor. Los autores arrojan luz sobre muchos de los aspectos inexplorados de la existencia de Van Gogh: su permanente lucha para encontrar su lugar en el mundo, su intensa relación con su hermano Theo, su errática y tumultuosa vida sentimental y sus ataques de depresión y problemas mentales. Ofrecen además un convincente e inesperado relato sobre las circunstancias de su muerte que da un vuelvo a las teorías manejadas hasta ahora. Esta monumental biografía es, sin duda, el retrato definitivo de uno de los grandes genios de la historia del arte. La crítica ha dicho... «Para esta generación, el retrato definitivo del pintor. El logro más importante de Naifeh y Smith es haber logrado un ajuste de cuentas con la -locura- ocasional de Van Gogh que no pierde de vista la lucidez y la inteligencia -la profunda cordura- de su arte.» Time «Una biografía que se lee como una novela, llena de suspense y detalles íntimos.» The Washington Post «En su magistral nueva biografía Steven Naifeh y Gregory White Smith ofrecen una visita guiada por el mundo personal y la obra de este pintor holandés, iluminando la evolución de su arte a la vez que elaboran una teoría sobre su muerte destinada a crear controversia.» The New York Times «Cautivador... Los autores reconstruyen vívidamente las historias entrelazadas de su vida y su arte, retratándolo como una'víctima de su propio corazón fanático'. Su excelente libro tiene el potencial no sólo de revitalizar el interés popular por Van Gogh, sino de presentar a uno de los espíritus más valiosos de la historia del arte a toda una nueva generación.» The Wall Street Journal «Una nueva teoría sobre la muerte de Vincent van Gogh puede acabar reescribiendo la historia del arte... Después de leer cientos de documentos, de libros traducidos para ellos por el museo Van Gogh y de recorrer la correspondencia del artista, la obra dibuja a un hombre más complejo de lo mostrado hasta la fecha.» El País

En este libro se examinan los fundamentos teóricos de los textos de estética del pintor Ramón Gaya, unos de los más desconocidos y reivindicables del pensamiento español contemporáneo. Con la intención de completar el cómputo de escritores que contribuyeron a forjar la estética española moderna y de arrojar luz sobre su propia obra gráfica, se presta especial atención a las influencias filosóficas que se ocultan en sus ensayos, así como a los aspectos más originales de su reflexión. En diálogo con José Ortega y Gasset, Juan Ramón Jiménez, los poetas de la Generación del 27, Friedrich Nietzsche, Johann Joaquim Winckelmann, Bernard Berenson o Walter Pater, se logran descubrir los cimientos teóricos y conceptuales que sostienen la bella prosa de Ramón Gaya, y, en paralelo, los de toda una generación de escritores cuyas obras se vieron inevitablemente determinadas por los acontecimientos históricos del siglo XX. El autor de El sentimiento de la pintura y de Velázquez, pájaro solitario se perfila, finalmente, como un artista y pensador excepcional que logró retorcer, como pocos, el lenguaje para comunicar la experiencia estética y desvelar la naturaleza inefable de la creación.

Centrado en el ámbito de la Corona de Aragón, este libro estudia la evolución, a partir de sus diversas formulaciones en la plástica gótica, de las concepciones acerca de la retribución de las acciones morales en el más allá. Se articula en torno a la representación visual de los mecanismos retributivos con que tanto en el plano de la escatología individual (juicio particular de las almas post mortem) como en el de la escatología universal (final de la Historia y el subsiguiente Juicio Final) el sistema judicial del más allá premia o castiga el comportamiento humano. En este marco cobra particular importancia el análisis de imaginería del infierno y el purgatorio que, como elementos sustanciales de ese sistema penal, son objeto de atención preferente. Todo ello en una perspectiva atenta a la interrelación de la imagen con los medios que, como el discurso teológico, las visiones del otro mundo o la homilética, contribuyeron decisivamente a forjar el imaginario medieval del más allá.

Participan en este libro especialistas destacados en la materia de diferentes países. Han colaborado varias Universidades (Complutense de Madrid, Santiago de Compostela, Granada, Girona, Valladolid, Oviedo, Barcelona, València, University of East Anglia), así como entidades de referencia del ámbito internacional (ICOM, Engage) y museos con un amplio potencial educativo (Centre Pompidou, de París, Centre d'Art La Panera, de Lleida). Los textos aportados nos hablan de la idea de patrimonio cultural, incluyendo no solamente el tradicional concepto del patrimonio arquitectónico y artístico, sino ampliándolo a un conjunto de nuevas posibilidades, borrando las fronteras tradicionales, y sin olvidar tampoco los temas del patrimonio inmaterial, de tanta actualidad e interés. De esta manera, se reflexiona sobre las capacidades educativas de los museos y su influencia en la formación de los futuros ciudadanos.

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